Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par DUFOURT HUGUES. Il s'agit d'une oeuvre particulièrement représentative du genre de peinture qui a pris son essor pendant le Xe et XIe siècles sous le règne de la dynastie des Song du Nord (960-1127) et qui place la peinture chinoise sous le signe de l'unité retrouvée. Le style 'nordiste', inauguré par Ching Hao et Kuan T'ung se trouve porté à son point de tension extrême par Fan K'uan (fl. 990-1020) dont le Voyage par-delà les fleuves et les monts figure et résume la peinture des grands maîtres classiques de cette époque. L'art du trait calligraphique s'applique au traitement des parois et des surfaces, tout comme les rides en goutte d'eau servent à renforcer les effets de hauteur. Il existe, dans cette toile, une certaine contradiction entre l'éloignement des choses et le caractère abrupt d'un mur primordial qui s'impose avec une évidence absolue. On voit une imposante falaise rocheuse s'arracher d'un abîme et s'élancer jusqu'au ciel, comme un surgissement de l'inaccessible, surplombant un paysage escarpé que vient encore aiguiser le relief âpre et tourmenté de la végétation du premier plan. A la verticale, une broussaille de forêts lointaines semble agrippée aux sommets. Sur la droite, la chute vertigineuse d'une cascade tombant des hauteurs se déroule comme un ruban de soie. En avant-plan, un groupe de rochers laisse entr'apercevoir, plus bas, une caravane de mules dont le trait presqu'imperceptible laisse pressentir l'insignifiance de l'être humain face à l'immensité de la nature. On notera aussi le style sévère et dépouillé de ce paysage majestueux, son allure austère et solennelle qui souligne le caractère sacré des montagnes - la demeure des dieux - dans la peinture monumentale de paysage des Song du Nord. L'altitude est le véritable personnage de cette oeuvre célèbre, une peinture sur soie, d'encre et de couleurs légères, qui est conservée au Musée national du Palais de Taipei, à Taïwan. J'ai cherché à rendre ce sentiment plénier de la nature au grand orchestre, en sorte que l'articulation du souffle ne soit jamais interrompue par des notations accidentelles ou des velléités de développement. La pièce se déroule d'un seul tenant, comme une trame élémentaire, à l'image d'une continuité où toute interruption est arbitraire. Elle est parcourue d'un seul rythme enveloppant des tensions opposées - ascension et suspens, émergence et pesanteur. Une association instrumentale y domine, celle du pupitre des clarinettes allié à celui des trombones, avec des modes de jeu qui projettent les trombones dans l'extrême grave et diffractent le son de la clarinette en un tremblement de multiphoniques. Deux compositeurs, Ivàn Solano, clarinettiste, et Dominique Delahoche, tromboniste, ont bien voulu me guider dans cet inventaire des nouvelles ressources instrumentales. Il est difficile de parler de la forme de l'oeuvre, puisqu'il s'agit d'une transformation incessante, constitutive, à l'instar d'une forme-flux sans cesse renaissante et tendue vers un perpétuel effort d'intégration et de condensation. La forme n'est plus qu'une puissance obscure et négative qui se confond avec le rythme de la couleur ou de la masse. Une toile de fond 'd'harmonie-timbre', constamment dressée, suggère l'étendue et la profondeur, et figure, si l'on veut, une sorte de fond spatial qui serait l'espace même du paysage. Les seuls événements qui scandent le processus sont des 'coulées de forces' qui excèdent toute limite définie et suggèrent des régimes dynamiques variés. Ce Voyage par-delà les fleuves et les monts, d'après Fan K'uan, est l'objet d'une commande conjointe de l'Orchestre Philarmonique de Nice et du CIRM. Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Orchestre

