Les cinq pièces de Sphères sont une commande de Radio-France et ont été créées sur les ondes de France-Musique chacun des cinq jours de la semaine. La thématique de l'oeuvre découle directement des conditions de sa naissance puisque Séléné (la lune) a vu le jour un lundi, Mars un mardi, etc. jusqu'à Vénus un vendredi.L'évocation de ces noms fait d'abord tinter nos souvenirs mythologiques et, en effet, une partie de l'inspiration de ces pièces est redevable à la personnalité des dieux de l'Olympe: Vénus toute de grâce sensuelle - Jupiter figé dans son écrasante domination universelle - Mercure volatile, insaisissable - Mars symbole de guerre mais aussi de printemps, de renouveau, et surtout force vitale irrépressible - la lune enfin qui, lorsqu'elle se montre ronde et blanche - la pleine lune est l'une des facettes de Diane - a pour nom Séléné. Nous en ressentons régulièrement la puissance attractive figurée ici musicalement par une série de vagues dont la dernière, véritable marée montante, est comme un pan d'océan soulevé par ce satellite prédateur.Car ce sont bien les corps célestes qui ont stimulé la plus grande part des idées musicales (l'indifférence de Jupiter n'est pas que le fait d'Epicure - elle s'explique aussi par sa constitution essentiellement gazeuse).La période, source à la fois de fréquence et de durée, est ici l'élément générateur - le développement, un déploiement de spirales harmoniques et rythmiques - ces douze minutes d'orchestre, un hommage aux innombrables sphères qui virevoltent à travers l'univers dans une danse fascinante, un contrepoint cosmique aux proportions étourdissantes.Patrick Burgan / Orchestre

John Williams a continué son succès comme le doyen des compositeurs de film avec de la musique, les films Harry Potter aventureuses, le thème touchant par intérim et les mélodies inspirants, puissants de The Patriot. Ce medley de vitrine est exceptionnelle de programmation pour tout public. / Orchestre

Vol. 10/II - Edizione critica a cura di Alessandro Borin-David Bryant (testi in italiano e inglese). Par GABRIELI ANDREA. Vol. 10 of the Complete Works, articulated in two parts, contains the music found exclusively in manuscript and printed anthologies compiled prior to the great sixteenth-century Venetian composer?s death in 1585. Broadly speaking, Gabrieli?s contributions to collective anthologies fall into the following categories: 1) celebratory compositions, in several cases conceived as individual contributions to madrigal cycles by various composers in honour of more or less prominent Venetian or other personalities; 2) compositions originating in social and cultural circles close to Gabrieli; products of the composer?s habitual interaction with patrons, poets and musicians in mid sixteenth-century Venice, these compositions are published in anthologies containing similar works by other composers in Gabrieli?s milieu; 3) individual madrigals inserted in generic multi-author anthologies. Vol. 10/I features eight compositions on texts in Latin, Italian and ?stradioto? dialect (a linguistic concoction in which words of Greek origin appear against a background of simulated Venetian dialect). These include Gabrieli?s contribution to a Corona of nine sonnets by various composers on the death of Annibale Caro, the celebrated man-of-letters whose production comprises a highly successful Italian translation of Virgil?s Aeneid. The entire Corona is edited in the Complete Works. Gabrieli?s presence in multi-author anthologies follows a predictable pattern. The young composer?s earliest madrigals appear in editions of music by well-established authors (Vincenzo Ruffo, Cipriano de Rore) or collective anthologies edited by enterprising local musicians or other cultural figures (Giulio Bonagiunta, a singer at St Mark?s; the Venetian poet, actor and musician Antonio Molino). These give way to anthologies of music by highly celebrated composers, to which Gabrieli, his reputation now secure, accedes by invitation; and, beginning in 1583, non-Italian publications (increasingly common in the years following the composer?s death). / Date parution : 2022-04-26/ Recueil / Orchestre

In 1803 Beethoven wrote his Third Symphony and, as is widely known, it was originally in honour of Napoleon Bonaparte. Yet it was published three years later with a dedication to Beethoven's patron Prince Lobkowitz as well as with the addition 'Sinfonia Eroica? in memory of a 'grand Uomo?. This presumably - reflecting the changed political situation - referred to the Prussian Prince Louis Ferdinand who died on the battlefield against Napoleon. Based on the musical text of the Beethoven Complete Edition and with a preface by the editor Bathia Churgin, Beethoven's famous heroic symphony is now available as a Henle pocket score. / Orchestre

