Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

- Record Label: Sony
- Catalog#: 88697 720092
- Country Of Release: NLD
- Year Of Release: 2010
- Notes: 25 Original Albums In Noble Box

Violon et marimba. Par TOSI DANIEL. Cette oeuvre de virtuosité s'appuie sur les modèles de l'histoire des musiques du monde... Difficile-très difficile. 10 - 15 mn Mais, c'est surtout l'interactivité d'un objet sonore mouvant qui m'a passionné. Au-delà d'une tonalité simple, il se dégage une multitude d'harmoniques, qui brouillent le schéma habituel. Il ne s'agit pas seulement d'un jeu musical d'exécution transcendantale. La surimpression entre les deux protagonistes est le lieu de rencontre de forces dynamiques autour de diffractions et de mélodies éclatées. L'expression musicale doit naître de ces rencontres de vitesses variables. Tantôt une cellule de base engendre des éléments discursifs de même contenu, tantôt elle fait place à des incrustations curieuses qui détournent le discours vers de brefs imaginaires. Ces dessins juxtaposés ou superposés apparaissent comme reliés par un flux énergétique permanent pour recréer un processus de vie sur des écritures sonores. La mobilité du spectre produite par ces hauteurs vivement étalées m'a poussé à l'alimenter au moyen d'une rythmicité précise, aux accents multiples. Le but final étant de créer un tourbillon électronique aux contours ciselés et au déroulement imperturbable, modifié seulement par les accélérations ou les ralentis - ceux-ci sont notés dans le contenu rythmique et imposent une stabilité hors du temps et ' anti conformiste '. L'ensemble doit s'échapper, s'élever et butiner dans l'air avec légèreté. Le mouvement central rassemble, au contraire, tout un potentiel expressif imaginaire et sous jacent. C'est une sorte d'accompagnement où le chant ne parvient pas à jaillir mais doit s'imposer par le phrasé. Celui-ci éclatera dans le final sous forme d'un jet de poussière exalté. Né en 1953 à Perpignan, Daniel Tosi est aujourd'hui compositeur et chef d'orchestre. Il obtient six premiers Prix au CNSM de Paris. Parallèlement, il accomplit des études à la Sorbonne où, après avoir réussi l'agrégation, il obtient un doctorat es lettres du Troisième cycle (mention Très Bien). Titulaire également de deux Certificats d'Aptitude (Analyse et Direction des Conservatoires Nationaux de Région), il occupe un poste d'inspecteur à la Direction de la Musique et entreprend un travail pédagogique selon sa triple activité de composition, recherche et direction d'orchestre. En 1983, Daniel Tosi obtient le Prix de Rome. Pensionnaire de la Villa Medicis jusqu'en 1985, il reçoit cette même année le prix Georges Enesco décerné par la Sacem. En 1986, il reçoit le Prix de la Villa Medicis Hors les Murs lui permettant de réaliser une oeuvre à l'étranger (Barcelone). En 1999 Daniel Tosi obtient la distinction d'Officier de l'Ordre des Arts et des Lettres et, plus récemment, reçoit le prix Claude Arrieu (décerné par la Sacem) Ses oeuvres sont régulièrement jouées dans de nombreux festivals de musique contemporaine (Paris, Rome, Strasbourg, Turin, Milan, La Rochelle, Bourges, Perpignan, Caen, etc) par des formations diverses ainsi que par des solistes renommés (Ensemble de l'Itinéraire, les Percussions de Strasbourg, le Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio France, l'ensemble Solars Vortices, TM +, Jean Lennert, Jean Geoffroy, etc) Outre ses activités de compositeur et chef d'orchestre, Daniel Tosi dirige le Conservatoire Perpignan Méditerranée depuis 1989. / Niveau : Difficile à Très Difficile / Répertoire / Violon et Marimba

Par BLACKWELL KATHY / DAVID. String ouvert morceaux et airs en utilisant l'empreinte digitale 0-1-34 Qualité des pièces originales du rock à la Calypso L'introduction minutieuse de nouvelles notes et les rythmes Simple et dynamique des insultes Easy Duets Gammes et arpèges dans les tonalités de G, D, et C majeur, une octave CD avec des spectacles de toutes les pièces pour jouer sur - le jazz et du rock ajouter drumkit Livre de piano simples accompagnements disponibles. Kathy Blackwell et David Blackwell Kathy Blackwell est un professeur expérimenté chaîne itinérant, qui enseigne actuellement en privé après plusieurs années de travail pour l'Oxfordshire County Council. Elle a un intérêt particulier dans l'enseignement du violon et l'alto à de jeunes enfants, à la fois individuellement et en groupes. Sa détermination à trouver les meilleurs morceaux - bien écrit et accessible, mélodieux et accrocheur - conduit directement à la création du violon / alto / violoncelle séries chronologiques. David Blackwell a étudié la musique à l'Université d'Edimbourg, depuis quand il a poursuivi une carrière dans l'édition musicale, d'abord à ABRSM, où il devient directeur de la rédaction, puis à Oxford University Press, où il est maintenant chef de l'édition de musique. Il est co-éditeur de OUP In the Mood: 17 Jazz Classics pour les Chorales et chants de chorales d'5, et a publié un certain nombre de dispositions simples chorale. Il est co-auteur avec son épouse primés de la série OUP cordes, violon / alto / violoncelle Temps, qui ont remporté deux fois le prix MIA pour la meilleure publication pour l'éducation Kathy./ Recueil / Violoncelle

