| Antonio Carlos Jobim Medley Orchestre d'harmonie [Conducteur] Music Sales
Composed by Newton Mendonca, Antonio Carlos Jobim, Norman Gimbel, and Vinicius...(+)
Composed by Newton
Mendonca,
Antonio Carlos Jobim,
Norman
Gimbel, and Vinicius De
Moraes. Arranged by
Koichi
Sugimoto. Pop, Film and
Show. Original Light
Music.
Score Only. Composed
2007.
40 pages. Music Sales
#1460-
07-140 MS. Published by
Music Sales
$31.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | |
| Douze etudes pour le piano. Opus 26 Piano seul Anne Fuzeau Productions
(divisees en deux suites. Paris, 1838. Manuscrit autographe). By Sigismond Thalb...(+)
(divisees en deux suites.
Paris, 1838. Manuscrit
autographe). By Sigismond
Thalberg (1812-1871).
Edited by Nathalie Froud.
Piano ou piano-forte. For
Piano. Facsimiles.
Collection Dominantes.
Grade 0. 80 pages
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| Die Blume des Scharon Breitkopf & Härtel
Chorus a cappella (SSAATTBB) SKU: BR.CHB-5154-02 3 lyrische Motetten n...(+)
Chorus a cappella
(SSAATTBB) SKU:
BR.CHB-5154-02 3
lyrische Motetten nach
Texten aus dem
Hohelied. Composed by
Jurg Baur. Choir;
stapled. Chor-Bibliothek
(Choral Library).
World premiere:
Aachen, March 12,
1983 Motet; Music
post-1945. Choral score.
Composed 1979. 20 pages.
Duration 15'. Breitkopf
and Haertel #ChB 5154-02.
Published by Breitkopf
and Haertel
(BR.CHB-5154-02). ISBN
9790004410790. 7.5 x 10.5
inches. Das Werk
entstand auf Anregung von
Johannes Homberg fur sein
Vokalensemble ,,Pro
musica, als modernes
Gegenstuck zu den
altmeisterlichen
Vertonungen der gleichen
Texte (u. a. durch
Palestrina oder Orlando
di Lasso). Der
anspruchsvolle dichte und
sehr ausdrucksvolle
Chorsatz der drei
Motetten verbindet
strenge, teils
zwolftonige Strukturen
mit weitgespannten
tonalen Elementen. An
Stelle der direkten
Textbeschreibung oder
,,Tonmalerei tritt die
gedanklich espressive
Ausdeutung dieser
bildhaften Liebeslyrik
des Hohen Liedes.
Bezeichnend fur die
formale Gestaltung der
Motetten ist der Wechsel
von imitatorisch bewegten
Motivabschnitten mit
ruhenden Klangflachen und
Akkordsatzen; so bildet
sich eine Reihung von
kontrastierenden Teilen
oder Bildern in
rhapsodischer Folge. Auf
einen uberschwenglichen
Gefuhlsausbruch folgt ein
zart verhaltenes
Liebesbekenntnis. Ein
Leitmotiv ,,Oh sieh
verbindet die drei
Motetten; die leisen Tone
und Klange uberwiegen.
Der Zyklus Die Blume des
Scharon ist ein modernes
Gegenstuck zu den
altmeisterlichen
Vertonungen dergleichen
Texte von Palestrina,
Orlando di Lasso und
deren Zeitgenossen. Der
ausdrucksvolle, dichte
und bei aller klanglichen
Schonheit technisch
schwierige Chorsatz
verbindet - wie etwa im
Divertimento fur Cembalo
und Schlagzeug - strenge,
teils zwolftonige
Strukturen mit freien
tonalen Elementen. An
Stelle der direkten
Textbeschreibung oder
,,Tonmalerei tritt die
gedanklich espressive
Ausdeutung der bildhaften
Liebeslyrik des Hohen
Liedes. Bezeichnend fur
die formale Gestaltung
der drei Motetten ist der
Wechsel von imitatorisch
bewegten
Motiv-Abschnitten und
ruhenden Klangflachen
oder Akkordsatzen; so
ergibt sich eine Reihung
von kontrastierenden
Bildern in rhapsodischer
Folge. Auf
uberschwengliche
Gefuhlsausbruche folgt
ein zart verhaltenes
Liebesbekenntnis. Das
Leitmotiv Oh sieh,
verbindet die drei
Chormotetten. Die leisen
verhaltenen Tone
uberwiegen, ein
stimmungsvoller,
schmerzlich dissonanter
oder erfullt geloster
Pianissimo-Klang steht
jeweils am Ende der drei
Satze.(Jurg
Baur)CD:Bonner
Kammerchor, cond. Peter
HennCD Cantabile
2401Bibliography:Richter,
Reinhold: Zwischen
Tradition und Avantgarde
zwischen Zweifel und
Hoffnung. Einige Notizen
zur Chor- und Orgelmusik
von Jurg Baur anlasslich
des 85. Geburtstages im
vergangenen November, in:
Forum Kirchenmusik 54
(2003), Heft 6, pp.
23-31. $16.95 - Voir plus => AcheterDélais: 3 to 4 weeks | | |
| Rondo aus der Schopfung Piano seul Doblinger
(Variationen uber ein Thema aus der Schopfung von J. Haydn). By Sigismund Neuk...(+)
(Variationen uber ein
Thema aus der Schopfung
von J. Haydn). By
Sigismund Neukomm
(1778-1858). Piano. For
piano. 12 pages
$18.95 - Voir plus => AcheterDélais: 4 to 6 weeks | | |
| Segmenti Piano seul Berben
Piano SKU: PR.510038790 Composed by Raffaele Bellafronte. With Standard n...(+)
Piano SKU:
PR.510038790 Composed
by Raffaele Bellafronte.
With Standard notation.
Berben #510-03879.
Published by Berben
(PR.510038790). UPC:
680160146017. $14.99 - Voir plus => AcheterDélais: 1 to 2 weeks | | |
| Marco da Gagliano: The Complete Five Voice Madrigals Volume 1 Gaudia Music and Arts Publications
Composed by Sigismondo D'India (1582-1629). Edited by Suzanne Court. For 5 mixed...(+)
Composed by Sigismondo
D'India (1582-1629).
Edited by Suzanne Court.
For 5 mixed voices.
Madrigal. Renaissance
Voices. Collection. Text
Language: Italian.
Published by Gaudia Music
and Arts Publications
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| Canadian Fiddle Music Volume 1 Violon [Partition] Mel Bay
compiled by Dr. Ed Whitcomb. For Fiddle. songbook. Canadian. Level: Beginning-In...(+)
compiled by Dr. Ed
Whitcomb. For Fiddle.
songbook. Canadian.
Level:
Beginning-Intermediate.
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224 pages. Published by
Mel Bay Publications,
Inc.
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| In Memoriam: For the Fallen Orchestre d'harmonie [Conducteur et Parties séparées] - Intermédiaire Anglo Music
Concert Band/Harmonie - Grade 4 SKU: BT.AMP-416-010 On a poem by Laure...(+)
Concert Band/Harmonie -
Grade 4 SKU:
BT.AMP-416-010 On
a poem by Laurence
Binyon. Composed by
Philip Sparke. Anglo
Music Midway Series. Set
(Score & Parts). Composed
2014. Anglo Music Press
#AMP 416-010. Published
by Anglo Music Press
(BT.AMP-416-010).
English-German-French-
Dutch. In
Memoriam: For the
Fallen was
commissioned by Bolsover
District Council for the
Bolsover Brass Summer
School 2014. It is a
setting for narrator and
band of Laurence
Binyon’s
(1869-1943) poem, For
the Fallen, which was
first published in The
Times in September 1914.
Binyon was dismayed at
the outbreak of war and
especially concerned by
the large number
ofcasualties suffered by
the British Expeditionary
Force in the early months
of the battle on the
Western Front. Too old to
enlist, he volunteered as
a hospital orderly in
France. The poem is known
world-wide as the famous
fourth stanza (They
shallgrow not old…)
has become a regular part
of Remembrance Day and
ANZAC Day
services. In
Memoriam: For the
Fallen is a musical
accompaniment to the
poem, shadowing the mood
of each
stanza.
In
Memoriam: For the
Fallen is geschreven
in opdracht van de
Bolsover District
Council, voor de Bolsover
Brass Summer School 2014.
Het werk een
toonzetting voor
verteller en
harmonieorkest is
gebaseerd op het gedicht
‘For the
Fallen’ van
Laurence Binyon
(1869-1943), dat in
september 1914 voor het
eerst werd gepubliceerd
in de Britse krant The
Times. Binyon was ontdaan
overhet uitbreken van de
oorlog, en hij was vooral
erg bezorgd over het
grote aantal gesneuvelden
in de British
Expeditionary Force
tijdens de eerste maanden
van de strijd aan het
westfront. Hij was te oud
om dienst te nemen in het
leger en werkte
alsvrijwilliger in een
hospitaal in Frankrijk.
Het gedicht is wereldwijd
bekend om zijn befaamde
vierde strofe (They shall
grow not old…) een
jaarlijks terugkerende
tekst bij herdenkingen in
Groot-Brittannië,
Australië en
Nieuw-Zeeland. In
Memoriam: For the
Fallen levert de
muzikale begeleiding bij
het gedicht, waarbij de
sfeer van elke strofe
wordt verklankt.
In Memoriam:
For the Fallen wurde
vom Gemeinderat des
englischen Ortes Bolsover
für die Bolsover
Summer School 2014 in
Auftrag gegeben. Es
handelt sich hierbei um
eine Umsetzung für
Erzähler und
Blasorchester des
Gedichts For the
Fallen von Laurence
Binyon (1869-1943), das
erstmals im September
1914 in der Times
veröffentlicht wurde.
Binyon war über den
Kriegsausbruch
bestürztund besonders
betroffen von der
großen Anzahl an
Verlusten bei der British
Expeditionary Force in
den ersten Kriegsmonaten
an der Westfront. Da er
selbst zu alt war, um
sich zu melden, trat er
zum Freiwilligendienst
als Krankenpfleger in
Frankreichan. Sein
Gedicht erlangte
weltweite Bekanntheit
durch die berühmte
vierte Strophe (They
shall not grow old...),
die regelmäßig beim
Volkstrauertag und bei
den Gottesdiensten am
Gedenktag des ANZAC
(Australian and New
Zealand Army Corps)
vorgetragenwird. In
Memoriam: For the
Fallen ist eine
musikalische Begleitung
zum Gedicht, welche die
Stimmung jeder Strophe
musikalisch untermalt.
In Memoriam:
For the Fallen est
une commande du Conseil
général de la Ville
de Bolsover (Angleterre)
pour le stage
d’été 2014
du Bolsover Brass.
Cette composition est
une mise en musique pour
narrateur et orchestre
d’harmonie du
poème de Laurence
Binyon (1869-1943),
For the Fallen,
publié pour la
première fois dans le
Times de septembre 1914.
Désolé que la
guerre ait éclaté,
Binyons’inquiét
ait particulièrement
des lourdes pertes parmi
le corps
expéditionnaire
britannique dans les
premiers mois de combats
sur le front de
l’Ouest. Trop
gé pour
s’engager, il se
porta volontaire comme
aide-soignant dans un
hôpital en France.
Lepoème est connu
mondialement, sa
quatrième strophe,
They shall not grow
old... (Ils ne
vieilliront pas...),
étant
traditionnellement
incluse dans les
cérémonies du
Remembrance Day (le 11
novembre). In
Memoriam: For the
Fallen est un
accompagnement musical
adapté au poème et
reflétant le climat de
chaque strophe. $201.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | |
| Transcriptions of Lieder Piano seul Carl Fischer
Chamber Music Piano SKU: CF.PL1056 Composed by Clara Wieck-Schumann, Fran...(+)
Chamber Music Piano
SKU: CF.PL1056
Composed by Clara
Wieck-Schumann, Franz
Schubert, and Robert
Schumann. Edited by
Nicholas Hopkins.
Collection. With Standard
notation. 128 pages. Carl
Fischer Music #PL1056.
Published by Carl Fischer
Music (CF.PL1056).
ISBN 9781491153390.
UPC: 680160910892.
Transcribed by Franz
Liszt. Introduction
It is true that Schubert
himself is somewhat to
blame for the very
unsatisfactory manner in
which his admirable piano
pieces are treated. He
was too immoderately
productive, wrote
incessantly, mixing
insignificant with
important things, grand
things with mediocre
work, paid no heed to
criticism, and always
soared on his wings. Like
a bird in the air, he
lived in music and sang
in angelic fashion.
--Franz Liszt, letter to
Dr. S. Lebert (1868) Of
those compositions that
greatly interest me,
there are only Chopin's
and yours. --Franz Liszt,
letter to Robert Schumann
(1838) She [Clara
Schumann] was astounded
at hearing me. Her
compositions are really
very remarkable,
especially for a woman.
