Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par MANTOVANI BRUNO. Lorsque Frank Madlener m'a proposé le projet de confronter un orchestre symphonique avec la lutherie électronique, j'ai tout de suite accepté ce défi sachant qu'il me faudrait rapidement fixer des contraintes très fortes, tant le champ des possibles, qu'il soit instrumental ou électroacoustique, était infini. Mon idée initiale était d'utiliser pour la première fois des transformations en temps réel, afin d'assouplir les rapports de verticalité et d'utiliser l'informatique comme un moyen d'orchestration. Celle de Frank était de se demander comment l'électronique pouvait créer l'illusion d'un orchestre déployé dans l'espace, entourant le public, et créant des configurations acoustiques inouïes. Afin de travailler sur cette problématique, j'ai décidé d'utiliser une formation orchestrale défective, ou certains instruments (notamment ceux qui étaient les moins localisables à l'écoute, comme le basson ou le cor) seraient absents et 'remplacés' dans la texture générale par l'ordinateur. Qui dit 'illusion' dit aussi 'surprise', et j'avais besoin, pour élaborer la forme de l'oeuvre, de prendre comme point de départ une source qui ait à la fois une grande diversité interne (une succession d'instants pourraient être traduits musicalement par autant de configurations acoustiques) et une cohérence. Rapidement, il m'est apparu que mes recherches étaient finalement très similaires à celles de l'immense chef espagnol Ferran Adrià, dont la cuisine joue en permanence sur le conflit entre connu et inconnu, entre référence et invention abstraite, et dont les menus sont 'composés' avec un sens de la forme absolument saisissant. Très régulièrement, je tente d'établir des liens entre la musique et les arts de la bouche (gastronomie, oenologie), par l'improvisation au piano sur des vins ou des mets, et par l'écriture (notamment d'un duo pour alto et piano, Quelques effervescences, qui s'inspire de vins pétillants du monde). Les deux univers me semblent intimement liés, dans l'immédiateté de la réception, et dans le parallélisme entre les sensations éprouvées (de nombreux musiciens font appel à des métaphores gustatives pour parler de leur travail : un accord 'épicé', une sonorité 'grasse', une orchestration 'acide'...). Le menu que j'ai eu l'honneur de déguster en 2007 au restaurant 'El Bulli' s'articulait autour de 35 plats que j'ai utilisés chronologiquement, tant l'articulation entre le salé et le sucré, les mets marins et terriens, le végétal et l'animal était, en soi, une dramaturgie parfaite. L'illusion était présente dès le premier instant. Ainsi, 'l'olive sphérique' qui débutait ce repas jouait sur le contraste entre un objet visuellement identifiable (une olive) et son 'interprétation' surprenante (il s'agissait en fait d'une reconstruction visuelle de l'olive, mais qui n'était autre que de l'huile d'olive emprisonnée dans une fine couche gélatineuse verte : aspect et goût étaient en phase, mais la texture, elle, était inouïe). Musicalement, la traduction de ce plat était assez évidente : un impact reprenant l'explosion de cet met en bouche débute la pièce, et une texture plus continue vient évoquer le déploiement de l'huile dans la bouche. Certains plats sont assez unitaires, d'autres contiennent en eux un parcours que j'ai fidèlement reproduit (par exemple la 'framboise au wasabi', qui se déguste en trois temps successifs). J'ai aussi mis en relation certains plats entre eux, afin de créer des 'retours' qui permettent à la structure musicale de sortir d'une logique de catalogue (par exemple, une fleur de capucine, dégustée avant les desserts, renvoie gustativement, et donc musicalement, à une amande fraîche qui, elle, est présente dans le premier quart du repas). Ce 'livre' s'achève sur la texture aérienne d'un papier effervescent au cassis qui conclut de façon suspensive une pièce particulièrement animée, où les masses sonores s'opposent de façon frontale, et viennent occuper tout l'espace de la salle de concert. Commande de l'Orchestre de Paris et de l'Ircam, le Livre des illusions (hommage à Ferran Adrià) est dédié à Marie Linden et Grégoire Biasini. Cette oeuvre a été créée à la salle Pleyel le 11 juin 2009 sous la direction de Jean Deroyer. Bruno Mantovani Liste des plats au menu du restaurant 'El Bulli' de Ferran Adrià, illustrés dans l'oeuvre de Bruno Mantovani: - Olives sphériques - Gin Fizz - Chocolat sans chocolat #1 (pistache) - Snack doré - Mercedes - Frites d'ananas lyophilisé - Chocolat sans chocolat #2 (ananas) - Meringue de betterave au yaourt - Boule de cacao amer - Chocolat sans chocolat #3 (cassis) - G.P. - Galette curry/cacahuètes - Meringue à la pistache avec espuma de yaourt - Eponge de sésame - Dacquoise de pignons - Framboise au wasabi - Fleur de horchata - Amande fraîche et huile d'amande - Haricot géant à l'ail japonais - Meringue au Schweppes avec fraises lyophilisées - Anchois à la fleur de basilic - Assiette italienne - Risotto de pamplemousse - Gnocchi de polenta - Ravioles de graines de pimientos del Padron - Couteaux aux algues - Caviar d'escargots - Concombres de mer avec cannelloni d'algues - Anguille à la moelle/fleur de capucine/concombre - Barbe à papa, glace à la banane - Mûres à la liqueur de mûre - Dessert blanc - Fraises au vinaigre de Jerez - Sablés mandarine/thé vert/menthe - Papier effervescent au cassis / contemporain / Répertoire / Orchestre

