Françoise Piazza (Auteur) / Juliette a 22 ans quand elle chante pour la première fois, en 1949, au Boeuf sur le toit, vivante icône du quartier de Saint-Germain-des-Prés qui renaît des cendres de la guerre. Pour toujours, son nom restera lié à ceux de Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir, Jacques Prévert, Boris Vian, Jean Cocteau...Elle fêtera en juin 2009, au Théâtre des Champs-Élysées, ses 60 ans de carrière ! Porte-drapeau de la chanson française à travers le monde, elle a cent fois sillonné la planète, de l'Allemagne au Japon, de l'Italie à l'Amérique du Sud et à la Scandinavie. Elle est la seule artiste française à n'avoir jamais cessé de chanter. Depuis le début des années 90, elle s'est produite sept fois à Paris à guichets fermés : Olympia 1991, 1993, 2004 - Odéon 1999 - Casino de Paris 2004 -Châtelet et salle Pleyel 2007, offrant à un public conquis et sans cesse renouvelé les immortelles chansons de. Georges Brassens, Léo Ferré, Serge Gainsbourg, Jacques Brel, Guy Béart et, plus récemment, celles d'Étienne Roda-Cil et de Jean-Claude Carrière. " Ce qui m'intéresse, dit-elle, c'est la rencontre. " Elle a été récompensée pour l'ensemble de sa carrière aux Victoires de la Musique en 2007. A présent, c'est la jeune génération qui écrit pour elle : Benjamin Biolay, Miossec, Ald Al Malik, Bénabar, Olivia Ruiz...

Qui est Jacques Douai ?

Jacques Douai est un chanteur français. De son vrai nom Gaston Tanchon, il est né le 20 décembre 1920 à Douai (d?où il tirera son nom de scène). Il est mort le 7 août 2004 à Paris. Il était surnommé « le troubadour des temps modernes ».
Il a chanté Prévert, Aragon, Ferré, Trenet, Max Jacob, Georges Brassens, Jacques Brel... mais aussi des poètes du Moyen Âge comme Chrétien de Troyes, Rutebeuf ou François Villon. Il a été le premier interprète masculin de la chanson Les Feuilles mortes de Prévert et Kosma en 1947. Il a reçu le grand prix de l?Académie Charles-Cros à plusieurs reprises : 1955, 1962, 1968.


Le Livre - Une biographie - toute une époque

Jacques Douai a été un artiste prestigieux à l?écart du grand public et des médias. Son immense talent d?interprète de la chanson poétique n?a d?égal que la détermination tenace du militant culturel. Sa carrière, étalée sur la seconde partie du siècle écoulé, a commencé au cabaret : Chez Pomme, au Quod Libet, à La Rose Rouge, à L?Échelle de Jacob, Chez Solange, à La Reine Blanche, au Club du Vieux-Colombier... et dans de nombreux autres lieux dont les plus connus préfigurent l?âge d?or de la chanson. Puis la scène, le disque et la culture populaire se succèdent pour cet animateur inlassable d?une prophétique civilisation des loisirs.
Inspiré de Jules Ferry et des grands humanistes de son parcours, il a porté le chant des poètes à toutes les sensibilités. Il a été l?ambassadeur de la chanson francophone sous toutes les latitudes avant de créer, avec Thérèse Palau, le Ballet national populaire de danses françaises puis le Théâtre populaire de la chanson, enfin, avec Ethery Pagava, l?admirable et généreux théâtre du Jardin.
Cet ouvrage veut ainsi répondre à un devoir de mémoire et d?amitié. L?aventure humaine et artistique de Jacques Douai doit échapper à l?indifférence et à l?oubli. Elle témoigne de grandes et belles heures de notre patrimoine.

