Par CHEPELOV PIERRE / MENUT BENOIT. Cours complet de formation musicale qui aborde un répertoire très large, du grégorien à la musique d'aujourd'hui. Chaque chapitre se divise en deux parties : rythmique et mélodique. Les notions théoriques sont abordées tout au long de l'ouvrage. De nombreux exercices permettent de mettre en place et d'approfondir les notions abordées. La lecture des notes se fait en clé de Sol et Fa simultanément, mais en utilisant la lecture relative. Les auteurs ont mis un accent particulier sur le travail rythmique sans se figer dans les mesures. Signalons particulièrement la grande richesse des textes proposés. Tous les exercices sont appliqués sur des mesures du répertoire, occidental ou non. 'Lorsque nous aurons réussi à donner à l'enfant une base auditive sensorielle et que nous l'aurons amené à réagir affectivement aux divers éléments sonores, nous pourrons entreprendre le développement musical sans risquer de faire un faux travail. Gamme, sens tonal, intonation, lecture et écriture se révéleront tour à tour comme un épanouissement normal, comme une prise de conscience qui vient à son heure.' Edgar Willems (1) L'idée d'une 'base auditive sensorielle' représentant un préalable indispensable à toute éducation musicale est sans doute le point commun le plus marquant reliant les courants pédagogiques musicaux du XXe siècle. De Kodály à Willems, de Martenot à Dalcroze, en passant par Orff, toutes ces pédagogies, aux sensibilités pourtant bien différentes, se rejoignent en effet lorsque se pose la question du sens donné à l'enseignement de la musique. C'est bien par le ressenti que l'enfant peut discerner, mémoriser, reproduire pour ensuite analyser, comprendre et même transmettre. Puisque, comme l'écrivait si justement Maria Montessori 'L'enfant nous demande de l'aider à agir tout seul', nous nous sommes posé, lors de la conception de cet ouvrage, la question suivante : comment proposer à l'enfant, et ce dès le début de son éducation musicale, une méthodologie l'amenant à être le plus autonome possible, à s'ouvrir sans inhibition aux différents paramètres sonores, à découvrir de vastes répertoires, à appréhender de manière ludique l'acte musical, sa lecture, son écriture, pour faire sienne cette maxime de Guillaume de Machaut : 'Et Musique est une science qui veut qu'on rie et chante et danse' ? Nous avons choisi de structurer cette méthode en chapitres se composant chacun d'une partie rythmique et d'une partie mélodique. 1. Par rythme, nous entendons tout d'abord l'éveil à la pulsation et à la durée, au sentiment mesuré et à la battue de mesure, à la carrure et à la conscience des phrases musicales et de la forme. En ce sens, nous proposons un éveil rythmique axé autour des longues et des brèves ('courtes') permettant ainsi à l'enfant d'asseoir sa pulsation tout en ancrant les notions de binaire et de ternaire. Cela permet aussi d'éveiller son sens de la prosodie et des métriques dites irrégulières, proches notamment des répertoires populaires de l'Europe de l'Est. Bien entendu, toutes les formules rythmiques constituant le programme usuel d'une première année sont abordées. Nous tenons à ce que l'élève s'imprègne ainsi du système rythmique au sens large du terme et développe en conséquence une réelle autonomie de jeu et de lecture. Les rythmes sont abordés avec des exemples variés issus de nombreux répertoires. En changeant ainsi les contextes, l'enfant dissocie les notions essentielles du rythme et du tempo qui lui est associé. 2. Les chapitres mélodiques ont pour vocation d'éveiller la vocalité et de développer l'écoute intérieure. Une attention toute particulière est donnée aux textes vocaux, issus notamment des répertoires traditionnels (chansons, comptines...). La découverte de l'échelle musicale se fait en partant du La du diapason, dont on ne saurait trop encourager l'usage. La lecture se fait en lien direct avec le son : on doit entendre et chanter ce qui est lu. Nous proposons pour cela une écriture ludique constituée de cubes permettant de relier l'oeil à l'oreille de façon plus immédiate. Ne voulant pas bloquer l'enfant dans un seul système de lecture, nous proposons d'axer le travail autour de la lecture relative, qui permet d'être tout de suite à l'aise dans les clés les plus usuelles, tout en montrant l'importance du ressenti de l'échelle diatonique composée de tons et de demi-tons. A ce titre, l'éveil aux différentes modalités nous paraît essentiel - ainsi l'on trouvera nombre de textes issus du répertoire ancien, et grégorien en particulier. Partant de la construction de la portée, ligne par ligne, nous pensons aider l'enfant à se familiariser avec les hauteurs et à comprendre et mieux maîtriser la construction de l'écriture musicale. La conscience des intervalles est éveillée par la technique de la 'note imaginaire', qui permet à l'élève de construire l'écart entre les notes, de fixer les hauteurs et de développer une empreinte sonore préalable à l'acte vocal comme à l'acte instrumental. Des travaux d'écriture sont d'ailleurs proposés tout le long de l'ouvrage : petites dictées, écriture en clés de Sol et de Fa, transpositions... L'oreille harmonique est aussi développée par des jeux autour des cadences qui représentent la ponctuation du langage tonal. Il en va de même pour la conscience des timbres instrumentaux. 'Le solfège proprement dit consiste à chanter en nommant les notes et en battant la mesure', écrivait Albert Lavignac ()2. Bien qu'un peu réductrice, cette phrase démontre que la question d'un solfège relié directement à la musique se posait déjà au XIXe siècle, reprenant aussi les idées pédagogiques déjà présentes dès la Renaissance. Nous avons souhaité inclure dans l'ouvrage les données théoriques essentielles, tout en les reliant directement à l'événement sonore. Ainsi, elles prennent du sens et la théorie devient vraiment 'musicale'. Fruit de notre expérience, de l'étude des courants pédagogiques et d'une recherche de répertoires tant variés qu'appropriés, L'Ouverture à la musique propose au professeur et à l'élève, enfant ou adulte, de débuter son apprentissage musical en se plongeant d'emblée dans la matière sonore, en goûtant au plaisir de la découverte et de l'expérimentation. Benoît Menut, Pierre Chépélov / méthode - études / Solfège/Formation Musicale / Formation Musicale

