- Record Label: Sony
- Catalog#: 88697 720092
- Country Of Release: NLD
- Year Of Release: 2010
- Notes: 25 Original Albums In Noble Box

Par MASSARD DANIEL. '[La répétition] des trente-six contrebasses surtout fut curieuse. Quand nous en vînmes au trait du scherzo de la symphonie en ut mineur de Beethoven, qui figurait dans le programme, il nous sembla entendre les grognements d'une cinquantaine de porcs effarouchés : telle était l'incohérence et le défaut de justesse de l'exécution de ce passage. Peu à peu cependant elle devint meilleure, l'ensemble s'établit et la phrase apparut nettement dans toute sa sauvage rudesse'. Hector Berlioz, Mémoires, Chapitre LIII Dans ses Mémoires, Hector Berlioz, compositeur français de l'époque romantique (1803-1869) se tenait 'pour satisfait de pouvoir organiser et diriger un concert gigantesque' pour lequel il parvint 'à réunir un personnel de mille vingt deux exécutants'. Cette citation relate les répétitions partielles (par pupitre) du scherzo de la cinquième symphonie de Beethoven placées sous sa direction pour un concert exceptionnel donné à Paris lors de l'Exposition des produits de l'industrie en 1844. Ce scherzo réputé difficile pour la justesse, la conduite de l'archet et la manière de l'interpréter devenait particulièrement délicat, exécuté par un pupitre de trente-six contrebasses. Depuis l'époque de Berlioz, l'apprentissage de la contrebasse a évolué. Les professeurs enseignant dans les structures musicales permettent à nos élèves de devenir de vrais contrebassistes, de vrais techniciens, de vrais professionnels, de vrais musiciens. Néanmoins, le travail de pupitre (ou répétitions partielles) reste indispensable. Contrebassiste au sein de l'Orchestre National du Capitole de Toulouse pendant quarante ans, mon expérience professionnelle m'a permis de découvrir un vaste répertoire musical. De la musique symphonique à la musique de chambre en passant par le répertoire lyrique, j'ai pu aborder tous les styles de musique depuis l'époque baroque à la musique contemporaine. Les grands chefs d'orchestre qui m'ont dirigé m'ont appris à connaître tous les grands compositeurs de notre musique occidentale, la manière d'interpréter une oeuvre, de la comprendre et de l'analyser. Nous devons écouter et surtout entendre. J'ai voulu donc, par ce premier recueil, transmettre ce que j'avais appris à l'Orchestre et permettre aux élèves de découvrir ce répertoire musical. Professeur de contrebasse au CRD de Montauban, j'ai mis au programme du premier cycle et expérimenté avec mes élèves tous les textes présentés dans ce recueil. Les jeunes contrebassistes ont toujours été très sensibles au travail des extraits musicaux. Ils sont au contact avec la Musique. Afin de parachever leur travail personnel, il est souhaitable qu'ils écoutent les musiques étudiées (enregistrements et concerts). Ces acquisitions leur permettront de découvrir les compositeurs et d'apprendre le langage musical. Ce recueil pédagogique offre un voyage musical de l'époque baroque à l'époque postromantique (de Johann Sebastian Bach à Camille Saint-Saëns). Il est destiné aux élèves du premier cycle des conservatoires et écoles de musique. Les professeurs pourront commencer à l'aborder dès la première année. Tous les extraits musicaux sont tirés du répertoire d'orchestre : de chambre, lyrique et symphonique. Ils sont joués dans la tonalité originale. Les coups d'archet originaux sont notés en noir. Les coups d'archet préconisés par les contrebassistes professionnels jouant dans les plus grandes formations orchestrales symphoniques ou lyriques en France et à l'étranger sont ajoutés en rouge. Daniel Massard Contrebassiste à l'Orchestre National du Capitole de Toulouse, Professeur au CRD de Montauban. Je remercie mes élèves de la classe de contrebasse du Conservatoire à Rayonnement Départemental de Montauban, les bibliothécaires de l'Orchestre National du Capitole de Toulouse et Véronique Lafargue, docteur en musicologie. / Niveau : 1er Cycle / classique / Méthode / Contrebasse