Préfaces : Edgar Morin / Georges Moustaki
Illustration de couverture : José Corréa

Livre illustré de photos / Variété / Livre /

Les Who ont fait leur apparition au milieu des années 1960, peu après la double et divine surprise des Beatles et des Rolling Stones. Dans les clubs, tout d'abord, puis lors des grand-messes pop de Monterey ou de Woodstock, ils ont développé un jeu de scène apocalyptique souvent proche du rite sacrificiel ; en studio, ils ont composé quelques-unes des chansons les plus percutantes de leur époque, comme I Can't Explain, Happy Jack, The Kids Are Alright et bien sûr My Generation, qui restera à jamais comme l'hymne absolu des Mods. Mais les Who n'ont pas seulement été les porte-parole de la rébellion adolescente des sixties. Ils ont aussi et surtout fait franchir à la scène rock un cap décisif avec l'opéra-rock Tommy - l'?uvre la plus aboutie de leur carrière -, puis avec Who's Next et avec Quadrophenia, hommage à la génération Mod en forme d'?uvre conceptuelle elle aussi. Trois ?uvres essentielles, qui, parues entre 1969 et 1973, ont en outre élevé Pete Townshend au rang de génial compositeur. Après un silence assourdissant de plus de vingt ans, les Who sont revenus à la une de l'actualité avec l'album Endless Wire et avec une série de concerts à travers le monde. Le moment est donc venu de retracer l'histoire du quartette londonien, l'un des groupes les plus passionnants de l'épopée du rock, dont ils ont écrit quelques-uns des chapitres les plus enflammés. Anecdotes multiples, revue détaillée de leurs albums (comme de leurs albums solo), avec en toile de fond, la saga du rock anglais, tel est le menu de cet ouvrage, The Who, le groupe Mod. Les Who n'ont pas tenu leur promesse - " mourir avant d'être vieux ". Et c'est tant mieux ! Comme les Rolling Stones, ils ont percé le secret de l'éternelle jeunesse...

Gilles Verlant / Depuis longtemps et à juste titre auréolé du titre de biographe officiel de Serge Gainsbourg, notre ami Gilles Verlant ne se repose par pour autant sur ses lauriers, loin de là... Non content d'avoir depuis déjà signé Gainsbourg et caetera (1995) et Gainsbourg au bout de la nuit (1996), et dans la perspective de la commémoration des dix années de la disparition de l'artiste, celui-ci a décidé d'enrichir son tout premier livre sur le sujet de 180 nouveaux témoignages, du fruit de ses nombreuses recherches bibliographiques, mais aussi de photos rares ou inédites. Le tout étant intelligemment mis en perspective historique, dans un souci de mettre en évidence l'impact incontestable de Gainsbourg sur la vie quotidienne des Français et sur la culture au cours des cinq dernières décennies. Et même si le principal intéressé s'obstinait à répéter que la chanson n'était qu'un art mineur. Au total, l'ouvrage s'en trouve multiplié par trois en volume, par rapport à l'édition précédente, au point d'en faire une mine d'informations et un véritable ouvrage de référence, aussi indémodable que son sujet.

Yves Nat est sans aucun doute le plus attachant des pianistes de sa génération. Ce musicien à la sensibilité à fleur de peau respirait l?humilité dans le tourment. Franc et tendre à la fois, Nat était un pianiste en proie au doute qui évoluait entre présence et absence.

Frappé du syndrome de disparition en 1934, il décidait au faîte de sa notoriété de quitter la scène pendant 17 ans. « Désormais, je n?aurai plus besoin de tourner », avait-il avoué. Trop de concerts, trop d?épreuves dues au trac qui le paralysait et trop de voyages en Europe, en Amérique du Nord et du Sud, eurent raison de son métier de pianiste soliste. Sa nouvelle façon d?exister devait passer par l?enseignement et la composition. Son implication en tant que professeur au Conservatoire fut exceptionnelle.

Avec un dévouement sans fin, il transmit à ses élèves l?art de s?effacer devant la musique. « S?oublier totalement afin que l?oeuvre se resouvienne », demandait le maître. Il renchérissait avec intransigeance : «Une interprétation idéale présuppose un oubli total de la personne au bénéfice de l?oeuvre. » Cet engagement sans ambages posait une problématique de nature schizophrénique.

