in Full Score. Par SAINT-SAENS CAMILLE. Considered throughout much of his career as the preeminent French composer, Camille Saint-Saëns wrote music that embodies a characteristic French concern for clarity and order, together with his own assured mastery of the composer's craft. These qualities are evident in Saint-Saëns' Symphony No. 3, widely regarded as the composer's major orchestral work, and one of the very few to incorporated the organ as a featured instrument. Saint-Saëns wrote this symphony during the period of his greatest creativity — in the 1870s and '80s — at which time he also produced such important works as the opera Samson et Dalila, Le Carnaval des animaux, the Piano Concerto No. 4, and the Violin Concerto No. 3. Deeply moving and majestic, the 'Organ' Symphony bears all the hallmarks of Saint-Saëns' fluent mastery of orchestral composition. It is reprinted here form an authoritative full-score edition published by Durand et Schoenewerk, Paris. Reprint of the Durand et Schoenewerk, Paris, edition. Widely regarded as the composer's major orchestral work, and one of the few to incorporate the organ as a featured instrument./ Répertoire / Orchestre

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Since the 1980s scholarly research into Reger has built up a picture of the diversity, complexity and variety of Reger's work and shown that the composer was the first to depart from the supposed logical evolution of music history. In the musical scene, on the other hand, ideas prevail that are clichéd and based on a small canon of works. This is now about to change.Since the beginning of the twenty-first century a thematic catalogue of the works of Max Reger and their sources has been put together in the Max-Reger-Institut Karlsruhe funded by the Deutsche Forschungsgemeinschaft. This will be a fitting addition to our series of thematic catalogues of the works of Beethoven, Brahms, Chopin and Schumann. It contains in-depth information in a readable form on the complete original works and arrangements, both published and unpublished, completed or fragmentary. Information concerning the genesis, place and state of the handwritten and printed sources are presented comprehensively and reflect the current state of research. Thus not only scholars but also performers, music lovers and concert organizers will be able to get to know Reger's neglected but in many ways surprising works.Numerous indexes will make the Reger Thematic Catalogue easy and clear to use and it has all of the prerequisites to soon become the definitive reference work for Max Reger. / Orchestre

Beethoven?s sacred works include two settings of the Mass. The ?Mass in C major?, completed and premiered in 1807, has been unjustly described as a preliminary step towards the great ?Missa solemnis?. Yet it is a self-contained and, for its time, decidedly modern piece of church music. Drawing on the rich body of sources, Beethoven specialist Barry Cooper suggests practical solutions to the work?s musical and interpretative problems. His deep study of the sources convinced him to include a fully realized organ part in the score, just as Beethoven envisioned it for the first printed edition. As stated in the sources, the parts for the soloists and choir are notated on joint staves to demonstrate that the soloists are also to sing the choral passages. Rounding off this Urtext edition are a Foreword on the work?s genesis and a detailed Critical Commentary. ? Score with realization of the organ part ? Bilingual Foreword (Eng/Ger) and Critical Commentary (Eng) ? Idiomatic piano reduction

Full Score and parts for Full Orch - 2.2.2.2 Ð 1.2.1.1, Strings, Timpani, Percussion (2 players). Par TROTTA MICHAEL JOHN. A new work for choir, brass quintet, organ, timpani and cymbals. This setting of the Gloria delivers a tapestry of melodic richness and rhythmic energy. A strong sense of architecture guides the listener through the three contrasting movements. Trotta?s work is a rare example of music that is both grounded in tradition and appealing to the modern listener. Exciting and inspiring! / Date parution : 2021-11-30/ Répertoire / Orchestre

Per Archi E Organo - Parti. Par DALL' ABACO EVARISTO FELICE. / Date parution : 1905-06-07/ Répertoire / Orchestre

Par SINGIER JEAN-MARC. Cette oeuvre pour orchestre, commande de Radio France, est l'occasion de me confronter, une fois n'est pas coutume, à une organisation du discours plus globale, plus directe - à une gestion du son où la perception s'exerce de façon plus statistique. Le détail, ici, importe moins que le contour dans lequel il s'inscrit - composer pour orchestre, c'est un peu me pencher sur le rapport que l'on peut trouver entre la fresque et le tableau, entre la nouvelle et le roman... quoique... Mon projet repose, essentiellement, sur l'emboîtement et les entrelacs de matériaux sonores dont les textures sont variées et qui s'insèrent dans une réflexion musicale sur la forme et le temps sous toutes ses facettes. Jean-Marc Singier / contemporain / Répertoire / Orchestre

