Par DENTRESANGLE FRANCK. Suite concertante pour flute traversiere, 6 timbales, vibraphone, 4 percussionnistes / Niveau : Difficile / Répertoire / Flûte Traversière, 6 Timbales, Vibraphone et 4 per

Par LEROUX PHILIPPE. Composée en 2019, commande de la Philharmonie du Luxembourg, Éon se déploie au croisement du vertical et de l’horizontal. Cette opposition se manifeste entre autres dans la gestuelle instrumentale. Alors que l’interprète commence à jouer en frottant l’instrument avec la main dans un mouvement vertical, à la fin de l’oeuvre, il tient le violoncelle couché horizontalement sur ses genoux et en caresse les cordes. Entre ces deux moments, au point de symétrie de la pièce, il joue de façon transversale, ses deux mains se croisant au dessus du manche de l’instrument. La jonction de ces deux axes (vertical, horizontal), métaphore de l’expérience humaine et symbole de l’antinomie immanence-transcendance dans la figure de la croix, trouve également son emploi dans deux des temporalités en action dans l’oeuvre. La première est un temps périodique, fondé sur le modèle de la respiration humaine et parfaitement prévisible dans sa régularité. Paradoxalement, ce modèle nous entraîne, derrière sa réalité sensible, vers une certaine atemporalité. Le souffle profond suscite une intériorité faisant perdre les références temporelles. La seconde est un temps sans repères, difficilement identifiable autrement que par les gestes fulgurants qui le composent. Temps de l’instant, en perpétuel changement, c’est le temps de l’action humaine. Ces deux temporalités sont constituées d’éléments uniquement variés, sans développement, et sont mis en relation avec un matériau plus harmonique, qui est quant à lui développé, et qui de ce fait met en scène un autre temps, celui de la mémoire. Mémoire intrinsèque à l’oeuvre, avec ses rappels et ses anticipations, mais aussi mémoire collective où les combinaisons de hauteurs sont évocatrices d’autres musiques ou ambiances sonores. L’axe de symétrie au centre de la pièce, moment décisif de la transversalité des gestes, de l’équilibre des parties, de la complétude des matériaux, ainsi que des correspondances des directions sonores, cherche à créer ce phénomène de réfraction formelle qui fait qu’une oeuvre musicale n’est ni vraiment directionnelle, ni spéculaire ou cyclique, mais qu’elle nous fait passer sans ostentation d’un univers familier à l’émerveillement d’un paysage nouveau (l'unique issue essentielle)./ Répertoire / Violoncelle

