Par PEPIN CAMILLE. Lorsque l'on m'a proposé de mettre en musique ce recueil de poèmes de James Joyce (1882-1941), j'ai été immédiatement séduite par l'idée. Il s'agissait de mettre en musique ces poèmes en respectant l'ordre original selon lequel ils ont été conçus par James Joyce lui-même lors de la première édition de 1905 [1]. Avec la précieuse aide de Philippe Blanchon [2], j'ai choisi de mettre en musique dix-huit poèmes, conservant ainsi les épisodes incontournables, la trame dramaturgique et l'essence de l'univers Joycien. Ce qui m'a attirée d'emblée, c'est qu'il s'agit d'une véritable histoire : de la naissance de l'amour à la passion déclinante, menant à une éventuelle et tendre amitié entre les deux amants. J'ai donc conçu Chamber Music d'un seul tenant. Au-delà des nombreuses références à la musique et aux sons de la nature - déjà 'musique' en eux-mêmes - l'oeuvre littéraire appelle à la mise en musique par sa forme. En effet, elle est déjà musicale dans sa construction. Les trois premiers poèmes constituent le prélude exprimant la solitude du poète. Nous assistons dans la première partie - crescendo - à la naissance de l'amour entre les deux amants, menant au poème central et point culminant de l'oeuvre : 'My Dove, my beautiful one'. La seconde partie - diminuendo - raconte la passion déclinante des amants qui nous conduit au finale, écho du premier poème et à la solitude du poète. Le prélude musical illustre le paysage - tant visuel que sonore - décrit par James Joyce : 'Strings in the earth and air make music sweet', 'There's music along the river', 'The sighs of harps', 'Soft sweet music in the air'. Inspirées de sonorités traditionnelles irlandaises, les mélodies de la première partie présentent un aspect populaire issu du folklore, comme une ode au monde de la danse - prégnant en Irlande. Ces mélodies modales et mélismatiques semblent improvisées, à la manière du chant gaélique irlandais. Elles se transforment au fur et à mesure en une véritable épopée romantique, expression de la relation passionnelle et charnelle des deux amants : 'Hurry over the dark lands and run upon the sea for seas and land shall not divide us my love and me', 'The odorous winds are weaving a music of sighs'. Ces mélodies extatiques, à la fois tendres et fragiles, tentent d'exprimer cette ivresse, cet état extatique - véritable état de 'transe' qui nous submerge lorsque l'amour envahit notre âme sans que l'on s'en aperçoive. La deuxième partie reprend ces divers éléments musicaux dans leur cheminement inverse. Passés par le filtre de la mélancolie de l'amour déclinant au fil du temps, ils témoignent de la perte de repères après la séparation avec l'être aimé : 'Lay aside sadness and sing how love that passes is enough', 'Love came to us in time gone by'. Enfin, le finale exprime le retour à la solitude du poète, comme une résonance du début de l'oeuvre : 'The voice of the winter is heard at the door', 'My kiss will give peace now and quiet to your heart'. Sans cesse en écho les unes des autres, les mélodies s'entremêlent dans un contrepoint lyrique et sensuel. En effet, le titre même du recueil m'a inspiré une oeuvre où chaque instrument serait d'égale importance. Le lyrisme de l'un ne peut exister sans l'autre. Ainsi, le rôle du quintette n'est pas seulement un accompagnement de la voix soliste. Leurs lignes d'amour se mêlent avec volupté les unes aux autres. Plonger dans l'univers Joycien a impliqué mon immersion totale dans l'oeuvre. Lire ses mots, penser ses images, imaginer ses sonorités, a été un travail passionnant et c'est avec nostalgie que je referme ce recueil aujourd'hui. J'espère cependant avoir su retranscrire son univers poétique au plus proche. Je profite de cette note pour remercier Philippe Blanchon pour son aide précieuse et Claire Bodin [3] pour sa confiance. C'est à la fois un grand honneur et un plaisir immense de rendre hommage à si grand artiste et de voir ce chef d'oeuvre littéraire naître une seconde fois en musique. / Contemporain / Répertoire / Sextuor

