Par ALLERME JEAN-MARC / CHARRIER VINCENT. / variété - jazz / Recueil / Violon et Piano

Par PUJOL MAXIMO DIEGO. Buenos Aires Color Pastel by Argentine composer Maximo Diego Pujol for flute, viola and guitar. Published by Editions Henry Lemoine./ Répertoire / Flûte Traversière Alto et Guitare

Par HUREL PHILIPPE. Dans En filigrane, I'électronique, fixée, tient à donner l'illusion du temps réel. La musique étant rapide et rythmique, la texture se faisant dense, il serait difficile d'aller «pêcher» ici et là des petites interventions de chacun des quatre musiciens du Quatuor Tana et de les traiter en temps réel. La partie électronique est donc à la fois un prolongement instrumental mais aussi une forme organisée sur la base du micro-montage, les sons produits en studio étant volontairement courts et venant simplement iriser, colorer, spatialiser des événements qui donnent la clé de l'articulation formelle de la pièce. Au contraire, en arrière-plan, en filigrane donc, une longue séquence - les premières mesures instrumentales de la pièce enregistrées préalablement - se fait entendre à trois reprises. Cet arrière-plan est audible ou non, couvert volontairement par le quatuor ou apparaissant seul, tel une matrice qui a fait naître le matériau de la pièce. La musique est nerveuse, rythmique, et oscille entre I'idée de processus «objectif» identifiable et variation «subjective». Hauteurs et modes de jeux y ont la même place mais prennent tour à tour le dessus, en fonction de la dramaturgie de l'oeuvre. La partition est dédiée à mon père, disparu durant la composition de la pièce. Elle s'inscrit dans une série d'oeuvres récentes marquées par les deuils - So nah so fern, D'autre part, Ouelques traces dans l'air, Ritual trio - qui traitent de la disparition, de la résurgence et de la trace. Philippe Hurel / Date parution : 2024-02-17/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Par COMBIER JEROME. / Date parution : 2022-01-14/ Recueil / Flûte, Clarinette, Violoncelle et Piano

Par TER-HOVHANISIAN ARTHUR. Réunies et annotées par Arthur Ter-Hovhanisian Ce livre contient des études et des exercices qui ont été composés par d'éminents interprètes et pédagogues tels que Iampolski, Mostras, Pitkuss, Rabinovitch, Sapojnikov... Le but de ce travail est de réunir en une suite logique et en un seul livre une partie de ces exercices et de ces études, que j' ai révisés et annotés, et présentés en cinq parties : 1 - Développement de la technique du coup d'archet 2 - Démanchés ou Changement de positions 3 - Etudes pour une intonation complexe (justesse) 4 - Trémolos, trilles, harmoniques 5 - Exécution de mélodies avec accompagnement, polyrythmie Traduit du russe par Christine Szersnovicz English translation: Jacqueline Rose Arthur Ter-Hovhanisian est né en 1964 à Erevan en Arménie, où il a fait ses études auprès de E. Dayan, lui-même élève de David Oïstrakh. Membre de l'Orchestre National Symphonique sous la direction de Ruben Aharonian, il enseigne au Conservatoire National d'Arménie, à Erevan, avant d'entrer, en 1994, dans l'Orchestre Symphonique de Russie à Moscou. En tant que membre de l'orchestre de chambre Serenade (Premier Prix au concours international 'Valentino Bucchi' en 1995), il a participé à plus de 400 concerts en Allemagne, Grèce, Pays-Bas, France, Suisse, Italie et Autriche. Actuellement membre de l'Orchestre National Symphonique du Liban et passionné de pédagogie, il est professeur de violon au CNSM de Beyrouth / Niveau : 3ème Cycle / méthode - études / Etude / Violon

Par PAUSET BRICE. / contemporain / Répertoire / 2 Violons, Alto et Violoncelle

Par MANTOVANI BRUNO. Composé en octobre 1999 alors que je vivais à la résidence pour artistes d'Edenkoben (Allemagne), You are connected résulte d'une commande de l'Etat pour le trio à cordes de Paris. Cette oeuvre tire sa matière musicale de sources multiples, voire antagonistes, unissant dans un même souffle dramatique des idées fondées sur des gestes 'naturels', 'traditionnels' des instrumentistes à cordes (dynamiques en adéquation avec le mouvement de l'archet, mélodies lyriques dans l'aigu du violon...), avec d'autres inspirées de l'univers électroacoustique (transposition de la trame musicale correspondant à l'accélération du discours...). La dialectique instrumentale 'geste concret / procédé abstrait' est un des éléments qui rythment la forme. Aboutissement d'un processus d'accumulation quasi-linéaire, la section finale de la pièce est la transcription pour le trio des sonorités émises par un modem lors d'une connexion au réseau internet (d'où le titre de la pièce). Cette coda apparaît comme une résolution des tensions accumulées dès le début de l'oeuvre, dans la mesure où elle est le sommet dynamique de l'ensemble, et où elle met un terme au parcours général en forme de crescendo de densité. Là encore, le discours fonctionne dans une logique de 'zapping', les progressions ne reposant pas sur un resserrement progressif du contrepoint, mais plutôt sur une juxtaposition frénétique de personnages musicaux contrastants. De ce fait, l'emprunt à l'univers abstrait de l'informatique revêt un sens musical, dans la mesure où la singularité du matériau sonore obtenu par la transcription incite, par nature, à conclure l'oeuvre. Bruno Mantovani / contemporain / Répertoire / Trio à Cordes

Par HUREL PHILIPPE. / contemporain / Date parution : 2009-09-08/ Répertoire / 2 Violons

Par BEYTELMANN GUSTAVO. / classique / Répertoire / Contrebasse, Bandonéon et Piano

Par COMBIER JEROME. (...) Hors: moyen de puiser dans les constructions internes d'un texte littéraire le possible d'une construction musicale, même quand ces deux mondes (littéraire, musical) n'ont rien à se dire. Crâne: d'où il ne sera jamais possible de nous extirper, n'ayant de liberté qu'à l'intérieur de ses limites - aussi grande que nous puissions imaginer cette liberté. Paysage du cerveau dirait Guiseppe Penone, Etre crâne. Hors crâne, pour violon et violoncelle continue l'exploration des textes de Beckett commencée avec Noir azur (Cette fois), Noir gris (Impromptu d'Ohio) et Lessness. Cette fois, l'électronique est convoquée pour être une amplification des idées musicales, une projection de l'intériorité tissée entre les deux instruments, retenue toutefois. 'Hors crâne seul dedans quelque part quelquefois comme quelque chose' (Samuel Beckett) Jérôme Combier / contemporain / Répertoire / Violon, Violoncelle et Electronique

Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes