Sous la direction de Pascal Terrien - Avant-propos de Bruno Mantovani- Préface de Serge Cyferstein- Textes de : Jonathan Robert, Bertrand Hainaut, Clément Himbert, Antonino Mollica, Hugo Schmitt, Gilles Tressos et Pascal Terrien Cet ouvrage retrace les prémices de l'enseignement du saxophone en France entre 1846 et 1942, Quelles différences pouvait-il exister entre les méthodes de 1846 et celles de 1880 ou de 1900, voire 1940 ? Le questionnement didactique avait-il évolué avec les progrès organologiques réalisés sur l'instrument ? Existe-t-il une proximité organologique avec la clarinette ? Existait-il un répertoire oublié du saxophone ? De quand date précisément la présence du saxophone au Conservatoire ? Etc, Un ensemble de questions liées à l'épistémologie et la didactique de l'instrument se posait et devant l'importance du corpus, nous décidions d'arrêter notre étude aux méthodes parues en France entre 1846 et 1942 pour faire une première analyse approfondie des contenus,N'ignorant rien des précédents travaux réalisés sur l'instrument, cette recherche s'inscrit entre l'année où le saxophone est breveté, et celle où il est inscrit définitivement parmi les instruments enseignés au Conservatoire national de musique de Paris avec la création par Claude Delvincourt d'une classe confiée à Marcel Mule, Pourquoi la France, Nous n'ignorons pas qu'au cours de cette période, d'autres méthodes pour saxophone sont publiées un peu partout en Europe et ailleurs, Mais il fallait circonscrire notre période pour des raisons didactiques, et les publications françaises, pour l'essentiel parisiennes, suffisaient à la tâche, Nous centrerons nos propos sur les méthodes recensées pour leur contenu didactique, l'histoire, les origines, et l'évolution de l'instrument entre 1846 et 1942,Cet ouvrage est l'un des premiers, sinon le premier, à s'intéresser aux contenus didactiques et pédagogiques des méthodes pour saxophone parues en France entre 1846 et 1942, Cette publication dévoile aussi le saxophone sous un jour différent, plus contextualisé : qu'il s'agisse du goût pour l'exotisme au XIXe siècle, ou pour les musiques militaires, populaires ou encore de l'arrivée et de l'expansion du jazz dans les années 1920 en France, Notre travail s'arrête au moment où l'instrument acquiert un véritable statut académique avec son entrée au conservatoire national de musique en 1942, Nous espérons que ces différentes approches renseigneront les saxophonistes sur l'histoire de leur instrument, et plus largement, les professeurs de musique, sur l'évolution de la pédagogie musicale, Collection Musique/Pédagogie / Formation Musicale

Né le 27 janvier 1756, Mozart est toujours vivant ! Si l'année 2006 est consacrée Année Mozart par les innombrables manifestations chargées de célébrer le 250e anniversaire d'un génie sans égal mort à 35 ans, sa vie recèle encore bien des mystères. Le plus intrigant est celui-ci : comment Amadeus a-t-il pu composer une telle ?uvre, aussi variée qu'abondante, en si peu de temps ? Deux spécialistes, l'un Français, historien et animateur de voyages thématiques, l'autre Autrichien et expert de l'univers mozartien, ont fait une étonnante constatation : ils ont calculé que ce surdoué avait voyagé un jour sur trois ! Mozart a parcouru l'Europe pendant plus de onze ans et demi, de l'enfance à la maturité, par tous les temps, été comme hiver, par tous les moyens de transport de l'époque, de la lourde berline au coche d'eau. On l'a vu sur de mauvaises routes, de Vienne à Versailles, de Berlin à Rome, de Paris à Prague, sur des fleuves, des canaux. Il jouait sans préparation, écrivait secoué par les cahots, ballotté entre les ornières, restituant les harmonies que son cerveau faisait jaillir. Une halte ? Une symphonie ! Un relais de poste ? L'enfant s'essaie à l'orgue de l'église et confond son titulaire par son improvisation. Une roue brisée ? Il dirige un concert imprévu ! Par miracle, les sites visités par Mozart, ceux où il a vécu, composé, dirigé, aimé et souffert, existent toujours. Jean des Cars et Frédéric Pfeffer ont associé leurs passions des voyages et de la musique pour nous conduire, en compagnie du photographe Jérôme da Cunha, à travers l'Europe enchantée, celle des villes emblématiques du siècle des Lumières. Dans la gêne comme dans la gloire, de palais en châteaux, d'abbayes en théâtres, d'auberges en vallées, voici le monde qu'a connu Mozart, éternel nomade et premier citoyen européen. Somptueusement illustré d'une iconographie exceptionnelle, clair et vivant, voici le plus original des guides de voyage. Une brillante contribution à la connaissance et à la pérennité de Mozart.