Par PEPIN CAMILLE. Lorsque l'on m'a proposé de mettre en musique ce recueil de poèmes de James Joyce (1882-1941), j'ai été immédiatement séduite par l'idée. Il s'agissait de mettre en musique ces poèmes en respectant l'ordre original selon lequel ils ont été conçus par James Joyce lui-même lors de la première édition de 1905 [1]. Avec la précieuse aide de Philippe Blanchon [2], j'ai choisi de mettre en musique dix-huit poèmes, conservant ainsi les épisodes incontournables, la trame dramaturgique et l'essence de l'univers Joycien. Ce qui m'a attirée d'emblée, c'est qu'il s'agit d'une véritable histoire : de la naissance de l'amour à la passion déclinante, menant à une éventuelle et tendre amitié entre les deux amants. J'ai donc conçu Chamber Music d'un seul tenant. Au-delà des nombreuses références à la musique et aux sons de la nature - déjà 'musique' en eux-mêmes - l'oeuvre littéraire appelle à la mise en musique par sa forme. En effet, elle est déjà musicale dans sa construction. Les trois premiers poèmes constituent le prélude exprimant la solitude du poète. Nous assistons dans la première partie - crescendo - à la naissance de l'amour entre les deux amants, menant au poème central et point culminant de l'oeuvre : 'My Dove, my beautiful one'. La seconde partie - diminuendo - raconte la passion déclinante des amants qui nous conduit au finale, écho du premier poème et à la solitude du poète. Le prélude musical illustre le paysage - tant visuel que sonore - décrit par James Joyce : 'Strings in the earth and air make music sweet', 'There's music along the river', 'The sighs of harps', 'Soft sweet music in the air'. Inspirées de sonorités traditionnelles irlandaises, les mélodies de la première partie présentent un aspect populaire issu du folklore, comme une ode au monde de la danse - prégnant en Irlande. Ces mélodies modales et mélismatiques semblent improvisées, à la manière du chant gaélique irlandais. Elles se transforment au fur et à mesure en une véritable épopée romantique, expression de la relation passionnelle et charnelle des deux amants : 'Hurry over the dark lands and run upon the sea for seas and land shall not divide us my love and me', 'The odorous winds are weaving a music of sighs'. Ces mélodies extatiques, à la fois tendres et fragiles, tentent d'exprimer cette ivresse, cet état extatique - véritable état de 'transe' qui nous submerge lorsque l'amour envahit notre âme sans que l'on s'en aperçoive. La deuxième partie reprend ces divers éléments musicaux dans leur cheminement inverse. Passés par le filtre de la mélancolie de l'amour déclinant au fil du temps, ils témoignent de la perte de repères après la séparation avec l'être aimé : 'Lay aside sadness and sing how love that passes is enough', 'Love came to us in time gone by'. Enfin, le finale exprime le retour à la solitude du poète, comme une résonance du début de l'oeuvre : 'The voice of the winter is heard at the door', 'My kiss will give peace now and quiet to your heart'. Sans cesse en écho les unes des autres, les mélodies s'entremêlent dans un contrepoint lyrique et sensuel. En effet, le titre même du recueil m'a inspiré une oeuvre où chaque instrument serait d'égale importance. Le lyrisme de l'un ne peut exister sans l'autre. Ainsi, le rôle du quintette n'est pas seulement un accompagnement de la voix soliste. Leurs lignes d'amour se mêlent avec volupté les unes aux autres. Plonger dans l'univers Joycien a impliqué mon immersion totale dans l'oeuvre. Lire ses mots, penser ses images, imaginer ses sonorités, a été un travail passionnant et c'est avec nostalgie que je referme ce recueil aujourd'hui. J'espère cependant avoir su retranscrire son univers poétique au plus proche. Je profite de cette note pour remercier Philippe Blanchon pour son aide précieuse et Claire Bodin [3] pour sa confiance. C'est à la fois un grand honneur et un plaisir immense de rendre hommage à si grand artiste et de voir ce chef d'oeuvre littéraire naître une seconde fois en musique. / Contemporain / Répertoire / Sextuor

Par MURAIL TRISTAN. Songes, ombres et fumées : le titre est emprunté à un vers du Sonnet 123 de Pétrarque (l'un des sonnets qui ont inspiré à Liszt trois pièces de ses Années de Pélerinage). Ces mots figurent aussi dans La Vallée Close, sur des sonnets de Pétrarque, pour voix, clarinette et trio à cordes, écrite cette même année 2016. Il s'agit avant tout d'un travail sur la 'grande forme' - une vaste trajectoire, qui passe par de nombreux territoires, revient sur ses pas, anticipe... Allusions aux formes traditionnelles : adagio central, rondo final - mais tout s'entremêle, et les différentes textures et idées musicales luttent entre elles sans cesse. Sont refusés tous les petits expédients qui permettent d'esquiver la grande question - la question posée par une forme musicale aussi chargée d'histoire que le quatuor à cordes - sont donc évités tous ces sons écrasés, divers petits bruits, gloussements d'harmoniques, qui prolifèrent dans tant de quatuors contemporains. Evitée aussi la segmentation en une succession de mouvements courts, au profit de la continuité du discours. Le thème est, comme le suggère le titre, la mélancolie - une mélancolie profonde et persistante. Une idée fixe (battements réguliers de pizzicati) jalonne la partition, s'affronte aux autres éléments musicaux, finira par triompher. Au long de cette trajectoire jailliront des visions, des hallucinations, des phases de dépression et d'excitation, de renoncement, d'espoir, de colère, de révolte... 'sogni, ombre et fumi...' / Contemporain / Répertoire / Quatuor à Cordes

