Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Mozart, Wolfgang Amadeus Missa en do mineur K. 427 Grande messe en do mineur La magnifique «Grande messe en ut mineur K. 427» de Mozart est impressionnante non seulement pour sa monumentalité et sa beauté musicale, mais aussi pour son état fragmentaire qui fascine les érudits et les interprètes depuis des décennies. En collaboration avec la Fondation internationale Mozarteum de Salzbourg, Barenreiter présente maintenant une nouvelle édition de ce travail, reflétant la pointe de la recherche tout en tenant compte des besoins des artistes interprètes. Normes savantes élevées, achèvement et reconstruction des mouvements: cette publication pionnière intègre tout cela afin de se rapprocher le plus possible de l''uvre elle-même: - Les «Kyrie» et «Gloria», qui survivent tous les deux de la main de Mozart, sont édités conformément aux normes savantes. - Les deux premières sections du «Credo» ont été méticuleusement complétées par l'éditeur Ulrich Leisinger, en s'inspirant des compositions originales de Mozart, par exemple l'air «Deh vieni non tardar» de «Le mariage de Figaro» et en prêtant attention à un style stylistiquement approprié et transparent. du son. - Le «Sanctus» et le «Benedictus» (avec le «Hosanna»), qui sont soit incomplets soit ne survivent que dans des sources secondaires, ont été reconstruits par l'éditeur. Les sections sans source connue sont omises dans cette édition. Pour compléter la publication, vous trouverez un avant-propos complet (allemand / anglais) et un commentaire critique détaillé (anglais). La première représentation de la nouvelle édition d'Ulrich Leisinger a été donnée en avril 2019 à l'Elbphilharmonie Hamburg par le Hamburg State Philharmonic Orchestra et la ChorWerk Ruhr sous la direction de Kent Nagano. La première première autrichienne a eu lieu à Salzbourg en août 2019 dans la grande salle du Mozarteum, avec Andrew Manze dirigeant la Camerata de Salzbourg sous les applaudissements du public et des critiques.

Joseph Haydn Symphonie en Ré majeur Hob. I:104 (Symphonie de Londres) Hubert Unverricht (Editeur) Ulrich Wilker (Préface) Edition Urtext, Studien-Edition (partition de poche), reliure paperback Les douze «Symphonies de Londres» constituent le sublime accord final dans l''uvre symphonique de Haydn. Elles furent composées pour l'impresario londonien Johann Peter Salomon, et Haydn lui-même en dirigea les créations alors qu'il demeurait pour un certain temps dans la métropole anglaise dans les années 1791-92 et 1794-95. La Symphonie n° 96 en Ré majeur de 1791 fait partie des premières symphonies conçues à Londres, pour Londres. Elle a été postérieurement surnommée «Le miracle», mais ce surnom lui a été affecté par erreur car si un miracle a bien eu lieu, épargnant les auditeurs lors de la chute d'un lourd candélabre sans que personne de l'assistance ne fût blessé, ce fut à l'occasion d'un concert où était jouée une autre symphonie de Haydn. Elle n'en reste pas moins un miracle d'esprit musical: du raffinement des rapports harmoniques des motifs en accords parfaits par lesquels commence chacun des quatre mouvements, jusqu'aux changements d'atmosphère virtuoses résultant de surprenantes modulations harmoniques, Haydn livre ici une véritable parade démonstrative du développement de ses idées musicales. L'édition d'étude reprend le texte de l'édition complète des 'uvres de Haydn, garantissant ainsi la plus haute qualité scientifique. Une préface informative et un bref commentaire critique font de cette partition en format maniable un accompagnateur idéal pour tous les fans de Haydn, ainsi que tous ceux qui souhaitent le devenir.

Par MAW NICHOLAS. Il est écrit pour plaire et est ne pas mettre un pied erroné, qu'elle danse énergiquement le long de certains thèmes chantantes, avec des rythmes vivifiant, cast dans une structure claire et au-dessus de tous les florissant une compréhension magistrale d'orchestration. L'extravagance laiton de la première danse sonne comme Walton et le bois piquant écrit plus tard comme Britten, donc les dettes du Maw à ses ancêtres anglais sont clairement balisées. ' Richard Fairman, Financial Times, 27 septembre 1995/ Répertoire / Conducteur

Par HAYDN FRANZ JOSEF. Les douze «Symphonies de Londres» constituent le sublime accord final dans l’œuvre symphonique de Haydn. Elles furent composées pour l’impresario londonien Johann Peter Salomon, et Haydn lui-même en dirigea les créations alors qu’il demeurait pour un certain temps dans la métropole anglaise dans les années 1791-92 et 1794-95. La Symphonie n° 96 en Ré majeur de 1791 fait partie des premières symphonies conçues à Londres, pour Londres. Elle a été postérieurement surnommée «Le miracle», mais ce surnom lui a été affecté par erreur car si un miracle a bien eu lieu, épargnant les auditeurs lors de la chute d’un lourd candélabre sans que personne de l’assistance ne fût blessé, ce fut à l’occasion d’un concert où était jouée une autre symphonie de Haydn. Elle n’en reste pas moins un miracle d’esprit musical: du raffinement des rapports harmoniques des motifs en accords parfaits par lesquels commence chacun des quatre mouvements, jusqu’aux changements d’atmosphère virtuoses résultant de surprenantes modulations harmoniques, Haydn livre ici une véritable parade démonstrative du développement de ses idées musicales. L’édition d’étude reprend le texte de l’édition complète des œuvres de Haydn, garantissant ainsi la plus haute qualité scientifique. Une préface informative et un bref commentaire critique font de cette partition en format maniable un accompagnateur idéal pour tous les fans de Haydn, ainsi que tous ceux qui souhaitent le devenir./ Répertoire / Orchestre Symphonique

La série EULENBURG AUDIO + score combine avec plus de 80 titres, les chefs-d'oeuvre les plus importants de concert et de la littérature orchestrale, le rendant idéal pour les étudiants et les amateurs de musique classique le point de départ idéal pour entrer dans le monde de la lecture de partitions.En plus de l'image d'impression excellente en format convivial et préface détaillée en allemand et en anglais toutes les dépenses fournir un représentant, l'enregistrement complet sur CD directement! Avec les nouvelles top 10 des packages reCoivent chacun une collection complète du répertoire de la musique internationale à un avantage de prix attractif. / Orchestre