Jason Draper (Auteur), Sophie Aslanides (Traduction) / Pour Prince, musicien d'exception, il fallait un livre exceptionnel, comme celui de Jason Draper. Qui retrace en détail la carrière à la fois tonitruante, longue et sulfureuse du Kid de Minneapolis. Avec ses musts, 1999, Purple Rain ou Sign "O" The Times, et ses périodes d'éclipse. Qui le suive à travers ses outrances et ses métamorphoses, sa mégalomanie et sa folie, en un mot son génie. D'ailleurs, après s'être appelé Prince, alias Joey Coco, Jamie Starr ou Christopher, ne s'est-il pas rebaptisé Love Symbol, mutant issu de la fusion du masculin et du féminin, être tellement parfait qu'aucun nom existant, même le sien, ne saurait en rendre compte ? Puis The Artist, le plus noble titre qui puisse être décerné à un homme... Richement illustré, notamment avec des doubles pages qui se déplient comme des posters, exhaustif, admiratif et distancié, le livre du journaliste-écrivain londonien Jason Draper est une somme et un sommet, en parfaite harmonie avec son sujet : démesure et kitsch au rendez-vous. Voici donc un Prince grandeur nature (ou presque), somptueusement habillé de blue velvet, pour patienter jusqu'au prochain retour de l'artiste le plus imprévisible de tous les temps.

Cet instrument de musique universel - né à la fin des années 1940 du détournement d'une machine aux fonctionnalités pourtant simples : le magnétophone à bande magnétique - est désormais partout ! Dans tous les genres musicaux allant des musiques savantes aux musiques électroniques populaires, dans toutes les musiques de film qu'elles soient symphoniques ou basées sur du sounddesign, dans les jeux vidéos, les ordinateurs, les téléphones portables, les répondeurs téléphoniques.Une étude historique détaillée (chapitre I) présente tout d'abord l'évolution de cet appareil au fil des décennies. Si le concept reste toujours le même, sa technologie et son fonctionnement intrinsèques vont radicalement évoluer : échantillonneur à bande magnétique, électronique, analogique puis numérique, pour finir sous forme logicielle, donc virtuelle. Son apparence physique se modifie elle aussi au fil des progrès de la technologie.L'analyse assez exhaustive des usages de l'échantillonneur (chapitre Il) nous entraîne dans de nombreux territoires musicaux : de Pierre Schaeffer à Steve Reich ou encore des Beatles aux mashups, en passant par le travail du bruit.Cette multiplicité d'usages et de répertoires, de formes et de fonctionnalités (chapitre Ill) finissant par une dématérialisation - voire une dissolution - n'est pas sans poser de multiples problèmes organologiques (chapitre IV). Cet instrument fantôme, sans mécanique, où le geste instrumental n'est plus forcément en lien direct avec la production acoustique ne serait peut-être qu'une machine déguisée en instrument ou un concept d'instrument, sans matérialité ?Un instrument de musique capable d'imiter - donc de remplacer - la totalité des instruments acoustiques existants, de transmuter le bruit en musique, d'être à la fois un outil de création sonore, de composition instrumentale, d'interprétation, capable d'être programmé ou reprogrammé, capable de se connecter au réseau Internet... est manifestement un concept inédit en musique, générateur de nouvelles pratiques musicales, de nouvelles esthétiques, d'innovations et de transgressions sociales, économiques et juridiques (chapitre V).L'échantillonneur est au coeur de multiples bouleversements au sein de la musique et du monde musical. Cet ouvrage nous propose de les découvrir. / Livre

