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The Spanish war galleon with 64 cannons, built in Cuba between 1770 and 1771 for an English shipowner in the service of the King of Spain left Peru for Cadiz in 1784 with a huge cargo of copper, gold, silver and other valuables on board. There were also more than 400 people on board, including passengers, crew and Inca prisoners after a revolt. The Atlantic crossing went smoothly, passing Portugal to take advantage of favourable winds. The shipwreck off Peniche was the result of human error, apparently due to French maps with dramatic errors in the position of the islands of Berlengas and neighbouring islets. On 2 February 1786, the sea was calm and the night clear, but they hit the rock formation Papoa and the hull immediately broke in two. The bottom sank quickly, while the deck remained afloat for some time. 128 people lost their lives, including many Indians who were trapped in the basement. This shipwreck is considered one of the most important in maritime history.

What the composer wants to convey, and what can be felt as one listens, is first of all the sound of power, of hope, of the glory of conquest, of the splendour of wealth. This is followed by the perception of the maritime environment, the harmony with the softness of the ocean, the gliding of the hull in the foam of the sea on sunny, blue days. But along with this tranquillity, you soon hear a rhythmic chain that makes you feel a representation of the hustle and bustle, of the busy crew, of the hard work of a sailor, of the desperation of an exotic people imprisoned in a dark, damp cellar. A distinct rhythm that reminds us of the salero of Andalusia, with its Arab influences and its people, the soothing of the resignation of others who are forced to submit. Then we clearly hear a crescendo that makes us imagine the agony of the collision that precedes the shipwreck. The breaking of the hull, the water flooding everything, the despair, the clash of bodies on the rocks, the tragedy to come. Before the grand finale, in which the return of musical softness reminds us that the story is over. The supremacy of nature over human greed. The waves, though gentle, sweep the wreckage, the lives and the treasures of the New World to the bottom of the sea.

Het Spaans oorlogsgaljoen met 64 kanonnen, gebouwd in Cuba tussen 1770 en 1771 voor een Engelse reder in dienst van de koning van Spanje vertrok in 1784 vanuit Peru naar Cádiz met een enorme lading koper, goud, zilver en andere kostbaarheden aan boord. Er waren ook meer dan 400 mensen aan boord, waaronder passagiers, bemanning en Inca gevangenen na een opstand. De oversteek van de Atlantische Oceaan verliep vlot, waarbij Portugal werd gepasseerd om te profiteren van gunstige winden. De schipbreuk bij Peniche was het resultaat van een menselijke fout, blijkbaar te wijten aan Franse kaarten met dramatische fouten in de positie van de eilanden Berlengas en naburige eilandjes. Op 2 februari 1786 was de zee kalm en de nacht helder, maar ze raakten de rotsformatie Papoa en de romp brak onmiddellijk in tweeën. De bodem zonk snel, terwijl het dek nog enige tijd bleef drijven. 128 mensen verloren het leven, waaronder veel indianen die vastzaten in de kelder. Dit scheepswrak wordt beschouwd als een van de belangrijkste in de maritieme geschiedenis.

Wat de componist wil overbrengen, en wat men kan voelen als men luistert, is allereerst het geluid van macht, van hoop, van de glorie van verovering, van de pracht van rijkdom. Dit wordt gevolgd door de perceptie van de maritieme omgeving, de harmonie met de zachtheid van de oceaan, het glijden van de romp in het schuim van de zee op zonnige, blauwe dagen. Maar samen met deze rust hoor je al snel een ritmische ketting die je een voorstelling geeft van de drukte, van de drukke bemanning, van het harde werk van een zeeman, van de wanhoop van een exotisch volk dat gevangen zit in een donkere, vochtige kelder. Een duidelijk ritme dat ons doet denken aan de salero van Andalusië, met zijn Arabische invloeden en zijn mensen, het sussen van de berusting van anderen die gedwongen worden zich te onderwerpen. Dan horen we duidelijk een crescendo dat ons de lijdensweg doet voorstellen van de aanvaring die voorafgaat aan de schipbreuk. Het breken van de romp, het water dat alles overspoelt, de wanhoop, het botsen van lichamen op de rotsen, de tragedie die komen gaat. Vóór de grote finale, waarin de terugkeer van de muzikale zachtheid ons eraan herinnert dat het verhaal voorbij is. De overmacht van de natuur over de hebzucht van de mens. De golven, hoewel zacht, vegen het wrak, de levens en de schatten van de Nieuwe Wereld naar de bodem van de zee.

Le galion de guerre espagnol de 64 canons, construit à Cuba entre 1770 et 1771 pour un armateur anglais au service du roi d'Espagne, a quitté le Pérou pour Cadix en 1784 avec à son bord une énorme cargaison de cuivre, d'or, d'argent et d'autres objets de valeur. Il y avait également plus de 400 personnes à bord, dont des passagers, des membres d'équipage et des prisonniers incas à la suite d'une révolte. La traversée de l'Atlantique s'est déroulée sans encombre, en passant par le Portugal pour profiter des vents favorables. Le naufrage au large de Peniche est le résultat d'une erreur humaine, apparemment due à des cartes françaises comportant des erreurs dramatiques dans la position des îles de Berlengas et des îlots voisins. Le 2 février 1786, alors que la mer est calme et la nuit claire, le navire heurte la formation rocheuse de Papoa et la coque se brise immédiatement en deux. Le fond coule rapidement, tandis que le pont reste à flot pendant un certain temps. 128 personnes ont perdu la vie, dont de nombreux Indiens qui étaient coincés dans les sous-sols. Ce naufrage est considéré comme l'un des plus importants de l'histoire maritime.

