Par YONG H.S.. Une amusante illustrées classeur qui introduit des compositeurs et des instruments de musique d'une manière divertissante. Un grand ' voie dans ' à la musique classique pour les jeunes enfants./ Répertoire / Orchestre

Symphony No.12 'Hélsingeborg' BVN 318 by Rued Langgaard (1946). Critical edition by Bendt Viinholt Nielsen - The Rued Langgaard Edition. Instrumentation: 3.3.3.3/4.3.3.1/timp/perc/str.

Fra Højsangen. Instrumentation: Soprano+Tenor solo female choir 3.2.2.2/4.2.3.0/timp/perc/cel/org/str. BVN381

OpEra comique in three acts. By Christoph Willibald von Gluck. Edited by Harald Heckmann. Arranged by Elisabeth Heckmann. Text: Louis H Dancourt. For Soprano Solo (4) Tenor Solo (3) Bass Solo (3) Speaker (2) Orchestra. Piano Reduction/Vocal Score; Urtext Edition (paperbound). Duration 120'. Published by Baerenreiter-Ausgaben (German import). (BA2280 90) ISBN M006419524.

Le génie de Mozart n'est nulle part plus apparente que dans les symphonies de sa maturité, compositions qui se dressent parmi les plus grandes réalisations de l'orchestre du XVIIIe siècle. Ce score étude miniature rassemble trois de ses oeuvres les plus connues, toutes écrites dans la dernière décennie de sa vie: Symphonie #35 en ré majeur, 'Haffner', Symphonie n o 36 en ut majeur, 'Linz', et Symphony n o 38 en ré majeur, 'Prague'.La musique est reproduite ici de la foi Breitkopf and Härtel édition, avec bar-numérotés et les mouvements de larges marges au bas de chaque page de score pour les notes et les analyses. Idéal pour l'étude en classe, à la maison, ou dans la salle de concert, ce volume à prix abordable de haute qualité, de taille conventionnelle sera l'édition de choix pour les étudiants en musique et amateurs de musique.Réimpression de l'Breitkopf and Härtel, Leipzig, 1880-1882 éditions. / Orchestre

Ballet Héroïque In Einem Prolog und Vier Akten-The new scholarly-critical edition of the score of Rameau’s “ballet h?ro?que” Les Indes galantes finally clears up its convoluted source history. At the first performance on 23 August 1735 it consisted of a prologue and three acts: Le Turc g?n?reux Les Incas du P?rou and Les Fleurs. But Les Fleurs already proved controversial in the early performances and from 11 September of that same year it was given a wholly new form. For the revival on 10 March 1736 Rameau and Fuzelier added an entirely new act Les Sauvages and in the years that followed the “ballet h?ro?que”was presented either complete (1743 1751 and 1761) or abridged with a prologue Les Incas du P?rou and Les Sauvages (1751–73).With regard to the instrumental movements (dances and descriptive pieces) the present publication is based on the complete edition Opera Omnia Rameau (OOR) volumes IV/2 and IV/7 edited by Sylvie Bouissou. It includes not only the orchestral pieces in the version deemed valid by Rameau in 1736 (with version 2 of Les Fleurs and Les Sauvages) but also those from the first version of Les Fleurs (1735) as well as its 1743 and 1773 revisions. Performers are thus given a complete selection of all the orchestral numbers from one of Rameau’s central stage works for use also in concert performance.– Based on Opera Omnia Rameau (OOR) Series IV/2 and IV/7– Well-presented layout in a format of 23.7 x 33 cm

