Full Score. Par FUCHS KENNETH. Kenneth Fuch's Bass Trombone Concerto places the soloist in the role of a musical protagonist, leading the players of the ensemble in a vibrant affirmation of lyrical melody, instrumental color, and orchestral texture. The workemerges from a serene atmosphere with the bass trombonist weaving fragments of melody from which the entire concerto evolves. The work takes the form of a through-composed extended single movement in four sections (Adagietto -Allegro - Allegro poco agitato - Allegro con brio) based upon the simple triadic intervals of the opening melodic fragments. Versions for orchestra and band are available from the publisher, as well as a piano reduction./ Répertoire / Orchestre

Leichte Ensembleliteratur Für Den Unterricht. Par DIVERS AUTEURS (ARR.MARTIN TOURISH). Recueils de musique celtique arrangée pour ensemble, Ils couvrent l'Irlande, l'Ecosse, le Pays de Galles, la Cornouailles et la Bretagne. edition with CD, 1st part in C (violin, flute, recorder, tin whistle)1st part in Bb (clarinet, trumpet)2nd part in C (violin, flute, recorder, tin whistle)2nd part in Bb (clarinet, trumpet)piano/harpbass-part (cello, bassoon, double bass, e-bass)percussion (drum, Bodhrán).The parts are included on the MP3-CD as digital files to enable an easier and more flexible usage./ Recueil / Ensemble Flexible

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

The first performance of ?Má vlast? as a six-part symphonic cycle took place on 5 November 1882. With the founding of the Czech Philharmonic in 1896 this work received a far greater reception. Since 1952 the music festival ?Prague Spring? has opened with this complete cycle.

This edition is based on the ?Study Edition of the Works of Bedrich Smetana?, vol. 14, supplemented by an up-to-date detailed foreword about the genesis and history of the work by Marta Ottlová.

Contents
Vy?ehrad / Vltava (The Moldau) / ?árka / Z Ceských luhu a háju (From Bohemia?s Woods and Fields) / Tábor / Blaník

? New foreword by Marta Ottlová (Cz/Eng/Ger)
? Urtext based on the ?Study Edition of the Works of Bedrich Smetana?

Detailed instrumentation: Piccolo flute, Flute (2), Oboe (2), Clarinet (in B-flat) (2), Bassoon (2), Horn (4), Trumpet (2), Trombone (3), Tuba, Kettledrum, Triangle, Cymbals, Concert drum, Harp (2), Violin (2), Viola, Violoncello, Double bass / Classique / Partition / Broché /

var 2Vl (Klar) Bass Git (Harm Zith Hackbrett) (Fl 2Vl Bass) (2Vl Flhr Trp Bass) / Orchestre

var 2Vl (Klar) Bass Git (Harm Zith Hackbrett) (Fl 2Vl Bass) (2Vl Flhr Trp Bass) / Orchestre

var 2Vl (Klar) Bass Git (Harm Zith Hackbrett) (Fl 2Vl Bass) (2Vl Flhr Trp Bass) / Orchestre

As seen in the mind-boggling Trans-Siberian stage show! This thought-provoking medley of Christmas tunes describes a lone cellist playing Christmas carols in the midst of the Bosnian war. The piece reflects the power, drama, and hope of a single musician in the midst of war, reflecting on the power of music to bring hope. The rock rhythm section contributes to an intense and very hip musical experience. Optional parts for electric guitar or electric violin can be used to add interest to the performance. This arrangement includes parts appropriate for a community or professional orchestra. The bowings are those that would be expected by professional players. Instrumentation: Full orchestra, timpani (B-E), drum set, opt. electric guitar, opt. electric violin, opt. piano, opt. electric bass. (3:10) / Orchestre

für Sopran, Bass und Kammerorchester. Par CHOSTAKOVITCH DIMITRI. Pocket or Study Score for Dmitri Shostakovich's Symphony No. 14 Op. 135./ Répertoire / Orchestre

for Soprano, Bass, Chorus and Orchestra (Vocal Score) Text by Dante Alighieri. Par PONCHIELLI AMILCARE. / Date parution : 2022-07-23/ Répertoire / Orchestre

Reduction score for Double Bass (Cello) and Piano: EP 5876. / Grand Ensemble Contemporain Et Orchestre

Suk, Josef Meditation on the Old Czech Hymn St Wenceslas for String Quartet op. 35a Josef Suk played second violin in the Bohemian String Quartet. Since 1914 the ensemble was obliged to perform the Austrian national anthem at the opening of every concert. Suk decided to supplement this obligatory piece with a work inspired by the ancient sacred Bohemian 'St. Wenceslas' hymn. The hymn's message ' a plea for the well-being of the Czech people, directed at their patron saint ' was immediately understood by the audience. The Bohemian String Quartet performed this single-movement Meditation for the first time on 27 September 1914; the premiere of the version for string orchestra followed on 22 November 1914, played by the Czech Philharmonic. That same year the piece was published by Fr. A. Urbánek together with arrangements for piano and organ. This first Urtext edition, prepared by the Suk scholar Zdenek Nouza, is published in two scorings, one for string quartet (BA 9583; study score TP 583) and another for string orchestra (BA 9584). The orchestral version differs in some details and has an added part for double bass. ' First Urtext edition Edition no. TP 583 ISMN 9790260107809 Editor Nouza, Zdenek Language(s) of text Czech, English, German Product format Study score, Urtext edition Binding Stapled Pages / Format XI, 6 S. - 22,5 x 16,5 cm

Par YUASA JOJI. Détails de la formation instrumentale: 4 (alle auch Picc., 3. u. 4. auch Alt Flûte Traversière ) · 4 (auch Engl. Hr.) · 4 (3. auch Es-Klar., 4. auch Bassklar.) · 4 (3. u. 4. auch Kfg.) - 6 · 6 · 4 (3. u. 4. auch b. Trombone ) · 1 - Percussion (vibr · susp.cym · 6tomt · t.bells · xyl · 6cowbells · marimb · Glsp · claves · tamt · 4cast · w.bl · b.dr · 4Timbales · trgl) (5 players) - harp · piano (auch celesta) - Str. (12 · 12 · 12 · 10 · 8) - Durée: 19' -/ Répertoire / Orchestre

Edition : Score; Urtext Edition
Editor : Kilian, Dietrich
Binding : stapled
Instrumentation : 2 Violin-solo, Strings, Basso continuo / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Orchestre / BARENREITER