Ce que le compositeur veut transmettre, et ce que l'on ressent à l'écoute, c'est d'abord le son de la puissance, de l'espoir, de la gloire de la conquête, de la splendeur de la richesse. C'est ensuite la perception de l'environnement maritime, l'harmonie avec la douceur de l'océan, le glissement de la coque dans l'écume de la mer par des journées bleues et ensoleillées. Mais à côté de cette tranquillité, on entend bientôt une chaîne rythmique qui nous fait ressentir une représentation de l'agitation, de l'équipage affairé, du dur labeur d'un marin, du désespoir d'un peuple exotique emprisonné dans une cave sombre et humide. Un rythme distinct qui nous rappelle le salero d'Andalousie, avec ses influences arabes et son peuple, l'apaisement de la résignation des autres qui sont obligés de se soumettre. Puis on entend clairement un crescendo qui nous fait imaginer l'agonie de la collision qui précède le naufrage. La rupture de la coque, l'eau qui envahit tout, le désespoir, le choc des corps sur les rochers, la tragédie à venir. Avant le grand final, où le retour de la douceur musicale nous rappelle que l'histoire est terminée. La suprématie de la nature sur la cupidité humaine. Les vagues, bien que douces, emportent les épaves, les vies et les trésors du Nouveau Monde au fond de la mer.

Die spanische Kriegsgaleone mit 64 Kanonen, die zwischen 1770 und 1771 auf Kuba für einen englischen Reeder im Dienste des spanischen Königs gebaut wurde, verließ Peru 1784 in Richtung Cádiz mit einer riesigen Ladung Kupfer, Gold, Silber und anderen Wertgegenständen an Bord. An Bord befanden sich auch mehr als 400 Menschen, darunter Passagiere, Besatzungsmitglieder und Inka-Gefangene nach einem Aufstand. Die Atlantiküberquerung verlief reibungslos, wobei Portugal passiert wurde, um die günstigen Winde zu nutzen. Der Schiffbruch vor Peniche war das Ergebnis menschlichen Versagens, das offenbar auf französische Karten zurückzuführen war, die in Bezug auf die Position der Inseln Berlengas und der benachbarten Eilande dramatische Fehler enthielten. Am 2. Februar 1786 stießen sie bei ruhiger See und klarer Nacht auf die Felsformation Papoa und der Rumpf brach sofort entzwei. Der Boden sank schnell, während das Deck noch einige Zeit über Wasser blieb. 128 Menschen kamen ums Leben, darunter viele Indianer, die im Keller eingeschlossen waren. Dieses Schiffswrack gilt als eines der bedeutendsten

Was der Komponist vermitteln will und was man beim Zuhören spürt, ist zunächst der Klang der Macht, der Hoffnung, des Ruhms der Eroberung, des Glanzes des Reichtums. Es folgt die Wahrnehmung der maritimen Umgebung, die Harmonie mit der Sanftheit des Meeres, das Gleiten des Schiffsrumpfes im Schaum des Meeres an sonnigen, blauen Tagen. Doch neben dieser Ruhe hört man bald eine rhythmische Kette, die die Hektik, die geschäftige Mannschaft, die harte Arbeit eines Seemanns, die Verzweiflung eines exotischen Volkes, das in einem dunklen, feuchten Keller gefangen ist, wiedergibt. Ein ausgeprägter Rhythmus, der an den Salero Andalusiens erinnert, mit seinen arabischen Einflüssen und seinen Menschen, der die Resignation der anderen besänftigt, die gezwungen sind, sich zu fügen. Dann hören wir deutlich ein Crescendo, das uns die Qualen des Zusammenstoßes, der dem Schiffbruch vorausgeht, erahnen lässt. Das Zerbrechen des Rumpfes, das Wasser, das alles überflutet, die Verzweiflung, das Aufeinanderprallen der Körper auf den Felsen, die bevorstehende Tragödie. Vor dem großen Finale, in dem die Rückkehr der musikalischen Sanftheit uns daran erinnert, dass die Geschichte zu Ende ist. Die Vorherrschaft der Natur über die menschliche Gier. Die Wellen, so sanft sie auch sein mögen, spülen die Trümmer, das Leben und die Schätze der Neuen Welt auf den Grund des Meeres.

SKU: AP.36-A134702

UPC: 659359985690. English.

Johannes Brahms (1833-1897) wrote his Violin Concerto in D major, Op. 77, in 1878. He composed the work for his longtime friend, famed violinist Joseph Joachim, who premiered it in Leipzig with the Gewandhaussaal on January 1, 1879, Brahms himself conducting. The program also included, at Joachim's insistence, Beethoven's Violin Concerto in D major, Op. 61, on which Brahms modeled his own concerto. While the critical reception of the time was mixed, the audiences at the various early performances received the work well. Most complaints directed at the concerto addressed the role of the solo violin, noting that the soloist does not offer much of the melodic material or include much in the way virtuosic passages, a consequence of looking more towards Beethoven's serious aesthetic rather than Paganini's flashy one. Joachim himself, before a falling out with the composer over personal reasons, included Brahms' concerto among the best German offered, saying: The Germans have four violin concertos. The greatest, most uncompromising is Beethoven's. The one by Brahms vies with it in seriousness. The richest, the most seductive, was written by Max Bruch. But the most inward, the heart's jewel, is Mendelssohn's. Instrumentation: 2.2.2.2: 4.2.0.0: Timp: Str (9-8-7-6-5 in set): Solo Violin in set.

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ISBN 9798888529850. UPC: 659359935244. English.

Johannes Brahms (1833-1897) wrote his Violin Concerto in D major, Op. 77, in 1878. He composed the work for his longtime friend, famed violinist Joseph Joachim, who premiered it in Leipzig with the Gewandhaussaal on January 1, 1879, Brahms himself conducting. The program also included, at Joachim's insistence, Beethoven's Violin Concerto in D major, Op. 61, on which Brahms modeled his own concerto. While the critical reception of the time was mixed, the audiences at the various early performances received the work well. Most complaints directed at the concerto addressed the role of the solo violin, noting that the soloist does not offer much of the melodic material or include much in the way virtuosic passages, a consequence of looking more towards Beethoven's serious aesthetic rather than Paganini's flashy one. Joachim himself, before a falling out with the composer over personal reasons, included Brahms' concerto among the best German offered, saying: The Germans have four violin concertos. The greatest, most uncompromising is Beethoven's. The one by Brahms vies with it in seriousness. The richest, the most seductive, was written by Max Bruch. But the most inward, the heart's jewel, is Mendelssohn's. Instrumentation: 2.2.2.2: 4.2.0.0: Timp: Str (9-8-7-6-5 in set): Solo Violin in set.