Comment amener un enfant à décrypter le rapport existant entre la musique et l?image ? Comment lui faire ressentir le lien entre une ambiance musicale et un sentiment difficilement palpable ? Comment parler concrètement du travail conjoint d?un réalisateur et d?un compositeur ? Comment montrer à la fois un produit fini et l?envers du décor, de sa conception à sa réalisation ? Comment faire pour répondre à toutes ces questions sans tomber dans un exposé théorique et complexe ? Toutes ces questions ont amené Pascal Thiebaux (réalisateur et story-boarder) et Nicolas Berthe (enseignant et compositeur) à réaliser leur propre concept de film pédagogique : la collection `Musique & Cinéma`.

Ce livre consacré à la guitare inaugure une nouvelle collection originale qui se donne pour ambition de devenir une « encyclopédie vivante de la guitare ».

Dans ce premier volume, de nombreux styles sont abordés ; d?autres le seront, ainsi que d?autres approches, d?autres techniques, d?autres esthétiques, dans les volumes à suivre.

L?originalité de ce livre, c?est avant tout la pluralité des auteurs. Sa force, c?est d?avoir été écrit par des guitaristes avant tout « artistes » qui ont su au fil du temps développer et mûrir leur propre langage musical.

Vous les connaissez tous à travers leurs enregistrements, sous leur nom ou pour autres artistes. S?ils ont pour la plupart une expérience de la pédagogie, leur façon d?expliquer est intimement liée à la musique qu?ils jouent. Dès lors, un sujet dont on pensait avoir fait le tour, apparaît parfois sous un jour différent, simplement parce que l?auteur l?aborde sous un autre éclairage, toujours en relation avec sa démarche musicale, sa pratique artistique.