Edizione critica a cura di Claudio Toscani (testi in italiano e inglese). La fille du régiment, always one of Donizetti?s most popular stage works, was first performed at the Théâtre de l?Opéra-Comique in Paris on 11 February 1840. It was composed by Donizetti, to a libretto by Saint-Georges and Bayard, in 1839, for the French debut of soprano Juliette Bourgeois. Later on, Donizetti prepared an Italian version as well, using a libretto adaptation by Calisto Bassi, and making several alterations to the French version of the score (the premiere of the new version, entitled La figlia del reggimento, took place at La Scala Theatre in Milano on 3 October 1840). The opera enjoyed tremendous success ? at the Opéra-Comique alone, more than one thousand performances were given between 1840 and 1917 ?, and was widely staged in the major European and American opera houses. Owing to the lack of available autograph music sources ? only a few score sketches and fragments survive, kept at the Bibliothèque Nationale de France ?, the principal source for this edition is the printed score prepared by the Parisian publisher Georges Schonenberger during the spring of 1840. Together with the full score, Schonenberger also engraved and printed the orchestral parts. Previously, the publishing house had printed the piano vocal score of several selected numbers from La fille du régiment, as well as the complete score reduction of the work. The Schonenberger edition constitutes, however, a problematical source. The engravers had to work under great pressure - the score was assembled in less than a month -, and the final product turned out to be of mediocre quality, abounding in imperfections, errors, and inconsistencies affecting both the literary and the musical texts. This critical edition has therefore been realized, first of all, through a careful reconstruction process: the text handed down by tradition was compared with a number of sources (including the manuscript scores of the Italian version) that have enabled the editor to address the multiple problems posed by the principal source. The spoken dialogues, missing in the printed music sources, are derived from the libretto used for the première. The critical edition of La fille du régiment reinstates Tonio?s romance «Pour me rapprocher de Marie» from Act Two, included in the original libretto and actually sung at the première, but expunged from the Schonenberger edition of the score. Donizetti himself cut the romance soon after the première, possibly because of the tenor?s poor performance - as a result, the omission became customary. The appendices to this critical edition present, additionally, two unpublished variants, handed down in form of complete and autograph score: these pieces, crossed out or modified through the compositional process, add fresh new possibilities to current performance practices. The first one is a duet for Marie and Tonio that Donizetti had originally devised for Act Two, but later deleted from the score. The second one is a preliminary draft of the Act Two Finale, later expunged and replaced, in both music and literary text, by the final version.

Rameau's 'Les Fêtes de l'Hymen et de l'Amour? was long considered second-rate because its première was associated with a political event. Yet this ballet abounds in novel dramaturgical effects that foreshadow his later operas, such as 'Zaïs?, 'Zoroastre? and 'Les Boréades?. Working together with his librettist Cahusac, Rameau sought to weave the dance numbers, choruses and stage machinery more tightly into the main plot. He also experimented with stylistic devices unique to this work, the most famous being unquestionably the scene in which the Nile overflows its banks (an impressive ten-voice double chorus with solo voices and orchestra) and the sextet from 'Aruéris?, a scoring found nowhere else in his oeuvre.For the first time, this scholarly-critical edition of 'Les Fêtes de l'Hymen et de l'Amour? presents a reference version of the work that is based on all the major sources for both the libretto and the music, including two recent musical discoveries. As most of the performance material for the première has vanished, our edition is based on the version prepared for the Académie Royale de Musique in 1748.- Milestone of French Baroque opera in performance practice orientated vocal score- With a brief foreword (Fr/Eng) containing salient information on the genesis of the work, the synopsis and the edition / Orchestre