La renommée de Carl Maria von Weber repose principalement sur , Der Freischütz '. Le succès sans précédent de cet opéra a éclipsé tous ses autres travaux et a contribué à leur chute croissante dans l'oubli. Certaines oeuvres telles que , Preciosa ' , Oberon ', et , Euryanthe ', les ouvertures , concertos en solo et sonates pour piano , des lieder et Chamber Works jouissait d'une grande popularité et ont été largement connu en Allemagne et à l'étranger aussi tard que la deuxième moitié de la 19e siècle . Cependant, toute chance d'une renaissance de Weber influents etoeuvre considérable a été gaspillé dans les années 1920 , quand une édition complète - commencé par Hans Joachim Moser et avec les contributeurs potentiels, dont Wilhelm Kempff , Hans Pfitzner , Max von Schillings, Fritz Stein et Richard Strauss - a échoué après le troisième volume.Depuis , il ya eu de nombreuses tentatives pour relancer une édition complète des oeuvres de Weber , mais comme ce genre de projet , il aurait fallu la collaboration de chercheurs des deux côtés de la frontière inter -allemande, la situation politique après 1945 n'était pas propice à une telle entreprise . Négociations approfondies ont conduit aux premières étapes tangibles dans les années 1980. L'intention , dès le début , était de placer l'oeuvre de Weber dans son contexte, et de ne pas séparer sa production musicale de son travail influent comme un écrivain , critique et organisateur dans le domaine musical , mais de publier ses compositions avec ses lettres, journaux intimes et autre production littéraire comme le meilleur moyen de documenter la fertilisation croisée entre ses activités musicales , littéraires et pratique. / Score

Par PEPIN CAMILLE. Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série 'Roulement de timbales', j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie 'paradis céleste incommensurable' en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s. Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand. Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois 'à nu', parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse. Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda. Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un 'mur du son' résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière. La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante. La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse. Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage. Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière. Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace. Camille Pepin / Date parution : 2020-08-21/ Répertoire / Orchestre

Par . The Symphony: From Mannheim to Mahler is a fascinating and accessible guide that considers the development of the symphony from a number of different perspectives: analytical, historical, and critical. Exploring important milestones, touchpoints, events, key works, and the composers that surround the genre, it also includes a composer timeline, detailed case studies and comprehensive music examples. This handy and informative book is ideal for GCSE, A-Level, and undergraduate music students, as well as anyone wanting to study and learn more about the genre. Christopher Tarrant is Lecturer in Music Analysis at Newcastle University. He received his PhD from Royal Holloway, University of London and now teaches and writes about concert music of the long nineteenth century with a special emphasis on theory of form and the Nordic symphony. Christopher is also a violinist and conductor. Natalie Wild is Director of Research and Deputy Director of Music at the Music in Secondary Schools Trust (MiSST). Her research focuses on the role a classical music education can play in breaking down social barriers. Natalie has taught both GCSE and A-Level Music for many years as Head of Music in various inner-city schools. / Date parution : 2022-05-17/ Livre / Orchestre