D?autres proposent des approches, des systèmes « personnels », qui s?écartent de la théorie habituelle. Faisons-leur confiance : ce qu?ils ont longuement pratiqué marche. Peut-être quelques lecteurs pourraient être déroutés par certaines approches, par certains concepts ; nous espérons qu?ils dépasseront leurs habitudes, leurs appréhensions pour sortir enrichis de ces rencontres.


Une méthode, c?est souvent : « à faire, à ne pas faire ». Ici, l?invitation serait plutôt : « Moi, je fais (ou je ne fais pas), et j?aime comment cela sonne (du moins pour mes oreilles) ». Car apprendre à jouer d?un instrument, c?est aussi se forger son propre vocabulaire, son propre langage, sa propre respiration. La finalité n?est pas de s?entendre dire que l?on joue aussi bien que X ou Y, mais comme personne d?autre !
Cet ouvrage s?adresse à tous les guitaristes amoureux de leur instrument. Hormis le débutant complet, il devrait séduire autant l?amateur, qui possède les notions de base, que le professionnel qui veut progresser et s?ouvrir à de nouveaux horizons. / Livre / Agrafé /

Suite logique du tome 1, ce deuxième tome met en parallèle, d?une époque à l?autre, des oeuvres vocales religieuses d?origine catholique composées sur des textes latins strictement identiques, ainsi que des oratorios relevant de la tradition luthérienne, où les textes divergent.

Ainsi, pour la forme Messe, sont comparés des extraits des différents Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus et Agnus Dei d?une Messe grégorienne, de la ?Messe en Si de Bach?, de la ?Missa Brevis? en Sib de Mozart, de la ?Missa Solemnis? de Beethoven, et la Messe ?Cum Jubilo? de Duruflé.
Le même travail a été fait avec la forme Requiem (Mozart, Verdi, Fauré et Ligeti) et la forme Stabat Mater (Pergolèse, Dvorak, Poulenc, Penderecki).

En ce qui concerne les oratorios protestants, le Tome 2 propose l?écoute comparée de brefs extraits de la ?Passion selon St Jean? de Bach, du ?Messie? de Haendel, de la ?Création? de Haydn, d??Élias? de Mendelssohn et du ?Roi David? d?Honegger. Le texte s?appuie sur 3 C.D. d?illustrations sonores.


Particularité de l'ouvrage:
Alors qu?il ne viendrait à l?idée de personne de disserter sur la peinture sans donner à voir un seul tableau, il est en revanche encore fréquent de discourir longuement sur la musique sans en faire entendre une seule note ; ce qui oblige à employer des termes techniques qui découragent d?emblée l?auditeur néophyte.

L?auteur considère qu?un court extrait musical vaut mieux qu?un long discours, et que grâce à l?écoute guidée, il est possible pour un large public d?accéder à des styles aussi difficiles que ceux du Moyen Âge ou du Système Dodécaphonique, d?ailleurs le plus souvent pudiquement occultés ou, pis, expliqués de manière tout à fait hermétique. De même pour la musique vocale religieuse, qui bien que recelant les plus grands joyaux musicaux, rebute parfois le mélomane qui sommeille en chacun de nous.

Le principe de cet ouvrage est de contourner absolument, et ce grâce à l?illustration sonore, le jargon des spécialistes.

Il se veut enfin un puissant initiateur, et incite ses lecteurs à la fréquentation des diverses salles de concert, et surtout à l?achat de disques classiques, de biographies de compositeurs, d?encyclopédies musicales, et même de C.D. musicaux. / Classique / Livre 3 Cds /

Ce livre au titre paradoxal illustre bien un phénomène très particulier de notre époque où deux compositeurs habités l'un comme l'autre d'un génie certain (Dynam-Victor Fumet, 1867-1949 et son fils Raphaël Fumet,1898-1979) sont passés totalement inaperçus dans leur temps. Ce livre passionnant est de plus accompagné d'un CD où quelques exemples musicaux stupéfiants viennent corroborer son argumentation. / Livre