Par HAYDN JOSEPH. Les trois Symphonies de Haydn nos 90 à 92 pourraient en fait être présentées sous l’appellation de «Symphonies parisiennes, seconde partie», car elles sont nées en 1788-1789 également dans le cadre d’une commande de la Société Olympique pour laquelle Haydn avait déjà composé ses six «Symphonies parisiennes» nos 82 à 87 quelques années auparavant. De façon assez amusante, Haydn les vendit ensuite une nouvelle fois au Prince von Oettingen-Wallerstein, qui souhaitait «acquérir 3 nouvelles “Synfonien” de lui». Au-delà de ces complications mercantiles, Haydn se montre, dans ces œuvres, en pleine possession et en pleine maîtrise de son métier de symphoniste. La Symphonie en Mi bémol n° 91 fut, si l’on en croit le manuscrit autographe, terminée en 1788, et surprend – même selon les critères de Haydn – par le nombre de ses particularismes, comme par exemple le thème de contrepoint baroque du premier mouvement, ou les enchaînements de trilles dans le mouvement lent à variations. L’édition d’étude reprend le texte de l’édition complète des œuvres de Haydn, garantissant ainsi la plus haute qualité scientifique. Une préface informative et un bref commentaire critique font de cette partition en format maniable un accompagnateur idéal pour tous les fans de Haydn, ainsi que tous ceux qui souhaitent le devenir./ Répertoire / Orchestre Symphonique

Palle MikkelborgGOING TO PIECES WITHOUT FALLING APART2002for violin harpe og strygereTilegnet Elise Båtnes og Helen DaviesForord l ProgramnoteEn solful d morgentur i Melbourne bragte mig forbi en boghandel der specialiserede sig i 'spiritualbooks' og i vinduet faldt mine øjne på et citat som øjeblikkeligt ramte mig følelsesmæssigtstærkt- og jeg følte at jeg havde fundet titlen på den komposition jeg på tankeplan allerede vari gang med. Citatet lød:'going to pieces ... without falling apart'Tre temaer og relaterede skalaer baseret på henholdsvis Elise Båtnes' Helen Davies' og BergenKammerensembles navne har været afgørende for dele af tonesproget og forekommer både ielose-up ogmere douche i kompositionens syv hovedafsnit.Det barnlige det enkle det her-og-nu naive det umiddelbare kom til at spille en vigtig rolleunder arbejdet. Ikke fordi selve mit tonesprog er særligt meget anderledes end ellers (hvordanskulle det også kunne blive det?) men formuleringen: at go to pieces fik mig til at tænke på 'atblive som barn på ny' atter at være u-bange at turde tro på det enkle.Udover denne- i bedste betydning- enkle inspiration er ønsket at kompositionens kurve kanopleves som en mulig 'meditiations-rejse'; i starten en tro på egen ro langsomt breder uroensig og i lystfulde glimt ser man sig selv 'danse' en rituel dans med åndehuller her og der; ogfristelsen til at rive forhænget væk og go to pieces og angsten for måske at miste sig selv undervejs breder sig. Dog til sidst erkender man at det var rejsen værd og at man heller ikke denne gangfaldt apart men kan se frem mod atter at vise livet sin respekt ved spirituelt fuldstændigt at givesig hen dog vel vidende at livet merciless & merciful med kærlig hånd villade dig'go to pieces ... without falling apart'Men selvklart er mit egentlige ønske: at man blot lader musikken leve sit eget ordløse liv - atlytteren har sin egen rejse.Palle Mikkelborg