Suk, Josef Meditation on the Old Czech Hymn St Wenceslas for String Quartet op. 35a Josef Suk played second violin in the Bohemian String Quartet. Since 1914 the ensemble was obliged to perform the Austrian national anthem at the opening of every concert. Suk decided to supplement this obligatory piece with a work inspired by the ancient sacred Bohemian 'St. Wenceslas' hymn. The hymn's message ' a plea for the well-being of the Czech people, directed at their patron saint ' was immediately understood by the audience. The Bohemian String Quartet performed this single-movement Meditation for the first time on 27 September 1914; the premiere of the version for string orchestra followed on 22 November 1914, played by the Czech Philharmonic. That same year the piece was published by Fr. A. Urbánek together with arrangements for piano and organ. This first Urtext edition, prepared by the Suk scholar Zdenek Nouza, is published in two scorings, one for string quartet (BA 9583; study score TP 583) and another for string orchestra (BA 9584). The orchestral version differs in some details and has an added part for double bass. ' First Urtext edition Edition no. TP 583 ISMN 9790260107809 Editor Nouza, Zdenek Language(s) of text Czech, English, German Product format Study score, Urtext edition Binding Stapled Pages / Format XI, 6 S. - 22,5 x 16,5 cm

En production symphonique de Tchaïkovski, la Symphonie n o 4 était une oeuvre charnière. Il a annoncé le compositeur comme un symphoniste majeur de son temps, éclipsant ses précédents, moins-que-remarquables efforts dans ce formulaire, et ouvert la voie à ses derniers grands travaux: la hantise Cinquième Symphonie et le sixième biographique, la profonde 'Pathétique. 'Quatrième Symphonie de Tchaïkovski - écrite en 1877 à l'âge de 37 - se présente comme une déclaration très personnelle. De façon spectaculaire en forme et brillamment orchestrée, il saisit une qualité théâtrale et de la couleur orchestrale qui ont façonné le compositeur symphonique fantaisie Francesca da Rimini, écrit un an plus tôt. Le quatrième ouvre sans équivoque avec la poussée d'un fanfare de cuivres - le 'sort' motif qui est de réapparaître dans le dernier mouvement - s'écoule alors de la qualité qui caractérise effort de Tchaïkovski grands généreusement mélodieux partitions de ballet. Le second mouvement s'attarde sur l'une des mélodies les plus poignants du compositeur, et le troisième - le Scherzo - offre une fantaisie délicieuse de cette orchestrateur maître: la charmante Pizzicato ostinato, un moment unique dans toute la littérature orchestrale.La symphonie est reproduit ici de la foi Breitkopf and Härtel édition, avec des mouvements bar-numérotés et les marges larges en bas de chaque page de score pour les notes et les analyses. Idéal pour l'étude en classe, à la maison, ou dans la salle de concert, ce à prix abordable, de haute qualité, le volume de taille conventionnelle sera l'édition de choix pour les étudiants en musique et amateurs de musique.Réimpression de l'édition Breitkopf and Härtel. / Orchestre

Par LAZKANO RAMON. 1993 - pour piano et orchestre. Prix de la Fondation Prince Pierre de Monaco. Creation : piano Patrick Zygmanowski, Orchestre du CNSMP, direction Jean-Sebastien Bereau - octobre 1933. Paris. / oeuvre solo et Orchestre / Répertoire / Orchestre

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Impatientia. Par MUFFAT GEORG. Impatientia' / Date parution : 1695-01-01/ Répertoire / Orchestre