Conducteur

Pierre Vachon naquit à Avignon en 1738. Il fut un brillant violoniste qui se produisit sur les plus grandes scènes à Paris, Londres et Berlin. Il fut nommé en 1786 Konzertmeister de l'Orchestre royal de Berlin. C'est également un compositeur qui excellait dans la musique instrumentale : symphonies, sonates, duettos, trio et surtout une trentaine de quatuors à cordes de très belle facture, parmi les meilleures productions françaises en cette fin de 18e siècle.

Les éditeurs parisiens signalaient sous le terme de « quatuor concertant » des 'uvres plus particulièrement composées dans un souci d'équilibre entre les deux violons, l'alto et le violoncelle, comme les 6 quatuors publiés ici. Ces 'uvres mettent en valeur chacune des 4 parties dans une très belle texture contrapuntique. Elles étaient destinés aux « amateurs » (terme qui désignait alors des instrumentistes souvent de très bon niveau) qui prenaient plaisir à jouant ensemble.

Les 6 quatuors à cordes de l'opus XI sont tous très différents les uns des autres bien qu'ils soient tous en 3 mouvements faisant alterner les modes et les tempi et s'ouvrent par un Moderato. Ces oeuvres durent entre 10 et 20 minutes. Contrairement à l'opus VII, dont le numéro 2 est publié aux Éditions du Centre de Musique Baroque de Versailles, ils ne comportent aucun chiffrage à la basse, ce qui semble privilégier une interprétation sans basse continue. On pourra rapprocher ces 'uvres des quatuors déjà publiés de Gossec.

Conducteur

Pierre Vachon naquit à Avignon en 1738. Il fut un brillant violoniste qui se produisit sur les plus grandes scènes à Paris, Londres et Berlin. Il fut nommé en 1786 Konzertmeister de l'Orchestre royal de Berlin. C'est également un compositeur qui excellait dans la musique instrumentale : symphonies, sonates, duettos, trio et surtout une trentaine de quatuors à cordes de très belle facture, parmi les meilleures productions françaises en cette fin de 18e siècle.

Les éditeurs parisiens signalaient sous le terme de « quatuor concertant » des 'uvres plus particulièrement composées dans un souci d'équilibre entre les deux violons, l'alto et le violoncelle, comme les 6 quatuors publiés ici. Ces 'uvres mettent en valeur chacune des 4 parties dans une très belle texture contrapuntique. Elles étaient destinés aux « amateurs » (terme qui désignait alors des instrumentistes souvent de très bon niveau) qui prenaient plaisir à jouant ensemble.

Les 6 quatuors à cordes de l'opus XI sont tous très différents les uns des autres bien qu'ils soient tous en 3 mouvements faisant alterner les modes et les tempi et s'ouvrent par un Moderato. Ces oeuvres durent entre 10 et 20 minutes. Contrairement à l'opus VII, dont le numéro 2 est publié aux Éditions du Centre de Musique Baroque de Versailles, ils ne comportent aucun chiffrage à la basse, ce qui semble privilégier une interprétation sans basse continue. On pourra rapprocher ces 'uvres des quatuors déjà publiés de Gossec.

Suivant Starter Solos, Skilful Solos est le nouveau recueil motivant offrant une présentation structurée des techniques de jeu et d'apprentissage. Les solos composés par Philip Sparke constituent les premiers pas plaisants de votre entrée dans le formidable monde de la musique ! Sur le compact disc inclus, vous trouverez une version intégrale de chaque pièce ainsi qu'une version où ne subsiste que l'accompagnement - la version papier des accompagnements de piano est jointe au recueil. / Violoncelle

