Score + Parties. Par SHORE HOWARD / WHITNEY JOHN (Arr.). / Répertoire / Orchestre

Pride, pomp, and circumstance of glorious war! It is these words from Shakespeare's Othello that these works by the English composer Sir Edward Elgar fall back on. The work was a sensational success from the very beginning, especially March #1. At its premiere in 1901 under the composer's direction, the audience requested two repeats - in 1902 the words of 'Land of Hope and Glory' were added to the march at the request of Edward VII for his coronation ceremonial. The resulting version is now performed every year at the Last Night of the Proms. Motivated by the success of the first two marches, Elgar composed another three which were performed in 1905, 1907 and 1930. #4 is as formal as #1 whereas the others are of a rather melancholy nature. / Orchestre

Par ELGAR EDWARD. The well-known 'Enigma Variations', 'Pomp And Circumstance Marches', 'Nos. 1-4'./ Répertoire / Orchestre

Par ELGAR EDWARD. With Christopher Hogwood’s new edition of Elgar ’s much loved Serenade, a scholarly-critical edition of the work is now available for the first time. As with other Elgar works, modern editions of the Serenade have always suffered from an enormous number of inconsistancies between the score and parts and unclear divisi and unison passages. The editor has clarified these discrepancies, drawing on Elgar ’s version of the work for Piano four hands (the original version) and the recently discovered autograph manuscript of the first movement. The edition also contains a facsimile showing the original ending of thethird movement as well as an informative foreword (Ger/Eng) and a critical commentary (Eng). The first scholarly-critical Urtext edition of this popular work for string orchestra. Foreword (Ger/Eng) and critical commentary (Eng). With facsimile pages. Full score and performance material (BA9041) available for sale./ Répertoire / Cordes

Par SORENSEN BENT . When it comes to titles, almost all the works I have composed have found their title before or at the same moment I started them. That is why it was also surprising - not to say transgressive - for me that my work for 9 instruments for Ensemble MidtVest was completely untitled until the last bar. Then it dawned on me that the titlelessness was a natural result of the music's volatility. It was - and is - as if the music was constantly escaping from itself. The beginning of the work is definitely an escape into a new chapter, and that feeling runs through the entire work. In a longer section, the music flies towards a Barcarole, where the piano has a soloist role, and this is probably a result of my recurring dream of Venice - the gondolas in the swaying rhythms of the canals. Hence the Italian title, 'Fuggitivo' - fugitive. The work was composed for and commissioned by Ensemble MidtVest with support from the Danish Arts Foundation. / Date parution : 2023-10-31/ Répertoire / Orchestre

Création 26/08/2015 - Sion (Suisse) - Finale du Concours International de violon Tibor Varga - Orchestre de Chambre de Lausanne Commanditaire Concours International de violon Tibor Varga Notice Le futurisme italien fut, au début du XXe siècle, le premier véritable mouvement d'avant-garde qui, en Europe, refusa l'art dans sa totalité, décréta l'abolition du passé et prétendit rénover tous les aspects de la vie humaine en cherchant à exprimer la nature et les problèmes du monde moderne. Le mouvement fut inauguré par Marinetti en 1909, suivi un an plus tard du manifeste de la peinture futuriste signé par Giacomo Balla, Carlo Carrà, Umberto Boccioni et Luigi Russolo. La bataille futuriste, qui mobilisa le vif de l'art italien de 1910 à 1916, naquit d'une violente polémique contre la tradition figurative et la conception de l'image-spectacle. La philosophie futuriste, nourrie d'élan vital, d'utopie machiniste et d'ardeur dionysiaque entendait dynamiter la culture antiquaire de l'Italie officielle. Marinetti exalte la vitesse, le mouvement, le bruit, la guerre. Mais aussi la pulsion, la déraison, la transgression, le débridement des ambitions et des désirs humains. Le caractère novateur et visionnaire du futurisme italien fut toutefois passablement terni par ses imprécations et ses fourvoiements politiques. Laissant de côté l'orientation réactionnaire du mouvement et son esprit de clocher extrémiste, on retiendra, parmi les traits les plus originaux du futurisme pictural, la recherche de la représentation du mouvement, avant l'invention du cinéma et avant l'art cinétique. S'inspirant des séquences photographiques d'Eadward Muybridge et de la chronophotographie d'Etienne-Jules Marey, les futuristes italiens sont parvenus à un incontestable degré de réussite dans le domaine proprement plastique. Le processus du devenir est représenté comme tel, et se déploie selon des lignes de force et des formes en croissance. La couleur est également saisie dans son dynamisme, avec ses foyers et ses aires de diffusion. Dans Le mani del violinista, une huile sur toile de 1912 aujourd'hui à Londres, Giacomo Balla s'est également livré à un exercice de synesthésie, cherchant à transposer en images un processus qui fait appel à d'autres modalités sensorielles. Le geste du violoniste, le placement de l'instrument à hauteur d'épaule, les mouvements combinés de la main et du bras, l'écartement et l'échelle d'appui des doigts de la main gauche, la mise en vibration des cordes, l'élan et le rebondissement de l'archet, sa vivacité et son exactitude, tous ces facteurs qui d'ordinaire demeurent imperceptibles et indissociables sont ainsi décomposés, puis réunis et rendus en une impression unique. Les mouvements successifs de la main et les morsures d'archet se séparent selon des procédés pointillistes, puis s'assemblent en une séquence accélérée et se lient dans le même fondu qui restitue l'unité et les inflexions de la tension musculaire. Ce qui est donné à voir n'est pas une illustration réaliste ni une nomenclature des possibilités instrumentales mais un condensé des allures de l'exécution transcendante, montrant les réflexes d'une main rompue au mécanisme de son instrument. Ma propre version musicale de la toile de Giacomo Balla s'inspire des caractères de cette vision futuriste de l'art. La virtuosité même de l'instrumentiste, son habileté d'exécutant, est ici expressément représentée comme un art de l'art. La partition porte une attention aigüe à la technique spécifique de l'effet sonore, à la justesse du geste instrumental dans la dépense de l'archet et la souplesse des déplacements. La grande école des violonistes consistait à faire disparaître le manteau rugueux des aspérités naturelles de l'instrument sous une surface lisse et parfaite de sonorités épurées. Ce grand art évolue aujourd'hui sous la pression d'une esthétique contemporaine plus sensible au grain, aux effets de texture voire aux effets raboteux de l'archet. Un autre type de virtuosité se fait jour, qui intègre les coups d'archets, les accents, les sons dénaturés, dans une sorte de formalisme instrumental pris au second degré. Les interférences entre les différents modes de jeu importent plus désormais que leur intégration dans une sonorité optimale. Cet art insatiable ne recherche plus la magnificence mais l'épreuve. La partition se divise en trois grandes parties. La première est une cadence confiée au soliste, centrée sur les accords, la rythmique et les enjambements d'une articulation qui ne se plie pas aux divisions métriques de la mesure. La seconde partie est l'enfer des violonistes et met aux prises, parmi toutes les cordes de l'orchestre, des figures contrapuntiques hachées, heurtées et contrastées. La troisième partie est davantage tournée vers des études d'équilibre de sonorités, dont la cohérence est délicate à obtenir car les notes se situent dans des registres extrêmes ou paradoxaux. Le soliste est confronté à un type nouveau de virtuosité, celui des sons harmoniques - groupes d'harmoniques naturels ou artificiels. Commande du Concours International de Violon Tibor Varga Sion Valais, la partition est écrite pour l'Edition 2015 de ce Concours. L'oeuvre est dédiée à Enzo Restagno. Hugues Dufourt