Avec Nat, la notion de présence de l?interprète acquérait un nouveau sens. « Toujours à l?étroit dans la vie », disait de lui sa femme Elise. Il avait une telle considération de la musique qu?il lui fallait repousser les frontières et franchir les bornes du lieu commun et de la facilité. Yves Nat guerroyait dans la vie comme dans une croisade. « Tout pour la musique et rien pour le piano » était son credo. Mais son orthodoxie n?était pas faite pour la composition. Meurtri par l?incertitude et la douleur, Nat renvoyait le plus souvent ses écrits à la poubelle lorsqu?il n?en faisait pas un autodafé. Il possédait pourtant un don pour la composition depuis sa tendre enfance. C?est même par la composition que sa carrière avait commencé lorsqu?à onze ans à peine il avait dirigé devant Fauré et Saint-Saëns sa « Fantaisie pour Orchestre ».

Mais avec les années, sa quête d?absolu musical l?empêcha de devenir le Chabrier de son époque ou de reprendre le flambeau de son ami Déodat de Severac. Dix années de travail pour des « sommets de douleurs », telle fut la gestation de son poème symphonique intitulé « l?Enfer ». Composé pour choeur et orchestre, avec plus de deux cents exécutants en tout, cette oeuvre dantesque fut créée pendant la Seconde Guerre mondiale, en 1942. L?accueil du public fut poli, mais tous les fanatiques de Nat qui étaient dans la salle auraient préféré l?entendre à son piano.

Il lui fallut dix autres années de labeur et d?autocensure pour aboutir à son « Concerto pour piano », oeuvre modale en quatre mouvements. Le jour de la création, Nat était au piano, un mieux pour son public. Mais il fallait se rendre à l?évidence : seul le pianiste existait et était acclamé. A tel point qu?en 1953, il y eut un récital au Théâtre des Champs-Elysées plein à craquer.

Ses inconditionnels qui l?avaient tant ovationné dans les années vingt, retrouvèrent enfin leur idole. Beethoven, Schumann et la Sonate funèbre de Chopin s?inscrivaient à son programme. À soixante-trois ans, Nat fit de ce récital le couronnement de sa carrière. Trois ans plus tard, il mourut à Paris le 31 août 1956. / Classique / Auber, Chantal / Livre /

Par GINER BRUNO. Aprês des études d'ingénieur imposées par son père, Edgard Varêse (1883-1965) travaille la musique avec d'Indy, Roussel, Widor, R. Strauss et Busoni. Emigré en 1915 aux Etats-Unis où il devient un pionnier de la musique électronique, il crée en 1954 Déserts, qui suscite un scandale comparable à  celui du Sacre du Printemps de Stravinski en 1913. Il aura mis 15 ans pour accoucher de lui-même, 18 pour écrire la plupart de ses oeuvres (d'Amériques à  Density 21,5), 14 de traversée du désert et 15 autres pour terminer son oeuvre et signer sa postérité (Déserts, Poême électronique, Nocturnal). Hormis une quinzaine d'oeuvres abouties, la vie de Varêse est une véritable quête balisée par une succession de projets inachevés ou inaboutis. Pour autant, une imagination fertile et débordante alliée à  une force de travail impressionnante, lui ont permis de réaliser une oeuvre singuliêre, fulgurante et d'une modernité sans faille, qui continue, à  juste titre, de fasciner le public. / Broché / Livre / Livres