There is a hundred times
more creativity and real
feeling in them than in
all the past and present
fantasias by Thalberg.
--Franz Liszt, letter to
Marie d'Agoult (1838)
Chretien Urhan
(1790-1845) was a
Belgian-born violinist,
organist and composer who
flourished in the musical
life of Paris in the
early nineteenth century.
According to various
accounts, he was deeply
religious, harshly
ascetic and wildly
eccentric, though revered
by many important and
influential members of
the Parisian musical
community. Regrettably,
history has forgotten
Urhan's many musical
achievements, the most
important of which was
arguably his pioneering
work in promoting the
music of Franz Schubert.
He devoted much of his
energies to championing
Schubert's music, which
at the time was unknown
outside of Vienna.
Undoubtedly, Urhan was
responsible for
stimulating this
enthusiasm in Franz
Liszt; Liszt regularly
heard Urhan's organ
playing in the
St.-Vincent-de-Paul
church in Paris, and the
two became personal
acquaintances. At
eighteen years of age,
Liszt was on the verge of
establishing himself as
the foremost pianist in
Europe, and this
awakening to Schubert's
music would prove to be a
profound experience.
Liszt's first travels
outside of his native
provincial Hungary were
to Vienna in 1821-1823,
where his father enrolled
him in studies with Carl
Czerny (piano) and
Antonio Salieri (music
theory). Both men had
important involvements
with Schubert; Czerny
(like Urhan) as performer
and advocate of
Schubert's music and
Salieri as his theory and
composition teacher from
1813-1817. Curiously,
Liszt and Schubert never
met personally, despite
their geographical
proximity in Vienna
during these years.
Inevitably, legends later
arose that the two had
been personal
acquaintances, although
Liszt would dismiss these
as fallacious: I never
knew Schubert personally,
he was once quoted as
saying. Liszt's initial
exposure to Schubert's
music was the Lieder,
what Urhan prized most of
all. He accompanied the
tenor Benedict
Randhartinger in numerous
performances of
Schubert's Lieder and
then, perhaps realizing
that he could benefit the
composer more on his own
terms, transcribed a
number of the Lieder for
piano solo. Many of these
transcriptions he would
perform himself on
concert tour during the
so-called Glanzzeit, or
time of splendor from
1839-1847. This publicity
did much to promote
reception of Schubert's
music throughout Europe.
Once Liszt retired from
the concert stage and
settled in Weimar as a
conductor in the 1840s,
he continued to perform
Schubert's orchestral
music, his Symphony No. 9
being a particular
favorite, and is credited
with giving the world
premiere performance of
Schubert's opera Alfonso
und Estrella in 1854. At
this time, he
contemplated writing a
biography of the
composer, which
regrettably remained
uncompleted. Liszt's
devotion to Schubert
would never waver.
Liszt's relationship with
Robert and Clara Schumann
was far different and far
more complicated; by
contrast, they were all
personal acquaintances.
What began as a
relationship of mutual
respect and admiration
soon deteriorated into
one of jealousy and
hostility, particularly
on the Schumann's part.
Liszt's initial contact
with Robert's music
happened long before they
had met personally, when
Liszt published an
analysis of Schumann's
piano music for the
Gazette musicale in 1837,
a gesture that earned
Robert's deep
appreciation. In the
following year Clara met
Liszt during a concert
tour in Vienna and
presented him with more
of Schumann's piano
music. Clara and her
father Friedrich Wieck,
who accompanied Clara on
her concert tours, were
quite taken by Liszt: We
have heard Liszt. He can
be compared to no other
player...he arouses
fright and astonishment.
His appearance at the
piano is indescribable.
He is an original...he is
absorbed by the piano.
Liszt, too, was impressed
with Clara--at first the
energy, intelligence and
accuracy of her piano
playing and later her
compositions--to the
extent that he dedicated
to her the 1838 version
of his Etudes d'execution
transcendante d'apres
Paganini. Liszt had a
closer personal
relationship with Clara
than with Robert until
the two men finally met
in 1840. Schumann was
astounded by Liszt's
piano playing. He wrote
to Clara that Liszt had
played like a god and had
inspired indescribable
furor of applause. His
review of Liszt even
included a heroic
personification with
Napoleon. In Leipzig,
Schumann was deeply
impressed with Liszt's
interpretations of his
Noveletten, Op. 21 and
Fantasy in C Major, Op.
17 (dedicated to Liszt),
enthusiastically
observing that, I feel as
if I had known you twenty
years. Yet a variety of
events followed that
diminished Liszt's glory
in the eyes of the
Schumanns. They became
critical of the cult-like
atmosphere that arose
around his recitals, or
Lisztomania as it came to
be called; conceivably,
this could be attributed
to professional jealousy.
Clara, in particular,
came to loathe Liszt,
noting in a letter to
Joseph Joachim, I despise
Liszt from the depths of
my soul. She recorded a
stunning diary entry a
day after Liszt's death,
in which she noted, He
was an eminent keyboard
virtuoso, but a dangerous
example for the
young...As a composer he
was terrible. By
contrast, Liszt did not
share in these negative
sentiments; no evidence
suggests that he had any
ill-regard for the
Schumanns. In Weimar, he
did much to promote
Schumann's music,
conducting performances
of his Scenes from Faust
and Manfred, during a
time in which few
orchestras expressed
interest, and premiered
his opera Genoveva. He
later arranged a benefit
concert for Clara
following Robert's death,
featuring Clara as
soloist in Robert's Piano
Concerto, an event that
must have been
exhilarating to witness.
Regardless, her opinion
of him would never
change, despite his
repeated gestures of
courtesy and respect.
Liszt's relationship with
Schubert was a spiritual
one, with music being the
one and only link between
the two men. That with
the Schumanns was
personal, with music
influenced by a hero
worship that would
aggravate the
relationship over time.
Nonetheless, Liszt would
remain devoted to and
enthusiastic for the
music and achievements of
these composers. He would
be a vital force in
disseminating their music
to a wider audience, as
he would be with many
other composers
throughout his career.
His primary means for
accomplishing this was
the piano transcription.
Liszt and the
Transcription
Transcription versus
Paraphrase Transcription
and paraphrase were
popular terms in
nineteenth-century music,
although certainly not
unique to this period.
Musicians understood that
there were clear
distinctions between
these two terms, but as
is often the case these
distinctions could be
blurred. Transcription,
literally writing over,
entails reworking or
adapting a piece of music
for a performance medium
different from that of
its original; arrangement
is a possible synonym.
Adapting is a key part of
this process, for the
success of a
transcription relies on
the transcriber's ability
to adapt the piece to the
different medium. As a
result, the pre-existing
material is generally
kept intact, recognizable
and intelligible; it is
strict, literal,
objective. Contextual
meaning is maintained in
the process, as are
elements of style and
form. Paraphrase, by
contrast, implies
restating something in a
different manner, as in a
rewording of a document
for reasons of clarity.
In nineteenth-century
music, paraphrasing
indicated elaborating a
piece for purposes of
expressive virtuosity,
often as a vehicle for
showmanship. Variation is
an important element, for
the source material may
be varied as much as the
paraphraser's imagination
will allow; its purpose
is metamorphosis.
Transcription is adapting
and arranging;
paraphrasing is
transforming and
reworking. Transcription
preserves the style of
the original; paraphrase
absorbs the original into
a different style.
Transcription highlights
the original composer;
paraphrase highlights the
paraphraser.
Approximately half of
Liszt's compositional
output falls under the
category of transcription
and paraphrase; it is
noteworthy that he never
used the term
arrangement. Much of his
early compositional
activities were
transcriptions and
paraphrases of works of
other composers, such as
the symphonies of
Beethoven and Berlioz,
vocal music by Schubert,
and operas by Donizetti
and Bellini. It is
conceivable that he
focused so intently on
work of this nature early
in his career as a means
to perfect his
compositional technique,
although transcription
and paraphrase continued
well after the technique
had been mastered; this
might explain why he
drastically revised and
rewrote many of his
original compositions
from the 1830s (such as
the Transcendental Etudes
and Paganini Etudes) in
the 1850s. Charles Rosen,
a sympathetic interpreter
of Liszt's piano works,
observes, The new
revisions of the
Transcendental Etudes are
not revisions but concert
paraphrases of the old,
and their art lies in the
technique of
transformation. The
Paganini etudes are piano
transcriptions of violin
etudes, and the
Transcendental Etudes are
piano transcriptions of
piano etudes. The
principles are the same.
He concludes by noting,
Paraphrase has shaded off
into
composition...Composition
and paraphrase were not
identical for him, but
they were so closely
interwoven that
separation is impossible.
The significance of
transcription and
paraphrase for Liszt the
composer cannot be
overstated, and the
mutual influence of each
needs to be better
understood. Undoubtedly,
Liszt the composer as we
know him today would be
far different had he not
devoted so much of his
career to transcribing
and paraphrasing the
music of others. He was
perhaps one of the first
composers to contend that
transcription and
paraphrase could be
genuine art forms on
equal par with original
pieces; he even claimed
to be the first to use
these two terms to
describe these classes of
arrangements. Despite the
success that Liszt
achieved with this type
of work, others viewed it
with circumspection and
criticism. Robert
Schumann, although deeply
impressed with Liszt's
keyboard virtuosity, was
harsh in his criticisms
of the transcriptions.
Schumann interpreted them
as indicators that
Liszt's virtuosity had
hindered his
compositional development
and suggested that Liszt
transcribed the music of
others to compensate for
his own compositional
deficiencies.
Nonetheless, Liszt's
piano transcriptions,
what he sometimes called
partitions de piano (or
piano scores), were
instrumental in promoting
composers whose music was
unknown at the time or
inaccessible in areas
outside of major European
capitals, areas that
Liszt willingly toured
during his Glanzzeit. To
this end, the
transcriptions had to be
literal arrangements for
the piano; a Beethoven
symphony could not be
introduced to an
unknowing audience if its
music had been subjected
to imaginative
elaborations and
variations. The same
would be true of the 1833
transcription of
Berlioz's Symphonie
fantastique (composed
only three years
earlier), the
astonishingly novel
content of which would
necessitate a literal and
intelligible rendering.
Opera, usually more
popular and accessible
for the general public,
was a different matter,
and in this realm Liszt
could paraphrase the
original and manipulate
it as his imagination
would allow without
jeopardizing its
reception; hence, the
paraphrases on the operas
of Bellini, Donizetti,
Mozart, Meyerbeer and
Verdi. Reminiscence was
another term coined by
Liszt for the opera
paraphrases, as if the
composer were reminiscing
at the keyboard following
a memorable evening at
the opera. Illustration
(reserved on two
occasions for Meyerbeer)
and fantasy were
additional terms. The
operas of Wagner were
exceptions. His music was
less suited to paraphrase
due to its general lack
of familiarity at the
time. Transcription of
Wagner's music was thus
obligatory, as it was of
Beethoven's and Berlioz's
music; perhaps the
composer himself insisted
on this approach. Liszt's
Lieder Transcriptions
Liszt's initial
encounters with
Schubert's music, as
mentioned previously,
were with the Lieder. His
first transcription of a
Schubert Lied was Die
Rose in 1833, followed by
Lob der Tranen in 1837.
Thirty-nine additional
transcriptions appeared
at a rapid pace over the
following three years,
and in 1846, the Schubert
Lieder transcriptions
would conclude, by which
point he had completed
fifty-eight, the most of
any composer. Critical
response to these
transcriptions was highly
favorable--aside from the
view held by
Schumann--particularly
when Liszt himself played
these pieces in concert.
Some were published
immediately by Anton
Diabelli, famous for the
theme that inspired
Beethoven's variations.
Others were published by
the Viennese publisher
Tobias Haslinger (one of
Beethoven's and
Schubert's publishers in
the 1820s), who sold his
reserves so quickly that
he would repeatedly plead
for more. However,
Liszt's enthusiasm for
work of this nature soon
became exhausted, as he
noted in a letter of 1839
to the publisher
Breitkopf und Hartel:
That good Haslinger
overwhelms me with
Schubert. I have just
sent him twenty-four new
songs (Schwanengesang and
Winterreise), and for the
moment I am rather tired
of this work. Haslinger
was justified in his
demands, for the Schubert
transcriptions were
received with great
enthusiasm. One Gottfried
Wilhelm Fink, then editor
of the Allgemeine
musikalische Zeitung,
observed of these
transcriptions: Nothing
in recent memory has
caused such sensation and
enjoyment in both
pianists and audiences as
these arrangements...The
demand for them has in no
way been satisfied; and
it will not be until
these arrangements are
seen on pianos
everywhere. They have
indeed made quite a
splash. Eduard Hanslick,
never a sympathetic
critic of Liszt's music,
acknowledged thirty years
after the fact that,
Liszt's transcriptions of
Schubert Lieder were
epoch-making. There was
hardly a concert in which
Liszt did not have to
play one or two of
them--even when they were
not listed on the
program. These
transcriptions quickly
became some of his most
sough-after pieces,
despite their extreme
technical demands.
