Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. Ce score étude de 'La clemenza di Tito' est basé sur l'édition à la fois Giegling Franz de 1970, qui a été publié dans le cadre du 'New Edition Mozart', et le commentaire critique à partir de 1994. Les manuscrits autographes de numéros 2, 11 et 12 de l'opéra de Mozart ont été considérés comme perdus après la fin de la Seconde Guerre mondiale. En 1979/80 de ces pièces manuscrites ont été reportés et sont conservés dans le Jagiellonska Biblioteka, Cracovie. L'évaluation de cette source a été publié dans le commentaire critique de 1994 et a été inclus dans la deuxième impression du volume respectif de New Mozart Edition (1997). Le score étude Bärenreiter est basé sur cette nouvelle édition de 'La Clemenza di Tito', tel que publié dans le 'New Edition Mozart'. - Basé sur le Urtext de la 'Nouvelle édition Mozart', reflétant l'état actuel des bourses musicologique - Avec une préface informative/ Répertoire / Orchestre

Etant donné que Le Destin est en fait la musique pour la scène, il est important de rappeler le sujet même de Edgar Allan Poe and rsquo -s short story and ldquo - le Masque de la mort rouge and de la fiche technique-, qui a été écrit en 1842. and ldquo - mort le rouge and rdquo - est un terme utilisé pour décrire une peste balaie une terre imaginaire. Ses victimes sont sous l'emprise de l'agonie convulsif et suer sang plutôt que de l'eau. Il tue une demi-heure. Encore Prince Prospero ne tient pas compte des souffrances de son peuple et cherche refuge avec mille fêtards au monastère crénelé. Le 18 juin 1936, le compositeur a écrit quelques commentaires en français dans la réduction du piano de Le Destin, probablement pour le bénéfice de la chorégraphe:... ' Le Masque de la mort de Red ' peut, dans un sens idéologique, être interprété comme l'incarnation de l'idée de la lutte inégale entre l'homme et de son destin et pour cette raison que j'ai appelé le travail ' Destin ' (...) Il y a une corrélation étroite entre les deux la musique de l'épisode et ses subséquente deve... / Orchestre

Par LARUETTE JEAN-LOUIS. D'un petit volume déniché un peu par hasard à la bibliothèque de l'Arsenal a germé, après un jeu de piste passionnant, un opéra-comique : Cendrillon. C'est une ?uvre à tiroir, reflet d'une époque très particulière de la musique française, se glissant entre la fin du baroque flamboyant et le classicisme naissant. Le compositeur mêle des airs célèbres d'opéras (qu'il emprunte à des compositeurs comme Jean-Philippe Rameau, Egidio Duny, les parodiant parfois), à des chants populaires (les vaudevilles qui, par référence au texte original, permettaient le jeu de mot, le double sens) et compose ses propres pièces, qu'il adapte parfaitement au texte du librettiste Louis Anseaume. Rejouée pour la première fois en 2005 en version concert par l'ensemble Les Monts du Reuil à Vincennes, cette Cendrillon de 1759 n'a pas été sans poser beaucoup de questions. Nous tenions à respecter l'esprit d'une interprétation « baroque » attentive, tout en acceptant l'espace de liberté et de création suggéré par le genre. Nos choix s'appuient sur les conseils de musicologues et nous assumons la part évidente d'incertitude inhérente à l'interprétation d'un opéra-comique en vaudevilles de cette période. Soulignons que c'est devant la grande qualité du livret de Louis Anseaume et des airs de Jean-Louis Laruette que nous avons entrepris ce travail : Cendrillon nous dévoile un compositeur sensible qui s'exprime en demi-teintes et nous touche par ses mélodies tendres et délicates./ Répertoire / Conducteur

Par SORENSEN BENT . When it comes to titles, almost all the works I have composed have found their title before or at the same moment I started them. That is why it was also surprising - not to say transgressive - for me that my work for 9 instruments for Ensemble MidtVest was completely untitled until the last bar. Then it dawned on me that the titlelessness was a natural result of the music's volatility. It was - and is - as if the music was constantly escaping from itself. The beginning of the work is definitely an escape into a new chapter, and that feeling runs through the entire work. In a longer section, the music flies towards a Barcarole, where the piano has a soloist role, and this is probably a result of my recurring dream of Venice - the gondolas in the swaying rhythms of the canals. Hence the Italian title, 'Fuggitivo' - fugitive. The work was composed for and commissioned by Ensemble MidtVest with support from the Danish Arts Foundation. / Date parution : 2023-10-31/ Répertoire / Orchestre