Akhenaton (Auteur), Eric Mandel (Auteur) / AKHENATON a contribué à donner au rap français ses lettres de noblesse. Rappeur agile, auteur exigeant, compositeur inspiré, il concilie depuis ses débuts succès populaire et fidélité à l?éthique du hip-hop : dépassement de soi, tolérance, engagement, dénonciation sociale, mais aussi esprit festif et humour méditerranéen. Le créateur de la chanson Je danse le Mia, ce tube hexagonal qui a popularisé le rap auprès d?un large public, peut se targuer d?une constance jamais démentie en vingt ans de carrière. Et si le rappeur s?est beaucoup livré à l?exercice de l?introspection dans ses chansons plus que n?importe quel autre rappeur ; peu de gens connaissent le cheminement personnel de cet homme introverti et peu enclin à se livrer aux médias. Pour la première fois, le petit-fils d?immigrés napolitains, né en 1968 et élevé dans un village sur les hauteurs de Marseille, accepte de se raconter. Il nous entraîne tour à tour dans la campagne de son enfance, le Marseille interlope des années 1980, et le New York de tous les possibles, berceau du hip-hop, où il fit ses classes de rappeur à l?âge de 16 ans. L?histoire d?Akhenaton est celle d?un homme de passions, avec ses périodes fastes et ses années noires, celle d?un homme de foi érudit et d?un père de famille épanoui. Mais l?histoire d?Akhenaton, c?est aussi celle d?IAM, une aventure collective sans équivalent dans le rap français, qui dure depuis vingt ans.

Auteur-compositeur-interprète de folk anglais, Nicholas Rodney Drake (1948-1974) Bien qu?étant salué par la critique, n?a jamais obtenu l?attention du public de son vivant. Cependant Nick Drake est l?objet d?une reconnaissance posthume, ses trois albums, loin d?être tombés dans l?oubli, suscitent un intérêt croissant auprès des nouvelles générations.

Nick Drake a traversé le monde musical à la vitesse d?une météorite. Artiste lunaire, magicien de la six cordes acoustique, ce féru de poésie se lance très tôt dans l?écriture de chansons. Puis il décide de tout sacrifier à cette passion, abandonne ses études, fait quelques concerts, finit par être signé dans une maison de disques et publie son premier opus : « Five leaves left » (1968). Reconnu par la presse mais boudé par le public, Nick Drake sort deux ans plus tard « Bryter layter ». L?album une nouvelle fois excellent ne parvient pas à séduire le public pas plus que son dernier disque, le crépusculaire « Pink moon » paru en 1972.

Le jeune homme, découragé et en proie à de graves problèmes personnels songe à tout arrêter et retourne vivre chez ses parents. Il y est retrouvé mort à l?automne 74.

Nick Drake est l?objet d?une reconnaissance posthume, ses trois albums, loin d?être tombés dans l?oubli, suscitent un intérêt croissant auprès des nouvelles générations.

- De stars internationales reprennent ses musiques : Tom Verlaine, Kate Bush, REM, Everything but the girl, Beck, Robert Smith, The cure.

- En France, Johan Asherton est un des plus grands admirateurs contemporains de Nick Drake.

- Il a travaillé avec Françoise Hardy.

- Ses musiques sont utilisées en musique de film, dans les spots de pub, la campagne de la Croix rouge française.

- Le seul livre sur Nick Drake en français.

- Devenu une des références du rock dans le monde : de plus en plus cité et joué.

- Il aurait eu 60 ans en juin 2008 : pour ces raisons un livre événement dans le milieu rock et branché. / Variété / Livre /

Par DAHLHAUS CARL. A travers une série d'essais écrits entre 1964 et 1988, Carl Dahlhaus (1928-1989) aborde les différents aspects de l'oeuvre et de la pensée d'Arnold Schoenberg. Sa réflexion porte aussi bien sur les dimensions strictement compositionnelles que sur des questions esthétiques. C'est ainsi qu'il s'attache aux notions de «musique à  programme», de «variation développante» ou de «prose musicale», comme aux questions liées à  l'atonalité et au dodécaphonisme, ainsi qu'aux relations de Schoenberg avec la tradition et aux polémiques qu'il a suscitées. Les textes esthétiques situent le compositeur dans un vaste horizon historique, philosophique et musical. Les analyses font apparaître la cohérence des oeuvres en s'attachant avant tout au sens musical. Les concepts et les idées sont inscrits dans une perspective historique, épistémologique et musicale qui en éclaire avec précision la signification. Ces essais, écrits dans une langue à  la fois dense et précise, et riches d'un savoir immense, constituent une somme et une référence indispensable. Ce livre qui regroupe tous les essais que Dahlhaus a consacrés à  Schoenberg permettent d'approfondir l'oeuvre et la pensée d'un compositeur qui a marqué l'histoire de la musique et en a bouleversé le cours. / Broché / Livre / Livres