Par PENARD OLIVIER. Composé à l'occasion d'une résidence à l'ENM du Blanc Mesnil, et pour la circonstance d'un spectacle original de la compagnie Julie Desprairies (mis en espace à la Mairie du Blanc Mesnil), ce Divertimento est une partition initialement destinée à la danse. Les trois mouvements de la pièce mettent en scène un quatuor de saxophones avec un ensemble à vents. Après le lever de rideau, la première partie se développe sur un allegro très dynamique, fortement inspiré du jazz, pour se dissoudre dans des harmonies calmes et lumineuses, préparant l'entrée du second mouvement. Celui-ci met en scène différentes interventions du quatuor de saxophones, toutes constituées des souvenirs du mouvement précédant, ou bien anticipant sur le matériau de la troisième partie. Enfin, celle-ci met en mouvement une danse joyeuse et tranquille, où la citation de la Marche nuptiale de Mendelssohn est progressivement introduite, avant d'être citée pour elle-même à la fin de la pièce. / contemporain / Répertoire / Quintette de Saxophones et Ensemble

Starter Solos est un recueil motivant offrant une présentation structurée des techniques de jeu et d'apprentissage. Les solos composés par Philip Sparke constituent les premiers pas plaisants de votre entrée dans le formidable monde de la musique ! Sur le compact disc inclus, vous trouverez une version intégrale de chaque pièce ainsi qu'une version où ne subsiste que l'accompagnement - la version papier des accompagnements de piano est jointe au recueil. / Violoncelle

Par PACHELBEL JOHANN. Avec ce travail, Pachelbel, qui est né à Nuremberg, créé une des pièces orchestrales plus populaires de la période baroque. Dans le canon, deux des formes contrapuntiques plus strictes sont combinées : les parties de trois violon forment un vaste canon avec des entrées de la distance de deux bars. Pour cela, une basse de sol (ostinato de basso) a été ajoutée répéter sa formule deux barres ton 28 fois. La maîtrise technique de la pièce peut être ad-embourbée tout autant que son effet réside dans la puissance mélodique et sensuelle de ses tons de la chaîne. Les exigences techniques modestes sur les musiciens sont diamétralement opposées au niveau de la composition : ils ne vont pas au-delà de la troisième position./ Répertoire / 3 Violons et Basse Continue ou Orchestre à Cordes)

Par PESSON GERARD. Le sténopé est l'appareil photographique le plus élémentaire. Une boîte bien fermée, faisant office de camera oscura, un trou d'épingle pour laisser passer la lumière. L'image inversée du réel, du fait de l'absence de focalisation, se déposera sur le papier photosensible, reproduisant ainsi le système même de la vue. La petitesse d'entrée de la lumière permet une profondeur de champ presque infinie. Elle nécessite, ou plutôt autorise, des temps de pose très longs. Non des centièmes de seconde, mais des minutes, des heures, des semaines, voire des années. Ce temps de pose extrême, l'épingle de la lumière, sont une écriture du temps. Ils parlent de l'invention. Ils sont le sujet de cette musique à laquelle je songe depuis presque dix ans - temps minimum si l'on veut encourager les bougés et être bien sûr que les figures se déposeront toutes sur le bitume de judée. Ainsi toute 'impression' pourra muter vers sa complication. Selon la loi optique, dehors devient dedans, mais à l'envers. La musique glisse vers une sérénade accélérée, indéfiniment reprise, secouée par un traitement 'brutaliste', lancée à marches forcées à travers le panorama, révélée enfin sur des nudités de cantilène qui dessinent le point de fuite de ce galop. La lenteur de la 'chercherie', comme dit Philippe Beck, fait que le chercheur est lui-même cherché. Il devient à son tour photosensible et se voit contraint, sans orgueil, mais non sans présomption, de s'appliquer le principe connu: Chevauchée bien ordonnée commence par soi-même. / contemporain / Répertoire / Quatuor à Cordes