Leading pianists of the
day, such as Clara Wieck
and Sigismond Thalberg,
incorporated them into
their concert programs
immediately upon
publication. Moreover,
the transcriptions would
serve as inspirations for
other composers, such as
Stephen Heller, Cesar
Franck and later Leopold
Godowsky, all of whom
produced their own
transcriptions of
Schubert's Lieder. Liszt
would transcribe the
Lieder of other composers
as well, including those
by Mendelssohn, Chopin,
Anton Rubinstein and even
himself. Robert Schumann,
of course, would not be
ignored. The first
transcription of a
Schumann Lied was the
celebrated Widmung from
Myrten in 1848, the only
Schumann transcription
that Liszt completed
during the composer's
lifetime. (Regrettably,
there is no evidence of
Schumann's regard of this
transcription, or even if
he was aware of it.) From
the years 1848-1881,
Liszt transcribed twelve
of Robert Schumann's
Lieder (including one
orchestral Lied) and
three of Clara (one from
each of her three
published Lieder cycles);
he would transcribe no
other works of these two
composers. The Schumann
Lieder transcriptions,
contrary to those of
Schubert, are literal
arrangements, posing, in
general, far fewer
demands on the pianist's
technique. They are
comparatively less
imaginative in their
treatment of the original
material. Additionally,
they seem to have been
less valued in their day
than the Schubert
transcriptions, and it is
noteworthy that none of
the Schumann
transcriptions bear
dedications, as most of
the Schubert
transcriptions do. The
greatest challenge posed
by Lieder transcriptions,
regardless of the
composer or the nature of
the transcription, was to
combine the vocal and
piano parts of the
original such that the
character of each would
be preserved, a challenge
unique to this form of
transcription. Each part
had to be intact and
aurally recognizable, the
vocal line in particular.
Complications could be
manifold in a Lied that
featured dissimilar
parts, such as Schubert's
Auf dem Wasser zu singen,
whose piano accompaniment
depicts the rocking of
the boat on the
shimmering waves while
the vocal line reflects
on the passing of time.
Similar complications
would be encountered in
Gretchen am Spinnrade, in
which the ubiquitous
sixteenth-note pattern in
the piano's right hand
epitomizes the
ever-turning spinning
wheel over which the
soprano voice expresses
feelings of longing and
heartache. The resulting
transcriptions for solo
piano would place
exceptional demands on
the pianist. The
complications would be
far less imposing in
instances in which voice
and piano were less
differentiated, as in
many of Schumann's Lieder
that Liszt transcribed.
The piano parts in these
Lieder are true
accompaniments for the
voice, providing harmonic
foundation and rhythmic
support by doubling the
vocal line throughout.
The transcriptions, thus,
are strict and literal,
with far fewer demands on
both pianist and
transcriber. In all of
Liszt's Lieder
transcriptions,
regardless of the way in
which the two parts are
combined, the melody
(i.e. the vocal line) is
invariably the focal
point; the melody should
sing on the piano, as if
it were the voice. The
piano part, although
integral to contributing
to the character of the
music, is designed to
function as
accompaniment. A singing
melody was a crucial
objective in
nineteenth-century piano
performance, which in
part might explain the
zeal in transcribing and
paraphrasing vocal music
for the piano. Friedrich
Wieck, father and teacher
of Clara Schumann,
stressed this point
repeatedly in his 1853
treatise Clavier und
Gesang (Piano and Song):
When I speak in general
of singing, I refer to
that species of singing
which is a form of
beauty, and which is a
foundation for the most
refined and most perfect
interpretation of music;
and, above all things, I
consider the culture of
beautiful tones the basis
for the finest possible
touch on the piano. In
many respects, the piano
and singing should
explain and supplement
each other. They should
mutually assist in
expressing the sublime
and the noble, in forms
of unclouded beauty. Much
of Liszt's piano music
should be interpreted
with this concept in
mind, the Lieder
transcriptions and opera
paraphrases, in
particular. To this end,
Liszt provided numerous
written instructions to
the performer to
emphasize the vocal line
in performance, with
Italian directives such
as un poco marcato il
canto, accentuato assai
il canto and ben
pronunziato il canto.
Repeated indications of
cantando,singend and
espressivo il canto
stress the significance
of the singing tone. As
an additional means of
achieving this and
providing the performer
with access to the
poetry, Liszt insisted,
at what must have been a
publishing novelty at the
time, on printing the
words of the Lied in the
music itself. Haslinger,
seemingly oblivious to
Liszt's intent, initially
printed the poems of the
early Schubert
transcriptions separately
inside the front covers.
Liszt argued that the
transcriptions must be
reprinted with the words
underlying the notes,
exactly as Schubert had
done, a request that was
honored by printing the
words above the
right-hand staff. Liszt
also incorporated a
visual scheme for
distinguishing voice and
accompaniment, influenced
perhaps by Chopin, by
notating the
accompaniment in cue
size. His transcription
of Robert Schumann's
Fruhlings Ankunft
features the vocal line
in normal size, the piano
accompaniment in reduced
size, an unmistakable
guide in a busy texture
as to which part should
be emphasized: Example 1.
Schumann-Liszt Fruhlings
Ankunft, mm. 1-2. The
same practice may be
found in the
transcription of
Schumann's An die Turen
will ich schleichen. In
this piece, the performer
must read three staves,
in which the baritone
line in the central staff
is to be shared between
the two hands based on
the stem direction of the
notes: Example 2.
Schumann-Liszt An die
Turen will ich
schleichen, mm. 1-5. This
notational practice is
extremely beneficial in
this instance, given the
challenge of reading
three staves and the
manner in which the vocal
line is performed by the
two hands. Curiously,
Liszt did not use this
practice in other
transcriptions.
Approaches in Lieder
Transcription Liszt
adopted a variety of
approaches in his Lieder
transcriptions, based on
the nature of the source
material, the ways in
which the vocal and piano
parts could be combined
and the ways in which the
vocal part could sing.
One approach, common with
strophic Lieder, in which
the vocal line would be
identical in each verse,
was to vary the register
of the vocal part. The
transcription of Lob der
Tranen, for example,
incorporates three of the
four verses of the
original Lied, with the
register of the vocal
line ascending one octave
with each verse (from low
to high), as if three
different voices were
participating. By the
conclusion, the music
encompasses the entire
range of Liszt's keyboard
to produce a stunning
climactic effect, and the
variety of register of
the vocal line provides a
welcome textural variety
in the absence of the
words. The three verses
of the transcription of
Auf dem Wasser zu singen
follow the same approach,
in which the vocal line
ascends from the tenor,
to the alto and to the
soprano registers with
each verse.
Fruhlingsglaube adopts
the opposite approach, in
which the vocal line
descends from soprano in
verse 1 to tenor in verse
2, with the second part
of verse 2 again resuming
the soprano register;
this is also the case in
Das Wandern from
Mullerlieder. Gretchen am
Spinnrade posed a unique
problem. Since the poem's
narrator is female, and
the poem represents an
expression of her longing
for her lover Faust,
variation of the vocal
line's register, strictly
speaking, would have been
impractical. For this
reason, the vocal line
remains in its original
register throughout,
relentlessly colliding
with the sixteenth-note
pattern of the
accompaniment. One
exception may be found in
the fifth and final verse
in mm. 93-112, at which
point the vocal line is
notated in a higher
register and doubled in
octaves. This sudden
textural change, one that
is readily audible, was a
strategic means to
underscore Gretchen's
mounting anxiety (My
bosom urges itself toward
him. Ah, might I grasp
and hold him! And kiss
him as I would wish, at
his kisses I should
die!). The transcription,
thus, becomes a vehicle
for maximizing the
emotional content of the
poem, an exceptional
undertaking with the
general intent of a
transcription. Registral
variation of the vocal
part also plays a crucial
role in the transcription
of Erlkonig. Goethe's
poem depicts the death of
a child who is
apprehended by a
supernatural Erlking, and
Schubert, recognizing the
dramatic nature of the
poem, carefully depicted
the characters (father,
son and Erlking) through
unique vocal writing and
accompaniment patterns:
the Lied is a dramatic
entity. Liszt, in turn,
followed Schubert's
characterization in this
literal transcription,
yet took it an additional
step by placing the
register of the father's
vocal line in the
baritone range, that of
the son in the soprano
range and that of the
Erlking in the highest
register, options that
would not have been
available in the version
for voice and piano.
Additionally, Liszt
labeled each appearance
of each character in the
score, a means for
guiding the performer in
interpreting the dramatic
qualities of the Lied. As
a result, the drama and
energy of the poem are
enhanced in this
transcription; as with
Gretchen am Spinnrade,
the transcriber has
maximized the content of
the original. Elaboration
may be found in certain
Lieder transcriptions
that expand the
performance to a level of
virtuosity not found in
the original; in such
cases, the transcription
approximates the
paraphrase. Schubert's Du
bist die Ruh, a paradigm
of musical simplicity,
features an uncomplicated
piano accompaniment that
is virtually identical in
each verse. In Liszt's
transcription, the
material is subjected to
a highly virtuosic
treatment that far
exceeds the original,
including a demanding
passage for the left hand
alone in the opening
measures and unique
textural writing in each
verse. The piece is a
transcription in
virtuosity; its art, as
Rosen noted, lies in the
technique of
transformation.
Elaboration may entail an
expansion of the musical
form, as in the extensive
introduction to Die
Forelle and a virtuosic
middle section (mm.
63-85), both of which are
not in the original. Also
unique to this
transcription are two
cadenzas that Liszt
composed in response to
the poetic content. The
first, in m. 93 on the
words und eh ich es
gedacht (and before I
could guess it), features
a twisted chromatic
passage that prolongs and
thereby heightens the
listener's suspense as to
the fate of the trout
(which is ultimately
caught). The second, in
m. 108 on the words
Betrogne an (and my blood
boiled as I saw the
betrayed one), features a
rush of
diminished-seventh
arpeggios in both hands,
epitomizing the poet's
rage at the fisherman for
catching the trout. Less
frequent are instances in
which the length of the
original Lied was
shortened in the
transcription, a tendency
that may be found with
certain strophic Lieder
(e.g., Der Leiermann,
Wasserflut and Das
Wandern). Another
transcription that
demonstrates Liszt's
readiness to modify the
original in the interests
of the poetic content is
Standchen, the seventh
transcription from
Schubert's
Schwanengesang. Adapted
from Act II of
Shakespeare's Cymbeline,
the poem represents the
repeated beckoning of a
man to his lover. Liszt
transformed the Lied into
a miniature drama by
transcribing the vocal
line of the first verse
in the soprano register,
that of the second verse
in the baritone register,
in effect, creating a
dialogue between the two
lovers. In mm. 71-102,
the dialogue becomes a
canon, with one voice
trailing the other like
an echo (as labeled in
the score) at the
distance of a beat. As in
other instances, the
transcription resembles
the paraphrase, and it is
perhaps for this reason
that Liszt provided an
ossia version that is
more in the nature of a
literal transcription.
The ossia version, six
measures shorter than
Schubert's original, is
less demanding
technically than the
original transcription,
thus representing an
ossia of transcription
and an ossia of piano
technique. The Schumann
Lieder transcriptions, in
general, display a less
imaginative treatment of
the source material.
Elaborations are less
frequently encountered,
and virtuosity is more
restricted, as if the
passage of time had
somewhat tamed the
composer's approach to
transcriptions;
alternatively, Liszt was
eager to distance himself
from the fierce
virtuosity of his early
years. In most instances,
these transcriptions are
literal arrangements of
the source material, with
the vocal line in its
original form combined
with the accompaniment,
which often doubles the
vocal line in the
original Lied. Widmung,
the first of the Schumann
transcriptions, is one
exception in the way it
recalls the virtuosity of
the Schubert
transcriptions of the
1830s. Particularly
striking is the closing
section (mm. 58-73), in
which material of the
opening verse (right
hand) is combined with
the triplet quarter notes
(left hand) from the
second section of the
Lied (mm. 32-43), as if
the transcriber were
attempting to reconcile
the different material of
these two sections.
