Ces magnifiques instruments ont longtemps été un favori avec des musiciens. Ce livre est une histoire, livre de la source et le manuel du propriétaire pour les joueurs et les fans qui couvre les faits et chiffres nécessaires pour les collectionneurs sérieuses. En plus de nombreuses photos historiques noir et blancs, il y a aussi une section de 32 pages couleur mettant en évidence des modèles. Le livre couvre l'histoire complète, styles spécifiques et des modèles de tous les instruments, hawaïen, blues et des artistes de jazz qui ont utilisé ressortissants, une histoire de leur publicité, installation et maintenance et bien plus encore de la compagnie. Annexes comprennent les numéros de série pour tous les instruments, une chronologie de l'entreprise et une discographie de l'artiste Hawaiian / Livre

Par REIBEL EMMANUEL. Le mot «romantique», si couramment employé aujourd'hui, évoque dans son acception la plus répandue l'effusion et la fiêvre lyrique, dont la musique serait l'expression privilégiée. Voilà  qui surprendrait bien des musiciens du XIXe siècle. Comment le mot «romantique», qui possédait au XVIIIe siècle une connotation visuelle (renvoyant à  la dimension pittoresque des jardins à  l'anglaise) et un sens poétique (lié aux romans de chevalerie médiévale), a-t-il pu progressivement qualifier des objets musicaux ' Emmanuel Reibel considêre ici le romantisme non plus comme une période, un style ou une mystérieuse essence déterminant les oeuvres, mais comme un mot polémique et contradictoire, témoignant d'une nouvelle façon d'entendre la musique. De Rousseau à  Berlioz en passant par le style «troubadour», la mode ossianique, l'engouement pour les musiques populaires comme le «ranz des vaches», le rossinisme ou l'école «fantastique», cet essai explore les mutations picturales, mémorielles, nationales et idéologiques impliquées par la «romantisation» de la musique. L'ampleur de la documentation - partitions, traités, correspondances de musiciens et textes littéraires - et une belle élégance d'expression soutiennent une démonstration rigoureuse d'esthétique historique. Ancien élêve de l'Ecole normale supérieure, maître de conférences habilité à  diriger des recherches à  Paris Ouest Nanterre, Emmanuel Reibel est l'auteur entre autres des Musiciens romantiques, fascinations parisiennes (2003) et de Faust. La musique au défi du mythe (2008). / Broché / Livre / Livres

Personnalite? aux multiples facettes, artiste accomplie, Agne?s de Brunhoff, chanteuse, pianiste, auteur-compositeur, est aujourd'hui une professeur de Technique Alexander, coach vocal, instrumental et sce?nique de renom. Par un travail acharne?, elle conjugue ses talents avec une grande varie?te? d'expe?riences artistiques associe?es a? son impressionnante pratique de la Technique Alexander. C'est la richesse de ce parcours, divers, curieux et profond, cette connaissance de la sce?ne et des ' me?tiers ' artistiques, cette capacite? a? chercher pour elle-me?me et pour les autres qui font d'elle cette personne inde? nissable et pre?cieuse, coach a? la stature internationale ple?biscite?e par les artistes professionnels.Apre?s avoir e?crit un premier livre sur sa de?marche artistique dans le monde du spectacle et la manie?re dont elle utilise la Technique Alexander dans son enseignement pour l'appliquer aux pratiques artistiques, ce deuxie?me livre va plus en profondeur. C'est un manifeste qui parle de l'urgence de repenser le corps comme ve?ritable partenaire de notre fonctionnement aussi bien dans les domaines musicaux et les me?tiers de la sce?ne que dans la vie quotidienne en ge?ne?ral. Qui nous rappelle l'importance de re?agir pour pre?server notre e?tre face a cette socie?te? de?vorante, ultra rapide, stressante, consume?riste.Ce livre te?moigne du parcours extraordinaire d'Agne?s de Brunhoff, de la fac?on dont elle guide les personnes qu'elle fait travailler avec bienveillance sur le long terme pour atteindre leur ve?ritable incarnation artistique, la liberte? sce?nique, vocale et musicale. Il de?crit les outils qu'elle a e?labore? au cours des ses anne?es de recherche aupre?s des artistes en de? nissant plus justement leurs besoins pour se construire.Il parle du temps ne?cessaire que nous ne nous permettons pas. De l'importance de ce qu'on peut re?aliser si on prend le temps de s'incarner. C'est un regard nouveau sur l'artiste face au monde d'aujourd'hui, qui nous ouvre sur une conception novatrice de la pe?dagogie. / Livre

