With its optimistic and light sound, this piece by Chris Bernotas is sure to be a favorite! Use your imagination to create your own story to accompany the melodic and rhythmic themes in the piece. Every section has an opportunity to shine, and a pizzicato section adds to the charm. (2:15) / Orchestre A Cordes

Comme un voile sombre, un sentiment d?appréhension envahit le monde. Un danger nous menace, un péril jusqu?ici inconnu s?approche lentement, altérant radicalement notre vie quotidienne. Un virus terrifiant nous oblige à rester chez nous, dans l?impossibilité de nous rendre sur notre lieu de travail et même de voir famille et amis. Nous vivons maintenant un fléau que nous ne connaissions que par les livres d?histoire : une pandémie ! Le danger invisible se répand inexorablement et nous sommes pratiquement paralysés par la peur. La distance entre nous-mêmes et nos semblables s?accroît. En même temps, nous commençons à apprécier un élément de poids : nous avons plus de temps qu?avant ! Les gens s?entraident. Le bon vouloir du voisinage et le soutien familial prennent une importance nouvelle. Nous veillons les uns sur les autres. Tout d?un coup, nous avons le temps de nous consacrer à des choses qui étaient toujours repoussées à plus tard. Le temps de réfléchir? Une nouvelle ère commence. Enfin, l?espoir revient. Nous sortons de chez nous, mais rien n?est vraiment comme avant. Dotés d?une force nouvelle, les gens recommencent à entrevoir l?avenir avec optimisme. Avec une prise de conscience et une nouvelle appréciation du présent, nous pensons que, malgré tout, nous pouvons être heureux.

Zodiakus ~ Zodiaque ~ Dierenriem. Par DE HAAN JAN. Compact Band Series :Cette nouvelle collection propose une série d’oeuvres de tous styles, dans un degré de difficulté restreint (2-21/2 ). Le choix d’une instrumentation élargie a permis d’obtenir une excellente homogénéité entre les pupitres et de belles couleurs sonores. Ces oeuvres sont dont accessibles, à la fois, aux formations incomplètes ainsi qu’aux formations complètes grâce aux parties optionnelles incluses dans le set. / ZODIAC : Le zodiaque est la zone de la sphère céleste dans laquelle on peut voir, à partir de la Terre, les mouvements du Soleil, de la Lune et des huit planètes principales du système solaire. Le zodiaque désigne aussi l'ensembledes douze divisions (constellations) de cette zone, associées à douze figures (signes) employées en astrologie. Étudiée depuis des millénaires, l’astrologie postule que le caractère, la personnalité et tous les secteurs de la vie d’un individu (bonheur, amour, santé, travail) sont déterminés par la position des planètes au moment de sa naissance. Tout est lié, tout se tient. Le compositeur a choisi de tracer un portrait de quatre signes zodiacaux (Taureau, Scorpion, Verseau, Lion) en fonction des caractéristiques psychologiques qui leur sont attribuées. 1. Taurus :Le natif du Taureau est un être pondéré, consciencieux, volontaire et persévérant. Il aime les bonnes choses de la vie. 2. Scorpio : De nature passionnée, résolue et observatrice, le natif du Scorpion est entier. 3. Aquarius :Le Verseau est un être indépendant au goût exagéré pour la démesure. Il est imaginatif et libre jusqu’à l’indiscipline. 4. Leo :Le natif du Lion s’impose par sa personnalité optimiste et impressionnante. Il est sûr de lui, plein d’assurance et sans complaisance. 4. Leo :Le natif du Lion s’impose par sa personnalité optimiste et impressionnante. Il est sûr de lui, plein d’assurance et sans complaisance. / Niveau : 2 / Pièce de concert / Répertoire / Concert Band ou Harmonie