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ISBN 9798888529843. UPC: 659359537080. English.

Johannes Brahms (1833-1897) wrote his Violin Concerto in D major, Op. 77, in 1878. He composed the work for his longtime friend, famed violinist Joseph Joachim, who premiered it in Leipzig with the Gewandhaussaal on January 1, 1879, Brahms himself conducting. The program also included, at Joachim's insistence, Beethoven's Violin Concerto in D major, Op. 61, on which Brahms modeled his own concerto. While the critical reception of the time was mixed, the audiences at the various early performances received the work well. Most complaints directed at the concerto addressed the role of the solo violin, noting that the soloist does not offer much of the melodic material or include much in the way virtuosic passages, a consequence of looking more towards Beethoven's serious aesthetic rather than Paganini's flashy one. Joachim himself, before a falling out with the composer over personal reasons, included Brahms' concerto among the best German offered, saying: The Germans have four violin concertos. The greatest, most uncompromising is Beethoven's. The one by Brahms vies with it in seriousness. The richest, the most seductive, was written by Max Bruch. But the most inward, the heart's jewel, is Mendelssohn's. Instrumentation: 2.2.2.2: 4.2.0.0: Timp: Str (9-8-7-6-5 in set): Solo Violin in set.

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Stufen, een compositie voor sopraan en harmonieorkest, is gebaseerd op een filosofisch gedicht van de Duits-Zwitserse dichter en schrijver Hermann Hesse (1877-1962). In dit gedicht staan de levensfasen van de mens centraal.Jacob de Haan heeft zich voor Stufen onder meer laten inspireren door de laatromantische muziek van componisten als Richard Wagner en Richard Strauss. De melancholie in het werk wordt in evenwicht gehouden door een fraaiemajeurstemming.

Wie jede Blüte welkt und jede Jugend dem Alter weicht, blüht jedeLebensstufe, blüht jede Weisheit auch und jede Tugend zu ihrer Zeit und darf nicht ewig dauern“. So beginnt ein Gedicht mit dem Titel Stufen von Hermann Hesse über Aufbruch und Abschied, Geburt, neue Lebensabschnitte und Tod, das Jacob de Haan sich zum Thema dieses Blasorchesterwerks nahm. Ebenso ungewöhnlich und interessant wie das Thema ist auch die Besetzung der Solostimme. Ein Glanzpunkt in Ihrem Konzertprogramm!

< I>Stufen (Degrés) est une composition pour Soprano ou Mezzo-soprano et Orchestre d’Harmonie, basée sur le poème philosophique éponyme du romancier et poète germano-suisse, Hermann Hesse (1877-1962). Le poème évoque les différentes étapes de la vie. La trame musicale de Jacob de Haan porte la marque de la musique post-romantique de Richard Wagner et Richard Strauss.Stufen est placé sous le signe d’un adieu qui fait la part belle la mélancolie - motif premier qui détermine l’essentiel du climat musical. Le passage instrumental final se développe comme un contrepoids la tristesse. La musique change de couleur, l’atmosphère est sereine et apaisante : de Lamineur, nous passons en Do Majeur, tonalité pure, innocente et lumineuse. L’accord brisé de trois sons (Do Majeur) dans un mouvement ascendant et l’accord lumineux des fl tes et des hautbois apportent une touche aérienne au développement.

Stufen, een compositie voor sopraan en harmonieorkest, is gebaseerd op een filosofisch gedicht van de Duits-Zwitserse dichter en schrijver Hermann Hesse (1877-1962). In dit gedicht staan de levensfasen van de mens centraal.Jacob de Haan heeft zich voor Stufen onder meer laten inspireren door de laatromantische muziek van componisten als Richard Wagner en Richard Strauss. De melancholie in het werk wordt in evenwicht gehouden door een fraaiemajeurstemming.

Wie jede Blüte welkt und jede Jugend dem Alter weicht, blüht jedeLebensstufe, blüht jede Weisheit auch und jede Tugend zu ihrer Zeit und darf nicht ewig dauern“. So beginnt ein Gedicht mit dem Titel Stufen von Hermann Hesse über Aufbruch und Abschied, Geburt, neue Lebensabschnitte und Tod, das Jacob de Haan sich zum Thema dieses Blasorchesterwerks nahm. Ebenso ungewöhnlich und interessant wie das Thema ist auch die Besetzung der Solostimme. Ein Glanzpunkt in Ihrem Konzertprogramm!

< I>Stufen (Degrés) est une composition pour Soprano ou Mezzo-soprano et Orchestre d’Harmonie, basée sur le poème philosophique éponyme du romancier et poète germano-suisse, Hermann Hesse (1877-1962). Le poème évoque les différentes étapes de la vie. La trame musicale de Jacob de Haan porte la marque de la musique post-romantique de Richard Wagner et Richard Strauss.Stufen est placé sous le signe d’un adieu qui fait la part belle la mélancolie - motif premier qui détermine l’essentiel du climat musical. Le passage instrumental final se développe comme un contrepoids la tristesse. La musique change de couleur, l’atmosphère est sereine et apaisante : de Lamineur, nous passons en Do Majeur, tonalité pure, innocente et lumineuse. L’accord brisé de trois sons (Do Majeur) dans un mouvement ascendant et l’accord lumineux des fl tes et des hautbois apportent une touche aérienne au développement.

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The United East India Company, or Verenigde Oostindische Compagnie (VOC) was one of the first international trading companies in the Netherlands. Voyage With The VOC follows the route of a ship (first movement) on a visit to the Rajah of Yogakarta (second movement) to load up the ship before returning home (third movement). The fourth movement describes the hard life of a sailor before the fifth movement sees the ship safely to harbour once again.