Fruhlingsnacht resembles
a paraphrase by
presenting each of the
two verses in differing
registers (alto for verse
1, mm. 3-19, and soprano
for verse 2, mm. 20-31)
and by concluding with a
virtuosic section that
considerably extends the
length of the original
Lied. The original
tonalities of the Lieder
were generally retained
in the transcriptions,
showing that the tonality
was an important part of
the transcription
process. The infrequent
instances of
transposition were done
for specific reasons. In
1861, Liszt transcribed
two of Schumann's Lieder,
one from Op. 36 (An den
Sonnenschein), another
from Op. 27 (Dem roten
Roslein), and merged
these two pieces in the
collection 2 Lieder; they
share only the common
tonality of A major. His
choice for combining
these two Lieder remains
unknown, but he clearly
recognized that some
tonal variety would be
needed, for which reason
Dem roten Roslein was
transposed to C>= major.
The collection features
An den Sonnenschein in A
major (with a transition
to the new tonality),
followed by Dem roten
Roslein in C>= major
(without a change of key
signature), and
concluding with a reprise
of An den Sonnenschein in
A major. A three-part
form was thus established
with tonal variety
provided by keys in third
relations (A-C>=-A); in
effect, two of Schumann's
Lieder were transcribed
into an archetypal song
without words. In other
instances, Liszt treated
tonality and tonal
organization as important
structural ingredients,
particularly in the
transcriptions of
Schubert's Lieder cycles,
i.e. Schwanengesang,
Winterreise a... $32.99 - Voir plus => AcheterDélais: 1 to 2 weeks | | |
| Four Earth Songs Sc/pts Full Score Orchestre d'harmonie [Conducteur] - Intermédiaire De Haske Publications
Concert Band and Vocal Soloist (Score) - Grade 5 SKU: HL.44011763 Poem...(+)
Concert Band and Vocal
Soloist (Score) - Grade 5
SKU: HL.44011763
Poems by Graeme
King. Composed by
Marco Putz. De Haske
Concert Band. Concert
Piece. Score Only.
Composed 2010. De Haske
Publications #1094768.
Published by De Haske
Publications
(HL.44011763). UPC:
884088896607. 9x12
inches.
English-German-French-Dut
ch. The hymn Nun
ruhen alle Walder (Now
All Forests Rest),
arranged by J.S. Bach
(No. 6, So sei nun,
Seele, deine, from
Cantata BWV 13), is a
guiding light throughout
this four-movement
composition. Pütz
wrote this work as a
musical outcry against
the wilful, profit-driven
destruction of our
environment. When Bach
used the word ruhen (to
rest) over 350 years ago,
it probably had a
different nuance from the
meaning it has today. At
the beginning of the 21st
century - the so-called
age of progress - nun
ruhen alle Walder should
mean now all forests die
. Massive
industrialization and
globalization, coupled
with pure greed,
corruption, political
scandals, an
ever-wideninggap between
the rich and poor, and
other such senseless
human actions, are
pushing our blue planet
closer and closer to the
point of no return. This
work is not intended to
be a ranting accusation.
It should remind us of
the beauty and harmony
that can exist all around
us in nature, if we take
care of it. Pütz
hopes that this will, one
day, help put a greater
emphasis on humanity's
survival, and coexistence
with nature rather than
the exploitation
described earlier. All
four texts were created
by Australian poet Graeme
King, whose works were
discovered by Pütz,
by chance on the
internet. Pütz was
especially captivated by
King's clarity, and
intrigued by the
possibilities of adapting
and melding the strong
rhythmical structure of
King's writing with his
own musical language. The
four movements are as
follows: 1. Tears of
Nature 2. Grrrevolution
3. Stand up! 4. Tomorrow
The world premiere of
Four Earth Songs took
place on 7 July 2009 at
the 14th WASBE-Conference
in Cincinnati (USA). This
work is dedicated in
friendship to Jouke
Hoekstra, conductor, and
the Frysk Fanfare Orkest
(the Frisian
Fanfare-Orchestra).
De hymne Nun
ruhen alle Walder,
gearrangeerd door J.S.
Bach (nr. 6, So sei nun,
Seele, deine, uit cantate
BWV 13), is de leidraad
in deze vierdelige
compositie. Putz schreef
het werk als een muzikaal
protest tegen de
moedwillige,op winstbejag
gebaseerde vernietiging
van ons milieu. Toen Bach
het woord 'ruhen'
(rusten) meer dan 350
jaar geleden gebruikte,
lag er waarschijnlijk een
andere nuance in dan
tegenwoordig. Aan het
begin van de 21e eeuw -
dezogenaamde eeuw van de
vooruitgang - zou 'nun
ruhen alle Walder' zelfs
kunnen betekenen: 'nu
sterven alle bossen'. De
grootschalige
industrialisatie en
globalisering, in
combinatie met pure
hebzucht, corruptie,
politieke schandalen,een
groeiende kloof tussen
arm en rijk, en andere
dwaze menselijke
verrichtingen, brengen
onze blauwe planeet
steeds verder in de
problemen, tot er
misschien geen weg terug
meer is. Dit werk is niet
bedoeld als een
beschuldigendetirade. Het
moet ons wijzen op de
schoonheid en harmonie
die in de natuur om ons
heen kan bestaan, als we
er goed voor zorgen. Putz
hoopt dat er op een dag
meer nadruk gelegd zal
worden op het overleven
van de mensheid
invreedzame co-existentie
met de natuur, zonder de
eerdergenoemde
uitbuiting. Alle vier de
teksten zijn geschreven
door de Australische
dichter Graeme King,
wiens werk Putz bij
toeval tegenkwam op het
internet. Hij werd
getroffendoor Kings
helderheid en raakte
geintrigeerd door de
mogelijkheid de sterke
ritmische structuur van
Kings teksten om te
zetten in zijn eigen
muzikale taal. De vier
delen zijn de volgende:
1. Tears of Nature 2.
Grrrevolution 3.Stand up!
4. Tomorrow De
wereldpremiere van Four
Earth Songs vond plaats
op 7 juli 2009 tijdens de
14e WASBE Conference in
Cincinnati (VS). Dit werk
is in vriendschap
opgedragen aan dirigent
Jouke Hoekstra en zijn
Fryskt Fanfare
Der
Choral Nun ruhen alle
Walder, hier in einer
Bearbeitung von J.S. Bach
(Nr. 6 So sei nun, Seele,
deine aus der Kantate BWV
13), zieht sich wie ein
roter Faden durch diese
viersatzige Komposition,
die als musikalischer
Aufschrei (Anfang!) gegen
die mutwillige,
profitgesteuerte
Zerstorung unserer Umwelt
gedacht ist. Sicher hatte
das Wort ruhen vor
über 350 Jahren,
als der Liedtext
entstand, eine andere
Bedeutung als heute. Zu
Beginn des 21.
Jahrhunderts, im
sogenannten Zeitalter des
Fortschritts,
müsste es leider
wohl eher heissen: Nun
sterben alle Walder...
Massive
Industrialisierung,
Globalisierung, aber auch
Profitgier, Korruption,
politische
Unfahigkeit,krasse
Unterschiede zwischen arm
und reich, und
schlussendlich die
Uneinsichtigkeit des
einzelnen Menschen haben
dazu geführt, dass
der Blaue Planet heute
kurz vor dem Kollaps
steht. Dieses Werk soll
jedoch nicht nur
anklagen, es soll auch
die verbliebenen
Schonheiten unserer Natur
aufzeigen, in der
Hoffnung, dass es einmal
gelingen wird, die
Rettung der Natur und den
Schutz der Umwelt
über die oben
genannten Interessen zu
stellen. Alle vier Texte
stammen aus der Feder des
australischen Dichters
Graeme King, dessen Werk
der Komponist durch einen
glücklichen Zufall
im Internet entdeckte.
Besonders inspirierend
war die Direktheit von
Graemes Aussagen, aber
auch die kraftvolle
Rhythmik seiner Verse mit
den daraus resultierenden
Moglichkeiten der
musikalischen Umsetzung.
Die vier Satze sind wie
folgt
überschrieben: 1.
Tears of Nature 2.
Grrrevolution 3. Stand
up! 4. Tomorrow Die
offizielle
Uraufführung von
Four Earth Songs fand am
7. Juli 2009 statt,
anlasslich der 14.
WASBE-Konferenz in
Cincinnati (USA). Das
Werk ist dem Dirigenten
Jouke Hoekstra und dem
Frysk Fanfare Orkest
(Friesischen
Fanfareorchester) in
aller Freundschaft
gewidmet.
Le
cantique Nun ruhen alle
Walder, dont la ligne
melodique fut reprise par
Jean-Sebastien Bach pour
son choral So sein nun,
Seele, deine (Choral
ndeg6 - Cantate BWV 13),
est le fil conducteur de
cette oeuvre en quatre
mouvements concue comme
un cri contre la
destruction volontaire de
la nature pour le profit.
Plus de trois siecles
nous separent du temps de
Bach. Si les mots sont
restes les memes, leur
sens primitif connait
cependant quelques
nuances. Ainsi, au XXIe
siecle - considere comme
le << siecle du progres
>>, il conviendrait de
traduire Nun ruhen alle
Walder (les forets se
reposent ) par Les forets
se meurent. La
mondialisation et
l'industrialisation
massiveassociees a
l'avidite predatrice, a
la corruption politique,
aux actions humaines
irrationnelles et au
fosse grandissant entre
riches et pauvres
conduisent notre planete
bleue a se rapprocher
chaque jour un peu plus
du point de non retour.
Cette composition n'est
pas une accusation
acerbe, mais plutot une
exhortation a prendre
soin de cette beaute si
harmonieuse que nous
offre la nature. Et
peut-etre, prendrons-nous
enfin conscience de
l'importance d'une
situation de coexistence
avec la nature,
necessaire pour la survie
de l'espece humaine, et
non d'exploitation qui
conduit a la destruction.
Un jour, alors qu'il
naviguait sur Internet,
Marco Pütz
decouvrit l'oeuvre du
poete australien Graeme
King. Fascine par la
clarte de l'ecriture et
le rythme des vers, Marco
Pütz imagina les
multiples possibilites
d'adaptation et de mise
en musique qu'offrent les
poemes de King. Il
choisit quatre poemes sur
la nature pour creer son
oeuvre Four Earth Songs
(Quatre chants de la
terre). 1. Tears of
Nature (Les larmes de la
Nature) 2. Grrrevolution
3. Stand up! (Levez-vous
!) 4. Tomorrow (Demain)
Four Earth Songs est
dedie amicalement a
l'Orchestre de Fanfare de
Frise (Frysk Fanfare
Orkest) et a son chef,
Jouke Hoekstra. L'oeuvre
a ete donnee en creation
mondiale par l'orchestre
dedicataire a l'occasion
de la 14eme Convention de
la WASBE a Cincinnati
aux. $114.00 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | |
| Four Earth Songs Sc/pts Orchestre d'harmonie [Conducteur] - Intermédiaire Hal Leonard
Concert Band and Vocal Soloist (Score & Parts) - Grade 5 SKU: HL.44011762 ...(+)
Concert Band and Vocal
Soloist (Score & Parts) -
Grade 5 SKU:
HL.44011762 Poems
by Graeme King.
Composed by Marco Putz.
De Haske Concert Band.
Concert Piece. Score
Only. Composed 2010. Hal
Leonard #1094768.
Published by Hal Leonard
(HL.44011762). UPC:
884088896591. 9x12
inches.
English(US)/Deutsch/Franc
ais/Nederlands. The
hymn Nun ruhen alle
Walder (Now All Forests
Rest), arranged by J.S.
Bach (No. 6, So sei nun,
Seele, deine, from
Cantata BWV 13), is a
guiding light throughout
this four-movement
composition. Pütz
wrote this work as a
musical outcry against
the wilful, profit-driven
destruction of our
environment. When Bach
used the word ruhen (to
rest) over 350 years ago,
it probably had a
different nuance from the
meaning it has today. At
the beginning of the 21st
century - the so-called
age of progress - nun
ruhen alle Walder should
mean now all forests die
. Massive
industrialization and
globalization, coupled
with pure greed,
corruption, political
scandals, an
ever-wideninggap between
the rich and poor, and
other such senseless
human actions, are
pushing our blue planet
closer and closer to the
point of no return. This
work is not intended to
be a ranting accusation.
It should remind us of
the beauty and harmony
that can exist all around
us in nature, if we take
care of it. Pütz
hopes that this will, one
day, help put a greater
emphasis on humanity's
survival, and coexistence
with nature rather than
the exploitation
described earlier. All
four texts were created
by Australian poet Graeme
King, whose works were
discovered by Pütz,
by chance on the
internet. Pütz was
especially captivated by
King's clarity, and
intrigued by the
possibilities of adapting
and melding the strong
rhythmical structure of
King's writing with his
own musical language. The
four movements are as
follows: 1. Tears of
Nature 2. Grrrevolution
3. Stand up! 4. Tomorrow
The world premiere of
Four Earth Songs took
place on 7 July 2009 at
the 14th WASBE-Conference
in Cincinnati (USA). This
work is dedicated in
friendship to Jouke
Hoekstra, conductor, and
the Frysk Fanfare Orkest
(the Frisian
Fanfare-Orchestra).