Mozart, Wolfgang Amadeus Missa en do mineur K. 427 Grande messe en do mineur La magnifique «Grande messe en ut mineur K. 427» de Mozart est impressionnante non seulement pour sa monumentalité et sa beauté musicale, mais aussi pour son état fragmentaire qui fascine les érudits et les interprètes depuis des décennies. En collaboration avec la Fondation internationale Mozarteum de Salzbourg, Barenreiter présente maintenant une nouvelle édition de ce travail, reflétant la pointe de la recherche tout en tenant compte des besoins des artistes interprètes. Normes savantes élevées, achèvement et reconstruction des mouvements: cette publication pionnière intègre tout cela afin de se rapprocher le plus possible de l''uvre elle-même: - Les «Kyrie» et «Gloria», qui survivent tous les deux de la main de Mozart, sont édités conformément aux normes savantes. - Les deux premières sections du «Credo» ont été méticuleusement complétées par l'éditeur Ulrich Leisinger, en s'inspirant des compositions originales de Mozart, par exemple l'air «Deh vieni non tardar» de «Le mariage de Figaro» et en prêtant attention à un style stylistiquement approprié et transparent. du son. - Le «Sanctus» et le «Benedictus» (avec le «Hosanna»), qui sont soit incomplets soit ne survivent que dans des sources secondaires, ont été reconstruits par l'éditeur. Les sections sans source connue sont omises dans cette édition. Pour compléter la publication, vous trouverez un avant-propos complet (allemand / anglais) et un commentaire critique détaillé (anglais). La première représentation de la nouvelle édition d'Ulrich Leisinger a été donnée en avril 2019 à l'Elbphilharmonie Hamburg par le Hamburg State Philharmonic Orchestra et la ChorWerk Ruhr sous la direction de Kent Nagano. La première première autrichienne a eu lieu à Salzbourg en août 2019 dans la grande salle du Mozarteum, avec Andrew Manze dirigeant la Camerata de Salzbourg sous les applaudissements du public et des critiques.

For Speaker And 5 Instrumentalists. Par SCHOENBERG ARNOLD. Pierrot lunaire marks the high point of Schoenberg's expressionistic period, the essence of which he described as renouncing tonal centers and systematic relationships, replacing them with the twelve-tone method he was later to develop, with its dodecaphonic principles. Dethroning tonality and 'emancipating the dissonance' led to a radical change in his understanding of form and the intensity of musical expression beginning in 1907/1908: 'And I am unconditionally approaching a new kind of expression - I can sense it. The sounds now are virtually becoming a bestially direct expression of sensual and intellectual feelings - almost as if everything had been directly propagated.' (Diary entry, March 1912.)/ Répertoire / Récitant et 5 Instrumentistes

Eine kleine Nachtmusik' '... written with ease, but skillfully refined' 'Eine kleine NachtMusick' is how Mozart entered the Serenade in G major in his personal catalogue of works on 10 August 1787. It was written without any known incentive or commission during the time that Mozart was composing 'Don Giovanni', a time when he was celebrating his greatest success as an opera composer. The work is one of the jewels of Mozart's output, combining bright radiance and a natural simplicity with brilliant refinement. Similarly, the autograph manuscript of this perfect masterpiece is captivating because of its balanced clarity and beautiful handwriting. The manuscript was inaccessible to the public for almost half a century, but now Bärenreiter has received exclusive permission to produce a new facsimile of Mozart's original. The edition reproduces the facsimile pages as individual sheets and leaves, reflecting the way the original copy has survived. These pages ' in high-quality colour printing, each trimmed individually ' are presented in a handsome box. This is accompanied by a booklet with an introductory text by Wolfgang Rehm including information on the genesis of the composition and the various aspects of the autograph manuscript. 'The fact that it's all over town does not alter anything in the quality of this occasional piece written with ease but skillfully refined.' (Wolfgang Hildesheimer) BÄRENREITER FACSIMILE The seal is used exclusively for facsimile editions published by Bärenreiter which meet the highest demands in both scholarly and technical terms. The distinguishing features include: - a facsimile in high-quality colour printing - scholarly commentary 'Facsimile of the autograph score KV 525 'Introduction: 'I. 1787: The work. Its background, genesis, significance and impact 'II. The Autograph. Its clear, its twisted paths 'Notes and References 'Einführung: 'I. 1787: Das Werk. Sein Umfeld, seine Entstehung, Bedeutung und Wirkung 'II. Das Autograph. Seine eindeutigen, seine verschlungenen Pfade 'Anmerkungen 'Watermark No. 55 'Facsimile of the autograph fragment KV 525a Edition no.: BVK 2282 ISBN: 9783761822821 Volume / Series: Documenta musicologica II/46 / Bärenreiter Facsimile Editor: Rehm, Wolfgang Language(s) of work: German, English Product format: Facsimile Binding: in a case Pages / Format: 38 S. - 25,4 x 34,0 cm