Par MANTOVANI BRUNO. Lorsque Frank Madlener m'a proposé le projet de confronter un orchestre symphonique avec la lutherie électronique, j'ai tout de suite accepté ce défi sachant qu'il me faudrait rapidement fixer des contraintes très fortes, tant le champ des possibles, qu'il soit instrumental ou électroacoustique, était infini. Mon idée initiale était d'utiliser pour la première fois des transformations en temps réel, afin d'assouplir les rapports de verticalité et d'utiliser l'informatique comme un moyen d'orchestration. Celle de Frank était de se demander comment l'électronique pouvait créer l'illusion d'un orchestre déployé dans l'espace, entourant le public, et créant des configurations acoustiques inouïes. Afin de travailler sur cette problématique, j'ai décidé d'utiliser une formation orchestrale défective, ou certains instruments (notamment ceux qui étaient les moins localisables à l'écoute, comme le basson ou le cor) seraient absents et 'remplacés' dans la texture générale par l'ordinateur. Qui dit 'illusion' dit aussi 'surprise', et j'avais besoin, pour élaborer la forme de l'oeuvre, de prendre comme point de départ une source qui ait à la fois une grande diversité interne (une succession d'instants pourraient être traduits musicalement par autant de configurations acoustiques) et une cohérence. Rapidement, il m'est apparu que mes recherches étaient finalement très similaires à celles de l'immense chef espagnol Ferran Adrià, dont la cuisine joue en permanence sur le conflit entre connu et inconnu, entre référence et invention abstraite, et dont les menus sont 'composés' avec un sens de la forme absolument saisissant. Très régulièrement, je tente d'établir des liens entre la musique et les arts de la bouche (gastronomie, oenologie), par l'improvisation au piano sur des vins ou des mets, et par l'écriture (notamment d'un duo pour alto et piano, Quelques effervescences, qui s'inspire de vins pétillants du monde). Les deux univers me semblent intimement liés, dans l'immédiateté de la réception, et dans le parallélisme entre les sensations éprouvées (de nombreux musiciens font appel à des métaphores gustatives pour parler de leur travail : un accord 'épicé', une sonorité 'grasse', une orchestration 'acide'...). Le menu que j'ai eu l'honneur de déguster en 2007 au restaurant 'El Bulli' s'articulait autour de 35 plats que j'ai utilisés chronologiquement, tant l'articulation entre le salé et le sucré, les mets marins et terriens, le végétal et l'animal était, en soi, une dramaturgie parfaite. L'illusion était présente dès le premier instant. Ainsi, 'l'olive sphérique' qui débutait ce repas jouait sur le contraste entre un objet visuellement identifiable (une olive) et son 'interprétation' surprenante (il s'agissait en fait d'une reconstruction visuelle de l'olive, mais qui n'était autre que de l'huile d'olive emprisonnée dans une fine couche gélatineuse verte : aspect et goût étaient en phase, mais la texture, elle, était inouïe). Musicalement, la traduction de ce plat était assez évidente : un impact reprenant l'explosion de cet met en bouche débute la pièce, et une texture plus continue vient évoquer le déploiement de l'huile dans la bouche. Certains plats sont assez unitaires, d'autres contiennent en eux un parcours que j'ai fidèlement reproduit (par exemple la 'framboise au wasabi', qui se déguste en trois temps successifs). J'ai aussi mis en relation certains plats entre eux, afin de créer des 'retours' qui permettent à la structure musicale de sortir d'une logique de catalogue (par exemple, une fleur de capucine, dégustée avant les desserts, renvoie gustativement, et donc musicalement, à une amande fraîche qui, elle, est présente dans le premier quart du repas). Ce 'livre' s'achève sur la texture aérienne d'un papier effervescent au cassis qui conclut de façon suspensive une pièce particulièrement animée, où les masses sonores s'opposent de façon frontale, et viennent occuper tout l'espace de la salle de concert. Commande de l'Orchestre de Paris et de l'Ircam, le Livre des illusions (hommage à Ferran Adrià) est dédié à Marie Linden et Grégoire Biasini. Cette oeuvre a été créée à la salle Pleyel le 11 juin 2009 sous la direction de Jean Deroyer. Bruno Mantovani Liste des plats au menu du restaurant 'El Bulli' de Ferran Adrià, illustrés dans l'oeuvre de Bruno Mantovani: - Olives sphériques - Gin Fizz - Chocolat sans chocolat #1 (pistache) - Snack doré - Mercedes - Frites d'ananas lyophilisé - Chocolat sans chocolat #2 (ananas) - Meringue de betterave au yaourt - Boule de cacao amer - Chocolat sans