De hymne Nun
ruhen alle Walder,
gearrangeerd door J.S.
Bach (nr. 6, So sei nun,
Seele, deine, uit cantate
BWV 13), is de leidraad
in deze vierdelige
compositie. Putz schreef
het werk als een muzikaal
protest tegen de
moedwillige,op winstbejag
gebaseerde vernietiging
van ons milieu. Toen Bach
het woord 'ruhen'
(rusten) meer dan 350
jaar geleden gebruikte,
lag er waarschijnlijk een
andere nuance in dan
tegenwoordig. Aan het
begin van de 21e eeuw -
dezogenaamde eeuw van de
vooruitgang - zou 'nun
ruhen alle Walder' zelfs
kunnen betekenen: 'nu
sterven alle bossen'. De
grootschalige
industrialisatie en
globalisering, in
combinatie met pure
hebzucht, corruptie,
politieke schandalen,een
groeiende kloof tussen
arm en rijk, en andere
dwaze menselijke
verrichtingen, brengen
onze blauwe planeet
steeds verder in de
problemen, tot er
misschien geen weg terug
meer is. Dit werk is niet
bedoeld als een
beschuldigendetirade. Het
moet ons wijzen op de
schoonheid en harmonie
die in de natuur om ons
heen kan bestaan, als we
er goed voor zorgen. Putz
hoopt dat er op een dag
meer nadruk gelegd zal
worden op het overleven
van de mensheid
invreedzame co-existentie
met de natuur, zonder de
eerdergenoemde
uitbuiting. Alle vier de
teksten zijn geschreven
door de Australische
dichter Graeme King,
wiens werk Putz bij
toeval tegenkwam op het
internet. Hij werd
getroffendoor Kings
helderheid en raakte
geintrigeerd door de
mogelijkheid de sterke
ritmische structuur van
Kings teksten om te
zetten in zijn eigen
muzikale taal. De vier
delen zijn de volgende:
1. Tears of Nature 2.
Grrrevolution 3.Stand up!
4. Tomorrow De
wereldpremiere van Four
Earth Songs vond plaats
op 7 juli 2009 tijdens de
14e WASBE Conference in
Cincinnati (VS). Dit werk
is in vriendschap
opgedragen aan dirigent
Jouke Hoekstra en zijn
Fryskt Fanfare
Der
Choral Nun ruhen alle
Walder, hier in einer
Bearbeitung von J.S. Bach
(Nr. 6 So sei nun, Seele,
deine aus der Kantate BWV
13), zieht sich wie ein
roter Faden durch diese
viersatzige Komposition,
die als musikalischer
Aufschrei (Anfang!) gegen
die mutwillige,
profitgesteuerte
Zerstorung unserer Umwelt
gedacht ist. Sicher hatte
das Wort ruhen vor
über 350 Jahren,
als der Liedtext
entstand, eine andere
Bedeutung als heute. Zu
Beginn des 21.
Jahrhunderts, im
sogenannten Zeitalter des
Fortschritts,
müsste es leider
wohl eher heissen: Nun
sterben alle Walder...
Massive
Industrialisierung,
Globalisierung, aber auch
Profitgier, Korruption,
politische
Unfahigkeit,krasse
Unterschiede zwischen arm
und reich, und
schlussendlich die
Uneinsichtigkeit des
einzelnen Menschen haben
dazu geführt, dass
der Blaue Planet heute
kurz vor dem Kollaps
steht. Dieses Werk soll
jedoch nicht nur
anklagen, es soll auch
die verbliebenen
Schonheiten unserer Natur
aufzeigen, in der
Hoffnung, dass es einmal
gelingen wird, die
Rettung der Natur und den
Schutz der Umwelt
über die oben
genannten Interessen zu
stellen. Alle vier Texte
stammen aus der Feder des
australischen Dichters
Graeme King, dessen Werk
der Komponist durch einen
glücklichen Zufall
im Internet entdeckte.
Besonders inspirierend
war die Direktheit von
Graemes Aussagen, aber
auch die kraftvolle
Rhythmik seiner Verse mit
den daraus resultierenden
Moglichkeiten der
musikalischen Umsetzung.
Die vier Satze sind wie
folgt
überschrieben: 1.
Tears of Nature 2.
Grrrevolution 3. Stand
up! 4. Tomorrow Die
offizielle
Uraufführung von
Four Earth Songs fand am
7. Juli 2009 statt,
anlasslich der 14.
WASBE-Konferenz in
Cincinnati (USA). Das
Werk ist dem Dirigenten
Jouke Hoekstra und dem
Frysk Fanfare Orkest
(Friesischen
Fanfareorchester) in
aller Freundschaft
gewidmet.
Le
cantique Nun ruhen alle
Walder, dont la ligne
melodique fut reprise par
Jean-Sebastien Bach pour
son choral So sein nun,
Seele, deine (Choral
ndeg6 - Cantate BWV 13),
est le fil conducteur de
cette oeuvre en quatre
mouvements concue comme
un cri contre la
destruction volontaire de
la nature pour le profit.
Plus de trois siecles
nous separent du temps de
Bach. Si les mots sont
restes les memes, leur
sens primitif connait
cependant quelques
nuances. Ainsi, au XXIe
siecle - considere comme
le << siecle du progres
>>, il conviendrait de
traduire Nun ruhen alle
Walder (les forets se
reposent ) par Les forets
se meurent. La
mondialisation et
l'industrialisation
massiveassociees a
l'avidite predatrice, a
la corruption politique,
aux actions humaines
irrationnelles et au
fosse grandissant entre
riches et pauvres
conduisent notre planete
bleue a se rapprocher
chaque jour un peu plus
du point de non retour.
Cette composition n'est
pas une accusation
acerbe, mais plutot une
exhortation a prendre
soin de cette beaute si
harmonieuse que nous
offre la nature. Et
peut-etre, prendrons-nous
enfin conscience de
l'importance d'une
situation de coexistence
avec la nature,
necessaire pour la survie
de l'espece humaine, et
non d'exploitation qui
conduit a la destruction.
Un jour, alors qu'il
naviguait sur Internet,
Marco Pütz
decouvrit l'oeuvre du
poete australien Graeme
King. Fascine par la
clarte de l'ecriture et
le rythme des vers, Marco
Pütz imagina les
multiples possibilites
d'adaptation et de mise
en musique qu'offrent les
poemes de King. Il
choisit quatre poemes sur
la nature pour creer son
oeuvre Four Earth Songs
(Quatre chants de la
terre). 1. Tears of
Nature (Les larmes de la
Nature) 2. Grrrevolution
3. Stand up! (Levez-vous
!) 4. Tomorrow (Demain)
Four Earth Songs est
dedie amicalement a
l'Orchestre de Fanfare de
Frise (Frysk Fanfare
Orkest) et a son chef,
Jouke Hoekstra. L'oeuvre
a ete donnee en creation
mondiale par l'orchestre
dedicataire a l'occasion
de la 14eme Convention de
la WASBE a Cincinnati
aux. $478.00 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | |
| Four Earth Songs Orchestre d'harmonie [Conducteur et Parties séparées] - Intermédiaire De Haske Publications
Concert Band and Vocal Solo - Grade 5 SKU: BT.DHP-1094768-010 Poems by...(+)
Concert Band and Vocal
Solo - Grade 5 SKU:
BT.DHP-1094768-010
Poems by Graeme
King. Composed by
Marco Putz. Concert and
Contest Collection CBHA.
Concert Piece. Set (Score
& Parts). Composed 2010.
De Haske Publications
#DHP 1094768-010.
Published by De Haske
Publications
(BT.DHP-1094768-010).
9x12 inches.
English-German-French-Dut
ch. The hymn Nun
ruhen alle Wälder (Now
All Forests Rest),
arranged by J.S. Bach
(No. 6, So sei nun,
Seele, deine, from
Cantata BWV 13), is a
guiding light throughout
this four-movement
composition. Pütz
wrote this work as a
musical outcry against
the wilful, profit-driven
destruction of our
environment. When Bach
used the word
“ruhen†(to
rest) over 350 years ago,
it probably had a
different nuance from the
meaning it has today. At
the beginning of the 21st
century - the so-called
age of progress -
“nun ruhen alle
Wälder†should
mean “now all
forests die†.
Massive industrialization
and globalization,
coupled with pure greed,
corruption, political
scandals, an
ever-wideninggap between
the rich and poor, and
other such senseless
human actions, are
pushing our blue planet
closer and closer to the
point of no return. This
work is not intended to
be a ranting accusation.
It should remind us of
the beauty and harmony
that can exist all around
us in nature, if we take
care of it. Pütz
hopes that this will, one
day, help put a greater
emphasis on
humanity’s
survival, and coexistence
with nature rather than
the exploitation
described earlier. All
four texts were created
by Australian poet Graeme
King, whose works were
discovered by Pütz,
by chance on the
internet. Pütz was
especially captivated by
King’s clarity,
and intrigued by the
possibilities of adapting
and melding the strong
rhythmical structure of
King’s writing
with his own musical
language. The four
movements are as follows:
1. Tears of Nature 2.
Grrrevolution 3. Stand
up! 4. Tomorrow The world
première of Four Earth
Songs took place on 7
July 2009 at the 14th
WASBE-Conference in
Cincinnati (USA). This
work is dedicated in
friendship to Jouke
Hoekstra, conductor, and
the Frysk Fanfare Orkest
(the Frisian
Fanfare-Orchestra).
De hymne Nun
ruhen alle Wälder,
gearrangeerd door J.S.
Bach (nr. 6, So sei nun,
Seele, deine, uit cantate
BWV 13), is de leidraad
in deze vierdelige
compositie. Pütz
schreef het werk als een
muzikaal protest tegen de
moedwillige,op winstbejag
gebaseerde vernietiging
van ons milieu. Toen Bach
het woord
‘ruhen’
(rusten) meer dan 350
jaar geleden gebruikte,
lag er waarschijnlijk een
andere nuance in dan
tegenwoordig. Aan het
begin van de 21e eeuw -
dezogenaamde eeuw van de
vooruitgang - zou
‘nun ruhen alle
Wälder’ zelfs
kunnen betekenen:
‘nu sterven alle
bossen’. De
grootschalige
industrialisatie en
globalisering, in
combinatie met pure
hebzucht, corruptie,
politieke schandalen,een
groeiende kloof tussen
arm en rijk, en andere
dwaze menselijke
verrichtingen, brengen
onze blauwe planeet
steeds verder in de
problemen, tot er
misschien geen weg terug
meer is. Dit werk is niet
bedoeld als een
beschuldigendetirade. Het
moet ons wijzen op de
schoonheid en harmonie
die in de natuur om ons
heen kan bestaan, als we
er goed voor zorgen.
Pütz hoopt dat er op
een dag meer nadruk
gelegd zal worden op het
overleven van de mensheid
invreedzame co-existentie
met de natuur, zonder de
eerdergenoemde
uitbuiting. Alle vier de
teksten zijn geschreven
door de Australische
dichter Graeme King,
wiens werk Pütz bij
toeval tegenkwam op het
internet. Hij werd
getroffendoor Kings
helderheid en raakte ge
ntrigeerd door de
mogelijkheid de sterke
ritmische structuur van
Kings teksten om te
zetten in zijn eigen
muzikale taal. De vier
delen zijn de volgende:
1. Tears of Nature 2.
Grrrevolution 3.Stand up!
4. Tomorrow De
wereldpremière van
Four Earth Songs vond
plaats op 7 juli 2009
tijdens de 14e WASBE
Conference in Cincinnati
(VS). Dit werk is in
vriendschap opgedragen
aan dirigent Jouke
Hoekstra en zijn Fryskt
Fanfare
Der Choral
Nun ruhen alle Wälder,
hier in einer Bearbeitung
von J.S. Bach (Nr. 6 So
sei nun, Seele, deine aus
der Kantate BWV 13),
zieht sich wie ein roter
Faden durch diese
viersätzige
Komposition, die als
musikalischer Aufschrei
(Anfang!) gegen die
mutwillige,
profitgesteuerte
Zerstörung unserer
Umwelt gedacht ist.
Sicher hatte das Wort
ruhen“ vor
über 350 Jahren,
als der Liedtext
entstand, eine andere
Bedeutung als heute. Zu
Beginn des 21.
Jahrhunderts, im
sogenannten Zeitalter des
Fortschritts,
müsste es leider
wohl eher heißen: Nun
sterben alle
Wälder“...
