Par PESSON GERARD. Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les 'ciels acoustiques', l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce 'pays-cantate' qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à 'la question de Dieu' et au 'décor planté' dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un 'décor sonore') est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. Gd Mmré La troisième cantate, qui utilise le tutti des instruments et des voix, est sur un texte d'Elena Andreyev (poète et par ailleurs musicienne), Gd Mmré, dont j'ai réalisé, avec son accord et son aide, un découpage. C'est un théâtre choral où la voix parlée, chantonnée (les comédiens Valérie Blanchon et Christophe Brault), donne une dimension dramatique à ce texte convoquant tant d'images, toujours sous la forme d'une introspection ardente, d'un traveling intense, parfois ironique, distancé, souvent questionneur. L'électronique feuillette ici la polyphonie des voix et des paroles - elle dispose les décors nombreux appelés par le texte, qui sont des doublures en plis vifs et cassés, elle ouvre des pistes, qui sont parfois des leurres. L'électronique est la maladresse des mots, sa fragilité digitale. Elle rêve tous les timbres qu'elle synthétise ou qu'elle commente de façon moqueuse, elle 'échantillonne' les résidus de la parole et du souffle, elle s'instille en échos menaçants. L'électronique est le pied de côté, la rime subsidiaire, le sous-titrage asynchrone de ce Grand Murmuré. Gérard Pesson / contemporain / Répertoire / Voix, Ensemble et Electronique

Par SPARKE PHILIP. Centennial Salute débute avec une majestueuse fanfare énoncée aux cuivres graves, puis reprise en tutti. Une ligne mélodique vient contraster par son expressivité, avant d’être rejointe par le thème d’ouverture pour cheminer conjointement vers un vivo passionné (une marche), suivi d’un trio. Le thème de la marche revient ; la trame s’amplifi e et la musique atteint son apogée, alors qu’éclate le contenu solennel des mesures initiales offrant une apothéose triomphale. / Niveau : 3 / Pièce de concert / Répertoire / Brass Band

Par CANAT DE CHIZY EDITH. Cette oeuvre a été faite dans un but pédagogique, à l'occasion d'un stage de violon organisé par Dominique Hoppenot à Annecy. Elle s'inscrit dans le cadre d'une série de pièces pédagogiques pour ensembles de 2 à 10 violons ou plus, de niveau débutant à supérieur - cela dans le but d'initier les élèves à la pratique de la musique contemporaine d'une part (en introduisant l'étude de certains signes et techniques) et de la musique d'ensemble d'autre part. Il s'agit de faire sortir la musique d'ensemble du cadre de la 'Classe de musique de chambre', et de la rendre applicable par chaque professeur à l'intérieur de sa classe, dès les débuts de l'instrument. Cette pièce est écrite pour 10 violons, mais on peut aisément doubler, tripler, ou même quadrupler les parties. Le projet initial était en effet d'y faire participer le plus possible d'élèves. L'écriture en est volontairement simple, et la mise en place facile, c'est une pièce conçue pour être montée en peu de temps. Elle s'adresse à des élèves d'un niveau 'fin d'études' à 'supérieur' de CNR. C'est avant tout une pièce de musique d'ensemble et une étude de sonorité. La disposition reprise, plaçant le le violon au centre, correspond à la texture sonore: chaque événement prend en effet sa source au centre et irradie vers les extrémités en s'amplifiant. Donc, peu de difficulté technique, mais une écriture qui vise à développer la possibilité d'écoute des élèves. / contemporain / Répertoire / 10 Violons