Avec ces petites pièces pour trios et quatuors pour flûtes traversières, Isabelle Ory met à la disposition du professeur de flûte un répertoire qui répond à deux préoccupations fondamentales: - faire jouer ensemble des élèves d'un même niveau (1er cycle), - prolonger et valoriser l'apprentissage par la pratique collective. On trouve, en exergue à chacune des formations, des éléments pédagogiques importants (dans le prolongement du premier volume de la méthode de flûte du même auteur) sous la forme de judicieux conseils destinés à l'élève pour l'aider à résoudre cette situation délicate: jouer sa partie un tenant compte de ce que jouent les autres, les recueils ne contiennent pas de parties séparées.Isabelle Ory est professeur en ENM et joue dans diverses formations instrumentales (de l'orchestre à la musique de chambre). Elle est également chargée de mission pour la formation pédagogique des futurs professeurs. / 3 Ou 4 Flûtes Traversières

20 morceaux récréatifs extraits de la Méthode Rose et arrangés par Alfred Herzog pour diverses formations hétérogènes constituent ce recueil qui fait entrevoir aux jeunes musiciens du premier cycle quelques réalités de la pratique collective.

Le piano est toujours présent, entouré de la flûte, de la clarinette, du violon ou violoncelle et parfois d'une percussion, selon la nature de l'ensemble.

Une construction mélodique et rythmique stimulante de chaque partie favorise le travail individuel. A noter que le recueil ne contient pas de parties séparées afin que chaque instrumentiste puisse lire le texte musical dans sa globalité. / Classique / Partition CD /

Edition : Paris, l'Auteur, Bayard, Leclerc, s.d. (=1744)Pièces à deux instruments égaux, particulièrement deux flûtes seules, de différents auteurs, dont Blavet. Certaines pièces suivies de variations.Présentation par Jean SaintArroman : Utilisation pédagogique des pièces.Ces trois recueils de pièces à deux flûtes seules, offrent un panorama de la musique du milieu du XVIIIe siècle en France, avec l'ajout de quelques airs étrangers. Les pièces sont de difficultés variées. Les phrasés sont très bien indiqués, et l'agrémentation, détaillée dans l'introduction, est très représentative du classicisme français. / Musique De Chambre / 96 pages / niveau : 1 / Fac-Similés - Format: 23.5 X 31.5