Le 29 mai 2013 voit le 100e anniversaire de la première à Paris d'un travail une fois-dans-un-siècle: Igor Stravinsky 'Le Sacre du Printemps'. Cette date, qui est monumentale pour la musique et le ballet historiographie semblables, marque la percée de l'ère moderne.Pour marquer cet événement, la Fondation Paul Sacher à Bâle qui maintient la succession Stravinsky publie une édition anniversaire en trois volumes: deux fac-similés annotés - la partition autographe ainsi que la version pour piano à quatre mains - et un livre avec des contributions par des chercheurs de pointe. Un enrichissante, sinon édition indispensable pour tous ceux qui s'intéressent à la musique et de l'art moderne! / Orchestre

Imaginez qu'il soit possible d'apprendre à lire les notes de musique dès le plus jeune âge tout en s'amusant '

C'est ce que propose cet album de contes musicaux pédagogiques. Celui-ci enseigne la lecture de la première portée de Clé de Sol dans un cadre ludique qui charmera petits et grands.

De Monsieur Do au Corbeau Do en passant par la souris Fa et le serpent Si, tous vous attendent avec impatience ! Franchissez la porte de l'Immeuble Musical?

Album jeunesse à partir de 3 ans.


LES AUTEURS

- Vanessa Callico / Auteur

Vanessa Callico est écrivain et musicienne classique professionnelle. En hommage à la littérature sud américaine du « réalisme magique » et aux classiques de science-fiction, sa plume la porte naturellement vers des univers proches de la littérature fantastique.

Artiste musicienne et pédagogue diplômée d?état, Vanessa Callico a également réfléchi à une application musicale des méthodes des Écoles Nouvelles ( Montessori, Freinet) sur l?apprentissage des fondamentaux de la musique et la transmission de la culture artistique. Ses albums pédagogiques passent toujours par l?imaginaire comme premier vecteur de l?envie d?apprendre.

Tout en poursuivant l?écriture de ses romans et méthodes d?apprentissage, Vanessa Callico écrit également pour le théâtre. Sa prochaine production artistique combinera la transmission de savoirs musicaux au plaisir d?une intrigue mêlant poésie et imaginaire.

- Senyphine / Illustratrice

Sandrine Replat aka Senyphine, est née à Grenoble en 1978.

Elle se passionne très jeune pour le dessin, elle décroche le diplôme de graphiste de l?École Supérieure de la Création Graphique Supcrea (Grenoble) en 2000.

Au fil des ans, sa technique se singularise par l?utilisation conjointe de médiums traditionnels et de peinture numérique apportant à ses travaux une ambiance toute personnelle.

Ses personnages et décors oniriques ainsi que ses lumières irréelles s?adaptent parfaitement aux contes pour enfants mais aussi aux illustrations fantastiques. / Livre /