Par SCHUMANN. Préface de Michel Schneider C'est à  l'âge de dix-neuf ans que Robert Schumann fit la connaissance de Clara, enfant prodige du piano. Ils jouaient ensemble à  quatre mains, il improvisait pour elle. Leur amitié passionnée se transmua bientôt en un amour conscient de lui-même, auquel s'opposa vigoureusement le père de Clara. Aprês trois années de souffrance et de clandestinité, ils passêrent outre le refus paternel et se mariêrent le 15 septembre 1840. Les lettres publiées dans ce volume s'arrêtent à  cette époque. Unique de simplicité et d'émotion romanesque, cette correspondance nous donne à  voir deux existences pour lesquelles l'amour et la musique ne sont qu'une seule et même chose. Chez Clara, l'on découvre aussi un amour filial torturé, et ce que la vie de virtuose comporte, même dans le succês et la gloire, de travail forcené et de solitude. Chez Robert, se dévoilent les souffrances et exaltations de la création. Un duo extraordinaire, où l'enthousiasme et la sagesse, la fierté et l'humilité, l'ardeur, et surtout l'appel constant de la musique, se font entendre dans la joie et la douleur d'une adoration réciproque. / Broché / Livre / Livres

Cela fait 100 ans qu'Ortofon existe, et c'est bien l'une des rares companies internationales à pouvoir le fêter ! Pour cette occasion spéciale, la marque originaire du Danemark a décidé de publier son livre « collector » à destination du grand public qui retrace l'histoire d'ortofon depuis son lancement en 1918 jusqu'à aujourd'hui, et qui met en lumière son savoir-faire. A CENTURY OF ACCURACY IN SOUND Pour l'occasion, c'est le célèbre historien de la musique, Kevin Howlett qui a rédigé le livre « A CENTURY OF ACCURACY IN SOUND ». Véritable travail de recherche, son oeuvre est basée sur les témoignages des employés d'Ortofon de 1970 à aujourd'hui. L'auteur fait également découvrir les coulisses du leader mondial de cellules pour platines vinyles en faisant ressortir des documents d'archives fascinants ! POINTS ABORD2S DANS LE LIVRE : - Chapitre 1 : ELECTRICAL SOUND 1918-1945 - Chapitre 2 : MICROGROOVE, HI-FI AND STEREO 1946-1969 - Chapitre 3 : ADVENTURES IN SOUND 1970-1982 - Chapitre 4 : TURBULENT TIMES 1983-1994 - Chapitre 5 : THE VINYL PRESERVATION ACADEMY 1995-2004 - Chapitre 6 : STATE OF THE ART 2005-2018

Bernard Violet (Auteur) / Chacun connaît Yannick Noah : le champion de 1983 à Roland-Garros, le capitaine tricolore victorieux de la Coupe Davis 1991 et 1996, le fan de reggae et le roi des hit-parades. Mais aussi le citoyen engagé, impliqué auprès de multiples associations caritatives, ou enfin le papa poule assumant pleinement l'éducation de sa progéniture. Connaît, ou croit connaître ? Si remarquable soit-elle, la trajectoire de cette idole de toute une génération à qui tout semble réussir, homme au physique exceptionnel et au charisme éclatant, ne doit pourtant rien au hasard. Du sportif surdoué au show man inspiré, en passant par l'homme d'affaires avisé, ce sont tous les méandres d'une existence foisonnante que Bernard Violet prend à bras-le-corps dans cette première biographie publiée en France. À travers une contre-enquête rigoureuse et avec la collaboration de son héros. Avec une étonnante sincérité et simplicité, Yannick Noah s'est ainsi volontiers prêté au jeu des questions-réponses. Ne refusant aucun des thèmes abordés : son adolescence sacrifiée sur l'autel du tennis qui le fera roi ; ses amours éphémères ; ses mariages ; ses blessures familiales ; son rapport à l'argent, au cannabis, aux médias ; ses amitiés et haines politiques, etc.

Petit Cheval s'ennuie dans sa prairie : il aimerait tant avoir des ailes pour aller loin, par-delà les montagnes, par-delà l'horizon... À peine a-t-il prononcé ces mots, que Petit Cheval sent quelque chose qui bouge sur son dos... Une histoire pour rêver et grandir, une musique magnifique interprétée au piano par Isabelle Aboulker. Un livre et un CD pour découvrir l'extraordinaire richesse musicale du piano. Comment joue-t-on du piano ? Quelles sont les plus belles sonorités ? Comment est fabriqué le piano ? Depuis quand existe-t-il ? Quelles musiques les grands compositeurs ont-ils écrit pour lui ? Une partie documentaire présentée par Judith Birnbaum.

