Par RATKJE MAJA S. K.. William Butler Yeats once wrote a poem titled To a Friend Whose Work has Come to Nothing (1931). In 1960, the American poet Anne Sexton wrote the following poem, as a part of her first published work, Bedlam and Part Way Back. I see it as an encouraging advice to reach the sun. If you never tried, you'll never know. I thought it fitted very well to the trombone concerto and the soloist's determined will to make the music fly. / Date parution : 2023-03-11/ Répertoire / Orchestre

2+pic.1.3+Ebcl+acl+bcl.2asx+tsx+barsx.1/4.4(flg).3.1+euph/4perc(timp)/[db]. Par KOPPEL ANDERS. Opening (2020) composed by Anders Koppel for concert band. Commissioned by and dedicated to Københavns Kommunes Skoleorkester, on the occasion of the orchestra' s 65th anniversary 2020. / Date parution : 2021-11-03/ Répertoire / Orchestre

Par BYSTROM BRITTA. A Walk to Beethoven's First Symphony (2020) are composed by Britta byström and Commissioned by Dalasinfoniettan/ Répertoire / Orchestre

Une pleine orchestrale de Suite pour enfants merveilleux de musique forment le film Harry Potter. Entièrement autorisé par le compositeur John Williams, la musique ici est la véritable score et fonctionnalités dans le cadre de la série Signature de la magnifiquement gravés John Williams. Inclut les thèmes suivants : Diagon Alley, Portrait de famille, Fluffy et son harpe, de Harry monde merveilleux, du Hedwig thème, Poudlard Forever, Nimbus 2000, Quidditch et Voldemort. Un ensemble complet de score et pièces est disponible sur le numéro de commande HL04490215. / Conducteur

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par MURAIL TRISTAN. Time and Again tente de rompre, partiellement, avec l'esthétique qui domine dans mes oeuvres précédentes, une esthétique de la continuité où la forme est structurée par des processus se déroulant en un flot presque ininterrompu. Ici, la forme musicale cherche à créer une architecture du temps plus complexe, qui joue de flash-backs, prémonitions, boucles..., comme si l'on se trouvait dans une sorte de machine à remonter le temps. Pour néanmoins préserver une sorte de continuité sous-jacente, j'ai d'abord imaginé une structure 'linéaire' pour la pièce, comportant des évolutions progressives et logiques, et j'ai parfois réalisé des fragments de cette pièce virtuelle, puis, un peu comme un cinéaste, j'ai 'monté' la structure de la pièce, en coupant, dupliquant, insérant, collant. A peu près aux deux tiers de la pièce, le temps s'inverse et s'écoule deux fois plus vite - on repasse, plus symboliquement que textuellement, par toutes les étapes des deux premiers tiers, avec parfois des superpositions, des inserts ou des raccourcis. L'orchestration n'est pas tout à fait conventionnelle - les vents et la percussion sont en nombre habituel, mais les cordes sont réduites à environ la moitié de l'effectif normal. J'ai cherché ainsi une qualité particulière du son des cordes moins volumineux, mais plus intense. Les cordes jouent le plus souvent des parties individuelles. Leur emploi principal consiste à colorer ou distordre les sons joués par les autres instruments, ou à construire des spectres sonores complexes. L'orchestre est enrichi par un synthétiseur (un Yamaha DX7) qui a deux principales fonctions. Grâce à son aptitude à synthétiser des sons par modulation de fréquence, il peut émettre directement des spectres riches identiques à ceux que j'utilise dans mon écriture orchestrale. La composition de cette pièce a donc impliqué d'abord la programmation des sons sur le synthétiseur (un seul son peut produire une texture très riche et n'est souvent utilisé qu'une seule fois). Dans d'autres cas, je l'utilise comme un complément de la section des percussions et du piano, le synthétiseur ayant la tâche d'émettre les sons non tempérés. Time and Again est une commande du 'John Feeney Charitable Trust' pour le City of Birmigham Symphony Orchestra, et a été créé à Birmingham le 21 janvier 1986 par cet orchestre, sous la direction de Simon Rattle. La pièce était destinée à être jouée en première partie de la Turangalila Symphonie d'Olivier Messiaen, pour une série de concerts en Angleterre. Cela explique qu'un auditeur attentif trouvera peut-être quelques allusions à cette symphonie dans Time and Again... Tristan Murail Enregistrement: 1 CD Montaigne/Naïve, MN782175 Désintégrations - Gondwana - Time and again Ensemble L'Itinéraire, Orchestre National de France, Yves Prin (direction) - Orchestre Beethoven Halle de Bonn, Karl Anton Rickenbacher (direction) / contemporain / Date parution : 1985-01-01/ Répertoire / Orchestre

