Par LEVINAS MICHAEL. Précédé de Je, tu, il, prologue à La Métamorphose sur un texte de Valère Novarina. Au sortir d'un rêve agité, Grégor Samsa s'éveille pour vivre un véritable cauchemar, celui de sa transformation en énorme cancrelat. Tout le monde connaît cette nouvelle de Kafka - elle appartient désormais à nos mythologies contemporaines. L'idée d'en faire un opéra est tellement excitante qu'on en serait presque à se demander pourquoi une telle adaptation n'a encore jamais été tentée. Peut-être parce que la perspective donne le vertige et que l'histoire elle-même semble veiller à sa propre irreprésentabilité ? Il aura fallu attendre près d'un siècle pour que le texte se métamorphose en opéra grâce à Michaël Levinas et à l'équipe artistique qu'il a réunie. Avec Valère Novarina et Emmanuel Moses, le compositeur opère un travail sur la langue pour révéler sa vocalité lyrique. Le chant du 'sopraniste' Fabrice Di Falco et des autres interprètes est ensuite traité par des techniques d'hybridation informatiques [réalisées à l'Ircam, NDLR]. Toujours en quête 'd'une suggestion d'ébranlement dramatique dans la vibration du son' comme s'il y avait un 'au-delà du son dans le son', la musique de Levinas s'ouvre au fantastique. Ce sentiment de l'extraordinaire sera rendu palpable par les instrumentistes d'Ictus, imbattables quand il s'agit de faire advenir des univers inouïs. L'adaptation scénique est confiée à Stanislas Nordey, homme de théâtre insatiable découvreur de textes contemporains. Il s'est également distingué à l'occasion de nombreuses collaborations avec les plus grands compositeurs de notre temps, parmi lesquels Michaël Levinas. C'est en effet lui qui a mis en scène son précédent opéra composé à partir des Nègres de Jean Genet. www.opera-lille.fr Vidéo : http://culturebox.france3.fr Du lyrique dans la musique de Michaël Levinas ou le spectre sur la scène 'L'instant du réveil est le moment risqué entre tous : c'est celui où l'on franchit la frontière. Qui devient-on la nuit ? Que s'est-il passé dans le sommeil de Gregor pour qu'il en sorte ainsi changé en monstre ? Le réveil, c'est toujours l'entrée dans un monde enchanté.' Yannick Haenel (1) Le monde enchanté de Michaël Levinas est celui de ce moment risqué où peut naître un drame et, c'est là la partie visible de l'enchantement, des personnages chantent, vivent et meurent. Nous sommes à l'opéra. Comment le compositeur parvient-il aujourd'hui à relever en musique le défi de la scène ? Quels moyens musicaux convoque-t-il ? Quel monde harmonique et lyrique bâtit-il ? Car pour sonner à ce point juste sur les planches, il faut que le style lyrique du créateur vienne de bien loin, de profond, non pas d'une circonstance, mais de ce qu'il est musicalement, depuis longtemps, de ce qu'il poursuit assidûment dans son oeuvre. En 2011, avec La Métamorphose, son troisième ouvrage lyrique, Michaël Levinas a montré une nouvelle fois la maîtrise qu'il avait des données de l'opéra : l'opéra comme théâtre, l'opéra comme lieu où l'est ému par le chant, l'opéra comme institution où la création a sa place. Quand les spectateurs découvrent à l'opéra le personnage de Gregor imaginé par Michaël Levinas, ils ont déjà entendu un prologue. Intitulé Je, tu, il et composé sur un texte somptueux de Valère Novarina, ce prologue se trouve, dans le temps du récit, en lieu et place de la nuit, d'un rêve sans doute, avant le réveil de Gregor. Les spectateurs assistent à une allégorie des énonciations (les pronoms personnels chantent : 'je', 'tu' et 'il' deviennent un instant des personnages), enlevée, très vive, baroque. Le compositeur (celui qui choisit la succession dans le temps des événements du récit lyrique - Michaël Levinas a largement adapté la nouvelle de Kafka) confie à trois sopranos ce prologue. Ainsi le récit de La Métamorphose débute-t-il par autre chose que lui-même, un autre lyrique qui n'est pas le récit, qui n'est pas même un récit, mais qui prépare à l'écoute de la Passion de Gregor qui suit - l'infra-récit est la préfiguration de l'infra-homonidée kafkaïenne mourante que montrera La Métamorphose - avec toute la résonance de ce parti-pris dramaturgique dans l'histoire politique de l'humanité. Ce geste est théâtral autant que musical. Il est très caractéristique de la sensibilité du compositeur pour ce qui, dans la musique, induit le lyrisme, le lyrisme étant entendu ici comme la mise en oeuvre de 'toutes les puissances que recèle le verbe soumis au rythme et à la mélodie' (2). En un mot, la dimension théâtrale de l'opéra n'est pas reniée par Michaël Levinas - au contraire : elle est exaltée. Toutes les puissances que recèle le verbe aident le compositeur dans son projet lyrique. Si le chant naît du verbe chez Michaël Levinas, il faut considérer que les parties instrumentales aussi naissent du verbe. Aux parties instrumentales s'ajoutent les parties électroniques qui, dans La Métamorphose autant que dans Les Nègres, opéra de 2003 d'après la pièce éponyme de Jean Genêt, donnent au son ce statut irréel, magique nécessaire à tout lyrisme. Elles aussi sont pensées, écrites, composées comme un prolongement des données du langage. Dans La Métamorphose, la polyphonie vient essentiellement de la voix démultipliée de Gregor et cette démultiplication est autant instrumentale qu'électronique. Le chant - émouvant ô combien - de Gregor est un choral, sa voix est intermédiaire, ni la sienne seule, ni une pluralité identifiable. La voix de Gregor participe d'une singularité inaudible - un monstrueux bien au-delà de l'hybride - pour son entourage qui le conduit à mourir (par décence ? par abandon de ses proches ?). Il y eut dans Les Nègres 'un langage tambouriné tissant des liens entre les phonèmes de la langue et la percussion' (3) et dans cette veine, récemment, Le Poème battu - il y eut en 2008 les réussites madrigalistes de Le 'O' du haut et des Trois chansons pour la Loterie Pierrot et Jean Lagresle sur un texte de Valère Novarina - il y eut enfin, pour La Métamorphose, l'acmé (provisoire - telle est l'activité de création) de l'analyse et de la synthèse sonore par ordinateur de la voix parlée et chantée (4). Comment faire des mots eux-mêmes un chant, un drame, un opéra enfin ? C'est là tout l'enjeu de la poïétique de Michaël Levinas. Le poïen grec, c'est la réponse à la question du faire. Dès Go-Gol (1996) (5) -le titre, Go-Gol est déjà un jeu de décomposition / recomposition du nom de l'écrivain dont est tiré le livret, le compositeur fait du mot le ressort de sa dramaturgie musicale. Il est entré depuis dans le son du mot lui-même et applique au champ de la linguistique une démarche spectrale (6). Ainsi naît son matériau lyrique. Décortiquant les données des hauteurs, des syllabes, phonèmes et morphèmes, Michaël Levinas - avec l'aide d'un outil informatique de plus en plus puissant - en tire des tournoiements, des arabesques, des lignes qui entent une composition destinée à la scène. L'opéra est bien là un lieu de création. La pointe de ce qui constitue la création musicale - à la fois l'oeuvre d'un compositeur qui est la recherche d'une vie et les outils qu'il utilise en les faisant évoluer - est non seulement viable, mais éminemment émouvante à la scène : la palette que s'est constituée le musicien induit bel et bien cette vibration des affects que tout un chacun veut à l'opéra, toutes époques confondues. '(...) c'est à l'opéra que, paradoxalement, tend je dirais toute oeuvre instrumentale.' déclarait en 1982 le compositeur (7). En effet, l'oeuvre de Michaël Levinas offre de lire les étapes de cette conception et des recherches qu'elle appelle. Ancrée dans le langage, toute adonnée au théâtre, la lyre de Michaël Levinas allie l'exigence créatrice à la séduction parfois vénéneuse d'une émotion dramatisée avec art. Pour l'heure, le compositeur a fait de la syllabe son mystère. Du mystère naît le drame et, sur scène, d'une dramaturgie naît un mystère par lequel le compositeur nous impose son temps, non pas le temps d'un drame, mais le temps intérieur résonant - pour notre plus grand plaisir. Benoît Walther, novembre 2011 (1) Interview 'Yannick Haenel, pourquoi aimez-vous La Métamorphose ?', parue dans Kafka, La Métamorphose (page II), traduction et présentation par Bernard Lortholary, Garnier Flammarion, Paris, 2010, 103 pages. (2) Pierre Grimal, Le Lyrisme à Rome, Introduction (p.15), Presses Universitaires de France, Paris, 1978, 304 pages. (3) Notice de Michaël Levinas pour l'opéra Les Nègres, mai 2002. (4) Les parties électroniques de Les Nègres et de La Métamorphose ont été réalisées à l'Ircam. (5) Le compositeur parle alors de 'traitement animal' de la langue française (Autour de Go-Gol : forme, récit, textualité dans l'opéra contemporain, entretien avec Evelyne Andreani, in : cf note 7). (6) Est spectrale une musique fondée sur l'analyse du spectre du son : découle de cette analyse l'organisation des paramètres musicaux et, in fine, de toute la composition elle-même. Aujourd'hui, les sons analysés peuvent atteindre des degrés de complexité très grands : par exemple, dans le cas de Michaël Levinas, la pénétration du détail d'une énonciation chantée autant que parlée. (7) Michaël Levinas, 'Qu'est-ce que l'instrumental ?', texte prononcé à Darmstadt en juillet 1982, in Le Compositeur trouvère, Ecrits et entretiens (1982-2002), textes réunis et annotés par Pierre-Albert Castanet et Danielle Cohen-Levinas (p.33), L'Harmattan, Paris, 2002, 428 pages. / contemporain / Répertoire / Solistes, Choeur et Orchestre