Massive
Industrialisierung,
Globalisierung, aber auch
Profitgier, Korruption,
politische
Unfähigkeit,krasse
Unterschiede zwischen arm
und reich, und
schlussendlich die
Uneinsichtigkeit des
einzelnen Menschen haben
dazu geführt, dass
der Blaue Planet“
heute kurz vor dem
Kollaps steht. Dieses
Werk soll jedoch nicht
nur anklagen, es soll
auch die verbliebenen
Schönheiten unserer
Natur aufzeigen, in der
Hoffnung, dass es einmal
gelingen wird, die
Rettung der Natur und den
Schutz der Umwelt
über die oben
genannten Interessen zu
stellen. Alle vier Texte
stammen aus der Feder des
australischen Dichters
Graeme King, dessen Werk
der Komponist durch einen
glücklichen Zufall
im Internet entdeckte.
Besonders inspirierend
war die Direktheit von
Graemes Aussagen, aber
auch die kraftvolle
Rhythmik seiner Verse mit
den daraus resultierenden
Möglichkeiten der
musikalischen Umsetzung.
Die vier Sätze sind
wie folgt
überschrieben: 1.
Tears of Nature 2.
Grrrevolution 3. Stand
up! 4. Tomorrow Die
offizielle
Uraufführung von
Four Earth Songs fand am
7. Juli 2009 statt,
anlässlich der 14.
WASBE-Konferenz in
Cincinnati (USA). Das
Werk ist dem Dirigenten
Jouke Hoekstra und dem
Frysk Fanfare Orkest
(Friesischen
Fanfareorchester) in
aller Freundschaft
gewidmet.
Le
cantique Nun ruhen alle
Wälder, dont la ligne
mélodique fut reprise
par Jean-Sébastien
Bach pour son choral So
sein nun, Seele, deine
(Choral n°6 - Cantate
BWV 13), est le fil
conducteur de cette
oeuvre en quatre
mouvements conçue
comme un cri contre la
destruction volontaire de
la nature pour le profit.
Plus de trois siècles
nous séparent du temps
de Bach. Si les mots sont
restés les mêmes,
leur sens primitif
connaît cependant
quelques nuances. Ainsi,
au XXIe siècle -
considéré comme le
« siècle du
progrès », il
conviendrait de traduire
Nun ruhen alle Wälder
(“les forêts se
reposent “) par
“Les forêts se
meurentâ€. La
mondialisation et
l’industrialisatio
n massiveassociées
l’avidité
prédatrice, la
corruption politique, aux
actions humaines
irrationnelles et au
fossé grandissant
entre riches et pauvres
conduisent notre
planète bleue se
rapprocher chaque jour un
peu plus du point de non
retour. Cette composition
n’est pas une
accusation acerbe, mais
plutôt une exhortation
prendre soin de cette
beauté si harmonieuse
que nous offre la nature.
Et peut-être,
prendrons-nous enfin
conscience de
l’importance
d’une situation de
coexistence avec la
nature, nécessaire
pour la survie de
l’espèce
humaine, et non
d’exploitation qui
conduit la destruction.
Un jour, alors
qu’il naviguait
sur Internet, Marco
Pütz découvrit
l’oeuvre du
poète australien
Graeme King. Fasciné
par la clarté de
l’écriture et
le rythme des vers, Marco
Pütz imagina les
multiples possibilités
d’adaptation et de
mise en musique
qu’offrent les
poèmes de King. Il
choisit quatre poèmes
sur la nature pour
créer son oeuvre Four
Earth Songs (Quatre
chants de la terre). 1.
Tears of Nature (Les
larmes de la Nature) 2.
Grrrevolution 3. Stand
up! (Levez-vous !) 4.
Tomorrow (Demain) Four
Earth Songs est
dédié amicalement
l’Orchestre de
Fanfare de Frise (Frysk
Fanfare Orkest) et son
chef, Jouke Hoekstra.
L’oeuvre a
été donnée en
création mondiale par
l’orchestre
dédicataire
l’occasion de la
14ème Convention de la
WASBE Cincinnati aux. $553.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | |
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Poems by Graeme
King. Composed by
Marco Putz. Concert and
Contest Collection CBHA.
Concert Piece. Score
Only. Composed 2010. 84
pages. De Haske
Publications #DHP
1094768-140. Published by
De Haske Publications
(BT.DHP-1094768-140).
9x12 inches.
English-German-French-Dut
ch. The hymn Nun
ruhen alle Wälder (Now
All Forests Rest),
arranged by J.S. Bach
(No. 6, So sei nun,
Seele, deine, from
Cantata BWV 13), is a
guiding light throughout
this four-movement
composition. Pütz
wrote this work as a
musical outcry against
the wilful, profit-driven
destruction of our
environment. When Bach
used the word
“ruhen†(to
rest) over 350 years ago,
it probably had a
different nuance from the
meaning it has today. At
the beginning of the 21st
century - the so-called
age of progress -
“nun ruhen alle
Wälder†should
mean “now all
forests die†.
Massive industrialization
and globalization,
coupled with pure greed,
corruption, political
scandals, an
ever-wideninggap between
the rich and poor, and
other such senseless
human actions, are
pushing our blue planet
closer and closer to the
point of no return. This
work is not intended to
be a ranting accusation.
It should remind us of
the beauty and harmony
that can exist all around
us in nature, if we take
care of it. Pütz
hopes that this will, one
day, help put a greater
emphasis on
humanity’s
survival, and coexistence
with nature rather than
the exploitation
described earlier. All
four texts were created
by Australian poet Graeme
King, whose works were
discovered by Pütz,
by chance on the
internet. Pütz was
especially captivated by
King’s clarity,
and intrigued by the
possibilities of adapting
and melding the strong
rhythmical structure of
King’s writing
with his own musical
language. The four
movements are as follows:
1. Tears of Nature 2.
Grrrevolution 3. Stand
up! 4. Tomorrow The world
première of Four Earth
Songs took place on 7
July 2009 at the 14th
WASBE-Conference in
Cincinnati (USA). This
work is dedicated in
friendship to Jouke
Hoekstra, conductor, and
the Frysk Fanfare Orkest
(the Frisian
Fanfare-Orchestra).
De hymne Nun
ruhen alle Wälder,
gearrangeerd door J.S.
Bach (nr. 6, So sei nun,
Seele, deine, uit cantate
BWV 13), is de leidraad
in deze vierdelige
compositie. Pütz
schreef het werk als een
muzikaal protest tegen de
moedwillige,op winstbejag
gebaseerde vernietiging
van ons milieu. Toen Bach
het woord
‘ruhen’
(rusten) meer dan 350
jaar geleden gebruikte,
lag er waarschijnlijk een
andere nuance in dan
tegenwoordig. Aan het
begin van de 21e eeuw -
dezogenaamde eeuw van de
vooruitgang - zou
‘nun ruhen alle
Wälder’ zelfs
kunnen betekenen:
‘nu sterven alle
bossen’. De
grootschalige
industrialisatie en
globalisering, in
combinatie met pure
hebzucht, corruptie,
politieke schandalen,een
groeiende kloof tussen
arm en rijk, en andere
dwaze menselijke
verrichtingen, brengen
onze blauwe planeet
steeds verder in de
problemen, tot er
misschien geen weg terug
meer is. Dit werk is niet
bedoeld als een
beschuldigendetirade. Het
moet ons wijzen op de
schoonheid en harmonie
die in de natuur om ons
heen kan bestaan, als we
er goed voor zorgen.
Pütz hoopt dat er op
een dag meer nadruk
gelegd zal worden op het
overleven van de mensheid
invreedzame co-existentie
met de natuur, zonder de
eerdergenoemde
uitbuiting. Alle vier de
teksten zijn geschreven
door de Australische
dichter Graeme King,
wiens werk Pütz bij
toeval tegenkwam op het
internet. Hij werd
getroffendoor Kings
helderheid en raakte ge
ntrigeerd door de
mogelijkheid de sterke
ritmische structuur van
Kings teksten om te
zetten in zijn eigen
muzikale taal. De vier
delen zijn de volgende:
1. Tears of Nature 2.
Grrrevolution 3.Stand up!
4. Tomorrow De
wereldpremière van
Four Earth Songs vond
plaats op 7 juli 2009
tijdens de 14e WASBE
Conference in Cincinnati
(VS). Dit werk is in
vriendschap opgedragen
aan dirigent Jouke
Hoekstra en zijn Fryskt
Fanfare
Der Choral
Nun ruhen alle Wälder,
hier in einer Bearbeitung
von J.S. Bach (Nr. 6 So
sei nun, Seele, deine aus
der Kantate BWV 13),
zieht sich wie ein roter
Faden durch diese
viersätzige
Komposition, die als
musikalischer Aufschrei
(Anfang!) gegen die
mutwillige,
profitgesteuerte
Zerstörung unserer
Umwelt gedacht ist.
Sicher hatte das Wort
ruhen“ vor
über 350 Jahren,
als der Liedtext
entstand, eine andere
Bedeutung als heute. Zu
Beginn des 21.
Jahrhunderts, im
sogenannten Zeitalter des
Fortschritts,
müsste es leider
wohl eher heißen: Nun
sterben alle
Wälder“...
Massive
Industrialisierung,
Globalisierung, aber auch
Profitgier, Korruption,
politische
Unfähigkeit,krasse
Unterschiede zwischen arm
und reich, und
schlussendlich die
Uneinsichtigkeit des
einzelnen Menschen haben
dazu geführt, dass
der Blaue Planet“
heute kurz vor dem
Kollaps steht. Dieses
Werk soll jedoch nicht
nur anklagen, es soll
auch die verbliebenen
Schönheiten unserer
Natur aufzeigen, in der
Hoffnung, dass es einmal
gelingen wird, die
Rettung der Natur und den
Schutz der Umwelt
über die oben
genannten Interessen zu
stellen. Alle vier Texte
stammen aus der Feder des
australischen Dichters
Graeme King, dessen Werk
der Komponist durch einen
glücklichen Zufall
im Internet entdeckte.
Besonders inspirierend
war die Direktheit von
Graemes Aussagen, aber
auch die kraftvolle
Rhythmik seiner Verse mit
den daraus resultierenden
Möglichkeiten der
musikalischen Umsetzung.
Die vier Sätze sind
wie folgt
überschrieben: 1.
Tears of Nature 2.
Grrrevolution 3. Stand
up! 4. Tomorrow Die
offizielle
Uraufführung von
Four Earth Songs fand am
7. Juli 2009 statt,
anlässlich der 14.
WASBE-Konferenz in
Cincinnati (USA). Das
Werk ist dem Dirigenten
Jouke Hoekstra und dem
Frysk Fanfare Orkest
(Friesischen
Fanfareorchester) in
aller Freundschaft
gewidmet.
Le
cantique Nun ruhen alle
Wälder, dont la ligne
mélodique fut reprise
par Jean-Sébastien
Bach pour son choral So
sein nun, Seele, deine
(Choral n°6 - Cantate
BWV 13), est le fil
conducteur de cette
oeuvre en quatre
mouvements conçue
comme un cri contre la
destruction volontaire de
la nature pour le profit.
Plus de trois siècles
nous séparent du temps
de Bach. Si les mots sont
restés les mêmes,
leur sens primitif
connaît cependant
quelques nuances. Ainsi,
au XXIe siècle -
considéré comme le
« siècle du
progrès », il
conviendrait de traduire
Nun ruhen alle Wälder
(“les forêts se
reposent “) par
“Les forêts se
meurentâ€. La
mondialisation et
l’industrialisatio
n massiveassociées
l’avidité
prédatrice, la
corruption politique, aux
actions humaines
irrationnelles et au
fossé grandissant
entre riches et pauvres
conduisent notre
planète bleue se
rapprocher chaque jour un
peu plus du point de non
retour. Cette composition
n’est pas une
accusation acerbe, mais
plutôt une exhortation
prendre soin de cette
beauté si harmonieuse
que nous offre la nature.
Et peut-être,
prendrons-nous enfin
conscience de
l’importance
d’une situation de
coexistence avec la
nature, nécessaire
pour la survie de
l’espèce
humaine, et non
d’exploitation qui
conduit la destruction.
Un jour, alors
qu’il naviguait
sur Internet, Marco
Pütz découvrit
l’oeuvre du
poète australien
Graeme King. Fasciné
par la clarté de
l’écriture et
le rythme des vers, Marco
Pütz imagina les
multiples possibilités
d’adaptation et de
mise en musique
qu’offrent les
poèmes de King. Il
choisit quatre poèmes
sur la nature pour
créer son oeuvre Four
Earth Songs (Quatre
chants de la terre). 1.
Tears of Nature (Les
larmes de la Nature) 2.
Grrrevolution 3. Stand
up! (Levez-vous !) 4.
Tomorrow (Demain) Four
Earth Songs est
dédié amicalement
l’Orchestre de
Fanfare de Frise (Frysk
Fanfare Orkest) et son
chef, Jouke Hoekstra.