Par MANTOVANI BRUNO. Par le plus grand des hasards, les deux principaux concours de direction d'orchestre en Europe m'ont proposé d'écrire en 2007 une oeuvre originale qui serait imposée à leurs candidats. Trouvant la coïncidence particulièrement amusante, j'ai pensé que ces deux oeuvres devaient être à la fois très différentes (la similarité des projets me poussant à me renouveler d'une pièce à l'autre) mais aussi, pourquoi pas, être les deux premiers piliers d'un cycle à venir. Pour la première d'entre elles, Time stretch (on Gesualdo), commande de l'orchestre symphonique de Bamberg pour le concours Mahler, j'ai décidé de faire référence au grand compositeur de la renaissance en utilisant les harmonies chromatiques d'un de ses madrigaux. Pour la seconde, Finale, il s'agissait de n'écrire à partir d'aucune référence, et de créer mes propres points de repère originaux. La récurrence de certains motifs à la flûte solo structure donc une forme très libre, très rhapsodique, fondée sur le contraste entre des moments figés (boucles lentes, ostinati, tenues statiques) et d'autres très énergiques, furtifs ou très développés. Le titre de la pièce, en dehors du fait qu'il est un clin d'oeil à l'épreuve terminale du 50e concours international de Besançon, commanditaire de l'oeuvre, tend à donner à ce quart d'heure mouvementé un caractère conclusif au cycle (qui pour le moment ne comporte que ces deux volets). C'est en effet ce que j'ai tenté de créer : un sentiment jubilatoire qui marquerait un point de non-retour, et surtout, une impression d'aboutissement, de résolution. Bruno Mantovani / contemporain / Répertoire / Orchestre

baroque, classique et romantique. Par KOPP KAI. Ce manuel propose un panorama général de l?art du jeu en ensemble aux périodes baroque, classique et romantique. Les sujets relatifs aux effectifs, à la constitution des ensembles et à leur direction sont abordés, mais c?est surtout la question de la pratique des musiciens qui est ici centrale : comment un musicien d?orchestre, entre le xviie et le xixe siècle, comprend-il les indications portées sur sa partie, et comment les exécute-t-il  ' De ce point de vue, ce livre peut se lire comme un cours fondamental sur la pratique d?exécution historique. Quinze études de cas, sur des partitions issues des trois périodes, permettent en outre d?appréhender les informations théoriques données à la lumière du répertoire de l?époque. Ce manuel pratique s?adresse à tous ceux qui sont concernés par l?inter­prétation d??uvres orchestrales : étudiants, musiciens professionnels, chefs d?orchestre, mais aussi musicologues ou éditeurs, ainsi qu?aux profanes qui s?intéressent à ces sujets. / Date parution : 2024-01-10/ Livre / Orchestre