chocolat #3 (cassis) - G.P. - Galette curry/cacahuètes - Meringue à la pistache avec espuma de yaourt - Eponge de sésame - Dacquoise de pignons - Framboise au wasabi - Fleur de horchata - Amande fraîche et huile d'amande - Haricot géant à l'ail japonais - Meringue au Schweppes avec fraises lyophilisées - Anchois à la fleur de basilic - Assiette italienne - Risotto de pamplemousse - Gnocchi de polenta - Ravioles de graines de pimientos del Padron - Couteaux aux algues - Caviar d'escargots - Concombres de mer avec cannelloni d'algues - Anguille à la moelle/fleur de capucine/concombre - Barbe à papa, glace à la banane - Mûres à la liqueur de mûre - Dessert blanc - Fraises au vinaigre de Jerez - Sablés mandarine/thé vert/menthe - Papier effervescent au cassis / contemporain / Répertoire / Orchestre

Orchestra Scores-Saint Francois D'Assise is an opera in 3 acts by Olivier Messiaen. This volume is part of the edition that includes the books with the full Orchestra scores as well as the explanations analysis and comments of each tableau. It is focused on the “Act 1 Tableau 2. Les laudes” which tells of the moment when Saint Francis his requests to God to meet a leper and to be able to love him. This tableau depicts Saint Francis and the “Mineurs Brothers” singing the morning service until the bells ring leaving Saint Francis alone to pray. It includes Saint Francis’ prayers some parts of Cantique descréatures on Brother Wind Sister Water Brother Fire and Mother Earth and the Sanctus. Based on the life of Saint Francis of Assisi this opera is set in Italy and is composed as per below: Act I: 1. La croix 2. Les laudes 3. Le baiser au lépreux Act II 4. L’ange voyageur 5. L’ange musicien 6. Le prêche aux oiseaux Act II 7. Les stigmates 8. La mort et la nouvelle vie This opera was first played at the Paris Opera in 1983. Olivier Messiaen (1908-1992) was a French organist and composer passionate about Ornithology and one of the most important composers of his century. Inspired by Japanese music he had a very special way of composing and his work can be identified by its complexity its diatonic aspect its harmony with limited transposition its colour and its additive rhythms. He composed many works related to ornithology and birdsong including the 'Bird Catalogue' in 7 volumes and the 'Treatise on Rhythm Colour and Ornithology' in 7 volumes.

Jorden Rundt i 80 Dage - En ny stor musical til musikskolen efterskolen og gymnasiet! En spændende og farverig musical med skuespillere sangere og stort orkester. Historien er Jules Vernes frit bearbejdet af komponist og sangskriver Thomas Bo Borchersen i samarbejde med sanger forfatter og instruktør Tine Olsen. I hæsblæsende fart må Phileas Fogg nå Jorden rundt for at vinde et væddemål men der bliver alligevel tid til at dvæle ved de mange oplevelser og personer som støder til selskabet på vejen. Historien er fortalt i 15 sange og kædet sammen af dialog såhele ensemblet kan folde sig ud i denne udødelige klassiker. Materialet består af: Partitur orkesterstemmer sanghæfte (med vedlagt cd) korhæfte og dialoghæfte. Fra forordet: Det musikalske/pædagogiske sigte med musicalen:Hovedformålet med Musicalen er at vise bredden i musikskolen og forsøge at skabe nogle nye unikke muligheder for samarbejde mellem lærer og elevgrupper i det nye musikskolemiljø der er opstået efter musikskolesammenlægningerne. Vi mener at der er et stort og stadigt voksende behov for at samle musikskolen i store fælles projekter dels for at forbedre infrastrukturen i musikskolen men også for at få den helt nødvendige kommunikation til samfundet omkring musikskolen. Vi mener der et et stort behov for at få synliggjort arbejdet med talentmassen på musikskolerne og at store kompetent udførte projekter ofte er en mangelvare på mindre og halvstore musikskoler. - Musicalerne egner sig selvfølgelig til at blive opført på alle musikskoler - store som små men er især tænkt som en særlig oplagt mulighed for at få samarbejde imellem musikskolerne igang på tværs af kommunegrænserne.