Les Chardons d'après Van Gogh Discipline / Instrument : Alto et orchestre de chambre Nomenclature : 1( picc).1( ca).2( clB).1(cbn) / 1.1.1.0 / perc / 1.1.2.1.1 Genre : contemporain Média : Partition Nombre de pages : 90 Format : A3 Editeur : Lemoine Réf. : 28792 Date de parution : 28/05/2009 ISBN / ISMN : 9790230987929 Création 09/09/2009 - Turin (Italie), Festival Settembre Musica, Geneviève Strosser (vla), Ensemble Orchestral Contemporain, Daniel Kawka (direction) Commanditaire Commande de l'Etat à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain Notice Van Gogh écrit en 1888 : Le peintre de l'avenir, c'est un coloriste comme il n'y en a pas encore eu. A cette époque, Van Gogh se sépare des impressionnistes, élargit leur intuition de la couleur et la simplifie. La forme-couleur se crée plutôt qu'elle ne se recompose dans notre vision. Van Gogh ne se soucie plus que de l'énergie de l'image. Le peintre séjourne en Arles où Gauguin le rejoint quelque temps. Il veut rénover les fondements mêmes de l'art, changer la technique de la peinture. Il rêve de créer un atelier du Midi et pense trouver là le Japon idéal, les paysages de Monticelli, de Cézanne, le rayonnement du soleil et l'âpre lumière qui annonce l'art de l'avenir. Il forge un style original en deux cents tableaux, parmi lesquels les Tournesols (août 1888), Joseph Roulin, le postier (août 1888), L'Arlésienne (novembre 1888) et Les Chardons, qui datent de la même année. Des tons vifs et crus, des couleurs claires, éclatantes, étalées en des dispositions stridentes à grands coups de pinceau ou au couteau, résument tout le registre expressif de son art. Bleu contre jaune, vert contre rouge écarlate, lilas, gris-rose, gris-violet, bleu et vert, noir et jaune: la seule force des contrastes suffit au déploiement de la forme. Tournesols, oliviers, chaumes, cyprès, ravins, rochers, chardons, tous ces motifs lacérés, distordus, ont l'intensité spontanée d'un tourment intérieur. Van Gogh a délibérément renoncé à la capture de l'instant fugitif comme à la représentation de la lumière, de l'air, de l'atmosphère - la qualité transitoire de l'impression visuelle lui importe peu désormais. Ses toiles sont emportées par la véhémence des touches, la brutale évidence des couleurs, leur vitalité convulsive. Désespoir, lucidité, emportement sont les traits d'un art que l'on a reconnu précurseur de l'expressionnisme. Les Chardons nous découvrent les racines du monde, une sorte de brasier originel d'où jaillissent trois flamèches. Les assises géologiques du paysage - l'expression est de Cézanne - y semblent déchiquetées, consumées dans une perpétuelle fournaise. C'est un enchevêtrement d'arêtes vives, une nature émiettée, une image de passion et de fureur. Au fond, à gauche, se découpe un petit pan de ciel bleu, encastré dans un horizon surélevé de montagnes vertes. La terre, chauffée à blanc, y occupe tout l'espace. Au premier plan, un fourmillement de stries incandescentes qui se tordent et crépitent. Les Chardons d'après Van Gogh - ma propre transposition musicale inspirée du tableau auquel elle emprunte son titre - sont écrits pour un alto soliste et une formation de chambre de quinze instrumentistes. Cette pièce s'attache à restituer la vitalité sourde de la toile, son atmosphère d'embrasement. Elle n'a ni contours ni limites, ni, à proprement parler, de schèmes d'organisation. J'y ai plutôt recherché des agencements formels doués d'une valeur dynamique, donnant au modelé de la masse sonore un rôle ambigu: axes de forces, impulsion des gestes, variété des dimensions directrices, tensions du matériau, conflit des principes formateurs. L'alto décrit en permanence la trajectoire idéale d'un mouvement irréel - formes spiralées, volutes, arabesques. Mais il fraie son chemin dans un milieu constamment hostile. Le choix du timbre de l'alto met en valeur le registre du sous-médium, à l'intensité contenue. La technique d'écriture consiste en une composition de textures, dont le propre est l'enchevêtrement des forces et des formes. Les structures perceptibles elles-mêmes procèdent du seul jeu des masses et des couleurs. J'ai évidemment mis l'accent sur la dynamique de l'interaction des couleurs qui forment la trame sonore. Je nourris toutefois un certain scepticisme à l'égard des méthodes scientifiques et raisonnées qui s'appliquent au traitement des propriétés acoustiques du son. La culture du son n'est pas, à mon sens, réductible à la science du son. La musique, me semble-t-il, a ceci de commun avec la peinture qu'elle peut investir la couleur de qualités contraires. Un bleu violacé peut s'assimiler aussi bien à un pourpre tirant sur le bleu qu'à un bleu en train de rougir. Van Gogh soutenait précisément l'idée d'un dynamisme, et même d'une intentionnalité de la couleur, capable de se déployer selon des foyers et des aires de diffusion, en transgressant toute limite. La musique que je souhaite écrire n'a pourtant rien de commun avec une nouvelle forme d'impressionnisme. C'est le drame que je recherche dans la plastique sonore. Ce drame peut être aussi bien celui des structures dispersées que de l'amplification indéfinie des actes, celui de la violence des masses tumultueuses comme celui du surgissement ou de l'essor. La partition est une Commande de l'Etat, à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain. Hugues Dufourt