Par CANAT DE CHIZY EDITH. Le point de départ de cette pièce fut le tableau de Van Gogh: Champ de blé avec corbeaux, l'un des tout derniers qu'il a peints avant son suicide le 27 juillet 1890, et que l'on a souvent considéré comme annonciateur de ce geste désespéré. Ce tableau m'a immédiatement rappelé ces vers français de Rainer Maria Rilke dans les Quatrains valaisans: 'Chemins qui ne mènent nulle part, entre deux prés, que l'on dirait avec art de leur but détournés, / Chemins qui souvent n'ont devant eux rien d'autre en face / Que le pur espace et la saison.' Des vers qui, eux-mêmes, ont donné leur titre à un ouvrage du philosophe Martin Heidegger, Chemins qui ne mènent nulle part, dont je pourrais dire qu'il est à l'origine de ma vocation: c'est après avoir découvert, durant mes études de philosophie, ce livre, dans lequel Heidegger parle de la dimension métaphysique de la poésie, notamment à partir de l'oeuvre de Rilke, que j'ai choisi d'entrer au Conservatoire de Paris et de me consacrer à la composition. A mes yeux, la musique possède une dimension métaphysique au même titre que la poésie: comme le dit Heidegger 'L'oeuvre d'art ouvre à sa manière l'être de l'étant.' Toutes mes oeuvres tendent à évoquer cette 'troisième dimension' de la musique. L'essentiel d'une oeuvre réside toujours pour moi dans cette tentative de suggérer un autre monde, cet 'ailleurs' qui nous dépasse. A cet égard, Omen fait intervenir - dans son inspiration, non dans son écriture proprement dite - tout un réseau de correspondances qui offre en quelque sorte, une synthèse de ma démarche et de mes préoccupations. L'allusion au tableau de Van Gogh tout d'abord, inscrit cette partition dans la lignée de celles qui m'ont été inspirées par la peinture: mon concerto pour alto était centré autour de Nicolas de Staël, et je viens d'achever une composition pour flûte et ensemble à partir d'un tableau de Turner. Ensuite, il y a la figure même de Van Gogh: son parcours spirituel, tout comme celui de Staël, en font l'une de ces 'comètes', venues d'un autre monde, dont parle la poétesse Marina Tsvetaïeva. Le titre de Omen, qui signifie 'présage' en anglais de même qu'en latin, évoque ainsi le mystérieux et funeste destin de ce peintre visionnaire. Cette idée de 'trajectoire' (qui rejoint ici l'image du 'chemin') est un autre des thèmes qui me sont chers, et elle est également à l'oeuvre dans Omen. L'écriture pour orchestre reste mon mode d'expression privilégié de par la réflexion sur l'organisation de l'espace sonore, sa profondeur, et le travail sur les timbres qu'elle induit: dans cette pièce, l'orchestre devient un univers de mouvement propre à traduire cette idée de tournoiement (la dialectique entre mouvement et immobilité est un autre axe de mon travail depuis quelque temps, notamment avec les cordes) qui, dans le tableau de Van Gogh - avec le vol des corbeaux, ce ciel renversé - revêt une signification évidemment dramatique, et prémonitoire. / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par MANTOVANI BRUNO. 'L'oeuvre débute par une sorte de 'sauve-qui-peut' lancé par une centaine de musiciens. (...) oeuvre très plastique - l'une de ses plus belles réussites, Bruno Mantovani fait de l'orchestre une 'bête de scène' et nous rend impatient de découvrir le nouvel opéra.' Pierre Gervasoni Le Monde, 9 novembre 2010 / contemporain / Répertoire / Orchestre

Dvo?ák Les huit Danses slaves incarner de nombreuses caractéristiques du génie du compositeur: sa richesse pur des idées musicales, son amour ardent pour la patrie, et sa maîtrise de l'instrumentation. Ces danses exubérantes à condition que le compositeur avec une reconnaissance internationale, et leur publication dans cette partition peu coûteux miniature offre aux mélomanes une version pratique de certaines des mélodies les plus populaires du répertoire orchestral.Réimpression d'une édition autorité tchèque, les travaux sont terminés avec des mouvements bar-numérotées pour en faciliter la consultation. Abordable, durable et portable, cette édition partition miniature est idéal pour l'étude en classe, à la maison ou dans la salle de concert. / Orchestre

Symphonic Etudes. Par SHCHEDRIN RODION. Many of Rodion Shchedrin’s compositions are distinguished by deeply Slavonic feeling and thrilling virtuoso displays. Even though Shchedrin has won recognition all over the world for his work, he remains an essentially Russian composer who has not broken off his ties to Russian musical folk traditions and poetry. It is thus not surprising to learn of his profound admiration for his compatriot Shostakovich (Shchedrin writes: “He is like a God to me.”) The “dialogues” in this one-movement orchestral piece give expression to this admiration; they describe and offer a musical commentary on the character of Shostakovich’s music and of the man himself. / Études et exercices / Répertoire / Orchestre

Par SMETANA BEDRICH. Cette édition complète partition de poche contient un trésor d'oeuvres orchestrales du compositeur tchèque Bedrich Smetana, y compris 'La Moldau' et 'De Bohème champs et de bosquets' de Ma Vlast ('Ma Patrie'), en plus de l'Ouverture et trois danses-'Polka ',' la danse des comédiens '' Furiant ', et-de l'opéra la fiancée vendue. Les oeuvres sont reproduites ici à partir éditions faisant autorité, complètes avec mouvements bar-numérotés pour faciliter la consultation. Abordable, durable et portable, cette édition miniature de score est idéal pour l'étude en classe, à la maison ou dans la salle de concert./ Répertoire / Orchestre