35 Chansons de la scène de Broadway. Un trésor de chansons de théâtre musical dans leurs clés originales, sélectionnés par la voix. Pour les chanteurs aspirants et professionnels qui aiment à Broadway, bibliothèque de théâtre du chanteur d'Alfred Musical présente un élégant collectiohe plus aimés du théâtre musical chansons dans leurs clés originales, authentiquement transcrits de leurs scores vocales originales. Parfaite pour l'étude et aussi propice pour les auditions de la plus importantes et plus encore...Ensorcelés, dérangés et perplexe (de Pal (Rodgers and Hart) - proviennent de mon jardin (le Jardin Secret) (Simon and Norman) - Falling in Love with Love (à partir de The Boys from Syracuse) (Rodgers and Hart) - quarante jours (à partir de Passion) (Stephen Sondheim) - vert Finch et Linney Bird (à partir de Sweeney Toddphen Sondheim) - Hangin ' autour de vous (à partir de Strike Up the Band) (George and Ira Gershwin) - comment pourrais jamais savoir (du Jardin Secret) (Simon and Norman) - le coeur humain (à partir de jadis sur cette île) (Flaherty and Ahrens) - Je ne peux pas Faire du soleil (à partir de b / Pop & rock / Recueil / Soprano et Piano

Par PEPIN CAMILLE. Lorsque j'ai commencé à écrire la pièce, c'est le timbre du marimba d'Adélaïde Ferrière qui a été l'élément déclencheur de mon inspiration. En effet, j'ai immédiatement associé ce timbre aux estampes des pluies d'été du peintre japonais Hasui Kawase (1883-1957). Pour ces images de pluie qui tombe, j'ai alors imaginé des sonorités percussives pour et autour du marimba. Ainsi sont nées les premières mesures de la pièce comme les premières gouttes d'une averse naissante. Comme pour la technique de l'estampe qui consiste à sculpter dans le bois en utilisant des blocs de couleurs différentes, j'ai conçu la matière sonore comme un ensemble où les trois instruments sont étroitement entremêlés. C'est le mélange de ces trois instruments qui donne à l'oeuvre une ambiance sonore particulière, teintée de modalité et de musique traditionnelle. Dans ces estampes, il y a de nombreux jeux de lumières, des reflets des paysages dans les flaques l'eau, des ombres... Le contraste des couleurs entre les temples au rouge éclatant et les couleurs plus froides du ciel ombragé ou des paysages aux verts très doux est très fort. J'ai alors voulu retranscrire toute cette palette de couleurs possibles au sein de cette formation. Pour se marier au timbre du marimba, j'ai utilisé les sonorités boisées (col legno battuto) et percussives (pizzicati, pizz. Bartok) du violon. Le piano, quant à lui, apporte quelques touches impressionnistes de couleurs, de brouillard résonnant avec l'utilisation de la pédale, de nappes liquides, ou encore de cloches. Joués en harmoniques au violon, certains motifs mélodiques aux sonorités modales rappellent la flûte shakuhachi et la musique traditionnelle japonaise. Toujours basée sur le même motif rythmique, l'oeuvre est un véritable moment pulsé et dansant. Aussi, sur ces estampes de Kawase, il n'y a souvent qu'un personnage - et parfois aucun. Vu de dos et placé au bord de l'image, il semble isolé et cela confère au dessin une certaine mélancolie. C'est cette mélancolie qui m'a inspirée pour le passage plus lyrique du violon - véritable point culminant de l'oeuvre - comme emporté par un déluge avant de s'éteindre et de retrouver les sonorités douces et apaisantes d'une pluie d'été. L'oeuvre est dédiée aux interprètes qui en feront la création : Adélaïde Ferrière (marimba), Hildegarde Fesneau (violon) et Célia Oneto Bensaïd (piano) en été 2018. / Contemporain / Répertoire / Violon, Marimba et Piano

Par DOBSON SIMON. Little Hymn was composed by award-winning composer Simon Dobson (b.1981) to provide an alternative to the traditional hymn tune settings that provide one of the foundations of the brass band repertoire. This simple, haunting melody begins on a brass quartet without cornets. The full band joins for the second part, which rises to a richly textured climax before receding to a quiet, reflective close./ Recueil / Brass Band