from the Clarinet Concerto in Eb Major, Op. 36. Le compositeur et violoniste tchèque Frantisek Vincenc Kramar dont le nom fut germanisé en Franz Vinzenz Krommer, est né le 27 novembre 1759 à Kamenice en Moravie occidentale et mort le 8 janvier 1831 à Vienne en Autriche. À l’adolescence, il est initié à l’art du violon et à l’orgue par son oncle Anton Matthias Krommer lui-même organiste et chef de choeur. En 1785, il fait un premier séjour à Vienne avant de rejoindre l’orchestre du Comte de Limburg-Stirum dont la résidence se trouve à Simontornya en Hongrie. Il est engagé d’abord en tant que violon solo de l’orchestre puis plus tard en tant que maître de chapelle. Vers 1790, il obtient le poste de chef de choeurà la cathédrale de Pécs. Il quitte cette fonction en 1793 pour entrer au service du Comte Károlyi puis du Prince Antal Grassalkovich. En 1795, suite au décès du prince hongrois, Franz Krommer revient à Vienne. Après une longue période d’infortune, il entre comme Maître de Chapelle au service du Duc Ignaz Fuchs, en 1806. Quatre ans plus tard, il est nommé au poste de directeur musical du Théâtre Royal et Impérial de Vienne (Wiener Hoftheater). En 1818, succédant à Leopold (Johann Anton) Kozeluch, il devient le dernier Maître de musique de chambre et compositeur de la cour des Habsbourg. Il gardera ses fonctions jusqu’à sa mort en 1831. Franz Krommer était l’un des plus illustres compositeurs tchèques de la Vienne impériale vers la fin du XVIIIe siècle. Sa musique était très appréciée de son vivant et certains le considéraient comme le digne héritier de Joseph Haydn. Son style est indéniablement apparenté à ce dernier mais aussi à celui de Mozart. Franz Krommer a composé de nombreuses symphonies, des concertos (essentiellement pour instruments à vent solistes), des duos pour violons, des quatuors à cordes, de la musique de chambre et des oeuvres sacrées. Le Concerto pour Clarinette Opus 36 de Krommer a été publié pour la première fois en 1803 chez l’éditeur allemand Johann Anton André. / Niveau : 4 / oeuvre solo et Orchestre / Répertoire / Concert Band ou Harmonie