Les cinq pièces de Sphères sont une commande de Radio-France et ont été créées sur les ondes de France-Musique chacun des cinq jours de la semaine. La thématique de l'oeuvre découle directement des conditions de sa naissance puisque Séléné (la lune) a vu le jour un lundi, Mars un mardi, etc. jusqu'à Vénus un vendredi.L'évocation de ces noms fait d'abord tinter nos souvenirs mythologiques et, en effet, une partie de l'inspiration de ces pièces est redevable à la personnalité des dieux de l'Olympe: Vénus toute de grâce sensuelle - Jupiter figé dans son écrasante domination universelle - Mercure volatile, insaisissable - Mars symbole de guerre mais aussi de printemps, de renouveau, et surtout force vitale irrépressible - la lune enfin qui, lorsqu'elle se montre ronde et blanche - la pleine lune est l'une des facettes de Diane - a pour nom Séléné. Nous en ressentons régulièrement la puissance attractive figurée ici musicalement par une série de vagues dont la dernière, véritable marée montante, est comme un pan d'océan soulevé par ce satellite prédateur.Car ce sont bien les corps célestes qui ont stimulé la plus grande part des idées musicales (l'indifférence de Jupiter n'est pas que le fait d'Epicure - elle s'explique aussi par sa constitution essentiellement gazeuse).La période, source à la fois de fréquence et de durée, est ici l'élément générateur - le développement, un déploiement de spirales harmoniques et rythmiques - ces douze minutes d'orchestre, un hommage aux innombrables sphères qui virevoltent à travers l'univers dans une danse fascinante, un contrepoint cosmique aux proportions étourdissantes.Patrick Burgan / Orchestre

Par REIMANN ARIBERT. Aribert Reimann?s ?Trilogie lyrique? is based on three plays by Maurice Maeterlinck: In L? Intruse, a family is sitting at the table with their blind grandfather. They are waiting for the doctor to arrive and tend to his daughter who is lying ill in bed after having given birth: her new-born son has not yet made a single sound. The old man senses that something is wrong due to the uneasy atmosphere in the room. ?Who is sitting in our midst'? he asks. He is the only one who can see the presence of death. Intérieur: Once again a family is gathered round the table in the evening, but this time we observe the action from outside, looking through the window with the grandfather and a stranger: no sound can be heard. Outside the house, the stranger reports that the eldest daughter has drowned and that he has pulled her out of the river. Although the corpse is already being carried through the village to the family, the grandfather cannot bring himself to destroy this idyll. La Mort de Tintagiles: The young Tintagiles is told a story about a mysterious castle and the aged queen who has all potential heirs to the throne murdered. His siblings sense that Tintagiles has been summoned to the castle to be murdered, but nobody openly expresses this fact. It is the sinister messengers of death from the interludes, now visible as the queen?s servants, who ful'l her demand and snatch the sleeping boy from his sisters? arms. / Date parution : 2022-07-20/ Répertoire / Orchestre

Par MURAIL TRISTAN. Time and Again tente de rompre, partiellement, avec l'esthétique qui domine dans mes oeuvres précédentes, une esthétique de la continuité où la forme est structurée par des processus se déroulant en un flot presque ininterrompu. Ici, la forme musicale cherche à créer une architecture du temps plus complexe, qui joue de flash-backs, prémonitions, boucles..., comme si l'on se trouvait dans une sorte de machine à remonter le temps. Pour néanmoins préserver une sorte de continuité sous-jacente, j'ai d'abord imaginé une structure 'linéaire' pour la pièce, comportant des évolutions progressives et logiques, et j'ai parfois réalisé des fragments de cette pièce virtuelle, puis, un peu comme un cinéaste, j'ai 'monté' la structure de la