Par DEBUSSY CLAUDE. 'Prélude à l'aprés-midi d'un faune', souvent désigné comme la première composition de l'ère 'moderne', est l'un des plus populaires de Debussy et souvent interprété des oeuvres orchestrales. La pièce vient jusqu'à nous dans un réseau de sources, et plusieurs autres importantes sont tirées sur pour la première fois dans la nouvelle Bärenreiter savante critique édition. La plupart des éditions actuellement disponibles sont basées sur la première édition de 1895 qui, cependant, contient des erreurs graveur de nombreux. Lorsque les parties correspondantes d'orchestre sont également pris en considération, les écarts sont révélés innombrables. Bärenreiter Urtext édition incorpore de lectures d'un exemplaire imprimé de la note de c. 1908, qui montre les corrections et corrections par le compositeur. Ces changements importants, qui se trouvent dans aucune autre source, notamment les indications métronomiques, des terrains de différentes et des notes complémentaires, ainsi que le tempo et marques d'articulation ajouté, qui subtilement améliorer le travail finement sculpté de Debussy. Il est même une marque souffle ajouté au passage flûte solo célèbre qui ouvre les travaux. - Edition savante critique avec de nombreuses corrections dans la partition et les parties orchestrales - Présentation claire des parties d'orchestre dans un format agrandi, 25,5 cm x 32,5/ Répertoire / Orchestre

Les cinq pièces de Sphères sont une commande de Radio-France et ont été créées sur les ondes de France-Musique chacun des cinq jours de la semaine. La thématique de l'oeuvre découle directement des conditions de sa naissance puisque Séléné (la lune) a vu le jour un lundi, Mars un mardi, etc. jusqu'à Vénus un vendredi.L'évocation de ces noms fait d'abord tinter nos souvenirs mythologiques et, en effet, une partie de l'inspiration de ces pièces est redevable à la personnalité des dieux de l'Olympe: Vénus toute de grâce sensuelle - Jupiter figé dans son écrasante domination universelle - Mercure volatile, insaisissable - Mars symbole de guerre mais aussi de printemps, de renouveau, et surtout force vitale irrépressible - la lune enfin qui, lorsqu'elle se montre ronde et blanche - la pleine lune est l'une des facettes de Diane - a pour nom Séléné. Nous en ressentons régulièrement la puissance attractive figurée ici musicalement par une série de vagues dont la dernière, véritable marée montante, est comme un pan d'océan soulevé par ce satellite prédateur.Car ce sont bien les corps célestes qui ont stimulé la plus grande part des idées musicales (l'indifférence de Jupiter n'est pas que le fait d'Epicure - elle s'explique aussi par sa constitution essentiellement gazeuse).La période, source à la fois de fréquence et de durée, est ici l'élément générateur - le développement, un déploiement de spirales harmoniques et rythmiques - ces douze minutes d'orchestre, un hommage aux innombrables sphères qui virevoltent à travers l'univers dans une danse fascinante, un contrepoint cosmique aux proportions étourdissantes.Patrick Burgan / Orchestre

Zais a été le premier opéra de Rameau Entièrement consacré à 'la féerie' - le monde enchanté des mythes du Moyen-Orient, avec ses génies et fantasmatique êtres aériens. Créé à l'Opéra de Paris le 29 Février 1748, le travail a été beaucoup loué pour la force, l'élégance et la diversité de la musique et son pour la grâce de ses ballets. Cameo althoug Cahusac livre de critiques, cette oeuvre charmante prouvé populaire: il a été relancé en 1761 et 1769, l'entaillage jusqu'à plus de 100 représentations d'une période de plus que durant deux décennies.Cette édition est la première d'une série qui réunit les symphonies (pièces pour orchestre et danses) d'opéras publiés dans 'oeuvres complètes de Rameau'.Présenté dans l'ordre dans lequel ils apparaissent dans les oeuvres, ces pièces proviennent de l'édition critique de la partition complète (BR IV.15) et de conserver les numéros de bar et des marques de référence dans ce volume. Cela permet aux artistes référents si nécessaire qui apparaissent aux notes critiques uniquement dans l'édition critique de la partition complèteIl est délivré des dizaines de symphonies scène avec matériel d'orchestre. / Orchestre