La renommée de Carl Maria von Weber repose principalement sur, Der Freischütz '. Le succès sans précédent de cet opéra éclipsé tous ses autres ouvrages et a contribué à augmenter leur chute dans l'oubli. Certaines oeuvres comme, Preciosa ',, Oberon ', et, Euryanthe', les ouvertures, concertos solistes et sonates pour piano, le lied et de la chambre de travaille connu une grande popularité et ont été largement connu en Allemagne et à l'étranger aussi tard que la seconde moitié de la 19e siècle. Cependant, toute chance d'un renouveau de l'influence de Weber et deimportance de son oeuvre a été gaspillé dans les années 1920, quand une édition complète - commencé par Hans Joachim Moser et avec les contributeurs potentiels, y compris Wilhelm Kempff, Hans Pfitzner, Max von Schillings, Fritz Stein et Richard Strauss - a échoué après le troisième volume.Depuis il ya eu de nombreuses tentatives pour relancer une édition complète des oeuvres de Weber, mais comme ce genre de projet, il aurait fallu la coopération des chercheurs des deux côtés de la frontière inter-allemande, la situation politique après 1945 n'était pas propice à une telle entreprise. Négociations minutieuses conduit à des premières étapes tangibles dans les années 1980. L'intention, dès le début, était de placer l'oeuvre de Weber dans son contexte, et de ne pas séparer sa production musicale de son travail d'influence en tant qu'écrivain, critique et organisateur dans le domaine musical, mais de publier ses compositions avec ses lettres, journaux intimes et l'autre production littéraire comme le meilleur moyen de documenter la fertilisation croisée entre ses activités musicales, littéraires et pratique.Depuis la réunification allemande les deux parties de travailler les concernés - à la Staatsbibliothek zu Berlin, et au Séminaire Musikwissenschaftliches, Detmold / Paderborn - ont coopéré sur l'édition complète des oeuvres musicales (C. 45 volumes en 10 séries: sacrés la musique- cantates, des odes et d'autres oeuvres de circonstance- oeuvres théâtrales, des oeuvres de lieder et vocale- oeuvres pour orchestre- musique de chambre, musique pour piano- réductions pour piano- Miscellanea, arrangements et orchestrations, les oeuvres d'attribution douteuse). Le journal (6-8 vol.) Sont édités à Berlin et les lettres (8-10 vol.) Et d'autres écrits (2 vol.) À Detmold.Cette édition complète vise à constituer une base fiable de débat scientifique ainsi que pour la pratique de la performance authentique de la musique de Carl Maria von Weber. Conforme aux normes de ces dernières éditions historico-critiques, le matériau textuel sera basée sur toutes les sources disponibles authentiques, accompagnés par une documentation détaillée de la genèse et une liste de variantes pour chaque travail. L'importance des travaux musicologiques seront évaluées en les plaçant dans leur contexte historique, la présentation de leurs commentaires genèse, l'histoire et la critique. Les lettres, les écrits et les journaux seront traités comme liés entre eux et pertinentes les unes aux autres dans les commentaires, donc les lecteurs devraient bénéficier d'une mine d'informations concises et des références croisées. / Soliste, Choeur Et Orchestre

