Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Hoffmeister Quartet and Prussian Quartets . Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. Ça y est: dans les années à venir, tous les 26 quatuors à cordes de Mozart paraîtront en Urtext chez Henle – en partition et en parties séparées. Toutes les éditions publiées à ce jour laissent considérablement à désirer à bien des égards – par exemple quant au placement correct des signes de dynamique. L' édition Henle, qui a bénéficié du concours artistique du Quatuor Armida, puise dans les acquis les plus récents de la philologie et de l’interprétation mozartiennes. La collection est inaugurée par la publication des quatre derniers quatuors: le quatuor dit «Hoffmeister» K. 499 ainsi que les trois quatuors «Prussiens» K. 575, 589 et 590. La composition des troisdernières oeuvres pourrait avoir été inspirée par l’excellent violoncelliste qu’était le roi de Prusse Frédéric Guillaume II – les violoncellistes d’aujourd’hui pourront en tous cas prendre plaisir à de nombreuses et belles cantilènes. / Seiffert, Wolf-Dieter / Répertoire / 2 Violons, Alto, Violoncelle

Par LEVINAS MICHAEL. Réitération - Ce quatuor est conçu en quatre mouvements. Cette répartition ne se réfère pas vraiment à la forme usuelle au 18e et au 19e siècle. Les titres que j'ai donnés aux troisième et quatrième mouvements (première et deuxième réitération) expriment une préoccupation formelle spécifique au travail d'écriture musical que j'aborde en ce moment: établir des liens organiques entre les instants singuliers et successifs du temps musical, liens qui ne se ramèneraient pas à ce que l'on définit couramment par les termes de cellule génératrice ou processus. La notion de réitération/modification (je définis ainsi les 'Diabelli' de Beethoven) permet de concevoir une forme structurée sur la reprise d'un élément mémorisable et structuré dans son évolution rythmique, polyphonique et harmonique: un vrai mantra. Ce n'est ni le thème de la sonate ou celui des 'formes variation'. Il ne faut pas ramener ce mantra à la fonction de thématique génératrice de la sonate, de la variation ou du leitmotiv de la fin du 19e siècle. Comme son nom l'indique, la réitération lui confère un caractère d'incantation quasi magique. Cette différenciation nécessiterait un développement théorique spécifique. Ici, nous décrivons cette réitération dans son rôle structurel. A chaque réitération, ce mantra (comme dirait Stockhausen) sera modifié. Dans ce quatuor, l'élément originaire réitéré sera réintroduit dans les deux derniers mouvements de façon à rendre perceptible à l'oreille les modifications des différentes composantes de l'élément originaire et plus particulièrement les différents possibles d'une trajectoire harmonique partant toujours d'un même point. On trouvera dans ce quatuor certaines caractéristiques de mon écriture récente pour cordes, notamment l'utilisation de sourdines vibratoires dans le premier mouvement, la polyphonie des rebonds d'archets dans le deuxième mouvement, des pizz. guitare dans le troisième mouvement et un contrepoint de vitesses superposées dans le dernier mouvement. Michaël Lévinas / contemporain / Répertoire / 2 Violons, Alto et Violoncelle

Par PEPIN CAMILLE. Création du 25 août 2019, à l’abbaye de Silvacane dans le cadre du Festival de Quatuors du Lubéron, par le Quatuor Auryn. Feuilles d’eau de Silvacane est une œuvre pour quatuor à cordes dédiée au Quatuor Auryn. Créée durant l’été 2019 à l’Abbaye de Silvacane dans le sud de la France, la pièce fait tout d’abord écho aux motifs ornementaux typiques des abbayes cisterciennes du XIIè siècle appelés les « feuilles d’eau ». Il s’agit de feuilles qui s’évasent et se replient en volutes, décorant les chapiteaux de colonnes qui portent les retombées des voûtes. Ces sobres motifs m’inspiraient déjà un matériau musical à transformer durant toute la pièce. Mais le titre fait aussi référence au magnifique travail de Fabienne Verdier [1] dans ses Feuilles d’eau de Silvacane (2004) : une série de six toiles de 46 x 27,5cm réalisées avec de l’encre, des pigments et du vernis. Elle représente six feuilles d’eau à l’encre noire diluée sur fond gris (la pierre de Silvacane). Un petit carré rouge représente l’alchimie - le feu intérieur menant à la transcendance - sur chacune des toiles. Pour la coloriste et l’amoureuse des textures instrumentales que je suis, la technique de Fabienne Verdier est fascinante. Elle s’inspire du style calligraphique chinois intitulé l’herbe folle : impression fugitive, improvisation extravagante née d’une pulsion intérieure. Cette démarche artistique trouve résonance en moi car le « déclic » amenant l’idée qui va irriguer toute une pièce se fait toujours de manière surprenante. Je ne sais jamais véritablement comment cette idée abstraite a soudain pu devenir concrète et couchée sur le papier ! Pendant l’écriture de cette pièce, j’avais donc à l’esprit cette sobriété des abbayes cisterciennes et les images de cette encre diluée, liquide et diaphane, sur les toiles de Verdier. Mais j’ai bien sûr pensé à la feuille de la nature elle-même ! J’ai cherché diverses palettes de couleurs et de grains pour habiller la sonorité du quatuor à cordes et nourrir la matière comme la sève nourrit une plante. J’ai utilisé un matériau organique se régénérant et se renouvelant sans cesse. Il inonde toute la pièce au fil des images que j’avais. Tout d’abord, celle de l’aube fraîche et brumeuse et des gouttes de rosée qui perlent sur les feuilles (pizzicati du début) - des reflets irisés du soleil naissant sur les feuilles - des rayons de lumière faibles et instables qui tentent de percer à travers les feuillages (trémolos d’harmoniques). Ces derniers se font de plus en plus insistants pour émerger de ces aplats fondus à la texture bruissante et dont le reprises d’archet sont imperceptibles. Le grain change (sur le chevalet, sur la touche, flautando, ricochets) comme la lumière varie de couleur et d’intensité au cours d’une journée. Ce sont autant de touches impressionnistes qui se fondent et se diluent dans la matière. Elles laissent place à une partie centrale brillante et dansante à la pulse inépuisable, célébrant ainsi la force mystérieuse et vitale de la matière végétale toujours en transformation. La pièce se termine par l’éclat de la lune se levant sur les jardins de Silvacane, baignant ainsi les feuilles d’eau de cette lueur crépusculaire. Camille Pépin/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Ca y est: dans les années à venir, tous les 26 quatuors à cordes de Mozart paraîtront en Urtext chez Henle - en partition et en parties séparées. Toutes les éditions publiées à ce jour laissent considérablement à désirer à bien des égards - par exemple quant au placement correct des signes de dynamique. L' édition Henle, qui a bénéficié du concours artistique du Quatuor Armida, puise dans les acquis les plus récents de la philologie et de l'interprétation mozartiennes. La collection est inaugurée par la publication des quatre derniers quatuors: le quatuor dit 'Hoffmeister' K. 499 ainsi que les trois quatuors 'Prussiens' K. 575, 589 et 590. La composition des trois dernières oeuvres pourrait avoir été inspirée par l'excellent violoncelliste qu'était le roi de Prusse Frédéric Guillaume II - les violoncellistes d'aujourd'hui pourront en tous cas prendre plaisir à de nombreuses et belles cantilènes. / Quatuors À Cordes