Mede door de geografische ligging is Nederland sinds jaar en dag een belangrijke handelsnatie. Eén van de eerste multinationals was de ‘Verenigde Oostindische Compagnie’ (VOC). Het doel van de VOC was schepen naar Azië te sturen ompeper en specerijen te kopen en het Portugese monopolie over te nemen. De VOC werd een succes. De Gouden Eeuw brak aan en het was een tijd van grote welvaart. Naast een bloeiende economie floreerden ook de schilderkunst (Rembrandtvan Rijn) en de wetenschap (Constantijn Huygens).Inhoud: The Sails are set, A Visit to the Rajah of Yogyakarta, The Holds have been loaded, Death sails along en A joyful homecoming.

Di e Verenigde Oostindische Compagnie (VOC) war eine der ersten internationalen Handelsgesellschaften der Niederlande. Voyage with the VOC verfolgt ein Schiff vom Ablegen an (1. Satz) auf eine seiner Reisen. Nach einem Besuch beim Rajah von Yogakarta (2. Satz) wird das Schiff beladen und die Heimreise angetreten (3. Satz). Der vierte Satz beschreibt das harte Leben auf See, das Risiken wie Schiffsbruch, Krankheiten und Tod in sich barg, bevor im fünften Satz das Schiff schließlich glücklich heimkehrt.

La société Verenigde Oostindische Compagnie (VOC), a été l’une des premières agences de négoce international des Pays-Bas. Voyage with the VOC décrit les péripéties d’un navire en partance pour l’Asie dans une oeuvre en 5 mouvements : les voiles sont hissées et il y beaucoup d’animation sur le quai - le voyage aura duré de nombreuses semaines, enfin, le lieu de destination est atteint - une visite au Rajah de Yogyakarta s’impose - les cales sont remplies d’épices, le voyage de retour peut être amorcé - mort sous les voiles, un marin est décédé - après plusieurs mois d’absence, le retour quai est chaleureux et festif !

La compagnia delle Indie Occidentali (Vereenigde Oostindische Companie/VOC in olandese) fu una delle prime societ di commercio dell’Olanda. Voyage with the VOC segue una nave nel suo viaggio (primo movimento). Dopo una visita al rajah di Yogakarta (secondo movimento), la nave viene caricata ed ha inizio il viaggio di ritorno (terzo movimento). Il quarto movimento descrive la dura vita in alto mare, i rischi di avaria, di malattie e addirittura di morte prima di attraccare. Il quinto movimento descrive la nave che arriva felicemente a destinazione.

SKU: BT.GOB-000834-140

The United East India Company, or Verenigde Oostindische Compagnie (VOC) was one of the first international trading companies in the Netherlands. Voyage With The VOC follows the route of a ship (first movement) on a visit to the Rajah of Yogakarta (second movement) to load up the ship before returning home (third movement). The fourth movement describes the hard life of a sailor before the fifth movement sees the ship safely to harbour once again.

Mede door de geografische ligging is Nederland sinds jaar en dag een belangrijke handelsnatie. Eén van de eerste multinationals was de ‘Verenigde Oostindische Compagnie’ (VOC). Het doel van de VOC was schepen naar Azië te sturen ompeper en specerijen te kopen en het Portugese monopolie over te nemen. De VOC werd een succes. De Gouden Eeuw brak aan en het was een tijd van grote welvaart. Naast een bloeiende economie floreerden ook de schilderkunst (Rembrandtvan Rijn) en de wetenschap (Constantijn Huygens).Inhoud: The Sails are set, A Visit to the Rajah of Yogyakarta, The Holds have been loaded, Death sails along en A joyful homecoming.

Die Verenigde Oostindische Compagnie (VOC) war eine der ersten internationalen Handelsgesellschaften der Niederlande. Voyage with the VOC verfolgt ein Schiff vom Ablegen an (1. Satz) auf eine seiner Reisen. Nach einem Besuch beim Rajah von Yogakarta (2. Satz) wird das Schiff beladen und die Heimreise angetreten (3. Satz). Der vierte Satz beschreibt das harte Leben auf See, das Risiken wie Schiffsbruch, Krankheiten und Tod in sich barg, bevor im fünften Satz das Schiff schließlich glücklich heimkehrt.

La société Verenigde Oostindische Compagnie (VOC), a été l’une des premières agences de négoce international des Pays-Bas. Voyage with the VOC décrit les péripéties d’un navire en partance pour l’Asie dans une oeuvre en 5 mouvements : les voiles sont hissées et il y beaucoup d’animation sur le quai - le voyage aura duré de nombreuses semaines, enfin, le lieu de destination est atteint - une visite au Rajah de Yogyakarta s’impose - les cales sont remplies d’épices, le voyage de retour peut être amorcé - mort sous les voiles, un marin est décédé - après plusieurs mois d’absence, le retour quai est chaleureux et festif !

La compagnia delle Indie Occidentali (Vereenigde Oostindische Companie/VOC in olandese) fu una delle prime societ di commercio dell’Olanda. Voyage with the VOC segue una nave nel suo viaggio (primo movimento). Dopo una visita al rajah di Yogakarta (secondo movimento), la nave viene caricata ed ha inizio il viaggio di ritorno (terzo movimento). Il quarto movimento descrive la dura vita in alto mare, i rischi di avaria, di malattie e addirittura di morte prima di attraccare. Il quinto movimento descrive la nave che arriva felicemente a destinazione.

SKU: BT.DHP-0981118-010

This piece was commissioned by the ‘Concert Band Vlamertinge’ and is a plea for peace: the title translates as ‘Peace on Earth’. This is expressed by means of the vocal contribution expected from the performers. In various places of the piece you can recognize, the words ‘Et In Terra Pax’ - an appeal for peace - at first jumbled together but later more rhythmically structured, developing into synchronized massed voices.The work starts with a pentatonic theme based on the notes D, E, G, A and C (taken from ‘ConCErtbAnD VlAmErtinGE’ and the name of the conductor, NiCk VAnDEnDriessChe). A somewhat sad melody is developed during an orchestral climax which leads to the firstexplosion of sound (measure 62 onwards). Suddenly the opening measures are recaptured, albeit with a differently colored sound: the words ‘Et In Terra Pax’ bring the first movement to a close. A restless Allegro follows which abruptly stops and is replaced by a calming cho-rale-like passage. A narrator reads aloud the poem ‘Sonnet’ by the young poet Charles Hamilton Sorley, who was killed during World War I. This poem fittingly puts into words the cruelty and senselessness of war. After the expanded recapitulation of the allegro, the broad, almost infinite atmosphere of the beginning returns. Clarinet and English horn play the pentatonic opening theme once more, this time broadly, while the words ‘Et In Terra... Pax’ are repeated again and again by the rest of the orchestra.The composer has purposely avoided all forms of aggression and bombastic sounds regularly used in works about war. Fear of violence and destruction can be heard and felt during the allegro passages. The charged opening makes way in the end for hope: May peacefulness replace cruelty in everyday life, too.