Discipline / Instrument : voix, ensemble et électronique Nomenclature : S / Hc / T / B / fl / hb / cl / hp / clav / perc / vlc / electr. Durée : 17' Genre : Contemporain Média : Partition Editeur : Lemoine Date de parution : 17/05/2010 Librettiste : Poèmes de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) Commanditaire : Ircam-Centre Pompidou et Ars Musica Création : 07/06/2010 - Paris, Festival Agora, Centre Pompidou - Ensemble vocal Exaudi, l'Instant Donné, Daniel Lévy (mise en espace), Sébastien Roux (Réalisation informatique musicale, Ircam) ISBN / ISMN : 9790230988889 Notice Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les ciels acoustiques, l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce pays-cantate qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à la question de Dieu et au décor planté dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un décor sonore) est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. God's Grandeur Cette cantate, d'après quatre poèmes de Gerard Manley Hopkins, forme un moment suspendu, découpé selon des unités poétiques auxquelles correspondent ce que j'ai appelé des ciels acoustiques, sortes de monochromes électroniques, cyclos sonores minimaux sur lesquels les voix et les instruments se posent : basse fréquence, ou hyper aiguë, impression sonore de ciel étoilé, bruit de vaporetto au loin, etc. Le son peut sembler parfois comme un léger parasite qui entame l'écoute. Un petit clavier de verre dialogue avec des échantillonnages d'orgue véritable. C'est la plus hiératique, la plus chantée et récitative, la plus sombre aussi des trois cantates. Gérard Pesson

Par WOLFF CHRISTIAN. Any Instrument(s), with or without amplification - / Musique contemporaine / Répertoire / Petit Ensemble Contemporain

Six voix de Solo (S, Mez, A, T, Bar, B) avec amplification - les flûte Solo (FLA, A-fl, B-fl), hautbois Solo (Ob d'a, Ca), Clarinette Solo (Cl-Eflat, B-cl) avec amplification - 3Hn, 3Tpt, 3Tbn, T-tba, B-tba, 3Perc, Pf(4 Hands) (I = Hpd amplifié, II = Cel), 2Hp, cymbalum Elec RTM (RTM acoustique amplifiée), 3Vln, 3Vla, 6Vc, 4Db commissionné par le ministère français de la Culture / Grand Ensemble Contemporain Et Orchestre

Les 24 Préludes se présentent d'abord comme un hommage à Chopin, par le titre, par le Ré grave qui termine l'un et l'autre cycle, mais surtout par la conception générale de l'ouvrage qui, d'une succession apparemment hasardeuse de 24 séquences brèves, crée un ensemble organique obéissant à un ordre caché, sans aucune référence anecdotique.Dans cette 'oeuvre-somme' sont rassemblés également l'essentiel des éléments naturels qui forment la thématique familière de Maurice Ohana, 'la polyrythmie des gouttes de pluie, les sonorités suspendues et brouillées d'un brouillard matinal, les longs accords étalés d'une eau endormie, la course chromatique des vents déferlants' (Michel Bernard). Y sont rassemblés également l'essentiel des possibilités sonores de l'instrument, amplifiées par les ressources harmoniques que donne la troisième pédale, ainsi que quelques accessoires manuels très épisodiquement utilisés. / Piano

J'aimerais dire ici le bonheur que j'ai eu à écrire pour grand orchestre symphonique : composer les timbres, sculpter les masses sonores, explorer les registres et jouer des contrastes, le tout sur un grand format !La création en matière de musique est souvent convoquée par des petites formations instrumentales ou ensembles de 15/20 instruments. Ecrire pour plus de 70 musiciens permet de faire exploser l'espace sonore auquel nous sommes habituellement confrontés et de réaliser à grande échelle nos expériences musicales, tout en travaillant dans la mémoire de notre répertoire de musique symphonique.AntePrima est construite sur une forme simple et se fonde sur une structure d'amplification. Le geste initial qui traverse les registres du grave à l'aigu sera amplifié tout au long de la pièce, et ce dans tous les éléments qui le caractérisent : cellule rythmique, structure harmonique, soufflet dynamique, alliage sonore des timbres instrumentaux.L'oeuvre est courte, je l'ai donc appelée AntePrima (avant première) dans l'idée que j'écrirai très bientôt pour la même formation d'autres pages de musique qui succéderont à cette pièce et qui constitueront la Première.La pièce est dédiée à Valerio Sannicandro, compositeur associé au nouveau projet du Philharmonisches Orchester de Cottbus.Florence Baschet / Orchestre