3e cycle - fin d'études . Par CALLIER YVES. Yves Callier, Professor at the Marseille National Conservatoire, provides an essential rhythm guide to all musicians. Suitable for spoken, sung or played exercises, 29 Rhythmic Exercises is a useful rhythmic study series for all music students. Callier ''s volume, 29 Rhythmic Exercises, begins with a helpful glossary of unusual rhythmic devices. This is followed by 29 exercises suitable to third year music students, addressing rhythmic aspects including, triplets and sextuplets, dotted and double dotted notes, semiquavers and demisemiquavers, altering time signatures, varying tempos, irregular phrases, as well asmany other complex rhythms. Callier ''s 29 Rhythmic Exercises is imperative to final year music students aspiring to perfect their rhythm technique to a high standard./ Solfège/Formation Musicale / Pédagogie Musicale

de Frédérique Patureau / Quatrième de couverture L'inauguration d'un nouvel Opéra à Paris a toujours été un événement de portée nationale. Alors que s'organise l'Opéra de la Bastille, cet ouvrage s'attache à montrer comment, au siècle précédent, le fastueux Palais édifié sous la direction de l'architecte Charles Garnier fut investi d'une mission politique et sociale d'envergure, dépassant largement sa fonction première de centre de diffusion de l'art lyrique. Au fil d'une analyse archivistique approfondie, il reconstitue le fonctionnement interne de l'institution, tout au long d'une période décisive où s'installe définitivement la République et où s'opèrent d'importantes mutations au sein de la société française. Au moment où l'extrême vitalité du genre lyrique en fait un lieu d'intense création, l'Opéra de Paris, lourdement subventionné, étroitement encadré par l'Etat, est aussi - et surtout ? - un terrain privilégié d'affrontement des grands débats idéologiques qui agitent le monde politique. Les modifications apportées par la tutelle à son Cahier des charges s'inspirent ainsi clairement du nationalisme ambiant, mais surtout des principes démocratiques, vivifiés par la célébration du premier centenaire de la Révolution Française. C'est ainsi notamment que prend corps, dans les années 1880, le rêve d'un Opéra populaire qui s'élabore, d'un projet de construction à l'autre, en opposition systématique du Palais Garnier, ce " temple mondain des privilégiés de la fortune ". Singulièrement riche en tensions et en paradoxes, le théâtre d'opéra est celui des mondes de l'art où se mettent définitivement en place, dès l'aube du XXe siècle, ces enjeux culturels dont nous entretient l'actualité immédiate. Docteur en sociologie, Frédérique Patureau est chercheur associé au Centre de Sociologie des Arts à Paris. Elle poursuit actuellement une recherche sur l'évolution contemporaine des institutions lyriques.

Par TRANCHEFORT F-R.. La musique de chambre bénéficie dans notre pays, depuis plusieurs années, d'un regain d'intérêt de la part d'un public aussi exigeant qu'attentif, et qui correspond sans doute à  une pratique musicale plus intime, plus ' secrête ' que celle des grandes salles de concert ou d'opéra. N'est-ce point là  le signe d'un affinement du goût, ainsi que d'une volonté d'initiation aux arcanes de la musique'Ce Guide de la musique de chambre, conçu dans le même esprit et selon la même présentation que les précédents Guide de la musique symphonique et Guide de la musique de piano et de clavecin, aborde à  son tour un vaste répertoire avec l'intention d'accompagner efficacement, par les informations essentielles qu'il apporte, l'écoute _ et peut-être la pratique active _ des oeuvres du genre. ' Genre ' dont les frontiêres, au demeurant, ne se tracent pas sans peine: on observera que, s'il regroupe l'ensemble des oeuvres écrites pour un petit nombre d'instruments (de deux à  dix, en principe), il exclut certes toute la musique de piano, mais non celle pour le violon ou le violoncelle seul, par exemple. Quelque cent soixante-quinze compositeurs sont alphabétiquement représentés dans ce volume, avec une très grande variété d'analyses (ou de commentaires plus succincts) qu'enrichissent des précisions sur les formes et les ' styles ' , les circonstances de composition, les dates et lieux de création, les durées moyennes d'exécution. Les oeuvres du répertoire de base sont toutes présentes, _ avec l'intégralité des musiques de chambre des grands ' classiques ' (de Jean-Sébastien Bach à  Pierre Boulez); mais d'autres moins connues sont offertes à  la curiosité du lecteur-auditeur, _ qui ressortissent à  des ' écoles ' ou sphêres d'influence nationales encore mal explorées (slaves, scandinaves, anglaises, américaines, etc. ). Ainsi ce nouveau Guide, qui s'est aussi donné pour but d'éviter toute technicité ardue par l'emploi d'un vocabulaire accessible au plus grand nombre, devrait-il devenir l'inséparable compagnon de tout ' chambriste ' et, plus généralement, de tout véritable mélomane. Ce volume a été réalisé sous la direction de François-René TRANCHEFORT, avec la collaboration d'Adélaïde de PLACE, Pierre-Emile BARBIER, Harry HALBREICH, Jean-Alexandre MENETRIER, Alain POIRIER et Marc VIGNAL. / / Date parution : 1989-12-06/ Livre / Livres