Pour donner aux formes de la musique occidentale tout leur relief, ce Guide a choisi de multiplier les angles de vue, conjuguant éclairage historique, stylistique, esthétique et expressif. Chaque notion est systématiquement reliée au répertoire dans lequel elle s?incarne, tandis que les sections En pratique proposent des modèles d?application à partir de quelques pièces reproduites en partition.
Son contenu embrasse les formes les plus variées, celles de la suite, les formes sonate baroque, sonate classique, rondo, rondo-sonate ou lied, mais aussi les formes contrapuntiques, médiévales, celles des chansons et des Lieder, sans oublier les plus récentes, notamment les formes à processus, les formes ouvertes et les formes différées. Plusieurs index et renvois complètent l?ouvrage, donnant une liste des ?uvres analysées (de Léonin à Stravinsky et aux Beatles, en passant par Monteverdi, Bach, Haydn, Beethoven ou Debussy), rattachant les formes aux genres, tout en proposant un index des structures musicales.
Bénéficiant de l?expérience pédagogique de ses auteurs ? celle qui a déjà fait de leur précédent Guide de la théorie de la musique un ouvrage de référence en son domaine ? ce guide est destiné en premier lieu aux étudiants des classes d?analyse, de musicologie, de préparation au baccalauréat et aux grands niveaux des classes de formation musicale. Par sa clarté et son ouverture, il devrait également concerner le mélomane et l?interprète.
Auteur du Guide de la théorie de la musique (coécrit avec Eugène de Montalembert, Fayard-Lemoine, 2001), Claude Abromont est également le concepteur du cédérom joint à l?Abrégé de la théorie de la musique (Fayard-Lemoine, 2003). Il a tout récemment publié un Petit précis du commentaire d?écoute (Panama, 2008, repris sous le même nom aux éditions Fayard, 2010) et intervient régulièrement à la Cité de la musique et sur France Culture. Après avoir créé les départements de Culture musicale du CRD de Bourg-la-Reine et du CRR de Dijon, il est depuis 2000 professeur d'analyse et de méthodologie au CNSMDP. Auteur du Guide de la théorie de la musique (coécrit avec Claude Abromont, Fayard-Lemoine, 2001) et d?articles ou de contributions diverses, Eugène de Montalembert intervient dans différentes formations et a mis en place le cursus de DEM d?analyse musicale du CRR de Dijon. Il y enseigne l?analyse musicale, l?histoire de la musique, la paléographie musicale, le contrepoint improvisé et l?ethnomusicologie, ainsi que l?analyse au Pôle d?enseignement supérieur de musique de Dijon (PESM).

Par SIRON JACQUES. En quelques années d'existence, La Partition intérieure s'est largement imposée dans les domaines du jazz et des musiques improvisées. Chacun s'y retrouvera, selon ses besoins du moment - qu'il soit débutant, improvisateur chevronné, enseignant, critique, musicien curieux, esprit ouvert. - Abondance des matériels, des matières et des manières: Chaque partie approfondit un aspect de l'action (l'improvisation, le son, le rythme, la mélodie, l'harmonie, les formes et la construction du récit, le jeu en orchestre). On y retrouve chaque fois un déroulement progressif : notions de base, pratique habituelle, et enfin démarches plus complexes. - Passerelles: Plusieurs traditions se mêlent : non seulement le jazz et les musiques improvisées actuelles, mais également les musiques classiques, populaires, contemporaines, extra-occidentales. De nombreux points de vue se croisent sans cesse - les matières dialoguent avec les manières, l'action avec la réflexion, la technique avec l'expression personnelle, la précision avec l'inspiration. Le lecteur choisira ses manières de cheminer : creuser un sujet, grappiller selon ses envies, rebondir grâce aux multiples chemins de traverse. - Danse intérieure: L'abondance et les passerelles ne sont là que pour mettre en appétit. Pas question de se substituer à l'essentiel - l'écoute, la mémoire, la sensibilité, la verve intelligente, la fragilité et l'incertitude, la fraîcheur de l'imagination, le plaisir du jeu. La Partition intérieure, en faisant dialoguer action et réflexion, technique et expression, invite le lecteur à élargir ses horizons afin d'éveiller la danse intérieure qui donne vie à toute improvisation. / Méthode en français / Théorie / Théorie Solfège