Par CANTAGREL GILLES. Il est un vieil air populaire allemand aux premiêres paroles toutes simples : «Au bord de la riviêre qui murmure, le moulin fait clap-clap», porteuses d'images à  travers lesquelles se profile la figure du plus grand artisan de la musique occidentale. Du moulin Bach porte en effet l'empreinte, celle de son lointain aïeul boulanger qui donna naissance à  l'une des plus prestigieuses lignées musicales, tout comme il est Riviêre par son nom allemand. La musique, pain et vin de toute existence, évoque chez lui tout autant le Moulin par la savante mécanique du contrepoint qui la structure, que la Riviêre par la pulsion vitale du flux mélodique qui la parcourt. De cet air emblématique, Gilles Cantagrel tire une série de douze variations qui constituent autant de voies dans l'approche de l'un des compositeurs les plus universellement vénérés, mais dont on peut se demander s'il l'est en pleine connaissance de cause. Entre les clichés du benoît fabricant de fugues ou de cantates en séries, et du génial joueur d'échecs s'entretenant d'égal à  égal avec Dieu le père, il doit bien y avoir place pour un être de chair et de sang, farouchement appliqué, jour aprês jour, à  arracher à  un quotidien oppressant une oeuvre toujours préoccupée à  dire. Démarche multiple, nécessairement, face à  la prodigieuse diversité de l'homme et de sa création ; regard candide, parfois, obligeant à  remettre en cause stérérotypes et idées reçues ; cette réflexion se fonde en premier lieu sur la musique, sur ce que dit, et ce que cache, le texte lui-même, en ses évidences comme en ses abîmes. Et sur un faisceau d'informations historisques et intellectuelles, plus généralement culturelles et bien sûr spirituelles glanées aux sources documentaires contemporaines de Bach. Observer cette pensée depuis son siècle, en même temps que depuis le nôtre, et donc aussi rencontrer l'homme en sa création : telle est l'ambition de cet ouvrage qui ne ressemble à  aucun des nombreux autres écrits sur le célêbre Cantor. / / Livre / Livres

Les pochettes de disques sont un indice de l'air du temps. Tout comme la musique qu'elles viennent illustrer, elles évoquent l'amour, la vie, la mort, la mode et la révolte. Pour les passionnés de musique, les pochettes de disques sont le reflet d'une période, d'un moment donné de leur existence. Beaucoup d'entre elles, véritables œuvres d'art, sont devenues aussi célèbres que la musique qu'elles illustrent, comme les pochettes d'Andy Warhol, par exemple, dont la banane qu'il réalisa pour le Velvet Underground. Cette édition de Record Covers présente une sélection des meilleures pochettes d'albums de rock des années 1960 aux années 1990, choisies dans l'immense collection privée de Michael Ochs, archiviste de musique, disc-jockey, journaliste et ancien chef de pub pour des maisons de disque. Cet ouvrage, qui se lit indifféremment comme un voyage dans le temps ou une étude générale sur l'évolution du cover art, rend enfin justice à une forme d'expression artistique trop sous-estimée.

Qu'est-ce qu'un mode ? Qu'est-ce qui le différencie d'une échelle ou d'unegamme ? Comment l'aborder, l'utiliser, le comprendre ? A-t-il des équivalentsdans d'autres cultures musicales ? d'où vient-il historiquement ?Cet ouvrage, théorique et pratique, peut être abordé à différents niveaux deconnaissances. Il est entièrement consacré aux modes du monde. Seulementtrois ou quatre sont couramment utilisés dans la musique occidentale, etpourtant il en existe des centaines, élargissant ainsi le langage musical.Musiciens amateurs ou professionnels, improvisateurs, enseignants,compositeurs, musicologues... chacun a sa requête, et chacun trouve saréponse grâce aux différentes entrées du livre : planisphère, arbre derecherche, empreintes clavier, tablatures, rosaces de transposition, et mêmeun logiciel de recherche intuitive. des chapitres spécifiques traitent de lamodalité classique, contemporaine, jazz, blues, indienne, arabe, klezmer... / Formation Musicale