Par PROST NICOLAS. Adolphe Sax, inventeur génial du saxophone (breveté en 1846) est nommé au poste de Directeur de la Musique de Scène à l'Opéra de Paris entre 1847 et 1894. C'est la place idéale pour promouvoir et expérimenter ses instruments à l'orchestre - l'inventeur finit par imposer le saxophone dans certaines oeuvres lyriques, symphoniques, musiques de ballets et bien sûr les musiques régimentaires. On recense de nombreuses apparitions de l'instrument, d'abord timidement mêlé à l'orchestre puis dans de véritables solos pittoresques. Si l'intervention des saxophones dans la Corona d'Italia de G. Rossini, Tannhaüser de R. Wagner, la Damnation de Faust de H. Berlioz, Ondine et le pêcheur de P. Dukas, Hulda de C. Franck ou la 1re symphonie de A. Magnard demeure une tentative anecdotique, d'autres compositeurs comme G. Bizet, C. Saint-Saëns, A. Thomas, V. D'Indy, L. Delibes, G. Charpentier ou J. Massenet offrent à l'instrument de belles phrases chantées au sein même de l'orchestre. On ne compte guère qu'une poignée d'oeuvres de musique de chambre mixte avant 1900. En revanche, la formule saxophone accompagné d'un piano (ou d'une fanfare) est d'usage courant. Les musiques sont écrites principalement par les amis de l'inventeur, souvent chefs de musiques régimentaires qui utilisent un style simple et classique pour les besoins du divertissement de plein air (thèmes et variations virtuoses loin des grands chefs d'oeuvre romantiques de l'époque). Cette petite suite musicale retrace un parcours chronologique des solos de saxophone avant 1900, à découvrir avec une réduction de piano comme support harmonique. Hector Berlioz (1803-1869), véritable défenseur des inventions de Sax, vante les mérites du saxophone dans son Traité d'instrumentation. C'est lui qui utilise la 1re fois l'instrument dans une oeuvre pour 6 instruments à vent afin de saluer avec enthousiasme les inventions du célèbre facteur belge. Hymne pour les instruments de Sax sera donné en public le 3 février 1844 à Paris salle Hertz, Adolphe Sax jouant lui-même la partie de saxophone basse en Mib. La partition demeurant malheureusement introuvable, on sait néanmoins que l'Hymne était une adaptation de son Chant sacré pour choeur composé quelques mois plus tôt. Le 1er solo présenté ici est une possible reconstitution du solo de saxophone. La Berceuse, solo originellement joué au saxophone soprano, est extraite de Santa Claus Symphony (1853) de William Henry Fry (1813-1854). Le compositeur né américain était un fervent admirateur d'Adolphe Sax et le 1er compositeur américain à écrire pour grand orchestre. Ce solo est symbolique : il s'agirait de la première intégration du saxophone aux Etats-Unis, 50 ans avant le jazz dixieland. Récit est une véritable cadence consacrée au saxophone alto sur un accompagnement de pizzicati de cordes et tenues de cuivres. Ce récit est extrait du récit et prologue du 2nd tableau de l'Acte II de l'opéra Hamlet (1868) de Ambroise Thomas (1811-1896). Les deux chants du Pérou (1865) sont originellement harmonisés habilement pour 3 saxophones d'après des chants joués par les Indiens sur 'la Quena', leur instrument national. Orient est un solo de saxophone tiré de la grande marche militaire pour orchestre à vents Orient et Occident opus 25 (1869). Camille Saint-Saëns (1835-1921) a souvent utilisé le pupitre de saxophones, tant dans ses ouvrages symphoniques que lyriques. L'Ouverture et l'Intermezzo de Georges Bizet (1838-1875) sont des solos de saxophone alto des plus remarquables. Ils sont extraits des suites pour orchestre de la musique de scène de l'Arlésienne (1872). La Barcarolle de Léo Delibes (1836-1891) est tirée de son ballet séduisant Sylvia (1876). On y entend un solo très élégant au saxophone alto. Jules Massenet (1842-1912) utilise le saxophone de nombreuses fois. On apprécie bien sûr la valse avec saxophone dans son opéra Le Roi de Lahore, mais c'est surtout grâce à son opéra Werther que le saxophone a été reconnu. Dans l'Air des larmes de Werther (1892), le saxophone dialogue superbement avec le personnage de Charlotte. Le solo de Vision est un chant au saxophone alto qui donne la réplique à Hérode dans l'opéra Hérodiade (1881). La Fantaisie de ce recueil est un extrait de la Fantaisie variée pour saxophone et piano (1889). Elément du patrimoine historique du saxophoniste, cette pièce est typique des musiques légères et décontractées de l'époque. Léon Wettge (1844-1909) était chef de musique du 28e régiment d'artillerie de Versailles avant d'être chef de la Garde Républicaine. / classique / Répertoire / Saxophone et Piano