Création 26/08/2015 - Sion (Suisse) - Finale du Concours International de violon Tibor Varga - Orchestre de Chambre de Lausanne Commanditaire Concours International de violon Tibor Varga Notice Le futurisme italien fut, au début du XXe siècle, le premier véritable mouvement d'avant-garde qui, en Europe, refusa l'art dans sa totalité, décréta l'abolition du passé et prétendit rénover tous les aspects de la vie humaine en cherchant à exprimer la nature et les problèmes du monde moderne. Le mouvement fut inauguré par Marinetti en 1909, suivi un an plus tard du manifeste de la peinture futuriste signé par Giacomo Balla, Carlo Carrà, Umberto Boccioni et Luigi Russolo. La bataille futuriste, qui mobilisa le vif de l'art italien de 1910 à 1916, naquit d'une violente polémique contre la tradition figurative et la conception de l'image-spectacle. La philosophie futuriste, nourrie d'élan vital, d'utopie machiniste et d'ardeur dionysiaque entendait dynamiter la culture antiquaire de l'Italie officielle. Marinetti exalte la vitesse, le mouvement, le bruit, la guerre. Mais aussi la pulsion, la déraison, la transgression, le débridement des ambitions et des désirs humains. Le caractère novateur et visionnaire du futurisme italien fut toutefois passablement terni par ses imprécations et ses fourvoiements politiques. Laissant de côté l'orientation réactionnaire du mouvement et son esprit de clocher extrémiste, on retiendra, parmi les traits les plus originaux du futurisme pictural, la recherche de la représentation du mouvement, avant l'invention du cinéma et avant l'art cinétique. S'inspirant des séquences photographiques d'Eadward Muybridge et de la chronophotographie d'Etienne-Jules Marey, les futuristes italiens sont parvenus à un incontestable degré de réussite dans le domaine proprement plastique. Le processus du devenir est représenté comme tel, et se déploie selon des lignes de force et des formes en croissance. La couleur est également saisie dans son dynamisme, avec ses foyers et ses aires de diffusion. Dans Le mani del violinista, une huile sur toile de 1912 aujourd'hui à Londres, Giacomo Balla s'est également livré à un exercice de synesthésie, cherchant à transposer en images un processus qui fait appel à d'autres modalités sensorielles. Le geste du violoniste, le placement de l'instrument à hauteur d'épaule, les mouvements combinés de la main et du bras, l'écartement et l'échelle d'appui des doigts de la main gauche, la mise en vibration des cordes, l'élan et le rebondissement de l'archet, sa vivacité et son exactitude, tous ces facteurs qui d'ordinaire demeurent imperceptibles et indissociables sont ainsi décomposés, puis réunis et rendus en une impression unique. Les mouvements successifs de la main et les morsures d'archet se séparent selon des procédés pointillistes, puis s'assemblent en une séquence accélérée et se lient dans le même fondu qui restitue l'unité et les inflexions de la tension musculaire. Ce qui est donné à voir n'est pas une illustration réaliste ni une nomenclature des possibilités instrumentales mais un condensé des allures de l'exécution transcendante, montrant les réflexes d'une main rompue au mécanisme de son instrument. Ma propre version musicale de la toile de Giacomo Balla s'inspire des caractères de cette vision futuriste de l'art. La virtuosité même de l'instrumentiste, son habileté d'exécutant, est ici expressément représentée comme un art de l'art. La partition porte une attention aigüe à la technique spécifique de l'effet sonore, à la justesse du geste instrumental dans la dépense de l'archet et la souplesse des déplacements. La grande école des violonistes consistait à faire disparaître le manteau rugueux des aspérités naturelles de l'instrument sous une surface lisse et parfaite de sonorités épurées. Ce grand art évolue aujourd'hui sous la pression d'une esthétique contemporaine plus sensible au grain, aux effets de texture voire aux effets raboteux de l'archet. Un autre type de virtuosité se fait jour, qui intègre les coups d'archets, les accents, les sons dénaturés, dans une sorte de formalisme instrumental pris au second degré. Les interférences entre les différents modes de jeu importent plus désormais que leur intégration dans une sonorité optimale. Cet art insatiable ne recherche plus la magnificence mais l'épreuve. La partition se divise en trois grandes parties. La première est une cadence confiée au soliste, centrée sur les accords, la rythmique et les enjambements d'une articulation qui ne se plie pas aux divisions métriques de la mesure. La seconde partie est l'enfer des violonistes et met aux prises, parmi toutes les cordes de l'orchestre, des figures contrapuntiques hachées, heurtées et contrastées. La troisième partie est davantage tournée vers des études d'équilibre de sonorités, dont la cohérence est délicate à obtenir car les notes se situent dans des registres extrêmes ou paradoxaux. Le soliste est confronté à un type nouveau de virtuosité, celui des sons harmoniques - groupes d'harmoniques naturels ou artificiels. Commande du Concours International de Violon Tibor Varga Sion Valais, la partition est écrite pour l'Edition 2015 de ce Concours. L'oeuvre est dédiée à Enzo Restagno. Hugues Dufourt