L’oeuvre a
été donnée en
création mondiale par
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l’occasion de la
14ème Convention de la
WASBE Cincinnati aux. $115.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | |
| La musica olandese per arpa Harpe Ut Orpheus
Books and Journals; Harp SKU: UT.LB-3 Composed by Mirella Vita. Paperback...(+)
Books and Journals; Harp
SKU: UT.LB-3
Composed by Mirella Vita.
Paperback (Soft Cover).
Classical. Books and
Journals. Ut Orpheus #LB
3. Published by Ut
Orpheus (UT.LB-3).
ISBN 9788881094462.
6.5 x 9.5
inches. «Sono
stata un?arpista attiva
per mezzo secolo. Come
tutti i miei colleghi, ho
dovuto affrontare le
difficoltà create dalla
leggenda che l?arpa non
abbia né musica, né
storia.
Fortunatamente, nel
corso della mia carriera,
ho potuto constatare che
questa diceria è
infondata e ho cercato di
mettere in risalto almeno
una piccola parte
dell?immenso repertorio
antico e moderno di
questo strumento
considerato un Paria
della musica. Il
lavoro è stato piano e
diretto per i libri che
ho scritto sulla musica
d?arpa italiana e
svizzera, perché basato
su precisi titoli e
frontespizi; la ricerca
sarebbe stata ugualmente
scorrevole per i libri
che non scriverò sulla
musica d?arpa francese,
tedesca, austriaca,
britannica, boema,
spagnola, portoghese e
scandinava. Per la
musica olandese il
cammino è un po?
diverso: i pittori, i
trattatisti e gli storici
sono i testimoni e le
guide che aiutano a
ritrovare gli usi e i
costumi musicali nei
quali l?arpa aveva una
parte importante. Il
concertista in cerca di
pezzi potrà utilizzare
così questo libro: dopo
i trattati (capitolo II),
i dipinti (capitolo III),
la storia e la cronaca
(capitoli IV-VII), autori
e musiche (capitoli VIII
e IX), biblioteche ed
editori (capitoli X e
XI), arriverà all?indice
secondo le formazioni
strumentali (capitolo
XII). Potrà
cominciare dal cercare,
in quest?ultimo capitolo,
gli Autori adatti al suo
gruppo e al suo
programma; ritroverà i
relativi dettagli nei
capitoli VIII e IX;
otterrà i pezzi seguendo
le indicazioni dei
capitoli X, XI e XII; e
buona caccia, buono
studio, buone
prove! Nel cercare di
stabilire che cosa sia
olandese o non-olandese
nella musica antica è
stata seguita l?abitudine
corrente di considerare
patrimonio comune dei
Paesi Bassi l?arte e la
storia anteriori alla
separazione delle "Sette
Province" nel secolo XVI;
e specificamente olandese
tutto ciò che accadde in
quei coraggiosi territori
da allora in
poi.» $27.95 - Voir plus => AcheterDélais: 3 to 4 weeks | | |
| Denn wiederkommen Quatuor à cordes: 2 violons, alto, violoncelle Breitkopf & Härtel
String Quartet (2vl - va - vc - Sp) SKU: BR.KM-2432 Holderlin lesen II...(+)
String Quartet (2vl - va
- vc - Sp) SKU:
BR.KM-2432
Holderlin lesen
III. Composed by Hans
Zender. Chamber music;
stapled.
Kammermusik-Bibliothek
(Chamber Music Library).
World premiere: Museum
Island Hombroich, May 31,
1992. Music post-1945;
New music (post-2000).
Performance score.
Composed 1991. 36 pages.
Duration 24'. Breitkopf
and Haertel #KM 2432.
Published by Breitkopf
and Haertel (BR.KM-2432).
ISBN 9790004502020. 10
x 15 inches. In den
alten Kulturen war das,
was wir heute ,,Musik und
,,Dichtung nennen, eine
Einheit. Denken wir nur
an die lotrijgn<'
[musike] der Griechen,
oder an Beschreibungen,
die wir in den
klassischen chinesischen
Schriften finden. Aber
naturlich:
Kulturgeschichte ist ein
Differenzierungsprozess,
und so finden wir zur
Zeit unserer europaischen
Klassiker den Vorstoss
der Musik zu ihrer
,,Autonomie - ihrer
offiziellen Scheidung von
dem Metier der Dichter.
(Noch 1739 hatte
Mattheson in seinem
Vollkommenen
Capellmeister von jedem
Musiker ,,Gewandtheit in
der Dicht-Kunst und
genaueste Kenntnis der
Verslehre verlangt.)Seit
dieser Scheidung sind nun
die Musiker sehr eifrig
damit beschaftigt, eine
autonome Grammatik und
Syntax der ,,Tonkunst,
wie die Musik jetzt
genannt wird, zu
entwickeln, wahrend in
der Dichtung - besonders
naturlich in der
experimentellen, von Jean
Paul und Mallarme bis zu
Joyce und Celan - gerade
das ,,Musikalische in der
Poesie gesucht wird.
Hierunter ist oft der
Wunsch verborgen, die
Verhartung, welche die
Wortsprache durch ihre
begriffliche Fixierung -
extrem in der
Wissenschaft! - erfahrt,
wieder aufzuheben und sie
in einen ,,musikalischen
Zustand von
Unbestimmtheit, von
Offenheit zuruck zu
versetzen.Oberflachlich
betrachtet entwickeln
sich die beiden Kunste in
der Moderne also
auseinander; eine
Beruhrung zwischen ihnen
wird immer schwieriger.
Zu gross die Gefahr, dass
die muhsam errungene
Autonomie der einen
wieder der Ubermacht der
andern geopfert wird!
Entweder wird die Musik,
wenn sie schwach ist, zu
blosser Illustration und
Stimmungskulisse; oder
sie verschlingt in ihrer
klanglichen und
zeitlichen Ausformung den
eigenen Klang und
Rhythmus der
Dichtung.Manche Musiker
haben in den letzten
Jahrzehnten dieses
Problem noch
verinnerlicht und eine
Art Bilderverbot auch
innerhalb der Musik
aufgestellt: Gestik,
Expressivitat,
Assoziationsfahigkeit der
musikalischen Strukturen
wurden unterdruckt. Ich
halte das fur ein
neurotisches Verhalten
und ausserdem fur
irrefuhrend. Es gibt
schon seit jeher auch
eine musikalische
Semantik - das vergessen
manche vor lauter Syntax
und Grammatik; und es ist
kein Grund einzusehen,
warum in der Situation
der Autonomie nicht
musikalische und
sprachliche Semantik in
eine neue Art von
Verhaltnis treten
konnten. In der
Bach-Kantate, im
Schubert-Lied, in der
Wagnerischen Leitmotivik
waren das 1:1-Losungen;
aber schon Wagner hat
gezeigt, dass man diese
Identitat auch
dialektisch aufsprengen
kann.Und wie erst in der
Vielsprachigkeit der
heutigen Moderne! In
meiner Oper Stephen
Climax habe ich den
Hauptpersonen des Ulysses
von James Joyce bestimmte
- historisch ortbare -
Musiksprachen zugeteilt
(welche jeweils wieder
bestimmte intervallische
und rhythmische
Struktureigenschaften
zeigen, welche ihrerseits
wieder seriell oder
statistisch geordnet sind
- es geht bis ins
kleinste Detail ganz
,,autonom zu!!); der
Kosmos unserer
europaischen
Musikgeschichte wird
sowohl dem Kosmos der
Joyceschen Figuren
(ihrerseits
,,geschichtstrachtig!)
wie auch dem aktuellen
musikalischen Bewusstsein
zugeordnet, aber eben oft
auch uber Kreuz, paradox,
mehrschichtig, mehrdeutig
... Die Tatsache, dass
diese spezifische
Moglichkeit einer
neuartigen Einheit von
Sprache und Musik von den
berufenen Musikologen
noch kaum bemerkt worden
ist, zeigt nicht nur
deren Langsamkeit,
sondern auch die Dominanz
des ,,bildlosen Denkens
in der - jetzt
abgelaufenen - Phase der
Neuen Musik.In meinen
Holderlin lesen-Stucken
ging es mir darum, Wege
zu finden, die gewaltigen
Sprachstrukturen
Holderlins so in die
zeitliche Form der Musik
zu integrieren, dass sie
Funktionen der
musikalischen Form
ubernehmen, ohne in ihrer
Eigenkraft (sowohl
akustisch wie auch im
Sinne expressiver
,,Deutung) im geringsten
geschmalert zu werden.
Das hiess zunachst:
Sprechen, nicht singen! -
Aber das wurde nur
bedeuten, dass es nicht
um die Musikalisierung
von Text geht; ebenso
wichtig ist es, dass es
auch nicht um
melodramatisch
,,erzahlende Musik geht.
Sondern: Zwei autonome
Kunste durchdringen sich
auf diaphane Weise, ohne
sich zu uberformen oder
auszuloschen; es handelt
sich um einen Dialog,
nicht um eine
Vereinnahmung durch
Hierarchisierung.Ein
weiteres Thema, das in
der musikalischen
Diskussion der letzten
Jahrzehnte zu kurz
gekommen ist und deswegen
jetzt neu am Horizont
erscheint, ist die
Rhetorik. Inwieweit kann
musikalische Form nicht
nur logisch bzw.
syntaktisch, sondern auch
rhetorisch verstanden
werden? Rhetorik und
Satztechnik z.B. hangen
zusammen. Ich kann diese
Problematik (die ich in
meinem vierteiligen,
abendfullenden Shir
Hashirim ,,auskomponiert
habe) hier nur
andeuten.Musik steht
zwischen Zahl und Wort;
sie hat an beidem teil.
So konnte sie das Zentrum
der ,,Sieben Freien
Kunste in alten Zeiten
bilden ... (Heinrich
Schutz sagte, dass sie zu
diesen - also zu den
mathematisch-astronomisch
en und den literarischen
Kunsten - wie die ,,Sonne
zu den Planeten sich
verhalte.) Mir scheint,
dass wir die Komposition
seit 50 Jahren zu
einseitig nur von der
Zahl her definieren; sie
hat geschichtlich ebenso
viel mit Sprachstruktur
zu tun. Wir konnen
Neuland gewinnen, wenn
wir als heutige Musiker
dies neu durchdenken.Es
handelt sich hier um
meinen dritten Versuch
einer Annaherung an das
Problem einer
,,Verzeitlichung der
Holderlinschen Texte d.h.
einer Moglichkeit, diese
Texte in einer
Performance darzustellen:
da die Musik das
eigentliche Element der
zeitlichen Darstellung
ist, werden die
Holderlinschen Worte mit
Tonen konfrontiert.Im
Fall von denn
wiederkommen geht es um
neun Zeilen aus
Holderlins Patmos-Hymne.
Je eine solche Zeile wird
einem Formabschnitt der
Musik zugeordnet (das
Stuck ist also, wie meine
Lo-Shu-Stucke,
neunteilig). Die
betreffende Zeile
erklingt nicht nur
einmal, sondern wird, in
der gleichen Weise wie
auch das musikalische
Material, nach einem
chaotischen
Repetitionsprinzip
mehrfach
wiederholt.Auffallig ist
ferner, dass fur jeden
der neun Teile ein von
einem der vier
Quartettspieler
festgehaltener ,,Grundton
gewahlt wurde; durch
diese orgelpunktartige
Wirkung wird jeder der
neun Teile
zusammengehalten, und der
Horer kann die langsame
Bewegung der Grossform im
unmittelbaren Horprozess
mitvollziehen.Die neun
Satze von Holderlin
lauten:1. Furchtlos gehen
die Sohne der Alpen uber
den Abgrund weg auf
leicht gebaueten
Brucken...2. Sie horen
ihn und liebend tont es
wieder von den Klagen des
Manns...3. Im goldenen
Rauche bluhte schnell
aufgewachsen mit
Schritten der Sonne, mit
tausend Gipfeln duftend,
mir Asia auf, und
geblendet...4. Gegangen
mit dem Sohne des
Hochsten, unzertrennlich,
denn es liebte der
Gewittertragende die
Einfalt des Jungers...5.
Wenn aber stirbt alsdenn,
an dem am meisten die
Schonheit hing...6.
Eingetrieben war wie
Feuer in Eisen das, und
ihnen ging zur Seite der
Schatten des Lieben. Drum
sandt er ihnen den Geist
und freilich bebte das
Haus und die Wetter
Gottes rollten
ferndonnernd...7. Uber
die Berge zu gehn allein,
wo zwiefach erkannt, war
einstimmig und
gegenwartig der
Geist...8. Und hier ist
der Stab des Gesanges,
niederwinkend, denn
nichts ist gemein. Die
Toten wecket er auf...9.
Denn wiederkommen sollt
es, zu rechter Zeit.