a cura di Federico Maria Sardelli. Par VIVALDI ANTONIO. Among Vivaldi’s many flute and recorder concertos, two, both for transverse flute, were known until a few years ago only in incomplete form: RV 431 and 432. Both are written in the comfortable and expressive key of E minor, are transmitted inautograph manuscripts and lack their second movement (RV 432 also lacks its third movement). The seemingly enigmatic instruction “Grave sopra il libro” replacing the second movement has given rise to the most fanciful hypotheses. The discovery in Edinburgh, in 2010, of a concerto for transverse flute in D minor entitled “Il gran Mogol” suddenly shed light on the situation: this was an earlier version of RV 431, now complete with its middle movement, a “Larghetto” that is verypossibly identical with the one missing in RV 431. This “Gran Mogol”, which belonged to Robert Kerr, a Scottish nobleman and amateur flautist, was already known by name to scholars on account of its listing in an eighteenth-century catalogue as partof a set of Vivaldi concertos bearing geographical titles: more recently, there has come to light a letter written by Vivaldi three months before his death in which the composer describes this set in detail. It is very likely that RV 431 and RV 432belonged to this group of works, the last known collection of its kind in Vivaldi’s oeuvre. This critical edition places these closely related works side by side for the first time, placing them in their historical context and making them performable through its reconstruction of some lost parts. / Niveau : Intermédiaire / Date parution : 1905-07-09/ Répertoire / Flûte Traversière Cordes et Basse Continue