Dieses Werk wurde im Auftrag der Concert Band Vlamertinge geschrieben und ist ein Plädoyer an den Frieden: Der Titel bedeutet dann auch ‘Frieden auf Erden’. Dies kommt unter anderem im vokalen Anteil der Ausführenden zum Ausdruck. An verschiedenenStellen des Werkes erklingen, anfangs durcheinander dann zu einem rhythmischen und strukturierten Synchrongesang vereint, die Worte ‘Et In Terra Pax’ wie ein flehendes Gebet für den Frieden.

Ein pentatonisches Thema formt den Anfang dieses Werkes, basierend auf den Noten D, E, G, A, und C, die dem Namen: ‘ConCErtbAnD VlAmErtingE’ und dem Namen des Dirigenten NiCk VAnDEnDriessChe entstammen. Während der orchestralen Klimax, die zu einemersten Klangausbruch führt (ab Takt 62), entsteht eine etwas traurige Melodie. Plötzlich werden dann die Eingangstakte wiederaufgenommen, wenn auch mit einer veränderten Klangfarbe; die Worte ‘Et In Terra Pax’ runden den ersten Teil daraufhin ab. Esfolgt ein unruhiges Allegro, das überraschend durch eine Choralartigen Passage voller Ruhe unterbrochen wird. Eine Sprechstimme liest währenddessen das Gedicht Sonnet des jungen Dichters Charles Hamilton Sorley vor, der im ersten Weltkriegfiel. Es findet für die Grausamkeit und Sinnlosigkeit des Krieges die passenden Worte. Nachdem das Allegro, diesmal mit einigen Ausbreitungen, wiederholt wird, kehrt die weite, beinahe unendliche Atmosphäre des Beginns wieder zurück. Klarinettenspielen zusammen mit einem Englischhorn das pentatonische Eingangsthema ein letztes Mal in ausgebreiteter Fassung, wobei das “Et In Terra Pax’ durch den Rest des Orchesters stets wiederholt wird.Der Komponist hat bewusst auf jegliche Form der Aggression oder bombastischen Vertonung, die in so vielen Werken über den Krieg zu finden ist, vermieden. Dennoch ist die Angst vor Gewalt und Zerstörung vor allem in den Allegro-Passagen deutlich zuhören und zu fühlen. Am Ende macht die anfängliche Spannung jedoch der Hoffnung Platz: Möge die Friedlichkeit auch im täglichen Leben die Grausamkeit verbannen….

SKU: BT.DHP-1165659-010

English-German-French- Dutch.

This work is named after the Turkish word for ‘landscape’: Manzara. The title describes the marshland in Rheinland-Pfalz, which in 150 years has gradually been transformed into a wild landscape through the harvesting of peat. Different musical elements such as fugues and rhythmical patterns, as well as beautiful melodic themes, depict several aspects of the evolution and occurrences of this region. An exciting and challenging concert or contest piece!

Dit werk is genoemd naar een Turks woord voor landschap: Manzara. De muziek verklankt het veenmoerasland in Rijnland-Palts, dat geleidelijk is getransformeerd tot een wild landschap, door de winning van turf. Diverse muzikale elementen, zoals fuga’s, ritmische motieven, maar ook mooie melodieuze thema’s, beschrijven verschillende aspecten van de ontwikkelingen in deze regio. Een meeslepend en uitdagend concert- of wedstrijdwerk!

Manzara bedeutet auf Türkisch Landschaft“. Das Werk beschreibt eine Bruchlandschaft in Rheinland-Pfalz, die sich während des 150 Jahre währenden Torfabbaus in eine wilde Landschaft verwandelt hat. Verschiedene musikalische Elemente wie Fugen und rhythmische Figuren sowie wunderschöne Melodien beschreiben einige Aspekte der Entwicklung und Ereignisse dieser Region. Dieses spannende und anspruchsvolle Werk eignet sich hervorragend als Konzert- oder Wettbewerbsstück!
< br>Cette œuvre porte le nom d’un mot turc pour paysage : Manzara. Elle dépeint les marais de Rhénanie-Palatinat qui, en 150 ans, furent transformés progressivement en paysage sauvage par l’exploitation de la tourbe. Des éléments musicaux comme des fugues, des motifs rythmiques, ainsi que de magnifiques thèmes mélodiques, dépeignent plusieurs aspects et évènements de l’évolution de cette région. Un morceau de concert ou de concours vibrant et exigeant !

Manzara è una parola turca che significa “paesaggio”. L’opera descrive le paludi della Renania, area nota per l’eccezionale prosperare di torba negli ultimi centocinquant’anni . Mediante una notevole ricchezza di elementi musicali come fughe e originali espedienti ritmici, il lavoro di Jacob de Haan esprime i movimenti della natura e la variet dei suoi colori con incredibile efficacia. Perfetto come brano da concorso!

SKU: BT.DHP-1094758-010

9x12 inches. English-German-French-Dut ch.

This piece, as the title might suggest, brings together Verdi’s greatest operatic triumphs. Amongst his best hits are Nabucco from 1842, which signified a turn-around after the flop of a previous opera, as well as Rigoletto, which in 1851 propelled him to international fame. Verdi’s Triumphs features: Triumphmarch and Su! Del nilo al sacro lido from Aida, the Prisoners’ Freedom Choir from Nabucco and La donna è mobile from Rigoletto.