Par REMY PIERRE-JEAN. Ce Dictionnaire amoureux de l'Opéra fait partager aux lecteurs les passions et les mythologies de Pierre-Jean Rémy. ' Amoureux de l'opéra ' Mais nous le sommes depuis nos quinze ans. . . quand nous faisions la queue, Dès cinq heures du matin, devant les grilles fermées du Palais Garnier pour obtenir l'une de ces fameuses ' stalles de face ' qui permettaient de tout voir et de tout entendre, fût-ce de très haut. . . Amoureux de l'opéra ' Nous le sommes restés toute notre vie. En classant par ordre alphabétique nos passions, nos amours et parfois nos regrets, c'est tout cela que nous tentons de faire partager à  ceux qui les partagent déjà  un peu, beaucoup, passionnément. Mais nous ne sommes ni musicologue, ni historien de la musique. Nous ne parlerons que de nous, face à  des chefs-d'oeuvre ou à  de simples divertissements, en nous souvenant de voix aimées, de moments disparus. Nous avons donc choisi de présenter par ordre alphabétique d'abord des opéras, chanteurs et chefs d'orchestre. Les premiers, parce que c'est là  le coeur de ce dont nous voulons parler ; les seconds, parce que ce sont eux qui nous ont fait aimer ou qui nous font encore aimer tant d'oeuvres. De même, nous sommes-nous attardés sur quelques hauts lieux, thétres d'opéra et festivals, du monde lyrique d'aujourd'hui. ' Pierre-Jean Rémy / Broché / Livre / Livres

Par CHION MICHEL. Le titre de l'ouvrage le dit : une musique dans un film ne s'y dissoutpas, mais elle en est modifiée tout en le modifiant. C'est dans lefilm même qu'il faut l'étudier. Ce retour aux oeuvres, à  leur vision et à  leurécoute - à  leur «audio-vision» - fait apparaître, loin des professions defoi abstraites, la richesse des scênes, des effets, des situations. Le cinémaest, étymologiquement, ce mouvement que le mouvement de la musiquetantôt entraîne et soutient, et tantôt immobilise et charme. Depuis la premiêre édition de cette somme, le quart de siècle écoulé avu apparaître de nouvelles formules de présence de la musique au cinémaet de nouveaux auteurs ; l'intérêt pour le thême n'a cessé de croître, enmême temps que l'accês aux oeuvres musicales et cinématographiques- par cble, tablettes, «baladeurs» internet, vidéo à  la demande - s'estdiversifié. Cette nouvelle édition de La Musique au cinéma, refondueet complétée, en tient compte et en montre l'impact dans les films eux-mêmes. Elle propose aussi une chronologie réactualisée, se concentrantnotamment sur soixante films marquants parmi des milliers. Une ronde internationale de noms et de films, de chansons etde danses, d'images et de sons tourbillonne dans ces pages, du cinémaexpérimental aux films-opéras, de Claude Debussy au Kasai Allstars duCongo, en passant par Ennio Morricone, Arvo Pà¤rt et Hans Zimmer, deBernard Herrmann à  Michel Legrand, du Chanteur de jazz à  Birdman, deJean-Luc Godard à  Jia Zhangke, et de Nino Rota à  Federico Fellini. Compositeur de musique concrête, réalisateur de films et d'oeuvres audiovisuelles,cofondateur de l'association Acoulogia qui se consacre à  desformations, Michel Chion a publié une trentaine d'essais, dont plusieurs surle son et le langage au cinéma, et, chez Fayard, sur l'oeuvre de Pierre Henry,la symphonie romantique et la musique à  programme. La premiêre édition de cet ouvrage a reçu en 1995 le Prix du Syndicatfrançais de la Critique de cinémaDeuxiême édition revue et augmentée / Broché / Livre / Livres

Destiné au cours de Formation Musicale du milieu du 2nd cycle, cet ouvrage, tout comme le 1er volume, a pour objectif de réconcilier littérature musicale et activités de lecture méthodique. Tout au long d'une progression qui se veut aussi logique et rigoureuse que possible, le jeune musicien découvre, pratique et assimile les subtilités de l'écriture musicale en retrouvant sans peine les éléments rythmiques et mélodiques à travailler au travers de nombreux extraits et transcriptions d'oeuvres. Les oeuvres choisies sont autant support de l'organisation du cours que prétexte à l'imprégnation sensorielle ou à un travail oral de relevé de thème. Les activités de lecture rythmique sont précédées chaque fois que nécessaire d'une lecture chiffrée. Cette dernière, à elle seule, ne peut suffire au développement et à la consolidation du sens rythmique, mais elle permet de mieux saisir l'organisation du déroulement musical. Signalés par un picto, ces exercices seront lus 'comptés', frappés en 'pensant' les chiffres et pourront également servir de base à une improvisation. En fin de première partie de l'ouvrage, les rythmes travaillés sont regroupés parallèlement dans les différents systèmes de pulsation. La partie Lecture de notes, utilise des exercices techniques identiques à ceux du ler volume, s'appuie sur un grand nombre d'extraits d'oeuvres et insiste sur le travail de la clé d'Ut 3e. La lecture 'en parcours' est plus largement pratiquée. Le texte des oeuvres proposées est toujours identifié - situation de l'extrait dans l'oeuvre, nom et prénom de compositeur, époque, origine géographique - afin de mieux ancrer, au passage, quelques éléments de culture musicale. Danielle Taitz, Professeur au CNR de Nantes. / Divers