Suk, Josef Meditation on the Old Czech Hymn St Wenceslas for String Quartet op. 35a Josef Suk played second violin in the Bohemian String Quartet. Since 1914 the ensemble was obliged to perform the Austrian national anthem at the opening of every concert. Suk decided to supplement this obligatory piece with a work inspired by the ancient sacred Bohemian 'St. Wenceslas' hymn. The hymn's message ' a plea for the well-being of the Czech people, directed at their patron saint ' was immediately understood by the audience. The Bohemian String Quartet performed this single-movement Meditation for the first time on 27 September 1914; the premiere of the version for string orchestra followed on 22 November 1914, played by the Czech Philharmonic. That same year the piece was published by Fr. A. Urbánek together with arrangements for piano and organ. This first Urtext edition, prepared by the Suk scholar Zdenek Nouza, is published in two scorings, one for string quartet (BA 9583; study score TP 583) and another for string orchestra (BA 9584). The orchestral version differs in some details and has an added part for double bass. ' First Urtext edition Edition no. TP 583 ISMN 9790260107809 Editor Nouza, Zdenek Language(s) of text Czech, English, German Product format Study score, Urtext edition Binding Stapled Pages / Format XI, 6 S. - 22,5 x 16,5 cm

Haydn's Symphony Hob. I:89 belongs to a group of symphonies composed between the 'Paris? symphonies (Hob. I:82-87) and their 'London? counterparts (Hob. I: 93-104) - the last ones he wrote before his trips to England in 1791-92 and 1794-95. The Symphony in F major is dated 1787 in the autograph score. In this work Haydn borrowed two movements from an earlier piece, possibly owing to deadline pressure. The second and fourth movements are arrangements of movements 2 and 3 from his Concerto in F major Hob. VIIh:5 for two 'lire organizzate? and orchestra. The fact that he also arranged movements from his other lire concertos suggests that he regarded them as a sort of musical quarry. This at least allowed him to recycle parts of these works after his patron had probably prohibited him from offering them commercially.This edition continues the collaboration with the Henle publishing company regarding Haydn's large-scale choral works, operas and symphonies. It is based on the Henle Complete Edition of the 'Works of Joseph Haydn?. The complete performance material for several Sturm und Drang symphonies and all of the London and Paris symphonies is now available from Bärenreiter. o Based on the Henle Complete Edition of the 'Works of Joseph Haydn?o Orchestral parts in a large format (25.5 x 32.5 cm) / Orchestre

for Violin, Viola and Orchestra. Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. There is no reference to the origin, occasion or a performance of the Sinfonia concertante in E-flat for Violin, Viola and Orchestra, K. 364 (320d) because in all probability it was composed in Salzburg (presumably in summer or early autumn, 1779): Mozart seems to have had no reason to write about it. It was apparently in Paris that he first had the occasion of giving the genre of the ; Symphonie concertante his special attention. On April 5, 1778, he wrote to his father: ; Now I shall write a sinfonie concertante for flute wendling, oboe Ramm, Punto horn, and Ritter bassoon. Even more discouraging must have been the fact that he had similardifficulties in Paris in having the works performed as he had in Mannheim. After the organizier of the Concerts spirituels, Le Gros, contrary to his promise, did not include the mentioned ; sinfonie concertante in his program. Mozart had no reason to compose any more for this genre in Paris. After Mozart's return to Salzburg, he might have been eager to introduce the new genre there, especially since adequate instrumentalists were available. Also the choice of the solo instruments (violin and viola) in the work presented here was probably influenced by the popularity of this instrumental combination in Salzburg at that time. - Urtext of the New Mozart Edition - Full score & parts (BA4900), study score format 22. 5 x 16. 5cm (TP176), violin, viola and piano reduction (BA4900-90) available for sale/ Répertoire / Orchestre

Les Achachilas sont les esprits protecteurs, ancêtres, du peuple Aymara. Ils sont représentés sur terre par les montagnes et monts qui entourent ces peuples.Après la naissance de ma fille, j'ai senti le besoin de regarder de plus près la terre de mes ancêtres. Ce travail de mémoire a guidé toute cette oeuvre.Cette pièce 'est une succession d'états dont chacun annonce ce qui suit et contient ce qui précède. ...Tandis que je les éprouvais, ils étaient si solidement organisés, si profondément animés d'une vie commune, que je n'aurais su dire où l'un quelconque d'entre eux finit, où l'autre commence. En réalité, aucun d'eux ne commence ni ne finit mais tous ces prolongent les uns dans les autres'. La pensée et le mouvant Bergson.Ce présent qui dure, ce passé qui fait corps avec le présent, correspondent à un non-développement, à un non-déterminisme - chaque acte est un 'jaillissement ininterrompu de création', dans lequel il n'y a jamais deux moments identiques.Dans mon travail, l'oeuvre n'est jamais préconstruite, il n'y a pas d'esquisses préparatoires, et reste par conséquent totalement imprévisible. Composer devient alors une véritable aventure, totalement libre.Seule la mémoire, conscience du passé qui fait corps avec le présent, donne cohérence à ma musique.Cette oeuvre est dédiée à ma fille Millaray, en espérant que ces Achachilas se penchent sur elle.Marco-Antonio Perez-Raminez / Orchestre