Zoals de titel al doet vermoeden, brengt dit werk de grootste triomfen van Verdi samen. Zijn bekendste opera’s zijn ongetwijfeld Nabucco uit 1842, maar ook Rigoletto uit 1851. Deze opera’s bezorgden hem eeuwige roem. In Verdi’s Triumphs vinden we de Triumphmarch en Su! Del nilo al sacro lido uit Aida, het Prisoners’ Freedom Choir uit Nabucco en La donna è mobile uit Rigoletto terug.

Zu Verdis größten Triumphen zählen sicherlich die Opern Nabucco von 1842, die eine Wende nach einigen Misserfolgen markierte, Rigoletto, die ihm 1851 zum internationalen Durchbruch verhalf und Aida, die er zur Eröffnung des Suezkanals schrieb. Auch aus heutiger Sicht sind gerade diese Werke besonders bekannt und beliebt. Daher wählte Wil van der Beek für sein Arrangement die folgenden Titel: Triumphmarsch und Su! Del nilo al sacro lido aus Aida, den Chor der Gefangenen aus Nabucco sowie La donna è mobile aus Rigoletto.

Cette oeuvre comme le titre l'indique, rassemble les plus grands trimphes d'opéras de Verdi. On retrouve bien entendu Nabucco, Aida ainsi que Rigoletto. Verdi's Triumphs contient les titres suivants : Marche Trimphale ! Del nilo al sacro lido extrait d'Aida, Prisoners' Freedom Choir extrait de Nabucco et La donna è mobile de Rigoletto

Dopo oltre un secolo dalla loro creazione, le opere di Verdi dominano ancora il repertorio dell’arte lirica. Nabucco (1842), Rigoletto (1851) e Aida (composta in occasione dell’inaugurazione del Canale di Suez), tra le altre, sono entrate nell’olimpo dell’opera. Verdi’s Triumphs di Wil van der Beek raccoglie quattro temi molto popolari: la Marcia trionfale e Su! Del Nilo al sacro lido dall’Aida, il Coro degli Schiavi dal Nabucco e La donna è mobile dal Rigoletto.

SKU: BT.DHP-1094758-140

9x12 inches. English-German-French-Dut ch.

This piece, as the title might suggest, brings together Verdi’s greatest operatic triumphs. Amongst his best hits are Nabucco from 1842, which signified a turn-around after the flop of a previous opera, as well as Rigoletto, which in 1851 propelled him to international fame. Verdi’s Triumphs features: Triumphmarch and Su! Del nilo al sacro lido from Aida, the Prisoners’ Freedom Choir from Nabucco and La donna è mobile from Rigoletto.

Zoals de titel al doet vermoeden, brengt dit werk de grootste triomfen van Verdi samen. Zijn bekendste opera’s zijn ongetwijfeld Nabucco uit 1842, maar ook Rigoletto uit 1851. Deze opera’s bezorgden hem eeuwige roem. In Verdi’s Triumphs vinden we de Triumphmarch en Su! Del nilo al sacro lido uit Aida, het Prisoners’ Freedom Choir uit Nabucco en La donna è mobile uit Rigoletto terug.

Zu Verdis größten Triumphen zählen sicherlich die Opern Nabucco von 1842, die eine Wende nach einigen Misserfolgen markierte, Rigoletto, die ihm 1851 zum internationalen Durchbruch verhalf und Aida, die er zur Eröffnung des Suezkanals schrieb. Auch aus heutiger Sicht sind gerade diese Werke besonders bekannt und beliebt. Daher wählte Wil van der Beek für sein Arrangement die folgenden Titel: Triumphmarsch und Su! Del nilo al sacro lido aus Aida, den Chor der Gefangenen aus Nabucco sowie La donna è mobile aus Rigoletto.

Cette oeuvre comme le titre l'indique, rassemble les plus grands trimphes d'opéras de Verdi. On retrouve bien entendu Nabucco, Aida ainsi que Rigoletto. Verdi's Triumphs contient les titres suivants : Marche Trimphale ! Del nilo al sacro lido extrait d'Aida, Prisoners' Freedom Choir extrait de Nabucco et La donna è mobile de Rigoletto

Dopo oltre un secolo dalla loro creazione, le opere di Verdi dominano ancora il repertorio dell’arte lirica. Nabucco (1842), Rigoletto (1851) e Aida (composta in occasione dell’inaugurazione del Canale di Suez), tra le altre, sono entrate nell’olimpo dell’opera. Verdi’s Triumphs di Wil van der Beek raccoglie quattro temi molto popolari: la Marcia trionfale e Su! Del Nilo al sacro lido dall’Aida, il Coro degli Schiavi dal Nabucco e La donna è mobile dal Rigoletto.

SKU: BT.1159-04-216-MS

The Swedish group ABBA had their decisive international breakthrough when the foursome won the Eurovision Song Contest on the 6th of April, 1974 with Waterloo. This cheerful song, with its driving beat and distinctive melody, has become a true pop classic, like many other ABBA hits. Roland Kernen has arranged Waterloo for five part variable instrumentation and percussion. It is an energetic piece that is a pleasure both to play and to listen to.

De Zweedse groep ABBA brak internationaal definitief door toen het viertal op 6 april 1974 het Eurovisie Songfestival won met Waterloo. Dit vrolijke nummer, met z’n stuwende beat en herkenbare melodie, is inmiddels een heusepopklassieker en ABBA werd een van de populairste popgroepen aller tijden. Roland Kernen arrangeerde Waterloo voor een vijfstemmige variabele bezetting met slagwerk: een energiek stuk dat lekker is om te spelen en om naarte luisteren.

Die schwedische Gruppe ABBA erlebte ihren entscheidenden internationalen Durchbruch, als das Quartett mit Waterloo den Grand Prix d'Eurovision am 6. April 1974 gewann. Dieses fröhliche Lied mit seinem treibenden Rhythmus und der unverwechselbaren Melodie wurde zu einem wahren Pop-Klassiker. Roland Kernen arrangierte Waterloo für eine fünfstimmig variable Instrumentierung und Schlagzeug. Das Stück sprüht vor Energie und ist zugleich ein Spiel- und Hörgenuss.

En 1974, le groupe suédois ABBA remporte le Concours Eurovision de la Chanson avec le titre Waterloo, une chanson pétillante sur un rythme entraînant et une mélodie caractéristique qui deviendra un standard de la musique pop.