Musique de Jean-Christophe Rosaz Livret d'Eddie Souchois et J,C, Rosaz?Elémentaire mon cher Watson ! ou l'aventure du Diamant Bleu est une Commande du Conservatoire de Musique et de la Communauté d'agglomération des Portes de l'Essonne à l'instigation du quatuor Panam Trombone,Créée en 2011 par pas moins de 300 trombonistes des classes d'Ile de France, cette partition est écrite pour 4 ensembles de trombones à 4 voix chacun des Cycles 1, 2, 3 en tenant compte expressément des difficultés auxquelles chaque niveau peut prétendre se frotter ainsi qu'un quatuor d'un niveau supérieur,Les parties chantées sont d'un niveau abordable, à noter à leur côté la présence d'une rythmique indispensable au caractère swingué de la pièce comprenant guitare et basse électriques, clavier et batterie (à laquelle s'adjoint une partie de percussion),Cette oeuvre alterne moments musicaux - qui ' posent le décor ' comme le fameux brouillard londonien - et chansons de caractères divers (en humble hommage au rap, rock, jazz, latino?) qui relatent l'enquête menée tambour battant et donnent une âme à tous les personnages rencontrés par Sherlock Holmes et son éternel associé Docteur Watson, chantant le courage, l'amitié, l'ingéniosité sans négliger une pointe d'humour toute '?british ' !D'une durée de 60 minutes, elle se divise en 19 tableaux musicaux entrecoupés de scènes parlées qui peuvent être mises en scène, Elle peut être donnée en morceaux séparés et traduite en diverses langues, Nomenclature- Un récitant ou trois comédiens : Holmes, Watson, le troisième jouant (par ordre d'apparition) les rôles de : Peterson, Baker, Winter (dans le cas d'une mise en scène, changements de costumes rapides)- Choeur à une ou deux voix- Xylophones - 4 notes au moins: ré, mib, fa, sol, la- Quatuor de trombones premier cycle- Quatuor de trombones second cycle- Quatuor de trombones troisième cycle- Quatuor de trombones professionnel- Guitare électrique, (guitare acoustique amplifiée ad lib,)- Basse électrique- 2 percussionnistes : batterie + triangle, metal chime, maracas ou chekere, tambourin avec cymbalettes, tambourin sans cymbalettes, bongos, gong ou tam-tam, marimba) maracas, guïro, bongos, congas ad lib,, temple block, chime, grelots, 2 cloches, 2 cloches agogo, marimba, vibraphone, crotale ad lib, / Choeur

Pendant mes années d'enseignement avec Natalia Flament au CRR de Paris, j'ai apprécié son engagement et sa connaissance de la danse classique. Nous avons recherché ensemble la plus juste harmonie entre le mouvement de danse et la phrase musicale. Chaque exercice à la barre comme au centre possédait son propre caractère : sensibilité, poésie, nuances, dynamiques, couleurs, puissance grâce à la capacité de Natalia de traduire les mouvements chorégraphiques en phrase musicale. Les retenues, les résonances, les accents, les anacrouses étaient en parfaite liaison avec mes explications et mes exigences de qualité de mouvement. La diversité de son accompagnement donnait à chaque cours une ambiance particulière. Le travail avec Natalia à mon sens n'a pu se faire qu'avec une grande complicité et compréhension émotionnelle.

Par SPARKE PHILIP. A Centennial Journey est une commande de l’ensemble norvégien Stavanger Musikkorps av 1919 pour célébrer son centenaire, en 2019. L’orchestre a créé cette pièce sous la direction de Morten E. Hansen lors de son concert de jubilé au Konserthus de Stavanger, le 28 septembre 2019. La pièce s’ouvre de façon spectaculaire avec une ample mélodie aux cors et saxophones sous des figures fleuries aux vents, puis s’amplifie en un climax majestueux. Un trio pour les trombones apaise l’ambiance jusqu’au retour de la première mélodie dans une forme plus douce qui s’élargit finalement en un molto vivo élaboré. Les figures des vents se poursuivent sur une série de trios pour cuivres jusqu’à l’apparition du thème principal de la pièce par les clarinettes et les euphoniums. Ce passage se développe pour mener à un changement de tonalité et une longue mélodie en forme d’hymne par les clarinettes et les cors. Cette mélodie est alors reprise par l’orchestre entier, des fanfares se faisant entendre sporadiquement. Le début du molto vivo revient et mène à un retour de la mélodie aux cors du début, qui s’amplifie en une coda exaltante fondée sur la reprise de divers fragments mélodiques. / Date parution : 2022-01-14/ Répertoire / Concert Band/Harmonie