Nicht war es gut gewesen,
spater, und schroff
abbrechend...(Hans
Zender)CD:Salome Kammer
(voice), Arditti String
QuartetCD Montaigne MO
782094Bibliography:Nyffel
er, Max: Fluchtpunkt
Patmos. Hans Zenders
Komposition ,,Denn
wiederkommen. Holderlin
lesen III, in: Neue
Zeitschrift fur Musik 180
(2019), Heft 1, S.
44-47.ders.: Lesen,
Schreiben, Horen. Zum
Verhaltnis von Musik und
Sprache bei Hans Zender,
dargestellt an der
Komposition ,,,denn
wiederkommen`. Holderlin
lesen III, in: ,,Ein
Zeichen sind wir,
deutungslos. Holderlin
lesen, Ikkyu Sojun horen,
Musik denken, hrsg. von
Violetta L. Waibel,
Gottingen: Wallstein
2020, S. 299-329Waibel,
Violetta L.: Holderlin
Lesen, Ikkyu Sojun Horen,
Musik Denken, in:
Festivalkatalog Wien
Modern 29 (2016), Essays,
pp. 196-198.Zenck,
Martin: Holderlin lesen -
seiner ,,Stimme zuhoren.
Holderlin-Lekturen von
Klaus Michael Gruber,
Hans Zender und Bruno
Ganz, in: Neue
Zeitschrift fur Musik 172
(2011), Heft 6, pp.
25-29.Zender, Hans: Zu
meinem Zyklus ,,Holderlin
lesen, in: Mnemosyne.
Zeit und Gedachtnis in
der europaischen Musik
des ausgehenden 20.
Jahrhunderts, hrsg. von
Dorothea Redepenning und
Joachim Steinheuer,
Saarbrucken: Pfau 2006,
pp. 26-40.
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inches. Friedrich
HolderlinMnemosyne Ein
Zeichen sind wir,
deutungslos,Schmerzlos
sind wir und haben
fastDie Sprache in der
Fremde verloren.Wenn
namlich uber MenschenEin
Streit ist an dem Himmel
und gewaltigDie Monde
gehn, so redetDas Meer
auch und Strome mussenDen
Pfad sich suchen.
ZweifellosIst aber Einer,
derKann taglich es
andern. Kaum bedarf
erGesetz. Und es tonet
das Blatt und Eichbaume
wehn dann nebenDen
Firnen. Denn nicht
vermogenDie Himmlischen
alles. Namlich es
reichenDie Sterblichen eh
an den Abgrund. Also
wendet es sich, das
Echo,Mit diesen. Lang
istDie Zeit, es ereignet
sich aberDas Wahre. Wie
aber Liebes?
SonnenscheinAm Boden
sehen wir und trockenen
StaubUnd heimatlich die
Schatten der Walder und
es bluhetAn Dachern der
Rauch, bei alter KroneDer
Turme, friedsam; gut sind
namlich,Hat gegenredend
die SeeleEin Himmlisches
verwundet, die
Tageszeichen.Denn Schnee,
wie MaienblumenDas
Edelmutige, woEs seie,
bedeutend, glanzet aufDer
grunen WieseDer Alpen,
halftig, da, vom Kreuze
redend, dasGesetzt ist
unterwegs
einmalGestorbenen, auf
hoher StrassEin
Wandersmann geht
zornigFern ahnend mitDem
andern, aber was ist
dies?Am Feigenbaum ist
meinAchilles mir
gestorben,Und Ajax
liegtAn den Grotten der
See,An Bachen, benachbart
dem Skamandros.An
Schlafen Sausen einst,
nachDer unbewegten
Salamis steterGewohnheit,
in der Fremd, ist
grossAjax
gestorben,Patroklos aber
in des Koniges Harnisch.
Und es starbenNoch andere
viel. Am Kitharon aber
lagEleuthera, der
Mnemosyne Stadt. Der
auch, alsAblegte den
Mantel Gott, das
Abendliche nachher
losteDie Locken.
Himmlische namlich
sindUnwillig, wenn einer
nicht die Seele schonend
sichZusammengenommen,
aber er muss doch;
demGleich fehlet die
TrauerIn meinen Holderlin
lesen-Stucken ging es mir
darum, Wege zu finden,
die gewaltigen
Sprachstrukturen
Holderlins so in die
zeitliche Form der Musik
zu integrieren, dass sie
Funktionen der
musikalischen Form
ubernehmen, ohne in ihrer
Eigenkraft (sowohl
akustisch wie auch im
Sinne expressiver
,,Deutung) im geringsten
geschmalert zu werden.
Das hiess zunachst:
Sprechen, nicht singen! -
Aber das wurde nur
bedeuten, dass es nicht
um die Musikalisierung
von Text geht; ebenso
wichtig ist es, dass es
auch nicht um
melodramatisch
,,erzahlende Musik geht.
Sondern: Zwei autonome
Kunste durchdringen sich
auf diaphane Weise, ohne
sich zu uberformen oder
auszuloschen; es handelt
sich um einen Dialog,
nicht um eine
Vereinnahmung durch
Hierarchisierung.Sind wir
uns selbst zu einem
,,Zeichen...deutungslos
geworden, wie es
Holderlins Anfangszeilen
sagen, so erscheinen auch
die Zeichen, die wir
selber setzen, sich immer
mehr einer Deutbarkeit zu
entziehen. Mein Stuck,
das den vollstandigen
Text von Holderlins
Mnemosyne integriert,
stellt auf seine Weise
die Frage nach dem
,,Zeichen. ,,Was ist
dies? Klang? Wort?
Schrift? Wie sind die
Grenzen, die Ubergange,
die gegenseitigen
Beeinflussungen der
einzelnen
Zeichenregionen? Was
liegt ihnen zugrunde?
Worte und musikalische
Zeichen bewegen sich im
Medium der Zeit;
Schriftzeichen erscheinen
zunachst als
Verraumlichung, aber man
muss daran erinnern, dass
der Vorgang des
Schreibens - wie er in
der ostasiatischen
Kalligraphie zu hochster
Kunst entwickelt wurde -
auch zeitlichen Charakter
hat. Mnemosyne - die
Kraft des Sich-Erinnerns
- schafft die Zeichen,
indem sie Gestalten durch
Wiederholung fixiert und
so aus dem endlosen Fluss
der wahrgenommenen
Vorgange herauslost. Die
so entstehende
artikulierte Zeit schafft
wiederum durch das
Wechselspiel von
fixierten und sich
bewegenden Gestalten das
Bewusstsein fur
differenzierte
Formablaufe. Der
Formverlauf meines
Stuckes zeichnet solche
genetischen Prozesse
nach. Der Horer wird
schnell merken, dass die
Wortzeichen oft einer
zuerst erscheinenden
musikalischen Klangwelt
entspringen (ich stimme
Walter Benjamin zu, wenn
er sagt, dass die Sprache
in ihrer grundlegenden
Schicht expressiven - und
nicht darstellenden -
Charakter hat). Die
Schrift auf der Leinwand
folgt zunachst den
sprachlichen Aktionen der
Stimme, erhalt dann aber
auch eigene Teile der
Form zugeteilt, in der
sie sich als autonomes
Zeichen darstellt. In der
durch die drei Strophen
Holderlins
notwendigerweise
dreiteiligen Gesamtform
gibt es immer wieder
Abschnitte, in denen
entweder das musikalische
Geschehen oder die
Sprachzeichen des
Gedichtes oder das
Sich-Schreiben der
Schrift im Vordergrund
stehen; der Komponist
versteht sich also hier
auch als ,,Zusammensetzer
der in unserer
Wahrnehmung so
verschieden besetzten
Zeiten des Schreibens,
Sprechens und
Musikhorens. Es bilden
sich im Verlauf des
40-minutigen Stuckes auch
Grenzfalle, wie ,,stumme
Musik oder total
musikalisierte - ihrer
Verstehbarkeit beraubte -
Textrezitation. Auch das
Singen von Text - in
meinen bisherigen
Holderlinstucken strikt
vermieden - wird als
ausserste Moglichkeit
gegen Ende des formalen
Prozesses zugelassen. An
einigen Stellen zeigt die
Musik sozusagen direkt
auf sich selbst. Es sind
Formzustande, die ich in
meinem ,,Shir Hashirim
als ,,Koan bezeichnet
habe: ,,endlose
Wiederholungen einer
zeichenhaften
Konstellation, bei jeder
Wiederholung minimal
verandert - so wie ein
Kalligraph sein
Schriftzeichen bei jedem
Malvorgang unwillkurlich
verandert und neu
schafft. Steht im ersten
Teil der Grossform der
Aspekt des Abstrakten,
des Unsinnlichen im
Vordergrund, so wird im
zweiten Teil
Bildhaftigkeit als
Eigenschaft nicht nur der
Sprache, sondern auch der
Musik betont: die
Landschaft, halb schnee -
halb blutenbedeckt, die
der Wanderer ,,zornig
durchstreift. Am Ende
dieses Teils wird das
Schriftbild selber zur
Landschaft, die der
Leser/Horer durchwandert.
Er wird im dritten Teil
durch einen
Verwandlungsprozess zu
den ekstatischen
Ursprungen des
holderlinschen Dichtens
gefuhrt, und damit zur
explizit musikalischen
Ebene: Die Totenklage um
Hektor und Ajax wird zum
,,dithyrambischen Tanz,
wie es Holderlins
Schlusszeile entwirft:
,,... darum fehlet die
Trauer. Es bleibt noch
nachzutragen, dass ich
den in der Stuttgarter
Ausgabe der Werke
Holderlins in drei
Versionen abgedruckten
Text in einer
Mischversion verwendet
habe: die erste Strophe
aus der 2. Fassung, die
zweite mit Abweichungen
und Widerspruchen aus
allen drei Fassungen, und
die dritte Strophe aus
der 3. Fassung. (Hans
Zender) CD:Salome Kammer
(voice), Klangforum Wien,
cond. Hans ZenderKairos
0012522KAIBibliography:Al
lwardt, Ingrid:
Nach-Lese. Holderlins
Gesang im Resonanzraum
der Musik Hans Zenders,
in: Hans Zender.
Vielstimmig in sich,
hrsg. von Werner
Grunzweig, Jorn Peter
Hiekel und Anouk Jeschke
(= Archive zur Musik des
20. und 21. Jahrhunderts,
Band 12), Hofheim: Wolke
2008, pp. 43-60.Fuhrmann,
Wolfgang: Zender lesen.
Die Frage nach dem
Zeichen in ,,Mnemosyne,
in: ,,Ein Zeichen sind
wir, deutungslos.
Holderlin lesen, Ikkyu
Sojun horen, Musik
denken, hrsg. von
Violetta L. Waibel,
Gottingen: Wallstein
2020, S. 194-211Pragungen
im Pluralismus. Hans
Zender im Gesprach mit
Jorn Peter Hiekel, in:
Orientierungen. Wege im
Pluralismus der
Gegenwartsmusik, hrsg.
von Jorn Peter Hiekel (=
Veroffentlichungen des
Instituts fur Neue Musik
und Musikerziehung
Darmstadt, Band 47),
Mainz u. a.: Schott 2007,
pp. 130-137.Mosch,
Ulrich: Ultrachromatik
und Mikrotonalitat. Hans
Zenders Grundlegung einer
neuen Harmonik, in: Hans
Zender. Vielstimmig in
sich, hrsg. von Werner
Grunzweig, Jorn Peter
Hiekel und Anouk Jeschke
(= Archive zur Musik des
20. und 21. Jahrhunderts,
Band 12), Hofheim: Wolke
2008, pp. 61-76.Schmidt,
Dorte: Erfahrung und
Erinnerung.
Kompositorisches Material
zwischen Klang und
Bedeutung in der
Kammermusik des spaten
20. Jahrhunderts, in:
Mnemosyne. Zeit und
Gedachtnis in der
europaischen Musik des
ausgehenden 20.
Jahrhunderts, hrsg. von
Dorothea Redepenning und
Joachim Steinheuer,
Saarbrucken: Pfau 2006,
pp. 41-58.Zenck, Martin:
Holderlin lesen seiner
Stimme zuhoren.
Holderlin-Lekturen von
Klaus Michael Gruber,
Hans Zender und Bruno
Ganz, in: Neue
Zeitschrift fur Musik 172
(2011), Heft 6, pp.
25-29.Zender, Hans: Zu
meinem Zyklus Holderlin
lesen, in: Mnemosyne.
Zeit und Gedachtnis in
der europaischen Musik
des ausgehenden 20.
Jahrhunderts, hrsg. von
Dorothea Redepenning und
Joachim Steinheuer,
Saarbrucken: Pfau 2006,
pp. 26-40.
World
premiere: Witten
(Wittener Tage fur neue
Kammermusik), May 4,
2001. $65.95 - Voir plus => AcheterDélais: 3 to 4 weeks | | |
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