Cette biographie retrace la vie de cet auteur compositeur interprète de génie. Dès l'âge de cinq ans, Michel apprend le piano, et la musique occupe sa vie. Il est un élève brillant et décroche à onze ans, un premier prix de solfège au conservatoire de Paris. En 1965, il décroche le prix Disco Revue à la Locomotive à Paris. C'est Lucien Morisse, dirigeant alors Europe 1, qui le fait signer chez AZ. Pour son premier disque, La poupée qui fait non, Polnareff obtient un succès inattendu. Dès sa sortie en 1966, le titre est un tube.Il enchaîne avec Love me please love me, et se démarque vraiment de la production musicale de ces années 1966-1967. Son style nouveau, très musical, oeuvre d'un grand compositeur et d'un personnage atypique, traverse les frontières et dès ses premiers morceaux, Polnareff se classe dans les charts européens, de l'Angleterre à l'Allemagne.Aujourd'hui, la réputation de MICHEL POLNAREFF n'est plus à faire. Il est devenu le personnage le plus emblématique de la chanson français.

Thierry Desaules (Auteur), Sandra Klein (Auteur) / Leader du groupe Indochine, Nicola Sirkis fêtera ses 50 ans en 2009 avec un nouvel album très attendu. En presque trente ans d'existence, Indochine a survécu à trois générations d'artistes grâce à un univers et des textes singuliers. Malgré le départ de deux des membres originels et le décès de Stéphane Sirkis en 1999, Nicola Sirkis a tenu son groupe à bout de bras, n'hésitant pas à prendre des virages nécessaires sans jamais se départir de ses convictions profondes. Des premiers concerts dans les clubs branchés parisiens aux concerts messianiques de Bercy, le public d'Indochine est resté fidèle et s'accroît de jour en jour. Dépassant la simple biographie actualisée, émaillée d'interviews rares, l'ouvrage propose un décryptage subtil de nombreuses chansons et les témoignages inédits de quatre proches collaborateurs d'Indochine - Jérôme Soligny, Ann Scott, Valérie Rouzeau et Camille Laurens -, levant le voile sur les multiples références littéraires, cinématographiques, musicales et symboliques du groupe. Un livret de photos inédites et exclusives, une discographie et une vidéographie complètes viennent enrichir cette plongée audacieuse dans l'univers du plus grand groupe de rock français. Fans de la première heure, Thierry Desaules et Sandra Klein ont suivi de très près toute la carrière d'Indochine et ont rencontré Nicola Sirkis en public comme en privé à de très nombreuses reprises. Ce livre Hommage a donc la singularité d'être fait pour des fans... par des fans.

Par TIENOT YVONNE. / méthode - études / Date parution : 1959-10-01/ Méthode / Formation Musicale

Par TIENOT YVONNE. / méthode - études / Date parution : 1965-01-01/ Méthode / Livre

" Comme une horloge parfaitement réglée, ses disques sortent tous les cinq ans depuis Sarbacane en 1989... " E 30 ans, 10 albums et près de 110 chansons, Francis Cabrel s'est imposé avec une écriture sensible et juste sur des musiques dylaniennes. L'immense popularité du chanteur d'Astaffort est sans doute liée à ce style musical mêlant folk et rock... Dans ce livre, construit tel un abécédaire, l'auteur retrace les différentes étapes de la carrière de Francis Cabrel, analyse les textes de ses chansons, ses divers engagements, et retrace les différentes étapes de sa vie d'artiste...