En production symphonique de Tchaïkovski, la Symphonie n o 4 était une oeuvre charnière. Il a annoncé le compositeur comme un symphoniste majeur de son temps, éclipsant ses précédents, moins-que-remarquables efforts dans ce formulaire, et ouvert la voie à ses derniers grands travaux: la hantise Cinquième Symphonie et le sixième biographique, la profonde 'Pathétique. 'Quatrième Symphonie de Tchaïkovski - écrite en 1877 à l'âge de 37 - se présente comme une déclaration très personnelle. De façon spectaculaire en forme et brillamment orchestrée, il saisit une qualité théâtrale et de la couleur orchestrale qui ont façonné le compositeur symphonique fantaisie Francesca da Rimini, écrit un an plus tôt. Le quatrième ouvre sans équivoque avec la poussée d'un fanfare de cuivres - le 'sort' motif qui est de réapparaître dans le dernier mouvement - s'écoule alors de la qualité qui caractérise effort de Tchaïkovski grands généreusement mélodieux partitions de ballet. Le second mouvement s'attarde sur l'une des mélodies les plus poignants du compositeur, et le troisième - le Scherzo - offre une fantaisie délicieuse de cette orchestrateur maître: la charmante Pizzicato ostinato, un moment unique dans toute la littérature orchestrale.La symphonie est reproduit ici de la foi Breitkopf and Härtel édition, avec des mouvements bar-numérotés et les marges larges en bas de chaque page de score pour les notes et les analyses. Idéal pour l'étude en classe, à la maison, ou dans la salle de concert, ce à prix abordable, de haute qualité, le volume de taille conventionnelle sera l'édition de choix pour les étudiants en musique et amateurs de musique.Réimpression de l'édition Breitkopf and Härtel. / Orchestre

Le sultan Shakriar, convaincu de la falshood et l'inconstance de toutes les femmes avait prêté serment un serment de mettre à mort chacune de ses épouses après la première nuit. Cependant, la sultana Shéhérazade a sauvé la vie en suscitant son intérêt dans les contes qu'elle lui a dit pendant les 1001 nuits. Poussé par la curiosité le sultan reporté son exécution au jour le jour et enfin abandonné sa conception sanguinaire. Shéhérazade dit beaucoup d'histoires miraculeuses au sultan. Pour ses contes qu'elle a emprunté versets de poètes et de paroles de chansons folkloriques, combinant des contes de fées et aventures. / Orchestre

Par HENZE HANS WERNER. In this work, I had wanted completely to submit to the traditional rules of the classical symphony so as to mould my musical expression as if in a furnace and enable it to reach the listener as directly and clearly as possible. The first movement is a kind of German dance, an Allemande, so to speak; the second one a Lied. The third, in strict scherzo-form, is a representation of the sufferings of the German poet Friedrich Hölderlin, in Dr. Autenriedth's mental institution in Tübingen. The last movement is a setting of Hölderlin's poem 'Half of Live'. - Hans Werner Henze/ Répertoire / Orchestre

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Ce jeu de pratique et de l'édition étude marque la première en un seul volume la publication de cinq agrafes grands du répertoire orchestral: Jubilé Overture, Overture à l'Preciosa jeu, et des ouvertures à des opéras Der Freischütz, Euryanthe, et Obéron.L'un des premiers compositeurs de l'école romantique de la note de Carl Maria von Weber conçu conceptions nouvelles de la matière d'orchestration et sous réserve qui ont contribué à jeter les bases d'opéra du XIXe siècle. Marschner, Meyerbeer et Wagner ont été influencés par les travaux de Weber, ainsi que des derniers jours compositeurs tels que Paul Hindemith, Mahler, Stravinsky et Debussy, qui a remarqué que le son de l'orchestre de Weber dérivé de l'examen par le compositeur de l'âme de chaque instrument .Réimpression de 'Preciosa' à partir d'un Breitkopf et Härtel, Leipzig, sd édition. Tous les autres de Overtüren für Orchester von CM von Weber, C. F. Peters, Leipzig, n.d. / Orchestre

Dans sa préface à la nouvelle édition critique de la 'Septième Symphonie, le Dr Reinhold Kubik (rédacteur en chef et vice-président de la Société internationale Gustav Mahler) se penche sur la réception de Mahler et la discussion entre l'éditeur et Erwin Ratz, le rédacteur en chef de la première édition critique, et résume ce qui suit: 'dans le même temps, le niveau des autres éditions complètes avec leurs appareils complets critiques a été acceptée par l'édition Mahler ainsi. Les temps ont changé: Mahler se classe maintenant parmi les compositeurs les plus réussis et est devenu important pour les éditeurs. Objections ont été supprimés. En conséquence, il était grand temps de rendre justice à ce travail en profondeur la préparation d'une nouvelle édition, y compris une nouvelle typographie musicale avec matériel d'exécution qui est compatible avec la partition. Il est difficile à croire, mais la vérification à travers les sources de nouveau découvert une foule de passages, des erreurs même, qui sont dans le besoin d'amélioration.La première représentation de cette édition a eu lieu à l'Hôtel de Gasteig Philharmonic, le 8 Mars 2007 avec l'Orchestre symphonique de Bavière, sous la direction de Mariss Jansons. / Orchestre