Unlock the secrets of improvising in traditional American fiddle styles with this Grammy-nominated stage and studio master. In only ten years as a professional musician, Jim Van Cleve has made quite a name for himself in bluegrass and acoustic music. He's spent time with Doyle Lawson and Quicksilver, saw his debut solo CD nominated for a Grammy and toured all over the world with Mountain Heart. He's become a sought-after Nashville session player and one of the most admired fiddlers in bluegrass. Jim covers many things on these 2 DVDs, but they really break into three sections. After some discussion about early learning experiences, AcuTab's John Lawless leads Jim through a discussion on improvising and building solos on a number of popular bluegrass standards. Two songs, Banks of The Ohio and Pretty Polly, are each played and demonstrated in 3 different keys. Before demonstrating the tunes, Jim breaks down the scale and common positions for each key in turn. He shows where to find the melody, and where adjacent double stops are located, as well as licks and phrases that suit each song. Attention is given to both playing a melody-based solo and what a fiddle can do to assist the band sound in accompaniment. He also carefully teaches four songs he has recorded - three of his own (Nature of the Beast, Devil's Courthouse and #6 Barn Dance) plus Bill Monroe's classic Wheel Hoss. After being slowly demonstrated lick-by-lick, they are each shown (fast and slow) in a split screen orientation. A printed booklet with standard notation for each of these songs is included. Two screen orientations are available for the split screen sections, based on whether the left or right hand is of greater interest. Simply switch between them using the Angle key. Over 4 hours of instructiona on 2 DVDs. / Violon (Traditionnel) / 240 pages / niveau : Débutant / 2-Dvd Set - Format: 7,5 X 5,25

Par NAUDOT JACQUES-CHRISTOPHE. Oeuvre XI. Edition : L'Auteur, Boivin, Le Clerc, s.d. (= c. 1737)Ces concertos pour flûte furent les premiers publiés en France. Cette musique d'inspiration italienne et de bonne qualité - a l'avantage de pouvoir être interprétée à sept musiciens. La partie de flûte solo est une véritable partie de soliste. Le premier violon a également un rôle intéressant.Présentation de Mi-Sung Kim et Emilie Stahl (CeFEdeM Île-de-France) : Vie et oeuvre de Naudot / Niveau : Facile / Répertoire / Instruments Divers et Basse Continue (Fac-similé)

12 pièces pour marimba solo. Basées sur le style de 'Choral' elles ont été spécialement composées pour développer la pratique du roulement dans l'interprétation des trémolos dans les premières études au marimba.Since Lin Chin Cheng starts his music journey from Taiwan to Australia and from Australia to Belgium, he has represented several important concerts such as performances in Australia and performed for culture exchange with China and Singapore group. He played his first debut recital in Taipei 2002, joined the 'BA-DA Boom percussion group' and was a training ship of 'KARAK percussion duo'. He participated in the Queensland Conservatorium Symphony Orchestra touring in Queensland. He was invited to play a showcase concert at the 'Australian Percussion Symposium 2003'.Lin became the European Soloist 2007 at the '4th European Soloist Competition' in Birmingham 2007, and he has received extra both the 'performance choice award' and the 'best marimba award'. He is gaining International recognition since he became at the age of 19 years a laureate of the International Marimba Competition Belgium 2004. Praised for his outstanding musicality and remarkable presentation at that age, he also received the 'Young Talent Prize' award. He also received the 'Third prize' of the International Competition of Contemporary Chamber Music in Poland, the 'Talent Prize' of the Universal Marimba Competition Belgium 2007, the 'Culture Outstanding Award' in the Taiwanese Artist Festival 2006, the 'second prize' of solo marimba and the 'First prize' of marimba duo in APSandE 2003, and the 'First prize' of solo marimba and the young encouragement prize award at the Australian Percussion Eisteddfod 2002.Lin has been invited for master classes and several international festivals in more then 15 countries such as: the International Film Festival in Brussels, the Festival der Voorkempen, the 7th Valencia International Percussion Festival, the 6th International Festival Marimbistas in Chiapas, the International Percussion Ensemble Week, the Universal Marimba Festival Belgium and many European percussion days. In addition, he has taught in several universities - Griffith University Queensland Conservatorium, University of Chiapas, University of Patagonia, La Corunna Professional Conservatory and Hasselt Conservatorium. His composition 'Back to the time? has received the 'Originality Prize? at the Universal Marimba Competition Belgium 2007 and his works became a standard repertoire of international Marimba Competitions. Lin has studied marimba and percussion with Huang Kun-Yan, Guo Guang-Yuan, Gary France, Vanessa Tomlinson, Kevin Man, Eric Sammut and Leo Ouderits. He completed his study specialization marimba with Ludwig Albert and composition with Alain Craens at the Royal Conservatorium Antwerp, Belgium.Nowadays, Lin Chin Cheng is a concert artist from Marimba Projects in Belgium and New Art Inc. in Taiwan and endorser of Resta mallets in France. He has released his first marimba solo album 'Silk Road? and cooperated as a guest artist in several international CD- and concert productions. / Marimba Solo

The Complete Guitar Player series has taught hundreds of thousands how to play and the accompanying songbooks have featured hits by Paul Simon, Elvis Presley, The Beatles, John Denver and many other top artists. Now these songbooks are available in super value omnibus editions like this one. The songs are still graded by ease of playing and everything is there... standard notation, Guitar chord boxes, full lyrics and even strumming patterns! Over 180 great songs! Perfect for all players and singers! The bonus CD contains backing tracks to 16 of the songs in the book. / Ligne Mélodique, Paroles Et Accords, Guitar Tab