Par WAKSMAN FABIEN. Que peut signifier la perte de l'audition pour un compositeur ? C'est la question à laquelle j'ai tenté de répondre en composant ce sextuor, écrit en hommage à Beethoven. C'est l'image d'un Beethoven prisonnier de son propre corps qui a été le point de départ de cette pièce. Une prison aux proportions dantesques, à la fois immense et oppressante. Ce monde intérieur, que j'imagine être l'esprit d'un Beethoven sans contact auditif avec l'extérieur, m'a rappelé les gravures de Piranèse. Carcere Oscura, réalisé en 1743, constitue un prélude au cycle des Carceri d'Invenzione, le chef d'œuvre de l'artiste. Cet univers carcéral possède par son caractère monumental un aspect fantastique. Il n'en reste pas moins à jamais clos, inhumain, et par conséquent terriblement effrayant. Pour reprendre les mots de Marguerite Yourcenar, les Carceri évoquent un 'monde factice, et pourtant sinistrement réel, claustrophobique, et pourtant mégalomane (qui) n'est pas sans nous rappeler celui où ! 'humanité moderne s'enferme chaque jour davantage'. Le célèbre motif initial de la Cinquième Symphonie de Beethoven parcourt l'ensemble de la pièce. Son traitement est le plus souvent frénétique, comme s'il semblait courir désespérément dans un labyrinthe en perpétuelle évolution à la recherche d'une sortie, d'un réconfort, d'une lueur. Le décor a beau changer considérablement, le sentiment d'urgence quitte rarement un discours dans lequel l'accordéon parvient peu à peu à prendre son indépendance par rapport à un ensemble à cordes très dense et compact. Après l'apparition d'une nouvelle cellule issue du second thème de la Cinquième Symphonie, le calme apparaît progressivement, toute trace de paniques' efface, la musique se fait plus flottante et méditative : il est temps pour Beethoven d'entrer en lui-même, de chercher d'autres chemins pour trouver la force de surmonter l'épreuve de sa surdité. Subitement, la pulsation frénétique redevient omniprésente, comme si Beethoven avait pris conscience de sa capacité à se transcender et avait hâte de se remettre au travail. La rage n'est plus ici synonym e de désespoir, mais d'impatience. L'accordéon, porté par des cordes obsessionnelles martelant le motif de la Cinquième Symphonie, semble filer vers la sortie du labyrinthe, tel Beethoven vers ses futurs chefs-d'œuvre. Le compositeur a triomphé de sa prison et restera à jamais pour nous un exemple de la capacité humaine à se dépasser au cours des épreuves de la Vie. / Date parution : 2022-11-08/ Répertoire / Accordéon et Quatuor à Cordes

Par PENARD OLIVIER. Composé d'une brève ouverture et de trois mouvements, le quatuor Artefact propose un parcours musical évolutif en utilisant un langage tout d'abord âpre et dissonant conduisant progressivement vers une stabilisation rythmique et harmonique où l'évocation du jazz est probante. La forme de chacun des mouvements corrobore cette intention. Après une violente ouverture où la matière musicale se désagrège dans la plus grande instabilité rythmique, le second mouvement, pièce maîtresse du quatuor, est un scherzo épousant la forme du rondeau dans lequel se développe un tissu contrapuntique sur les intervalles de seconde et de septième. L'énergie rythmique est au centre du discours et oscille constamment entre une dynamique ternaire et binaire. La virtuosité instrumentale y est prépondérante. Les intentions mélodiques sont rares, mais des mélismes en constante transformation assurent la cohésion formelle. Construit lui-même de manière palindromique, comme un écho miniature à la forme rondeau (ABA'CAB'A''), le trio central transpose certains éléments motiviques du scherzo dans une atmosphère harmonique plus diatonique qui prélude au dernier mouvement. L'interlude est une passerelle entre le scherzo et le final, un moment de méditation transitoire qui nous plonge dans un monde d'angoisse et de poésie où l'évocation des musiques nocturnes de Belà Bartok ressurgit comme un hommage. La construction formelle est également de type ternaire. Les tensions chromatiques des mouvements précédents sont ici exacerbées par l'utilisation des instruments dans leurs tessitures les plus élevées. Cependant, le mouvement de libre passacaille qui débute et achève la pièce se déploie dans un langage harmonique où le diatonisme de plus en plus présent propose un apaisement de l'écoute qui préfigure le quatrième mouvement. Enfin, la Rapsodie-jazz se présente comme un final libéré de la dissonance et des cadres formels utilisés précédemment. Le rythme est ici tout autant structurant que dans le scherzo, l'emploi des intervalles de seconde est toujours aussi présent, mais la pièce se déroule dans la plus grande régularité métrique, animant le discours d'une exaltation jubilatoire que l'évocation du jazz vient renforcer. C'est dans cette proposition de synthèse du langage savant avec le jazz que le parcours dramaturgique du quatuor prend sa pleine justification. Loin du pastiche et de la citation, la réunion de ces deux mondes musicaux parfois dissociés fonde un langage uniforme donné comme une alternative personnelle à la musique d'aujourd'hui. '...Une musique forte, sensible et harmoniquement subtile, très bien écrite pour les instruments: un musicien qui n'hésite pas à aller a la rencontre du public au lieu de le mystifier... ...Une force d'expression et un raffinement d'où découle le style Penard, identifiable entre tous...' Alan Ball, pianiste / contemporain / Répertoire / Clarinette, Violon, Violoncelle et Piano