SKU: BT.DHP-0981118-140

Dieses Werk wurde im Auftrag der Concert Band Vlamertinge geschrieben und ist ein Plädoyer an den Frieden: Der Titel bedeutet dann auch ‘Frieden auf Erden’. Dies kommt unter anderem im vokalen Anteil der Ausführenden zum Ausdruck. An verschiedenenStellen des Werkes erklingen, anfangs durcheinander dann zu einem rhythmischen und strukturierten Synchrongesang vereint, die Worte ‘Et In Terra Pax’ wie ein flehendes Gebet für den Frieden.

Ein pentatonisches Thema formt den Anfang dieses Werkes, basierend auf den Noten D, E, G, A, und C, die dem Namen: ‘ConCErtbAnD VlAmErtingE’ und dem Namen des Dirigenten NiCk VAnDEnDriessChe entstammen. Während der orchestralen Klimax, die zu einemersten Klangausbruch führt (ab Takt 62), entsteht eine etwas traurige Melodie. Plötzlich werden dann die Eingangstakte wiederaufgenommen, wenn auch mit einer veränderten Klangfarbe; die Worte ‘Et In Terra Pax’ runden den ersten Teil daraufhin ab. Esfolgt ein unruhiges Allegro, das überraschend durch eine Choralartigen Passage voller Ruhe unterbrochen wird. Eine Sprechstimme liest währenddessen das Gedicht Sonnet des jungen Dichters Charles Hamilton Sorley vor, der im ersten Weltkriegfiel. Es findet für die Grausamkeit und Sinnlosigkeit des Krieges die passenden Worte. Nachdem das Allegro, diesmal mit einigen Ausbreitungen, wiederholt wird, kehrt die weite, beinahe unendliche Atmosphäre des Beginns wieder zurück. Klarinettenspielen zusammen mit einem Englischhorn das pentatonische Eingangsthema ein letztes Mal in ausgebreiteter Fassung, wobei das “Et In Terra Pax’ durch den Rest des Orchesters stets wiederholt wird.Der Komponist hat bewusst auf jegliche Form der Aggression oder bombastischen Vertonung, die in so vielen Werken über den Krieg zu finden ist, vermieden. Dennoch ist die Angst vor Gewalt und Zerstörung vor allem in den Allegro-Passagen deutlich zuhören und zu fühlen. Am Ende macht die anfängliche Spannung jedoch der Hoffnung Platz: Möge die Friedlichkeit auch im täglichen Leben die Grausamkeit verbannen….

SKU: BT.1159-04-015-MS

The Swedish group ABBA had their decisiveinternational breakthrough when the foursomewon the Eurovision Song Contest on the 6th ofApril, 1974 with Waterloo. This cheerful song,with its driving beat and distinctive melody, hasbecome a true pop classic, like many other ABBAhits. Roland Kernen has arranged Waterloo for five partvariable instrumentation and percussion. It is anenergetic piece that is a pleasure both to play andto listen to.

De Zweedse groep ABBA brak internationaal definitief door toen het viertal op 6 april 1974 het Eurovisie Songfestival won met Waterloo. Dit vrolijke nummer, met z’n stuwende beat en herkenbare melodie, is inmiddels een heusepopklassieker en ABBA werd een van de populairste popgroepen aller tijden. Roland Kernen arrangeerde Waterloo voor een vijfstemmige variabele bezetting met slagwerk: een energiek stuk dat lekker is om te spelen en om naarte luisteren.

Die schwedische Gruppe ABBA erlebte ihren entscheidenden internationalen Durchbruch, als das Quartett mit Waterloo den Grand Prix d'Eurovision am 6. April 1974 gewann. Dieses fröhliche Lied mit seinem treibenden Rhythmus und der unverwechselbaren Melodie wurde zu einem wahren Pop-Klassiker. Roland Kernen arrangierte Waterloo für eine fünfstimmig variable Instrumentierung und Schlagzeug. Das Stück sprüht vor Energie und ist zugleich ein Spiel- und Hörgenuss.

En 1974, le groupe suédois ABBA remporte le Concours Eurovision de la Chanson avec le titre Waterloo, une chanson pétillante sur un rythme entraînant et une mélodie caractéristique qui deviendra un standard de la musique pop.

Nel 1974 il gruppo svedese ABBA vince il Concorso Eurovisione della Canzone con Waterloo, una canzone brillante con un ritmo coinvolgente e una melodia caratteristica che diventer uno standard della musica pop. Roland Kernen ha realizzato un arrangiamento a cinque voci per ensemble a strumentazione variabile con percussioni.

SKU: HL.44002765

UPC: 073999027655. 9.5x13.5x0.97 inches.

This piece was commissioned by the 'Concert Band Vlamertinge' and is a plea for peace: the title translates as 'Peace on Earth'. This is expressed by means of the vocal contribution expected from the performers. In various places of the piece you can recognize, the words 'Et In Terra Pax' - an appeal for peace - at first jumbled together but later more rhythmically structured, developing into synchronized massed voices.The work starts with a pentatonic theme based on the notes D, E, G, A and C (taken from 'ConCErtbAnD VlAmErtinGE' and the name of the conductor, NiCk VAnDEnDriessChe). A somewhat sad melody is developed during an orchestral climax which leads to the firstexplosion of sound (measure 62 onwards). Suddenly the opening measures are recaptured, albeit with a differently colored sound: the words 'Et In Terra Pax' bring the first movement to a close. A restless Allegro follows which abruptly stops and is replaced by a calming cho-rale-like passage. A narrator reads aloud the poem 'Sonnet' by the young poet Charles Hamilton Sorley, who was killed during World War I. This poem fittingly puts into words the cruelty and senselessness of war. After the expanded recapitulation of the allegro, the broad, almost infinite atmosphere of the beginning returns. Clarinet and English horn play the pentatonic opening theme once more, this time broadly, while the words 'Et In Terra... Pax' are repeated again and again by the rest of the orchestra.The composer has purposely avoided all forms of aggression and bombastic sounds regularly used in works about war. Fear of violence and destruction can be heard and felt during the allegro passages. The charged opening makes way in the end for hope: May peacefulness replace cruelty in everyday life, too.