Par ARCENS GILLES. Diplômé du conservatoire de Toulouse de 1982 à 1985 (1er prix de saxophone, 1er prix de musique de chambre, prix de perfectionnement de saxophone, 1er prix d'harmonie, 1er prix de contrepoint, 2ème prix de solfège), il poursuit des études de composition de musique de films à l'Ecole Normale de Musique de Paris, avec Antoine Duhamel et Laurent Petitgirard, entre 1987 et 1988. De 1986 à 1992, il exerce en temps que professeur de saxophone, de musique de chambre, d'harmonie et de contrepoint au conservatoire d'Andorre la Vieille (Principauté d'Andorre). Il joue en parallèle dans le quatuor de saxophones Tetrasax de 1981 à 1990, puis de 1989 à 1993, avec le Jazz Time Big-Band, dirigé par Richard Calléja. Il rejoint le grand orchestre de René Coll en 1992, en temps que saxophoniste arrangeur, et compositeur. Il réalise des orchestrations pour de nombreuses émissions de télévision (Sacrée Soirée, les Années Tubes, FaSiLa Chanter, Vivement Dimanche, les 25 ans du Loto, Prima Dona, Le Plus Grand Cabaret du Monde, Music-hall et Compagnie, les émissions pour l'élection de Miss-France de 1996 à 2003), sur des compositions originales de Vladimir Cosma, Gérard Presgurvic, Richard Sanderson, Gilles Arcens, etc. Il travaille en étroite collaboration avec Patrick Sébastien depuis 1998 : co-compositions et arrangements de ses chansons, réalisation de tous ses albums, composition de ses génériques de ses émissions télévisées, mise en forme et orchestration de ses spectacles et tours de chants, accompagnement sur scène en tournée dans toute la France et dans les grandes salles parisiennes (Olympia, Palais des Congrès, etc.). Durant sa carrière, il a accompagné de nombreux artistes dont J. Hallyday, F. Pagny, Barry White, N. Croisille, S. Distel, H. Salvador, Maurane, V. Samson, S. Lama, C. Aznavour, G. Lenorman, D. Briand, Adamo, Dave, H. Léonard, L. Fabian, E. Macias, M. Delpech, J. Montagné, Garou, Nadya. Ses compositions regroupent de nombreuses musiques pour big-band, ballet, film, ensemble de clarinettes, orchestre d'harmonie, piano, clarinette et cordes, clarinette et orchestre d'harmonie, contes musicaux pour enfants, choeur mixte et orchestre d'harmonie, et pour ensemble de cuivres. / Niveau : Difficile / Répertoire / 3 Contrebasses et Orchestre D'Harmonie

Mvt 3. Par ARCENS GILLES. Diplômé du conservatoire de Toulouse de 1982 à 1985 (1er prix de saxophone, 1er prix de musique de chambre, prix de perfectionnement de saxophone, 1er prix d'harmonie, 1er prix de contrepoint, 2ème prix de solfège), il poursuit des études de composition de musique de films à l'Ecole Normale de Musique de Paris, avec Antoine Duhamel et Laurent Petitgirard, entre 1987 et 1988. De 1986 à 1992, il exerce en temps que professeur de saxophone, de musique de chambre, d'harmonie et de contrepoint au conservatoire d'Andorre la Vieille (Principauté d'Andorre). Il joue en parallèle dans le quatuor de saxophones Tetrasax de 1981 à 1990, puis de 1989 à 1993, avec le Jazz Time Big-Band, dirigé par Richard Calléja. Il rejoint le grand orchestre de René Coll en 1992, en temps que saxophoniste arrangeur, et compositeur. Il réalise des orchestrations pour de nombreuses émissions de télévision (Sacrée Soirée, les Années Tubes, FaSiLa Chanter, Vivement Dimanche, les 25 ans du Loto, Prima Dona, Le Plus Grand Cabaret du Monde, Music-hall et Compagnie, les émissions pour l'élection de Miss-France de 1996 à 2003), sur des compositions originales de Vladimir Cosma, Gérard Presgurvic, Richard Sanderson, Gilles Arcens, etc. Il travaille en étroite collaboration avec Patrick Sébastien depuis 1998 : co-compositions et arrangements de ses chansons, réalisation de tous ses albums, composition de ses génériques de ses émissions télévisées, mise en forme et orchestration de ses spectacles et tours de chants, accompagnement sur scène en tournée dans toute la France et dans les grandes salles parisiennes (Olympia, Palais des Congrès, etc.). Durant sa carrière, il a accompagné de nombreux artistes dont J. Hallyday, F. Pagny, Barry White, N. Croisille, S. Distel, H. Salvador, Maurane, V. Samson, S. Lama, C. Aznavour, G. Lenorman, D. Briand, Adamo, Dave, H. Léonard, L. Fabian, E. Macias, M. Delpech, J. Montagné, Garou, Nadya. Ses compositions regroupent de nombreuses musiques pour big-band, ballet, film, ensemble de clarinettes, orchestre d'harmonie, piano, clarinette et cordes, clarinette et orchestre d'harmonie, contes musicaux pour enfants, choeur mixte et orchestre d'harmonie, et pour ensemble de cuivres. / Niveau : Avancé / Répertoire / Trompette Solo et Orchestre d'Harmonie