 Une fois mon Requiem créé à l'église de la Madeleine à Paris en juin 01/01/12, je suis resté un long mois sans arriver à écrire une seule note de musique, C'est au cours du mois suivant que j'ai eu soudain le sentiment que toutes mes portes intérieures s'ouvraient enfin, J'ai écrit d'un même élan le prélude de ma Passion totalement habité par le texte de Saint Jean que j'avais auparavant lu à trois reprises dans une version historique, courante, et celle que j'allais choisir grâce à mon ami le Père Laurent Maurin : la version littéraire actuelle,J'ai eu par la suite la volonté de remanier ce prélude, originellement pour grand orchestre symphonique, et qui est à lui seul une Passion suivant le Christ du jardin près du torrent Cédron jusqu'à la croix et à la résurrection, Il en existe donc quatre versions : pour orchestre, orgue, violon et orgue et enfin, sous forme de méditation, pour quatuor à cordes, La méditation pour quatuor à cordes ne s'est pas faite toute seule,Quand j'ai eu l'idée de reprendre mon prélude pour le mettre sous cette forme, je souhaitais utiliser les cordes comme un orchestre entier avec les difficultés techniques et les problèmes de mise en place que cela impliquait,C'est donc avec le quatuor Kadenza que cet échange nécessaire a permis de trouver les bonnes solutions lors de cinq répétitions à l'Abbaye aux dames de Saintes, PUBLICATION REALISEE AVEC LE SOUTIEN DU FONDS POUR LA CREATION MUSICALE / Quatuor A Cordes

'Prélude à l'Après-midi d'Faune de l'ONU', souvent désigné comme la première composition de l'ère 'moderne', est l'un des plus populaires de Debussy et fréquemment interprété des oeuvres orchestrales. La pièce vient jusqu'à nous dans un large éventail de sources, et plusieurs autres importants sont dessinés sur pour la première fois dans la nouvelle érudition Bärenreiter-édition critique.La plupart des éditions actuellement disponibles sont basées sur la première édition de 1895 qui, pourtant, contient des erreurs graveur nombreuses. Lorsque les parties correspondantes orchestre sont également pris en considération, les écarts innombrables sont révélés.Bärenreiter Urtext édition incorpore de lectures d'un exemplaire imprimé de la note de C. 1908 qui montre les corrections et les corrections par le compositeur. Ces changements importants, trouvé dans aucune autre source, notamment indications métronomiques, des hauteurs différentes et les notes complémentaires, ainsi que le tempo ajoutée et les marquages ??d'articulation, ce qui rehausse subtilement tous les travaux finement sculpté de Debussy. Il ya même une marque de souffle ajouté au passage fameux solo de flûte qui ouvre le travail.- Edition savante critique avec de nombreuses corrections dans la partition et parties orchestrales- Une présentation claire des parties orchestrales dans un format agrandi, 25,5 cm x 32,5 cm / Alto

Edition : Paris, l'Auteur, Bayard, Leclerc, s.d. (=1744)Pièces à deux instruments égaux, particulièrement deux flûtes seules, de différents auteurs, dont Blavet. Certaines pièces suivies de variations.Présentation par Jean SaintArroman : Utilisation pédagogique des pièces.Ces trois recueils de pièces à deux flûtes seules, offrent un panorama de la musique du milieu du XVIIIe siècle en France, avec l'ajout de quelques airs étrangers. Les pièces sont de difficultés variées. Les phrasés sont très bien indiqués, et l'agrémentation, détaillée dans l'introduction, est très représentative du classicisme français. / Musique De Chambre / 96 pages / niveau : 1 / Fac-Similés - Format: 23.5 X 31.5