Sous la figure médiatique, emblématique, qui est là ?

Entre deux tournées, et au hasard du calendrier, Bertrand Cantat a rencontré Dominique-Emmanuel Blanchard et Jean Yssev, ensemble, et séparément. Aussi, les éclairages sont-ils différents, dans des tonalités diverses, selon les lieux de rencontre et les interlocuteurs. Ici : la politique, Jean-Marie Messier, l?Irak, là : Ferré, « être soi-même, qu?est-ce que c?est ?» , la liberté, la passion et l?amour, etc.

Sont passés au crible les enjeux, les défis de ce groupe qui, depuis vingt ans s?est constitué une renommée mondiale sans avoir recours à la télévision et autres médias prescripteurs. Pourquoi ce choix ? Est-il le même encore aujourd?hui ? Comment parvient-on d?un rock hard, somme toute assez sommaire, à L?Europe, ce morceau destructuré, avec Brigitte Fontaine, qui dure 25 minutes et qui « n?est pas un exercice surréaliste sans conviction ».

Une fois de plus, est évoquée la notion d?exigence : comment ne cède-t-on pas à la facilité quand tant d?autres y succombent ?

On parle de musique, certes, mais aussi de poésie, de philosophie, où l?amitié, la fidélité sont au rendez-vous.

Bertrand Cantat s?interroge, revient sur ses réponses, interroge les questions qui lui sont posées, et refuse parfois d?y répondre. Cette traversée des apparences se situe loin du questionnement journalistique traditionnel et permet d?approcher, au plus près possible, un Cantat qui cherche, avant tout, à se surprendre lui-même... / Variété / Livre /

Par MANOUKIAN ANDRE. Chroniques d'un passionné de la musiqueSavez-vous que Pythagore a créé la gamme à  douze notes en s'inspirant des pyramides d'Egypte ' Que le loup est l'inventeur du chant choral ' Ou que Bach brillait pour ses battles d'impro 'A travers quarante chroniques, André Manoukian retrace une histoire fascinante et méconnue de la musique, un art qui puise sa source en Orient, dans les raffinements des civilisations indiennes, perses ou égyptiennes. Ces influences ont irrigué la musique occidentale, qui évolue au fil des siècles sous l'impulsion de personnages extraordinaires, musiciens, penseurs, religieux ou scientifiques. Des instruments préhistoriques au chant des planêtes, des philosophes antiques au rap, André Manoukian nous initie à  cet art et nous dévoile par touches les petites histoires qui ont fait la grande musique. A propos de l'auteur : Auteur-compositeur, arrangeur, pianiste et chroniqueur, André Manoukian nourrit depuis toujours une passion communicative pour la musique. Il a composé divers albums en solo ou pour des artistes telles que Liane Foly ou Malia, ou des albums hommage, comme Les pianos de Serge Gainsbourg. Touche-à -tout insatiable, il multiplie les interventions dans des émissions musicales télévisées ou radiophoniques. Depuis 2013, il est chroniqueur musical sur France Inter. Retrouvez André Manoukian et ses chroniques dans l'émission Sur les routes de la musique sur France Inter. www. franceinter. fr / Broché / Livre / Livres