Zodiakus ~ Zodiaque ~ Dierenriem. Par DE HAAN JAN. Compact Band Series : Cette nouvelle collection propose une série d’oeuvres de tous styles, dans un degré de difficulté restreint (2-21/2 ). Le choix d’une instrumentation élargie a permis d’obtenir une excellente homogénéité entre les pupitres et de belles couleurs sonores. Ces oeuvres sont dont accessibles, à la fois, aux formations incomplètes ainsi qu’aux formations complètes grâce aux parties optionnelles incluses dans le set. / ZODIAC : Le zodiaque est la zone de la sphère céleste dans laquelle on peut voir, à partir de la Terre, les mouvements du Soleil, de la Lune et des huit planètes principales du système solaire. Le zodiaque désigne aussi l'ensembledes douze divisions (constellations) de cette zone, associées à douze figures (signes) employées en astrologie. Étudiée depuis des millénaires, l’astrologie postule que le caractère, la personnalité et tous les secteurs de la vie d’un individu (bonheur, amour, santé, travail) sont déterminés par la position des planètes au moment de sa naissance. Tout est lié, tout se tient. Le compositeur a choisi de tracer un portrait de quatre signes zodiacaux (Taureau, Scorpion, Verseau, Lion) en fonction des caractéristiques psychologiques qui leur sont attribuées. 1. Taurus :Le natif du Taureau est un être pondéré, consciencieux, volontaire et persévérant. Il aime les bonnes choses de la vie. 2. Scorpio : De nature passionnée, résolue et observatrice, le natif du Scorpion est entier. 3. Aquarius :Le Verseau est un être indépendant au goût exagéré pour la démesure. Il est imaginatif et libre jusqu’à l’indiscipline. 4. Leo :Le natif du Lion s’impose par sa personnalité optimiste et impressionnante. Il est sûr de lui, plein d’assurance et sans complaisance. / Niveau : 2 / Pièce de concert / Répertoire / Concert Band ou Harmonie

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par SWERTS PIET. Diese Overtüre für Blasorchester wurde im Januar 2002, zum 150. Jahrestag der Pferdemesse von Vilvoorde, komponiert. Willam Tyndale war ein englischer Theologe und Bibelübersetzer, den man als Ketzer im 16. Jahrhundert in Filfurdo lebendig begrub. Während einer Passage in diesem Stück (Takte 78-94) werden Fragmente einer Motette von William Byrd, eines Zeitgenossen von Tyndale, zitiert. Die Motette basiert auf Psalm 81, dessen Text lautet: 'Jubelt Gott zu, unserer Stärke; jauchzt dem Gott Jakobs'. Dies war eine der beliebtesten Motetten jener Zeit. Die Ouvertüre spielt indirekt auf Tyndales Zeit an, dann nimmt das Stück eine Kurze dramatische Wende, der Höhepunkt handelt von derHinrichtung Tyndales. Dies gehört nun jedoch alles der Vergangenheit an und so endet das Sück mit optimistischen Klängen. Die William Tyndale Overture enthält mehrere Anspielungen auf den Stadtrat von Vilvoorde. Das Hauptthema und die Motive basieren auf den Namen Jean-Luc Dehaene, dem Bürgermeister von Vilvoorde. Hieraus lässt sich a-h-d-e (a-b-d-e) ableiten: Einen Halbtonschritt höher transponiert, ist dies das Hauptthema des Stückes. Während der Passage, welche auf William Byrds Motette verweist, wird es häufig wiederholt. Das Stück endet glanzvoll und feierlich. / Niveau : 4 / Pièce de concert / Répertoire / Concert Band ou Harmonie

Arr. Klaas Van Der Woude. Par PIAZZOLLA ASTOR. Expérimentateur de génie en rupture avec la tradition tanguera, virtuose du bandonéon, Astor Piazzolla (1921-1992) révolutionne le langage du tango en le dissociant de la danse. Le tango fait désormais son entrée dans le domaine de la musique de concert. Un soir de 1959, Piazzolla apprend le décès de son père. Il compose un tango pour bandonéon aux caractéristiques inhabituelles : Adíos Nonino. Une oeuvre intimiste, aux harmonies éthérées, qui rompt avec les rythmes traditionnels du tango. / Niveau : 3 / Musique pour célébration / Répertoire / Fanfare

Arrangeur: Klaas van der Woude. Par PIAZZOLLA ASTOR. Expérimentateur de génie en rupture avec la tradition tanguera, virtuose du bandonéon, Astor Piazzolla (1921-1992) révolutionne le langage du tango en le dissociant de la danse. Le tango fait désormais son entrée dans le domaine de la musique de concert. Un soir de 1959, Piazzolla apprend le décès de son père. Il compose un tango pour bandonéon aux caractéristiques inhabituelles : Adíos Nonino Une oeuvre intimiste, aux harmonies éthérées, qui rompt avec les rythmes traditionnels du tango. / Niveau : 3 / Musique pour célébration / Répertoire / Concert Band ou Harmonie