Par TIPPETT MICHAEL SIR. Détails de la formation instrumentale: 3.2.ca.2.b Clarinette asax.tsax.barsax(ssax).2.cbn-4.4.3.1-5perc(kit (s.d., t.d., cym. (crash and hi-hat), 2 tom-toms, b.d., w.bl., gng., slit dr.), t.d., b.d., brake dr., clash cym., sus.cym., tamb., cast., wh., large tri., lge. tam-tam, xyl., vib., glock., 2 sets of 6 tub.bells (metal rod), claves, rattle)-hp.2e Guitare -Strings (4.4.4.4.2 min)-taped effects (spaceship and distant voices) - Durée: 30' - Format: New Edition landscape/ Répertoire / Orchestre

Melodyphony contient neuf oeuvres écrites à l'origine pour le film, la télévision ou pour des spots publicitaires, dont certaines sont des musiques composées pour le Studio Ghibli et son directeur Hayao Miyazaki (Mon voisin Kokoro, Kiki la petite sorcière / Orchestre / 252 pages / Partition

Edition no.: TP 17 ISMN: 9790006200153 Editor: Landon, H. C. Robbins Language(s) of text: English, German Product format: Study score, Urtext edition Binding: Stapled Pages / Format: VI, 80 S. - 22,5 x 16,5 cm

Facsimile of the autograph score in the British Library, London. Par HAENDEL GEORG FRIEDRICH. The first performance of George Frideric Handel’s oratorio “Messiah” on 13 April 1742 in Dublin aroused unqualified rapture. A newspaper report a few days later declared that it combined “the Sublime, the Grand, and the Tender”. Its success has remained undiminished ever since, and the “Messiah” has taken its place in musical life. In 2009, to mark the 250th anniversary of Handel’s death, the British Library and Bärenreiter joined forces and made the autograph score of the “Messiah” available to the public in a meticulously reproduced, lavishly published facsimile. The renowned Handel scholar Donald Burrows introduces the characteristics of Handel’smanuscript, describes the history of the work’s composition, and explains the differences between later versions of the “Messiah”, as reflected in the conducting scores. A two-page sketch from the Fitzwilliam Museum Cambridge completes the publication. Facsimile of the autograph in the British Library. 282 + 2 pages of facsimile and 55 pages of introduction (English/German/Japanese) half-linen, hardback / Oratorio / Répertoire / Divers

Par HOLST GUSTAV. Invocation was composed in 1911 and first performed on May 2nd of that year in the Queen's Hall, London, by May Mukle with the New Symphony Orchestra conducted by Landon Ronald. The work received several performances with Piano accompaniment before 1914, but with the public success of The Planets, it became one of many works that Holst never had time to revise or publish. A certain amount of editing of dynamics and phrasing has been necessary, and the Piano reduction has occasionally been slightly adjusted to match the orchestral accompaniment more closely. The separate Cello part has been edited by Julian Lloyd Webber./ Répertoire / Conducteur

Par CLERC EMMANUEL. Tiré de deux fables de La Fontaine, cette très jolie comédie, dont le livret est signé par Louis Anseaume (le même qui a écrit Cendrillon) a offert à nouveau l'occasion à L'ensemble Les Monts du Reuil de continuer son exploration du répertoire de l'Opéra Comique et des fables. Ici, Louis Anseaume s'est inspiré de deux fables très célèbres de Jean de La Fontaine pour offrir à nouveau un livret de grande qualité. Emmanuel Clerc s'est emparé du livret pour écrire en 2012 une musique vive et descriptive./ Répertoire / Conducteur

Cette composition magistrale par Gordon Jacob a été une partie du répertoire standard pour la bande de pointe pour de nombreuses années. Dans les mains habiles de James Curnow, ce classique est maintenant jouable par les plus jeunes. Soigneusement raccourci et édité pour l'instrumentation de grade 3, cette adaptation ajoute une touche de classe à la bibliothèque de tout groupe. / Orchestre