Par DE HAAN JACOB. Missa Brevis est une messe pour Orchestre d’Harmonie et Choeur composée à la demande du Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (Dir. : Philippe Pfisterer) de Guebwiller en France, à l’occasion des célébrations dumillénaire de la naissance du Pape Léon IX à Éguisheim. La création mondiale a eu lieu le 23 juin 2002 sous la direction du compositeur, et a été diffusée en direct sur la chaîne de télévision nationale France 2. Les différentes parties de cettemesse ( Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus et Agnus Dei ) conviennent autant à la liturgie catholique qu’à la liturgie protestante. Missa Brevis peut être interprétée dans différentes combinaisons instrumentales. Ellepeut être jouée dans une version purement instrumentale, où les cuivres prennent en charge la partie vocale. En tel cas, il est conseillé de placer les cuivres à l’écart de la formation (sur une estrade, par exemple) de façon à reproduire l’idée dedeux groupes indépendants. Dans le cadre d’une interprétation avec un grand Choeur, les cuivres jouent un rôle de soutien. Leurs nuances doivent alors être adaptées dans la mesure où elles ont été écrites, à l’origine, pour une version instrumentale. Il est également possible de ne pas faire intervenir les cuivres et de privilégier le Choeur. Pour accompagner de petits ensembles vocaux, il faut opter pour une formation instrumentale réduite voire même un Quatuor (instrumentation au choix). Pourl’interprétation de cette messe l’un des choix proposés ci-dessus s’impose. Il existe néanmoins une alternative qui consiste à interpréter cette oeuvre en combinant ces options (vocales / instrumentales). Cela peut être bénéfique tant d’un point devue artistique (variante) que pratique dans le cas où le Choeur n’a travaillé que deux mouvements de la messe. Si le chef dispose de deux formations complètes (Choeur et Orchestre d’Harmonie), il peut varier l’instrumentation selon ses préférences. Àce moment-là, il peut confier un rôle d’accompagnement et non de soutien aux cuivres de sa formation. Les combinaisons suivantes peuvent être formées : 1. Choeur de Clarinettes (de la Clarinette Mib à la Clarinette Basse) 2. Choeur de Clarinettes + Saxophones 3. Cuivres (Bugles, Cors, Barytons / Euphoniums, Basses) 4. Cuivres (2 Trompettes / 2 Trombones) 5. Instruments à anches doubles (Flûte et Contrebasse à cordes optionnelles) 6. Tutti 7. Tous les Bois 8. Tous les Cuivres Dans le cadre d’une interprétation par un Brass Band accompagné d’un Choeur, il est préférable de supprimer l’option 1 (Choeur + Cuivres + Orchestre d’Harmonie) car le Choeur étant autonome. Dans une version instrumentale pour Cuivres, il estpossible de former la combinaison suivante : Quatuor (2 Cornets / 2 Trombones) et Brass Band. Partitions pour choeur disponibles séparément. / Niveau : 2 / Hymnes et chorals / Répertoire / Concert Band ou Harmonie et Choeur en option