DVD inclus La Direction d'orchestre est un ouvrage qui aborde les bases techniques musicales et artistiques essentielles pour une solide formation de chef d'orchestre, mais aussi une formation vocale ou instrumentale. Le chef d'orchestre en devenir trouvera dans ce manuel toutes les clés théoriques et pratiques nécessaires au développement de ses connaissances qui lui permettront de conduire l'orchestre avec aisance et passion : - Technique de base - Etude et préparation du répertoire - Les répétitions - Le concert - Sur le podium : cas pratique - Glossaire Traduction française par Aude Ameille de l'ouvrage En el podio paru aux Editions Boileau. Presse Cet ouvrage, éminemment pratique, n'en néglige pas, pour autant, tout l'aspect culturel de la direction. Si il est orienté prioritairement vers la conduite d'un orchestre, il s'attache aussi à la direction spécifique d'une harmonie, ou, encore plus spécifique, d'un choeur. Cet aspect a d'ailleurs été longtemps négligé et tous les chefs de choeur ou choriste ont connu ces chefs d'orchestre qui ne savait pas comment se conduire vis-à-vis d'un choeur lorsqu'ils dirigeaient une pièce pour choeur et orchestre. Bref, l'ouvrage est très complet. Il comporte cinq parties plus l'indispensable glossaire. La première partie est consacrée aux techniques de base correspondant à tout l'aspect corporel, de la tenue aux différentes battues. La deuxième partie est consacrée à l'étude et la préparation du répertoire, exposées très en détail. La troisième est consacrée aux répétitions, la quatrième au concert. La cinquième partie fait en quelque sorte la synthèse en proposant d'appliquer l'ensemble à l'Alléluia du Messie de Haendel. L'ouvrage comporte aussi une copieuse et judicieuse bibliographie. Quant au DVD, il suit pas à pas l'exposé et ne comporte pas moins de trente-quatre chapitres divisés eux-mêmes en plusieurs sections. Il s'agit donc d'un outil de travail tout à fait remarquable et l'auteur explique en détail comment l'utiliser. Cette réalisation est donc une somme que le professionnel aussi bien que l'amateur éclairé pourra lire avec un grand intérêt et un grand profit. L'Education Musicale, n°94 (Juillet 2015)

Par CLERC EMMANUEL. Tiré de deux fables de La Fontaine, cette très jolie comédie, dont le livret est signé par Louis Anseaume (le même qui a écrit Cendrillon) a offert à nouveau l'occasion à L'ensemble Les Monts du Reuil de continuer son exploration du répertoire de l'Opéra Comique et des fables. Ici, Louis Anseaume s'est inspiré de deux fables très célèbres de Jean de La Fontaine pour offrir à nouveau un livret de grande qualité. Emmanuel Clerc s'est emparé du livret pour écrire en 2012 une musique vive et descriptive./ Répertoire / Conducteur

Ce score étude de 'La clemenza di Tito' est basé sur l'édition à la fois Giegling Franz de 1970, qui a été publié dans le cadre du 'New Edition Mozart', et le commentaire critique à partir de 1994.Les manuscrits autographes de numéros 2, 11 et 12 de l'opéra de Mozart ont été considérés comme perdus après la fin de la Seconde Guerre mondiale. En 1979/80 de ces pièces manuscrites ont été reportés et sont conservés dans le Jagiellonska Biblioteka, Cracovie. L'évaluation de cette source a été publié dans le commentaire critique de 1994 et a été inclus dans la deuxième impression du volume respectif de New Mozart Edition (1997). Le score étude Bärenreiter est basé sur cette nouvelle édition de 'La Clemenza di Tito', tel que publié dans le 'New Edition Mozart'.- Basé sur le Urtext de la 'Nouvelle édition Mozart', reflétant l'état actuel des bourses musicologique- Avec une préface informative / Orchestre

for orchestra. Par LIGETI GYORGY. Das Orchesterstück 'Melodien' habe ich 1971 komponiert. Ich versuchte, die dichte 'Mikropolyphonie' meiner Musiksprache aufzulockern, transparenter zu machen. Im Grunde genommen blieb ich treu zu meinem früheren Stil: die musikalische Form entfaltet sich wie ein ausgespanntes Gewebe in der kontinuierlich weiterfliessenden Zeit, doch verschmelzen die Einzelstimmen nicht mehr (wie in meiner früheren Musik), vielmehr sind sie in ihrer Überlagerung und Verflechtung einzeln durchhörbar. Die Stimmen werden zu individuellen Melodien, mit eigenem Duktus, eigenem Tempo, Rhythmus und intervallischer Struktur. Hört man das Werk zum ersten Male, erscheint es als ein Chaos diskrepanter Melodien - kennt man aber die Musik besser, werden die internen Zusammenhänge, wird das verborgene harmonische Skelett der Form erfassbar. (György Ligeti) In dieser Studienpartitur wird das Werk erstmals in modernem Notensatz verfügbar gemacht. Eine Faksimile-Ausgabe ist weiterhin erhältlich./ Répertoire / Orchestre