Par LAMARQUE ELISABETH AND EMMANUELLE. Cet ouvrage est destiné à la 1re année de 1er cycle. A travers des chansons, des oeuvres judicieusement choisies pour leur beauté, leur côté ludique tout en privilégiant la connaissance et le plaisir de découvrir la musique, on retrouve dans les 9 chapitres composés chacun de 6 pages : - une oeuvre d'un grand compositeur avec une petite fiche le concernant ainsi qu'un lien sur des inventions de son époque agrémenté d'anecdotes. - un coup de projecteur sur des instruments. - des chansons du monde. - de la lecture progressive (Cap ou Pas Cap) et de la lecture de clés, travaillées de manière parallèle, en adéquation avec l'apprentissage de la lecture en éducation nationale (globale et syllabique). - des rythmes en imitation : 'perroquet' pour arriver à l'acquisition et les utiliser dans les oeuvres. - du travail vocal et du chant. - du travail d'écoute. - du travail harmonique : tonique / dominante. - un arc en ciel des connaissances permettant de visualiser rapidement les acquis du chapitre. - une page de 'Petit ' à la fin du chpitre pour consolider les connaissances. - l'utilisation d'instruments en classe si le professeur le souhaite. - de l'écriture. - des illustrations permettant à l'élève de se repérer dans chaque chapitre. - des jeux divers. En sus dans le livre de l'élève : - un jeu des 7 familles sur les familles d'instruments. - un jeu de loto sur 22 instruments (travaillés en reconnaissance dans les chapitres). - un jeu de cartes de notes. - un jeu de car tes de rythmes. - un CD, des liens youtube et un lien MP3 sur le site des Editions Henry Lemoine./ Méthode / Formation Musicale

Darius MilhaudUn compositeur français humanisteSa traversée du xxe siècleDarius Milhaud fut un des compositeurs les plus reconnus du XXe siècle - universellement apprécié, il eut la satisfaction de voir ses oeuvres interprétées dans les salles de concert et sur les scènes lyriques du monde entier. Grand ensemblier du Groupe des Six, il a gardé jusqu'à leur disparition l'amitié admirative de Poulenc et d'Honegger. Pourtant, sa musique n'est pas parvenue de nos jours à un très large public, peut-être à cause du caractère révolutionnaire de son langage musical.Cet ouvrage a pour objectif de familiariser le lecteur avec un compositeur dont l'inspiration, d'une étonnante diversité, s'étend des folklores du monde à la mythologie gréco-latine en passant par les foires et les jazz parties des Années folles à Montparnasse. L'unité de son oeuvre est assurée par deux éléments puissants : un humanisme sincère et profond, une invention mélodique inépuisable. Qui peut oublier, après les avoir entendus, la samba de Scaramouche, le refrain du Boeuf sur le toit et les choeurs de Pacem in terris ? Darius Milhaud laisse à ceux qui l'ont rencontré le souvenir d'un homme d'une grande générosité, sensible au destin de l'humanité, qualités que son oeuvre révèle. Qu'il soit de naissance ou de circonstance, l'ancrage des auteurs à Aix-en-Provence depuis des décennies et leurs engagements respectifs dans la vie culturelle provençale, riche et intense, expliquent leur attachement à la personnalité de Darius Milhaud et leur admiration pour l'oeuvre et la personne du compositeur. Micheline Ricavy, agrégée d'Education musicale, docteur en musicologie, est professeur honoraire de l'IUFM d'Aix-Marseille. Après s'être impliquée dans l'enseignement de la musique et dans la formation des professeurs, elle consacre désormais ses activités à des concours régionaux pour jeunes pianistes et à des conférences et concerts de musique classique pour le grand public. Robert Milhaud, parallèlement à un parcours professionnel dédié à l'éducation (il fut instituteur, Inspecteur de l'Education nationale puis directeur de l'Ecole Normale d'instituteurs des Bouches-du-Rhône), poursuit sa quête de la connaissance de la minorité humaine à laquelle il appartient, descendante des Juifs du Comtat Venaissin dont certains d'entre eux jouèrent un rôle important dans l'évolution de notre culture. / Livre