Carl Maria von Weber's fame rests mainly on ?Der Freischütz'. The unprecedented success of this opera overshadowed all his other works and contributed to their increasing fall into oblivion. Certain works such as ?Preciosa', ?Oberon', and ?Euryanthe', the overtures, solo concertos and piano sonatas, the lieder and chamber works enjoyed great popularity and were widely known in Germany and abroad as late as the second half of the 19th century. However, any chance of a revival of Weber's influential and substantial oeuvre was wasted in the 1920s, when a complete edition - begun by Hans Joachim Moser and with potential contributors including Wilhelm Kempff, Hans Pfitzner, Max von Schillings, Fritz Stein and Richard Strauss - failed after the third volume.Ever since there have been numerous attempts to restart a complete edition of Weber's works, but as this kind of project would have required the co-operation of scholars from both sides of the inter-German border, the political situation after 1945 was not conducive to any such enterprise. Careful negotiations led to the first tangible steps in the 1980s. The intention, right from the beginning, was to place Weber's work in context, and not to separate his musical output from his influential work as a writer, critic and organiser in the musical field, but to publish his compositions together with his letters, diaries and other literary output as the best way to document the cross-fertilisation between his musical, literary and practical activities.Since the German re-unification both working-parties concerned - at the Staatsbibliothek zu Berlin, and at the Musikwissenschaftliches Seminar, Detmold/Paderborn - have co-operated on the complete edition of the musical works (c. 45 volumes in 10 series: sacred music - cantatas, odes and other occasional works - stage works - lieder and vocal works - orchestral works - chamber music - music for piano - piano reductions - miscellanea, arrangements and orchestrations - works of doubtful attribution). The diaries (6-8 vols.) are edited in Berlin and the letters (8-10 vols.) and other writings (2 vols.) in Detmold. This complete edition aims to be a reliable basis of scholarly debate as well as for the authentic performance practice of Carl Maria von Weber's music. Conforming to the standards of recent historico-critical editions, the textual material will be based on all available authentic sources, accompanied by a detailed documentation of the genesis and a list of variants for each work. The musicological importance of the works will be evaluated by placing them in their historical context, the presentation of their genesis, history and Critical Commentaries. The letters, writings and diaries will be treated as inter-related and relevant to each other in the commentaries, therefore readers should benefit from a wealth of concise information and cross-references. / Score

La renommée de Carl Maria von Weber repose principalement sur , Der Freischütz '. Le succès sans précédent de cet opéra a éclipsé tous ses autres travaux et a contribué à leur chute croissante dans l'oubli. Certaines oeuvres telles que , Preciosa ' , Oberon ', et , Euryanthe ', les ouvertures , concertos en solo et sonates pour piano , des lieder et Chamber Works jouissait d'une grande popularité et ont été largement connu en Allemagne et à l'étranger aussi tard que la deuxième moitié de la 19e siècle . Cependant, toute chance d'une renaissance de Weber influents etoeuvre considérable a été gaspillé dans les années 1920 , quand une édition complète - commencé par Hans Joachim Moser et avec les contributeurs potentiels, dont Wilhelm Kempff , Hans Pfitzner , Max von Schillings, Fritz Stein et Richard Strauss - a échoué après le troisième volume.Depuis , il ya eu de nombreuses tentatives pour relancer une édition complète des oeuvres de Weber , mais comme ce genre de projet , il aurait fallu la collaboration de chercheurs des deux côtés de la frontière inter -allemande, la situation politique après 1945 n'était pas propice à une telle entreprise . Négociations approfondies ont conduit aux premières étapes tangibles dans les années 1980. L'intention , dès le début , était de placer l'oeuvre de Weber dans son contexte, et de ne pas séparer sa production musicale de son travail influent comme un écrivain , critique et organisateur dans le domaine musical , mais de publier ses compositions avec ses lettres, journaux intimes et autre production littéraire comme le meilleur moyen de documenter la fertilisation croisée entre ses activités musicales , littéraires et pratique. / Score

Melodyphony contient neuf oeuvres écrites à l'origine pour le film, la télévision ou pour des spots publicitaires, dont certaines sont des musiques composées pour le Studio Ghibli et son directeur Hayao Miyazaki (Mon voisin Kokoro, Kiki la petite sorcière / Orchestre / 252 pages / Partition