Arr. Klaas Van Der Woude. Par PIAZZOLLA ASTOR. Expérimentateur de génie en rupture avec la tradition tanguera, virtuose du bandonéon, Astor Piazzolla (1921-1992) révolutionne le langage du tango en le dissociant de la danse. Le tango fait désormais son entrée dans le domaine de la musique de concert. Un soir de 1959, Piazzolla apprend le décès de son père. Il compose un tango pour bandonéon aux caractéristiques inhabituelles : Adíos Nonino. Une oeuvre intimiste, aux harmonies éthérées, qui rompt avec les rythmes traditionnels du tango. / Niveau : 3 / Musique pour célébration / Répertoire / Brass Band

Arrangeur: Klaas van der Woude. Par PIAZZOLLA ASTOR. Expérimentateur de génie en rupture avec la tradition tanguera, virtuose du bandonéon, Astor Piazzolla (1921-1992) révolutionne le langage du tango en le dissociant de la danse. Le tango fait désormais son entrée dans le domaine de la musique de concert. Un soir de 1959, Piazzolla apprend le décès de son père. Il compose un tango pour bandonéon aux caractéristiques inhabituelles : Adíos Nonino. Une oeuvre intimiste, aux harmonies éthérées, qui rompt avec les rythmes traditionnels du tango. / Niveau : 3 / Musique pour célébration / Répertoire / Fanfare

Arr. Klaas Van Der Woude. Par PIAZZOLLA ASTOR. Expérimentateur de génie en rupture avec la tradition tanguera, virtuose du bandonéon, Astor Piazzolla (1921-1992) révolutionne le langage du tango en le dissociant de la danse. Le tango fait désormais son entrée dans le domaine de la musique de concert. Un soir de 1959, Piazzolla apprend le décès de son père. Il compose un tango pour bandonéon aux caractéristiques inhabituelles : Adíos Nonino. Une oeuvre intimiste, aux harmonies éthérées, qui rompt avec les rythmes traditionnels du tango. / Niveau : 3 / Musique pour célébration / Répertoire / Concert Band ou Harmonie

Par DE HAAN JACOB. Sea of Hope est une oeuvre optimiste concernant la nouvelle terre créée sur l’ancienne Zuiderzee (Pays-Bas). Dans l’introduction, la mer est représentée dans toute sa gloire et dans sa douleur par une mélodie qui évoque toutes sortes d’émotions contradictoires. Ensuite, enfin, on retrouve une lueur d’espoir lorsque l’eau est barrée et une partie de la terre est transformée en polder. Le développement de la ville de Dronten, par exemple, permet à deux personnes de se rencontrer et de tomber amoureux. Cet amour est représenté par le mouvement lent et passionné du milieu. La célébration de cette nouvelle joie de vivre de la ville transparaît dans cette partie de l’oeuvre, suivie par les dernières mesures optimistes et festives. / Niveau : 3 / Pièce de concert / Date parution : 1905-07-10/ Répertoire / Concert Band ou Harmonie

Une nouvelle édition de ce and ldquo - doit avoir and rdquo - classique, les trois mouvements de Suite Original An fournissent impérieux contrastes and ndash - de la mars majestueux du début à la deuxième mouvement andante, mise en scène pour la finale rafraîchissante, optimiste. / Ensemble A Vent

Grand Overture. Par VAN DER ROOST JAN. Crescent Moon débute de manière solennelle dans le registre moyen et se déploie progressivement en une orchestration plus brillante. Après cette introduction quelque peu grandiose, un allegro virtuose émerge, occasionnant des prouesses techniques dans tous les registres. Un climat d’optimisme joyeux domine ce mouvement - une ambiance très appropriée pour une occasion aux couleurs hautement festives. Que cette oeuvre contribue à stimuler l’optimisme et la confiance en un avenir meilleur. / Niveau : 5 / Pièce de concert / Date parution : 1905-07-04/ Répertoire / Concert Band ou Harmonie

For Tuba Solo And Wind Orchestra. Par PUTZ MARCO. Ce concerto pour tuba s’articule en trois mouvements : Wild Days (Jours sauvages), To Dana (À Dana) qui consiste en un dialogue entre tuba solo et trombone, et A Celebration of Life (Célébration de la vie) qui nous rappelle que les moments difficiles que nous traversons au cours de notre vie ne sont que temporaires. C‘est cette même joie de vivre et cet optimisme sans faille qu’exhale le troisième et dernier mouvement de Chapters of Life (Les chapitres de la vie). Une oeuvre étincelante qui mettra votre tubiste sous les feux de la rampe. Finaliste du Concours de composition 2012, organisé par l’ITEA (Association international de Tuba et Euphonium) - USA / Niveau : 6 / oeuvre solo et Orchestre / Répertoire / Concert Band ou Harmonie et Tuba