Arnold Schönberg est la figure centrale du monde musical du XXe siècle. Sa signification musicale était déjà évidente pendant sa durée de vie, mais son influence à titre posthume a augmenté énormément. Son travail a ouvert la voie à révolutionnaire des changements dans la perception musicale. Cette édition complète aspire à être tout aussi indispensable pour la recherche, ainsi que pour la performance. L'édition est publiée en deux séries : série a en format folio contient des oeuvres tout rempli, toutes les partitions piano préparées par le compositeur lui-même et les oeuvres tout inachevées convenable pour la performance - également des fragments (gros scores) qui sont mieux adaptés pour être imprimées dans un tel format. Série B, au format in-quarto, contient des versions précoces, des croquis, des idées et des fragments ainsi que Genèse et un commentaire critique. / Voix Et Orchestre De Chambre

Par POSTEL-VINAY EMILIE. Ecrire une méthode de contrebasse, quand on enseigne, est certainement chose incontournable... Pourtant, peu de professeurs se lancent dans cette aventure, car c'en est une ! Il faut pour cela avoir la foi, ce besoin de transmettre ce que l'on sait. C'est le cas d'Emilie Postel-Vinay. Sa méthode est classique et, aussi, inventive. Alors, je ne doute pas de son efficacité ! Sylvain Wiener (Professeur au C.N.R. d'Aubervilliers - La Courneuve, Assistant au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, Contrebassiste de l'Ensemble Orchestral de Paris La contrebasse a beaucoup évolué au fil du temps. D'instrument d'accompagnement, elle est devenue soliste sans pour autant renier ses origines. Ses graves sont les piliers harmoniques d'un orchestre, et leur puissance sait affirmer le juste rythme ! Le répertoire s'est considérablement enrichi, entraînant ainsi de nouvelles difficultés techniques. Cette méthode s'adresse à tous les débutants, qu'ils soient très jeunes ou un peu moins, durant les deux ou trois premières années du premier cycle. Elle vise à donner dès les premiers exercices le plaisir de jouer. La progression se veut ludique. Chaque leçon se découpe en trois parties : - La première, la plus technique, se compose d'exercices pour la sonorité et l'agilité des doigts. - La deuxième propose des duos. L'élève, dès le début, joue avec son professeur. Cela lui permet d'accéder à la musique de chambre, de se former l'oreille, d'entendre son professeur jouer une partie plus difficile que la sienne, ainsi que de se produire assez rapidement ! - La troisième partie est principalement constituée de pièces accompagnées par le piano. A cela s'ajoutent quelques devinettes et des chansons populaires... Emilie Postel-Vinay / Niveau : Débutant / méthode - études / Méthode / Contrebasse