Par DUTILLEUX HENRI. Composed in 1978 by Henri Dutilleux, Timbres, Espace, Mouvement Ou La Nuit Etoileé is a work for Orchestra, also named “The Starry Night” after the painting by Van Gogh. It was commissioned by Mstislav Rostropovich for the National Symphony Orchestraof Washington and is dedicated to Charles Münch. This work for Orchestra lasts approximately 20 minutes and depicts the content of the painting. It is scored for a full Orchestra without Violins or Violas. The Cellos serve to represent space, with swirling solos alongside calmer sections, while thelack of Violins and Violas epitomises for the quiet and motionless sections of the painting. The solo of the Wind instruments and Drums characterizes the clouds and the light of the moon and stars. It is divided into two parts: 1. Nébuleuse (Nebula) and 2. Constellations, which are divided by a Cello interlude. Composed in 1978 by Henri Dutilleux, Timbres, Espace, Mouvement Ou La Nuit Etoilee is a work for Orchestra, also named ; The Starry Night after the painting by Van Gogh. It was commissioned by Mstislav Rostropovich for the National Symphony Orchestra of Washington and is dedicated to Charles Munch. This work for Orchestra lasts approximately 20 minutes and depicts the content of the painting. It is scored for a full Orchestra without Violins or Violas. The Cellos serve to represent space, with swirling solos alongside calmer sections, while the lack of Violins and Violas epitomises for the quiet andmotionless sections of the painting. The solo of the Wind instruments and Drums characterizes the clouds and the light of the moon and stars. It is divided into two parts: 1. Nebuleuse (Nebula) and 2. Constellations, which are divided by a Cello interlude. Henri Dutilleux was internationally acclaimed for his work, winning prizes such as the Gold Medal of the Royal Philharmonic Society and the UNESCO's International Rostrum of Composers, among many others. His work also includes a Piano sonata, two symphonies, the Violin concerto 'L'Arbre Des Songes' (The Tree Of Dreams) and the Cello concerto 'Tout Un Monde Lointain' (A Whole Distant Word)./ Répertoire / Orchestre

Kurtág's newest orchestral work, the Petite musique solennelle, was commissioned by the Lucerne Festival on the occasion of Pierre Boulez's 90th birthday. It was first performed on 23 August 2015 by the Lucerne Festival Academy Orchestra under the direction of Matthias. This orchestral score was first published March 2016. Duration 7'30'. / Orchestre

baroque, classique et romantique. Par KOPP KAI. Ce manuel propose un panorama général de l?art du jeu en ensemble aux périodes baroque, classique et romantique. Les sujets relatifs aux effectifs, à la constitution des ensembles et à leur direction sont abordés, mais c?est surtout la question de la pratique des musiciens qui est ici centrale : comment un musicien d?orchestre, entre le xviie et le xixe siècle, comprend-il les indications portées sur sa partie, et comment les exécute-t-il  ' De ce point de vue, ce livre peut se lire comme un cours fondamental sur la pratique d?exécution historique. Quinze études de cas, sur des partitions issues des trois périodes, permettent en outre d?appréhender les informations théoriques données à la lumière du répertoire de l?époque. Ce manuel pratique s?adresse à tous ceux qui sont concernés par l?inter­prétation d??uvres orchestrales : étudiants, musiciens professionnels, chefs d?orchestre, mais aussi musicologues ou éditeurs, ainsi qu?aux profanes qui s?intéressent à ces sujets. / Date parution : 2024-01-10/ Livre / Orchestre

With his cantata 'Meine Seel erhebt den Herren? which Bach composed for the Visitation of Mary (2 July), he created a Magnificat setting of a different kind: The German text source is a combination of biblical text and a free interpretation, the basis being the Marian hymn of praise from the Gospel according to Luke. The 9th psalm tone acts as the chorale melody and becomes a recurring musical theme.With a small scoring of one trumpet (which if need be can be omitted), two oboes, strings and basso continuo along with four soloists and choir, Bach succeeds in writing a festive music of 20-25 minutes. This performing edition is based on the Urtext of the 'New Bach Edition?.- Festive cantata based on the Urtext of the 'New Bach Edition?- With a duration of 20-25 minutes / Conducteur De Poche

EDITION URTEXT
Compositeur : Mozart, Wolfgang Amadeus
Instrumentation : Vc/KB
Nombre de pages : 2 / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Orchestre / EDITION BREITKOPF