Myriam Chimènes (Auteur) - (Français) Broché – 1 avril 2004 - De Fauré à Stravinsky, de Debussy à Poulenc, d'Arthur Rubinstein à Clara Haskil, nombreux sont les musiciens qui entretiennent des liens souvent étroits avec la Société parisienne, bénéficiant ainsi de la publicité nécessaire à la promotion de leur carrière. Sous la IIIe République, le rôle majeur joué par les mécènes dans la diffusion et la création musicale semble pallier les carences de l'Etat qui ne mène pas de véritable politique musicale. Des concerts de la Société nationale de musique à ceux du groupe Jeune France en passant par les Ballets russes ou les Concerts Wiéner, une grande partie des manifestations qui font date dans l'histoire de la musique de cette période doivent leur survie et parfois leur existence à l’appui que les classes sociales fortunées apportent à ces initiatives privées.Animateurs de salons, dédicataires, commanditaires de partitions nouvelles, organisateurs de concerts publics, les mécènes s'illustrent en apportant un soutien matériel et moral à des musiciens, compositeurs ou interprètes. Non dénués de snobisme, ils sont nobles ou bourgeois, femmes pour la majorité, amateurs pour la plupart, l'amour de la musique s'accompagnant volontiers de sa pratique. Pour leur plaisir, la musique occupe l'espace privé que constituent les salons ; dictée par le goût, la fréquentation des concerts publics obéit aussi aux usages de leur milieu. Du salon au concert, des réseaux se dessinent, assurant une circulation subtile entre l'espace privé et l'espace public.Les activités musicales du salon de Madame Verdurin sont le reflet d'une réalité admirablement perçue par Marcel Proust. Simple réjouissance de l'intimité ou accessoire des réceptions mondaines, la musique occupe une place de choix dans les salons, lieux de sociabilité mais aussi lieux de travail pour les musiciens. Le salon de Marguerite de Saint-Marceaux offre un cadre aux débuts de la jeune Isadora Duncan, qui y danse accompagnée au piano par Ravel ; en s'improvisant organisatrice de concerts publics, la comtesse Greffulhe permet la création française d'œuvres de Wagner, Mahler ou Schoenberg ; confidente de Diaghilev, Misia lui apporte un soutien sans faille ; quant à la princesse Edmond de Polignac, elle commande à Stravinsky, Satie ou Falla des œuvres destinées à être interprétées dans son fastueux hôtel particulier. Ce qui a longtemps été considéré comme « la petite histoire » n'est en réalité pas anecdotique dans l'histoire de la vie musicale parisienne de cette époque.

Dans cette biographie richement illustrée, vous trouverez tout ce que vous vouliez voir ou savoir à propos de Serge Gainsbourg... Cet artiste protéiforme dont l?oeuvre se distingue par une richesse et une intensité inégalées. Peintre et pianiste de bar durant ses années de jeunesse, cet inventeur d?une chanson « nouvelle vague » se fait connaître en interprétant, sur des musiques jazzy, des textes acides ou désabusées, mais toujours poétiques : « Le poinçonneur des Lilas », « L?eau à la bouche », « La chanson de Prévert », « Couleur café »... « Obsédé textuel » par excellence, il se reconvertit bientôt en tailleur pour dames fort prisé : « La javanaise » (Juliette Gréco), « Les sucettes » (France Gall), « Harley Davison » (Brigitte Bardot), ou « Je t?aime moi non plus » (en duo avec Jane Birkin, pour qui il composera de nombreux albums) Au milieu des années 70, il devient l?idole underground des jeunes rockers français, conquis par L?homme à tête de chou, un opus tant avant-gardiste que sulfureux. Métamorphosé en « Gainsbarre », chantre de la provocation, il achève son parcours en apothéose en introduisant en France le reggae ? Aux armes et caetera -, puis le funky-rock ? Love On The Beat... Au cours d?une carrière impressionnante de densité, Serge Gainsbourg a également composé une soixantaine de musiques pour le cinéma, joué dans une trentaine de films et réalisé plusieurs longs métrages, clips et spots publicitaires... Adulé par les chanteurs de la nouvelle scène française, Gainsbourg a acquis, quinze ans après sa disparition, l?envergure d?un artiste-culte de renommée internationale. Cet ouvrage, jalonné de plus de 600 documents rares ou inédits, vous fera pénétrer dans le musée intime de Serge Gainsbourg. Une discographie et une filmographie complètes accompagnent ce livre.