Dieses Werk wurde im Auftrag der Concert Band Vlamertinge geschrieben und ist ein Pladoyer an den Frieden: Der Titel bedeutet dann auch 'Frieden auf Erden'. Dies kommt unter anderem im vokalen Anteil der Ausfuhrenden zum Ausdruck. An verschiedenenStellen des Werkes erklingen, anfangs durcheinander dann zu einem rhythmischen und strukturierten Synchrongesang vereint, die Worte 'Et In Terra Pax' wie ein flehendes Gebet fur den Frieden.

Ein pentatonisches Thema formt den Anfang dieses Werkes, basierend auf den Noten D, E, G, A, und C, die dem Namen: 'ConCErtbAnD VlAmErtingE' und dem Namen des Dirigenten NiCk VAnDEnDriessChe entstammen. Wahrend der orchestralen Klimax, die zu einemersten Klangausbruch fuhrt (ab Takt 62), entsteht eine etwas traurige Melodie. Plotzlich werden dann die Eingangstakte wiederaufgenommen, wenn auch mit einer veranderten Klangfarbe; die Worte 'Et In Terra Pax' runden den ersten Teil daraufhin ab. Esfolgt ein unruhiges Allegro, das uberraschend durch eine Choralartigen Passage voller Ruhe unterbrochen wird. Eine Sprechstimme liest wahrenddessen das Gedicht Sonnet des jungen Dichters Charles Hamilton Sorley vor, der im ersten Weltkriegfiel. Es findet fur die Grausamkeit und Sinnlosigkeit des Krieges die passenden Worte. Nachdem das Allegro, diesmal mit einigen Ausbreitungen, wiederholt wird, kehrt die weite, beinahe unendliche Atmosphare des Beginns wieder zuruck. Klarinettenspielen zusammen mit einem Englischhorn das pentatonische Eingangsthema ein letztes Mal in ausgebreiteter Fassung, wobei das Et In Terra Pax' durch den Rest des Orchesters stets wiederholt wird.Der Komponist hat bewusst auf jegliche Form der Aggression oder bombastischen Vertonung, die in so vielen Werken uber den Krieg zu finden ist, vermieden. Dennoch ist die Angst vor Gewalt und Zerstorung vor allem in den Allegro-Passagen deutlich zuhoren und zu fuhlen. Am Ende macht die anfangliche Spannung jedoch der Hoffnung Platz: Moge die Friedlichkeit auch im taglichen Leben die Grausamkeit verbannen...

SKU: BT.GOB-001211-010

English-Dutch.

M any off-beats—and in all parts—coupled with a catchy melody, convey a cheerful optimism. As the title says, Here We Go! Andreas Schulte’s original entertaining work makes an ideal opening piece for any fun concert.

Een stuk vol offbeats – in alle partijen – met een aanstekelijke melodie: dat is het recept voor het scheppen van een vrolijke sfeer. En dat onder het motto ‘here we go’ – laten we beginnen! Dit verfrissende originelemuziekstuk van Andreas Schulte is de ideale opening voor een onderhoudende concertavond.

Viel e Offbeats und das in allen Stimmen gepaart mit einer eingängigen Melodie sollen eine fröhliche Aufbruchstimmung vermitteln. Frei nach dem Motto: Here We Go Los gehts, packen wir’s an! Andreas Schultes originales Entertainment-Stück istdamit die ideale Eröffnung eines jeden unterhaltsamen Konzerts!

Andreas Schulte a su combiner de nombreux contretemps - dans tous les pupitres - une mélodie accrocheuse. Fidèle la devise Here we Go! (C’est parti !) voici un morceau incomparable, destiné une joyeuse ouverture de concert.

Molti off-beat in tutte le parti associati ad una melodia accattivante trasmettono un ottimismo contagioso. Come indica il titolo, Here We Go! a firma di Andreas Schulte è un brano perfetto per aprire un concerto.

SKU: BT.DHP-0930504-140

George Gershwins Musik verbindet die verschiedensten Stile, die zu Beginn dieses Jahrhunderts gehört wurden: Jazz, Blues und sogar die klassische Musik Europas. Zeit seines Lebens war er sich seines musikalischen Backgrounds in New York bewusst. Er begann mit 15 Jahren als ‚Songplugger‘ zu arbeiten und verdiente seinen Lebensunterhalt in einem großen Musikverlag in der 28th Street, der berühmten Tin Pan Alley. Dort stellte er Songs vor, indem er die unbekannten Titel interessierten Kunden vorspielte und -sang. Seinen ersten Erfolg erlangte er mit dem Musical La La Lucille und dem Song Swanee, und so begann er, die Leiter des Broadway zu erklimmen. Der großeDurchbruch kam 1924, als der Bandleader Paul Whiteman ihn bat, ein umfassendes Stück für Klavier und Jazzband zu schreiben. Daraus wurde die berühmte Rhapsody in Blue.George Gershwin vervollständigte die Klavierversion in nur drei Wochen. Ferde Grofe, der Arrangeur von Whiteman’s Band, schrieb daraufhin ein Arrangement für Jazzband und Klavier, und später die wohl bekannteste Version für Klavier und Symphonieorchester.Gershw ins Vielseitigkeit ist in der Rhapsody in Blue deutlich zu hören. Er verbindet Rhythmen und Harmonien aus dem amerikanischen Jazz und Blues mit einem eher ‚klassischen‘ Stil, der an die Klavierkonzerte des 19. Jahrhunderts in Europa erinnert. Gershwins Markenzeichen ist das Klarinettenglissando zu Beginn der Rhapsody, obwohl das anfangs nicht in seiner Absicht stand. George Gershwin schrieb den Lauf ursprünglich als eine aufsteigende Reihe von siebzehn Noten, aber während den Proben machte sich Ross Gorman, der Klarinettist in Whiteman’s Band, einen Spaß daraus und spielte ihn als Jazzglissando. Gershwin war von diesem Effekt sehr beeindruckt und nahm ihn in die Partitur auf.