Compiled and Arranged by Franco Cesarini. Au cours de son expérience en tant que chef d'orchestre d’harmonie et professeur de direction au conservatoire, Franco Cesarini a souvent été confronté à la thématique de l'échauffement. Pendant ses longues années de direction, il a eu l'occasion d'essayer de nombreuses méthodes existantes, en évaluant leurs avantages et leurs inconvénients. Après toutes ces années, il a décidé de constituer une collection de chorals pour l'échauffement, qui sont organisés selon les critères qu’il considère les plus efficaces. En arrangeant ses 60 Warm-up Chorales for Band, Franco Cesarini n’a jamais oublié que les musiciens amateurs viennent jouer pour le plaisir. Il est extrêmement important qu'ils aient de la satisfaction à chaque instant de la répétition. Il ne faut pas commencer la répétition par des exercices 'punitifs' inutiles. Personne n'est vraiment motivé pour commencer la répétition avec des gammes, des sons filés ou des exercices rythmiques compliqués. Il y a souvent une absence notable dans les répétitions des orchestres d’harmonie, ça s'appelle la musique ! Dans ce recueil, le tempo n'est jamais indiqué, mais il doit souvent être exécuté assez lentement, mais pas traînant. Les nuances ne sont également pas indiquées, de cette manière, le chef d'orchestre a la possibilité d'attirer l'attention des musiciens sur ses gestes et de les faire réagir selon ses indications. Les parties de timbales et glockenspiel sont ajoutées dans le but de ne pas laisser les percussionnistes complètement inactifs pendant la phase d'échauffement, mais elles peuvent être omises. Les chorals sont écrits en quatre parties (SATB) et sont également jouables en petits groupes. Les quatre voix peuvent être jouées dans différentes combinaisons de bois ou de quatuors de cuivres ou dans des combinaisons mixtes. Ce recueil propose dix chorals pour chacune des tonalités suivantes : ré bémol majeur, la bémol majeur, mi bémol majeur, si bémol majeur, fa majeur et ut majeur. Avec ses 60 Warm-up Chorales for Band, Franco Cesarini veut transmettre un message : celui de jouer de manière musicale, en sensibilisant les musiciens au phrasé, à la bonne interprétation des cadences, du rubato et de l'agogique (changements de rythme et de tempo). Il faut toujours mettre l'aspect musical au premier plan. 60 Warm-up Chorales for Band : une collection parfaite pour l’échauffement et pour améliorer l’intonation !/ Recueil / Concert Band/Harmonie

Poems by Graeme King. Par PUTZ MARCO. Le cantique Nun ruhen alle Wälder, dont la ligne mélodique fut reprise par Jean-Sébastien Bach pour son choral So sein nun, Seele, deine (Choral n°6 - Cantate BWV 13), est le fil conducteur de cette oeuvre en quatre mouvements conçue comme un cri contre la destruction volontaire de la nature pour le profit. Plus de trois siècles nous séparent du temps de Bach. Si les mots sont restés les mêmes, leur sens primitif connaît cependant quelques nuances. Ainsi, au XXIe siècle - considéré comme le « siècle du progrès », il conviendrait de traduire Nun ruhen alle Wälder (“les forêts se reposent “) par “Les forêts se meurent”. La mondialisation et l’industrialisation massiveassociées à l’avidité prédatrice, à la corruption politique, aux actions humaines irrationnelles et au fossé grandissant entre riches et pauvres conduisent notre planète bleue à se rapprocher chaque jour un peu plus du point de non retour. Cette composition n’est pas une accusation acerbe, mais plutôt une exhortation à prendre soin de cette beauté si harmonieuse que nous offre la nature. Et peut-être, prendrons-nous enfin conscience de l’importance d’une situation de coexistence avec la nature, nécessaire pour la survie de l’espèce humaine, et non d’exploitation qui conduit à la destruction. Un jour, alors qu’il naviguait sur Internet, Marco Puütz découvrit l’oeuvre du poète australien Graeme King. Fasciné par la clarté de l’écriture et le rythme des vers, Marco Puütz imagina les multiples possibilités d’adaptation et de mise en musique qu’offrent les poèmes de King. Il choisit quatre poèmes sur la nature pour créer son oeuvre Four Earth Songs (Quatre chants de la terre). 1. Tears of Nature (Les larmes de la Nature) 2. Grrrevolution 3. Stand up! (Levez-vous !) 4. Tomorrow (Demain) Four Earth Songs est dédié amicalement à l’Orchestre de Fanfare de Frise (Frysk Fanfare Orkest) et à son chef, Jouke Hoekstra. L’oeuvre a été donnée en création mondiale par l’orchestre dédicataire à l’occasion de la 14ème Convention de la WASBE à Cincinnati aux / Niveau : 5 / Pièce de concert / Date parution : 1905-07-02/ Répertoire / Concert Band et Solistes