Devenue progressivement incontournable pour tout apprenti musicien, l?épreuve du commentaire d?écoute se pratique désormais pendant les dernières années du lycée, dans les cycles avancés des conservatoires, comme au sein des études de musicologie. Il s?agit, après l?écoute d?une musique non identifiée, de synthétiser brièvement cette dernière : déterminer notamment les instruments, le langage, le caractère, la forme, les particularités d?écriture, la situation historique, et proposer un nom de compositeur. Or, il n?existe à ce jour aucun ouvrage de formation à une discipline pourtant omniprésente dans l?enseignement de la musique, la danse ou les métiers du son. Accessible, complet, moderne, souvent amusant, ce Petit précis vient combler cette lacune. Il est le fruit de l?expérience d?un musicien lui-même aguerri à cette pratique. En quelques chapitres, toujours illustrés d?exemples, il échafaude une pédagogie alliant références, conseils, mises en garde, méthodes pour progresser, modèles de rédaction et nombreux tableaux pratiques. Rigoureuse initiation à l?univers de la pensée musicale, le Petit précis du commentaire d?écoute sera l?instrument indispensable pour la préparation des concours et examens musicaux mais aussi un livre de référence pour tous les mélomanes.

Georges Moustaki (Auteur) / De quatre années d'entretiens de Marc Legras avec Georges Moustaki est né un livre où l'auteur du "Métèque" nous raconte Alexandrie, la ville de son enfance heureuse, puis le Paris de l'après-guerre, la naissance de sa vocation de chanteur-poète, les figures votives qui ont jalonné son existence, en même temps qu'il nous livre les secrets de son art de vivre.

Par SIRON JACQUES. En quelques années d'existence, La Partition intérieure s'est largement imposée dans les domaines du jazz et des musiques improvisées. Chacun s'y retrouvera, selon ses besoins du moment - qu'il soit débutant, improvisateur chevronné, enseignant, critique, musicien curieux, esprit ouvert. - Abondance des matériels, des matières et des manières: Chaque partie approfondit un aspect de l'action (l'improvisation, le son, le rythme, la mélodie, l'harmonie, les formes et la construction du récit, le jeu en orchestre). On y retrouve chaque fois un déroulement progressif : notions de base, pratique habituelle, et enfin démarches plus complexes. - Passerelles: Plusieurs traditions se mêlent : non seulement le jazz et les musiques improvisées actuelles, mais également les musiques classiques, populaires, contemporaines, extra-occidentales. De nombreux points de vue se croisent sans cesse - les matières dialoguent avec les manières, l'action avec la réflexion, la technique avec l'expression personnelle, la précision avec l'inspiration. Le lecteur choisira ses manières de cheminer : creuser un sujet, grappiller selon ses envies, rebondir grâce aux multiples chemins de traverse. - Danse intérieure: L'abondance et les passerelles ne sont là que pour mettre en appétit. Pas question de se substituer à l'essentiel - l'écoute, la mémoire, la sensibilité, la verve intelligente, la fragilité et l'incertitude, la fraîcheur de l'imagination, le plaisir du jeu. La Partition intérieure, en faisant dialoguer action et réflexion, technique et expression, invite le lecteur à élargir ses horizons afin d'éveiller la danse intérieure qui donne vie à toute improvisation. / Méthode en français / Théorie / Théorie Solfège

Alors qu'ils ont tout juste quinze ans, deux copains d'école, Billie Joe Amstrong et Mike Dirnt, fondent Sweet Children. Rebaptisé Green Day en 1989 d'après une de leurs chansons, ils sont d'abord signés sur un label indépendant puis par le très important label Reprise Record. Entre-temps, leur premier batteur Al Sobrante a été remplacé aux baguettes par Trè Cool. Le trio infernal est en place, l'aventure peut vraiment commencer. Leur formule est simple : un cocktail hyper vitaminé de Punk Rock, de mélodies efficaces et concises, le tout servit avec des textes souvent acides qui vont droit au but. Dès 1994, en pleine vague grunge sort Dookie, premier album du groupe à rencontrer un succès massif. Mais le succès justement, s'il les éreinte physiquement, ne les change pas fondamentalement. Le trio californien n'a jamais renié ses origines modestes et a gardé les pieds sur terre, en prise direct avec ce qu'ils sont vraiment. Fidèle à ses engagements, à ses convictions, le groupe n'a pas cédé à la starification à outrance. II est même devenu au fil des années, un des fers de lance de la nouvelle contestation américaine, prouvant en cela qu'il est bien plus qu'une redoutable machine à pondre des hits imparables. En vingt ans d'existence et plusieurs millions d'albums vendus de par le monde ( dont douze rien que pour Dookie ) Green Day s'est définitivement imposé comme l'un des acteurs majeurs de la scène américaine.