pièce, en coupant, dupliquant, insérant, collant. A peu près aux deux tiers de la pièce, le temps s'inverse et s'écoule deux fois plus vite - on repasse, plus symboliquement que textuellement, par toutes les étapes des deux premiers tiers, avec parfois des superpositions, des inserts ou des raccourcis. L'orchestration n'est pas tout à fait conventionnelle - les vents et la percussion sont en nombre habituel, mais les cordes sont réduites à environ la moitié de l'effectif normal. J'ai cherché ainsi une qualité particulière du son des cordes moins volumineux, mais plus intense. Les cordes jouent le plus souvent des parties individuelles. Leur emploi principal consiste à colorer ou distordre les sons joués par les autres instruments, ou à construire des spectres sonores complexes. L'orchestre est enrichi par un synthétiseur (un Yamaha DX7) qui a deux principales fonctions. Grâce à son aptitude à synthétiser des sons par modulation de fréquence, il peut émettre directement des spectres riches identiques à ceux que j'utilise dans mon écriture orchestrale. La composition de cette pièce a donc impliqué d'abord la programmation des sons sur le synthétiseur (un seul son peut produire une texture très riche et n'est souvent utilisé qu'une seule fois). Dans d'autres cas, je l'utilise comme un complément de la section des percussions et du piano, le synthétiseur ayant la tâche d'émettre les sons non tempérés. Time and Again est une commande du 'John Feeney Charitable Trust' pour le City of Birmigham Symphony Orchestra, et a été créé à Birmingham le 21 janvier 1986 par cet orchestre, sous la direction de Simon Rattle. La pièce était destinée à être jouée en première partie de la Turangalila Symphonie d'Olivier Messiaen, pour une série de concerts en Angleterre. Cela explique qu'un auditeur attentif trouvera peut-être quelques allusions à cette symphonie dans Time and Again... Tristan Murail Enregistrement: 1 CD Montaigne/Naïve, MN782175 Désintégrations - Gondwana - Time and again Ensemble L'Itinéraire, Orchestre National de France, Yves Prin (direction) - Orchestre Beethoven Halle de Bonn, Karl Anton Rickenbacher (direction) / contemporain / Date parution : 1985-01-01/ Répertoire / Orchestre

Commandé par le théâtre d'Etat Oldenburg, ' Episodes ' pour orchestre complet a été créés en 1962 et a été présentés comme un ballet intitulé ' Pas de deux '. La structure formelle de la composition est basée sur les cinq phases de la classique 'grand pas de deux', avec les deux premières sections Entrée et Adage étant Unis dans un mouvement. La matière musicale de base est définie par un mode de sept-note (tous les demi-tons dans la plage de la Trichrome C - fa dièse) qui varie en fonction de plusieurs façons dans les mouvements rythmiquement influencées. Cette musique, dans sa férocité et pithiness, se classe parmi les plus expressifs scores par Bertold Hummel, et ses représentations de théâtre et de concert visent également à captiver l'auditoire. / Grand Orchestre

Le génie de Mozart n'est nulle part plus apparente que dans les symphonies de sa maturité, compositions qui se dressent parmi les plus grandes réalisations de l'orchestre du XVIIIe siècle. Ce score étude miniature rassemble trois de ses oeuvres les plus connues, toutes écrites dans la dernière décennie de sa vie: Symphonie #35 en ré majeur, 'Haffner', Symphonie n o 36 en ut majeur, 'Linz', et Symphony n o 38 en ré majeur, 'Prague'.La musique est reproduite ici de la foi Breitkopf and Härtel édition, avec bar-numérotés et les mouvements de larges marges au bas de chaque page de score pour les notes et les analyses. Idéal pour l'étude en classe, à la maison, ou dans la salle de concert, ce volume à prix abordable de haute qualité, de taille conventionnelle sera l'édition de choix pour les étudiants en musique et amateurs de musique.Réimpression de l'Breitkopf and Härtel, Leipzig, 1880-1882 éditions. / Orchestre