Par CHION MICHEL. Le titre de l'ouvrage le dit : une musique dans un film ne s'y dissoutpas, mais elle en est modifiée tout en le modifiant. C'est dans lefilm même qu'il faut l'étudier. Ce retour aux oeuvres, à  leur vision et à  leurécoute - à  leur «audio-vision» - fait apparaître, loin des professions defoi abstraites, la richesse des scênes, des effets, des situations. Le cinémaest, étymologiquement, ce mouvement que le mouvement de la musiquetantôt entraîne et soutient, et tantôt immobilise et charme. Depuis la premiêre édition de cette somme, le quart de siècle écoulé avu apparaître de nouvelles formules de présence de la musique au cinémaet de nouveaux auteurs ; l'intérêt pour le thême n'a cessé de croître, enmême temps que l'accês aux oeuvres musicales et cinématographiques- par cble, tablettes, «baladeurs» internet, vidéo à  la demande - s'estdiversifié. Cette nouvelle édition de La Musique au cinéma, refondueet complétée, en tient compte et en montre l'impact dans les films eux-mêmes. Elle propose aussi une chronologie réactualisée, se concentrantnotamment sur soixante films marquants parmi des milliers. Une ronde internationale de noms et de films, de chansons etde danses, d'images et de sons tourbillonne dans ces pages, du cinémaexpérimental aux films-opéras, de Claude Debussy au Kasai Allstars duCongo, en passant par Ennio Morricone, Arvo Pà¤rt et Hans Zimmer, deBernard Herrmann à  Michel Legrand, du Chanteur de jazz à  Birdman, deJean-Luc Godard à  Jia Zhangke, et de Nino Rota à  Federico Fellini. Compositeur de musique concrête, réalisateur de films et d'oeuvres audiovisuelles,cofondateur de l'association Acoulogia qui se consacre à  desformations, Michel Chion a publié une trentaine d'essais, dont plusieurs surle son et le langage au cinéma, et, chez Fayard, sur l'oeuvre de Pierre Henry,la symphonie romantique et la musique à  programme. La premiêre édition de cet ouvrage a reçu en 1995 le Prix du Syndicatfrançais de la Critique de cinémaDeuxiême édition revue et augmentée / Broché / Livre / Livres

Cela fait 100 ans qu'Ortofon existe, et c'est bien l'une des rares companies internationales à pouvoir le fêter ! Pour cette occasion spéciale, la marque originaire du Danemark a décidé de publier son livre « collector » à destination du grand public qui retrace l'histoire d'ortofon depuis son lancement en 1918 jusqu'à aujourd'hui, et qui met en lumière son savoir-faire. A CENTURY OF ACCURACY IN SOUND Pour l'occasion, c'est le célèbre historien de la musique, Kevin Howlett qui a rédigé le livre « A CENTURY OF ACCURACY IN SOUND ». Véritable travail de recherche, son oeuvre est basée sur les témoignages des employés d'Ortofon de 1970 à aujourd'hui. L'auteur fait également découvrir les coulisses du leader mondial de cellules pour platines vinyles en faisant ressortir des documents d'archives fascinants ! POINTS ABORD2S DANS LE LIVRE : - Chapitre 1 : ELECTRICAL SOUND 1918-1945 - Chapitre 2 : MICROGROOVE, HI-FI AND STEREO 1946-1969 - Chapitre 3 : ADVENTURES IN SOUND 1970-1982 - Chapitre 4 : TURBULENT TIMES 1983-1994 - Chapitre 5 : THE VINYL PRESERVATION ACADEMY 1995-2004 - Chapitre 6 : STATE OF THE ART 2005-2018

S’adressant à un large public, cette synthèse guide le mélomane dans le labyrinthe des périodes, des écoles et des styles au fil de 4000 ans d’histoire de la musique. Présentée chronologiquement, l’histoire des compositeurs et des œuvres, du langage musical, des courants et de grandes écoles esthétiques. Un ouvrage qui couvre toutes les époques : de la musique hellénique et romaine au chant grégorien, du baroque au répertoire classique et romantique, jusqu’à la musique contemporaine. Un plan clair, précis et pédagogique : - une présentation du contexte historique et culturel, - les notions indispensables sur la notation et la théorie musicale, - une biographie des compositeurs les plus marquants et les caractéristiques de leur langage musical et des œuvre