Par PESSON GERARD. Mes béatitudes résulte(nt) d'un projet presque impossible qui consistait à réunir dans une narration, une forme traversée, l'idéal schématisé de tout ce que j'avais dû abandonner pendant des années. Non pas un cimetière des idées, mais un programme articulé, tendu par un fil panique, des tentatives ou des repentirs qui sont tout de même la matière vive de toute invention poétique. Dans l'idéal schématisé, je voulais retrouver cette énergie, cette ferveur un peu distancée et souvent rageuse qui s'attache à la compression ou au recyclage des figures délaissées, aux moments préférés non avenus qui se retrouvent ici déformés, accélérés ou étirés. Les gestes extrêmes sont recueillis et pour ainsi dire sauvés: lenteurs élégiaques, refrains stridents, assèchement de la matière musicale, décomposition du geste instrumental en plusieurs états successifs donnés séparément. Au milieu de la partition figure, comme une stèle, livré dans un état de grande fragilité, presque hors de portée, le deuxième thème de l'adagio de la Septième symphonie de Bruckner (sans doute un des plus beaux thèmes jamais écrits). Ce n'est pas une citation mais un hors-texte sacré, pôle magnétique de toute tentative. Bruckner est sans doute l'artiste (avec Messiaen) qui a porté à ses plus ultimes conséquences la tension entre macroforme et écriture par moments interrompus ou tournant sur eux-mêmes. II est aussi le maître douloureux du repentir. Deux Abgesänge, ces fins suspendues qu'Adorno affiliait chez Mahier à la catégorie de l'accomplissement, forment alternative pour essayer de ne pas finir - 'deux détours qui sont peut-être le chemin direct' (Adorno). Voici le programme qui résulte de ce 'centon composé des idées délaissées': refrain - pantoum - refrain - barcarolle (mib) - refrain - thrène (stèle Bruckner) - refrain - abgesang 1 - refrain (ongles et bois) - abgesang 2 Mes béatitudes, commande de l'Etat, a été créé le 27 mars 1995, au Centre Georges-Pompidou, par l'Ensemble Itinéraire sous la direction de Pascal Rophé. / contemporain / Répertoire / Piano, Violon, Alto et Violoncelle

Ce livre contient du Silvestrov jusqu'ici seulement les travaux pour violoncelle solo créé après 2000. Le violoncelle est un des instruments centrales dans le oeuvre du compositeur. Dans plusieurs ouvrages, il a réussi à mettre le violoncelle dans des contextes inhabituels et donnez-lui nouveaux rôles qui pourraient expliquer la grande appel qu'a cette musique à ces artistes que d. Geringas et i. Monighetti. / Violoncelle

Suite pour violoncelle et piano. Par LAKS SIMON. Simon Laks (1901-1983), who moved from Warsaw to Paris in 1926 at the age of 25, belonged to the large group of composers from Central and Eastern European countries who went down in 20th-century music history as the „École de Paris“. Slavic temperament amalgamated in their music with French esprit, the folklore of their native countries combined with the stylistic elements of neoclassicism and jazz typical of the time. As a member of the „Association of Young Polish Musicians“, Laks quickly made his way into French musical life. However, his career was ended with the beginning of World War 2 due to the collaboration of the Vichy government with Nazi Germany. Internment in 1941 was followed by deportation to Auschwitz in 1942. Laks survived the Shoah as a member and later leader of a camp band in Birkenau, which he testified to in his moving book Music in Auschwitz. After the traumatic experiences, Laks did not return to regular compositional activity until the 1960s, producing an opera, songs, and chamber music works, some of which were awarded important composition prizes. At the peak of this optimistic creative phase, he composed incidental music for Peretz Hirschbein's famous Yiddish comedy Dem Schmids Techter (The Blacksmith's Daughters), which premiered in New York in 1918, for a new production of the play at the Théâtre de l’Entrepôt in Paris. Along with Prokofiev's Overture on Hebrew Themes and Shostakovich's cycle From Yiddish (Jewish) Folk Poetry, it is one of the most significant 20th-century explorations of art music with Jewish folklore – homage to a culture irreparably destroyed. From the original score, Holger Groschopp compiled two suites, for violoncello and piano and piano solo, that capture the essence of Lak‘s enchanting drama music. The premiere recording of the suites with Holger Groschopp and Adele Bitter was awarded the Opus Klassik 2023 in the category Editorial Achievement of the Year. . / Date parution : 2024-01-06/ Répertoire / Violoncelle et Piano