This original composition first fell upon the ears of excited, rambunctious, elementary-aged children as part of an educational concert series geared toward teaching the sections of the orchestra. The room quickly grew silent and the audience was captivated by the haunting melodies and clashes of bold chords, intertwined with moments of tranquility and wonder. Each and every section of the orchestra will feel equally important as it tackles this challenging, yet appealing piece! (5:15) / Orchestre

This authoritative edition presents full-score reproductions of three of Liszt?s best-known symphonic poems. Les Preludes (Symphonic Poem No.3) grew out of the composer?s unpublished choral setting of Joseph Autran?s poem ?The Four Elements?, blending stirring martial music and lovely pastoral themes to make this work the most popular of the symphonic poems. Mazeppa (Symphonic Poem No.6) evokes Victor Hugo?s portrayal of the Cossack leader and the symbolic triumph that comes only after defeat: ?He runs, he flies, he falls, and he stands up king!? Heroide Funebre (Symphonic Poem No.8) is the last vestige of the monumental Revolutionary Symphony, planned but never completed, suggesting universal brotherhood: a fine, heroic, dignified funeral march. In these richly sonorous works, Liszt explored the concept of the one-movement ?transformation of themes,? an approach to composition that Wagner would carry forward in his development of the leitmotif. Liszt?s expanding chromaticism would be no less influential, anticipating the twentieth century?s embrace of atonality. Frequently performed favourites of audiences around the world, these three works are reprinted from the original Breitkopf & Härtel edition.

Beethoven?s sacred works include two settings of the Mass. The ?Mass in C major?, completed and premiered in 1807, has been unjustly described as a preliminary step towards the great ?Missa solemnis?. Yet it is a self-contained and, for its time, decidedly modern piece of church music. Drawing on the rich body of sources, Beethoven specialist Barry Cooper suggests practical solutions to the work?s musical and interpretative problems. His deep study of the sources convinced him to include a fully realized organ part in the score, just as Beethoven envisioned it for the first printed edition. As stated in the sources, the parts for the soloists and choir are notated on joint staves to demonstrate that the soloists are also to sing the choral passages. Rounding off this Urtext edition are a Foreword on the work?s genesis and a detailed Critical Commentary. ? Score with realization of the organ part ? Bilingual Foreword (Eng/Ger) and Critical Commentary (Eng) ? Idiomatic piano reduction

This is the study score featuring the complete original music by Mica Levi composed for Jonathan Glazer's stunning 2013 film Under the Skin, starring Scarlett Johansson. The score for this critically-acclaimed film is a vivid sound world constructed from Flute, Strings, Percussion and Synthesisers.Mica Levi is a classically-trained musician whose work is characterised by the experimental use of distortion, noise and found-object sounds. Her collaboration with the London Sinfonietta caught Jonathan Glazer's attention, who wanted to use her talents with creating uncomfortable and jarring yet beautiful soundscapes to complement his starkly unusual imagery. Levi won a European Film Award for best composer for this work, and she was also nominated for a BAFTA. / Conducteur De Poche