Par HILL WILLIE DR.. Jazz Improvvisation série pour la peur de la ' intrépide, ' approchant les normes est une approche novatrice et conviviale à l'improvisation jazz. Conçu pour l'individu ou gr oup, chaque livre et le long de jeu CD contient huit airs de jazz classiques. Tous les trois volumes fea groupe de jazz démo enregistrée par les meilleurs professionnels de l'informatique dans un concert de jazz typique setti ng, écrit clairement les exemples de l'improvisation, jazz vocabulaire, possibilités de transcription, insight compositeur et une discographie. Le livre de Rhythm Section et chef d'orchestre comprend ce qui précède, plus voicings et rythmes comping, basse et tambour des pièces avec les cadres de guitare et chef d'orchestre notes. / Méthode / Répertoire / Orchestre

In G Major. Par DVORAK ANTONIN. The performance material available up till now for Dvorák' s sun-filled cheerful Symphony no. 8 has been notorious for its myriad mistakes. The challenge of correcting it has now been taken over by the editor Jonathan Del Mar. He has taken into account the engraver' s copy, which was actually discovered in a trash bin at Novello' s in 1964. Its title page bears the words ' Copied from my original manuscript” in Dvorák' s hand. This source proves that many of the readings contained in the first edition and faithfully adopted in all subsequent editions, were simply slips of the copyist' s pen. This new edition with score and orchestral parts in an enlarged format is accompanied by a detailed Critical Commentary on the sources and alternative readings. It also contains important facsimile pages to clarify problematical readings. - Score and orchestral parts in an enlarged format - Informative Foreword (Eng/Cz/Ger) and Critical Commentary (Eng) on sources and alternative readings - With facsimile pages/ Répertoire / Orchestre

'Prélude à l'Après-midi d'Faune de l'ONU', souvent désigné comme la première composition de l'ère 'moderne', est l'un des plus populaires de Debussy et fréquemment interprété des oeuvres orchestrales. La pièce vient jusqu'à nous dans un large éventail de sources, et plusieurs autres importants sont dessinés sur pour la première fois dans la nouvelle érudition Bärenreiter-édition critique.La plupart des éditions actuellement disponibles sont basées sur la première édition de 1895 qui, pourtant, contient des erreurs graveur nombreuses. Lorsque les parties correspondantes orchestre sont également pris en considération, les écarts innombrables sont révélés.Bärenreiter Urtext édition incorpore de lectures d'un exemplaire imprimé de la note de C. 1908 qui montre les corrections et les corrections par le compositeur. Ces changements importants, trouvé dans aucune autre source, notamment indications métronomiques, des hauteurs différentes et les notes complémentaires, ainsi que le tempo ajoutée et les marquages ??d'articulation, ce qui rehausse subtilement tous les travaux finement sculpté de Debussy. Il ya même une marque de souffle ajouté au passage fameux solo de flûte qui ouvre le travail.- Edition savante critique avec de nombreuses corrections dans la partition et parties orchestrales- Une présentation claire des parties orchestrales dans un format agrandi, 25,5 cm x 32,5 cm / Orchestre

in Full Score. Par SAINT-SAENS CAMILLE. Considered throughout much of his career as the preeminent French composer, Camille Saint-Saëns wrote music that embodies a characteristic French concern for clarity and order, together with his own assured mastery of the composer's craft. These qualities are evident in Saint-Saëns' Symphony No. 3, widely regarded as the composer's major orchestral work, and one of the very few to incorporated the organ as a featured instrument. Saint-Saëns wrote this symphony during the period of his greatest creativity — in the 1870s and '80s — at which time he also produced such important works as the opera Samson et Dalila, Le Carnaval des animaux, the Piano Concerto No. 4, and the Violin Concerto No. 3. Deeply moving and majestic, the 'Organ' Symphony bears all the hallmarks of Saint-Saëns' fluent mastery of orchestral composition. It is reprinted here form an authoritative full-score edition published by Durand et Schoenewerk, Paris. Reprint of the Durand et Schoenewerk, Paris, edition. Widely regarded as the composer's major orchestral work, and one of the few to incorporate the organ as a featured instrument./ Répertoire / Orchestre