La durée de vie de Josef Suk (1874-1935), le célèbre compositeur et violoniste professionnel, a été fortement influencé par son appartenance à la célèbre 'Quatuor tchèque' (fondée en 1892). Suk faisait partie du quatuor jusqu'en 1933, se produisant dans près de quatre mille concerts.Le Quatuor à cordes n o 1 en si bémol majeur op. 11 (1896) est la première composition aux côtés de l'op Serenade. 6, qui a été publié par Simrock à la suite de la médiation par Suk père-frère, Antonín Dvorák. Dvorák a examiné ce travail du jeune musicien à être 'le meilleur que je connaisse de lui.' Suk a réécrit le quatrième mouvement, vingt ans après son achèvement, parce qu'il n'était pas satisfait de la version originale. En dépit de son utilisation du même matériau thématique, la nouvelle version se distingue donc nettement que ce mouvement est souvent effectué sur lui-même.La principale source de la forme originale du quatuor était la deuxième édition de Simrock. Pour la version alternative de la Finale de la présente édition est basée sur une partition et les parties marquées avec des corrections Suk.- Avec une préface commentaires (Cz / Eng / Ger) et critique (Eng)- Comprend également la dernière version du quatrième mouvement de 1915 / 3 Violons, Alto Et Violoncelle

Par TIPPETT MICHAEL SIR. Travaux de Tippett chambre courte est enfin disponible dans le cadre de la série Edition Schott. 'Prélude, Récitatif et Air' est un arrangement d'Hermès 'Aria 'Music O Divine' de 1962, le compositeur d'opéra King Priam et a été créée par le Trio Oriana en 1964. C'est un travail relativement simple en trois parties distinctes et constitue un ajout important au répertoire par l'un des plus importants compositeurs britanniques du 20e siècle./ Répertoire / Flûte Traversière, Hautbois et Piano ou Clavecin

Composés entre 1909 et 1912, les deux livres de Préludes pour Piano comptent parmi les oeuvres tardives de Claude Debussy (1862-1918). Elles révèlent une grande diversité de styles, de textures, de climats et d'émotions, et constituent un condensé de toutes les particularités du langage de Debussy. La Fille aux Cheveux de Lin est le huitième prélude du premier livre. Il est célèbre pour sa profondeur émotionnelle malgré sa simplicité technique et harmonique. Nul ne sait qui fut la fille aux cheveux de lin, mais cette miniature merveilleusement subtile réveille notre imaginaire. / Quatuor A Cordes / niveau : Moyen / Partition

Flute, Hautbois et Cor Anglais. Par MAFART PIERRE. Grâce au compositeur Jean-Claude Soldano, les éditions du même nom ont pu voir le jour dans les années 2000 et ainsi publier des oeuvres de petits compositeurs essentiellement français. C'est le cas du recueil dénommé Prélude et Fugue (flûte, hautbois et cor anglais) de Mafart Pierre qui a été composé pour Ensemble Instrumental et Petit Orchestre / Niveau : Fin de 2ème Cycle / Répertoire / Trio de Vents

Incl. Horn Trio op. 40 and Clarinet Trio op. 114. Par BRAHMS JOHANNES. Brahms's twenty-four chamber works include a number of the most acclaimed masterpieces in the repertoire, and his piano trios ; including the famous Horn and Clarinet Trios ; are among the most admired, performed, and recorded of all. This edition, reprinted from the definitive one prepared by Hans Gàl for Breitkopf & Härtel, presents all five of these brilliant works in an inexpensive yet fine-quality volume. Included are the B Major, C Major, and C Minor Trios (Opp. 8, 87, and 101) for violin, cello, and piano; the E-flat Major Trio (Op. 40) for violin, horn (or cello or viola), and piano; and the A Minor Trio (Op. 114) for clarinet (or viola), cello, and piano. Includes the three great piano trios, the 'Horn Trio' and the 'Clarinet Trio'. Edited by Hans Gal./ Répertoire / Musique de Chambre