Ed. Critica F. M. Sardelli - Per Violino Solo, Archi E Basso Continuo. Par VIVALDI ANTONIO. Among the many new works by Vivaldi discovered in recent years are not merely works completely unknown previously, but also ones that had already been noticed but for a variety of reasons were set aside. This is the case with the violin concerto RV 817, which has come down to us via a copy lacking the name of its composer. A reexamination of it in the light of the system of “musical concordances” - the great schema of Vivaldi’s reuse of thematicmaterial - has permitted its attribution to him without any further doubts and its recognition as one of the virtuosic concertos of his full maturity. Intended for his pupil and advocate Georg Pisendel, the concerto reflects a predilection for doublestopping and the exploration of the ultra-high register common to the works written for him. With this twenty-second violin concerto in A major, another precious piece is added to the mosaic of the Vivaldi catalogue. / Date parution : 1905-07-06/ Répertoire / Violon, Cordes et Basse Continue

Par BEATLES THE. In over one thousand pages, the complete music and lyrics, in full 'rock score' transcriptions, of all the 203 songs they wrote and recorded as The Beatles, plus nine by others which they covered on their early albums. All transcribed with separate staves for vocals, each guitar (in tab and standard notation) and all other instruments...the essential Beatles collection. / Niveau : Intermédiaire / Rép International / Recueil / Conducteur

Delle Raccolte Edite In Vita Di A. Vivaldi Op.Iii. Par VIVALDI ANTONIO. Contents: - Concerto, Op. 3 No. 1 'Con quattro Violini obligati', RV 549 - Concerto, Op. 3 No. 2 'Con due Violini e Violoncello obligato', RV 578 - Concerto, Op. 3 No. 3 'Con Violino Solo obligato', RV 310 - Concerto, Op. 3 No. 4 'Con quattro Violini obligati', RV 550 - Concerto, Op. 3 No. 5 'Con due Violini obligati', RV 519 - Concerto, Op. 3 No. 6 'Con Violino Solo obligato', RV 356/ Répertoire / Violon, Cordes et Basse Continue

Small Sacred Concertos II. Par SCHUTZ HEINRICH. The 'Kleine geistliche Konzerte' (Small Sacred Concertos), published in two parts in 1636 and1639, are among the best-known and well-loved compositions of Heinrich Schütz. Both parts constitute a collection of vocal pieces in a broad range of styles written for only a few voices with basso continuo. Most of the texts are in German, but some are also in Latin. The first volume presents a broad spectrum of vocal scoring, musical forms and texts: there are solo concertos in the Italian style, traditional four-part motets, well-known Psalm texts set to music, hymns as well as mystically contemplative meditative literature. The concertos' monodic qualities and high level of virtuosity - especially in the compositions with German text - made Schütz a household name shortly after the 'Kleine geistliche Konzerte' were published in print. As the works required no large ensembles, they could be performed for different occasions and in various locations: particularly during the Thirty Years' War they could be heard at court, in cities or in villages but also in schools or at home. Unlike the 1963 edition of the 'Kleine geistliche Konzerte' (BA 3664, BA 3665, BA 3666) as part of the New Schütz Edition, this new volume presents the works for the first time in their original form and order. A historic-critical evaluation of all relevant sources yields new information regarding the composer's intentions, the printing process and the works' reception. Furthermore, the edition includes a reconstruction of an earlier version that has not been published until now. This edition is geared towards musicologists, as well as professional musicians and amateurs with a keen interest in early music./ Répertoire / Chant et Basse Continue

Par MAHLER GUSTAV. Over the years, the need for a new edition of Mahler's Symphony No. 2 became apparent for several reasons. First, many new sources for this work have become accessible since 1970, when Erwin Ratz completed the first critical edition of this symphony, the most significant being Mahler's personal reference score in which he recorded changes to be made (his last entries were made in September 1910). The second reason was the significant strengthening of the editorial standards of the critical edition in recent years. The music is now computer-generated. Previously, changes to the score could be made only by retouching the film of old engravings. Computerization also ensures a concurrence between the score and performance materials. Editorially, the new edition benefits from expanded texts that describe and assess the source materials, document and explain the editors' decisions and provide detailed information on the work's origin, the history of the published scores, performance practices, etc. Over the past five years, Renare Stark-Voit and Gilbert Kaplan, editors of the new edition of Symphony No. 2, have identified, evaluated and analyzed every significant source, and as a result of their work a substantial number of errors has been corrected./ Répertoire / Solistes, Choeur et Orchestre

5 Jazzy Pieces. Par SCHOENMEHL MIKE. Une région pleine de diversité culturelle ' était le slogan pour le festival d'été 2003 Land de Rhénanie-Palatinat et le Quintette de cuivres Brass splendide demandé Mike Schönmehl d'interpréter ce thème dans la musique. Il en est résulté en cinq rencontres avec les différentes traditions culturelles, affichant des influences tangentielles et qui se recoupent de partout dans le monde. Mike Schönmehl a combiné des éléments de la musique du Japon, Turquie, Espagne, Canada et le Brésil avec son style musical jazzy de créer une pièce très originale de musique de chambre. Pour aller avec cette composition, l'artiste de Dodow a peint cinq tableaux qu'il décrit comme 'images nés de partitions musicales'./ Répertoire / 2 Trompettes en Sib, Cor en Fa, Trombone et Tuba

Par DE HAAN JACOB. The Gospel Mass – messe pour choeur mixte, combo et orchestre d’harmonie, fut composée à partir du style gospel, qui, depuis ses origines en Amérique, s’est peu à peu étendu dans le monde entier. Après Missa Brevis et MissaKatharina, voici la troisième messe signée par le compositeur Jacob de Haan. Les différents mouvements de la composition de Jacob de Haan s’articulent selon le déroulement d’une célébration liturgique ordinaire. La Gospel Mass comporte divers styles pop qui trouvent leur origine dans la musique gospel. Nous entendonsalors, non seulement le style classique américain des gospels songs (y compris les applaudissements caractéristiques et rythmes swinguant), mais aussi une plus grande liberté d’usage des styles de gospel qui se sont développés au fil du temps. Le Credo, par exemple, est une ballade aux influences rock et funk. L Agnus Dei résonne comme un slow blues - un genre lent étroitement lié à la musique gospel. La particularité de cette oeuvre réside dans une belle et cohérente combinaisonde tous ces éléments pop et gospel avec le Kyrie, Gloria, Sanctus, Benedictus et Agnus Dei de la liturgie latine. Pour autant que nous sachions, The Gospel Mass est la seule véritable messe gospel. / Niveau : 3 / Répertoire / Choeur (SATB) et Concert Band, Combo

Par SMETANA BEDRICH. La première représentation de 'Ma Vlast' comme un cycle symphonique en six parties a eu lieu le 5 Novembre 1882. Avec la fondation de l'Orchestre philharmonique tchèque, en 1896, ce travail a reCu un accueil beaucoup plus. Depuis 1952, le festival de musique 'Printemps de Prague' a ouvert ce cycle complet. Cette édition est basée sur le 'Study Edition des oeuvres de Bedrich Smetana', vol. 14, complété par une préface mise à jour détaillées sur la genèse et l'histoire de l'oeuvre par Marta Ottlová. Table des matières Vyšehrad / Vltava (La Moldau) / Šárka / Z Ceských luhu un Haju (De les bois et les champs de Bohême) / Thabor / Blaník Nouvelle préface par Marta Ottlová (Cz / Eng / Ger) Urtext sur ??la base du 'Study Edition des oeuvres de Bedrich Smetana'/ Répertoire / Scores