Lorsque, en avril 1981, je jouai quelques-uns des 24 Caprices de N. Paganini au saxophone sopranino à Radio-France, j'imaginai réaliser une expérience trop personnelle pour mériter une large diffusion - l'exécution au saxophone de ces caprices me paraissait à l'extrême limite du possible.

Grande fut ma surprise lorsque, en 1989, Didier Vadrot, alors étudiant en première année au Conservatoire de Paris, joua semaine après semaine chacun de ces redoutables Caprices dans une version parfaitement conforme à l'original. Très impressionnés, les autres étudiants de la classe de saxophone mettaient leurs pas sur ce chemin ardu au cours des mois suivants. L'immense bénéfice que chacun a retiré de ce travail, sur le plan technique - grands intervalles, détachés, perfectionnement du suraigu - et musical - longs phrasés, souplesse de l'expression associée à une grande vélocité - m'a convaincu qu'il était temps de présenter ce travail à un plus large public.

Nous ne possédions pas à ce jour d'études transcendantes du niveau de celles proposées aux pianistes, violonistes, flûtistes. Après avoir travaillé les études de Mule, Loyon, Lacour, Bozza, Samyn et s'être déjà largement familiarisé avec le registre suraigu, tout saxophoniste peut se mesurer avec ce monument que Niccolo Paganini ne dédie pas aux violonistes, mais aux artistes !

Claude Delangle, Professeur au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris Contenu : Compositeur/Auteur : PAGANINI Niccolo Discipline/Instrument : saxophone solo Collection : Delangle Claude Support : Partition Style/Genre : classique Date de parution : juin-93 Nombre de pages : 40

Transcriptions et analyses par Armand Reynaud et Jérémy Brun

Je suis honoré d'écrire quelques mots à propos d'un des plus grands pianistes, Kenny Barron. Il a été une figure importante de la scène New Yorkaise durant quarante ans et il fait partie de l'élite des pianistes de jazz dans le monde.
J'ai tout d'abord rencontré Mr Barron en 1977 dans un haut lieu du duo piano/basse, au Bradley's, dans Greenwich Village. Je l'ai entendu à Cincinnati (dans la ville où j'habitais) en 1974 avec le Quartette de Yusef Lateef et fus très impressionné. Au Bradley's, il était chaleureux et a été très encourageant avec moi, pianiste de 21 ans récemment arrivé à Big Apple (New York). Le moment venu, il me laissa m'asseoir avec son bassiste, le grand Buster Williams - ce fut un réel plaisir.
Lorsque j'ai commencé à réaliser des CD pour le bénéfice de Classical Action : Performing Arts Against AIDS, dans le début des années 90, je lui ai demandé de participer au second enregistrement Fred Hersch and Friends : The Duo Album en jouant un duo avec moi. Cette organisation collecte des fonds vraiment nécessaires pour les services de personnes atteintes du Sida et la prévention. Kenny, sans attendre, donna de son temps et joua magnifiquement. Il apparaît aussi sur le disque suivant, The Richard Rodgers Centennial Solo Jazz Piano Album .
Nous avons également joué à deux pianos à New York au Town Hall et deux fois au Jazz Standard, pour mon plus grand plaisir. C'est un partenaire merveilleux et compréhensif, disposé à tout essayer. Bien qu'il soit difficile de l'identifier, et je ne veux le mettre dans aucune sorte de boîtes, je perçois son style comme étant en grande partie influencé par McCoy Tyner (les lignes longues et claires) et Tommy Flanagan (le phrasé et l'utilisation de l'espace). Il a réussi à obtenir le statut rare de maître du jazz par la vertu de sa longévité, sa profondeur et sa musicalité. Nous partageons tous les deux une passion pour la musique de Monk, Strayhorn et de l'American Popular Songbook et nous sommes tous les deux de grands partisans de l'idée de rendre ce que nous avons absorbé en enseignant aux jeunes pianistes et en devenant leurs mentors.
En plus, il a une personnalité chaleureuse et engageante - il est d'un grand soutien, a un grand sens de l'humour et une attitude posée. Je suis très heureux que ce livre puisse apporter un éclairage sur le parcours du pianiste Kenny Barron - je suis sûr que cela sera d'une grande valeur musicale et historique pour tous ceux qui suivent l'évolution du piano jazz. / Jazz / Partition /

Approche De L'Improvisation. Par ALLERME SOPHIE / NEIDHARDT NICOLAS. Contenu : Chapitre 1 - Approche philosophique Chapitre 2 - Préparation à l'improvisation Chapitre 3 - Début de l'improvisation Chapitre 4 - Apprendre le chiffrage américain Chapitre 5 - Créer ses propres accords Chapitre 6 - Un certain Anatole Chapitre 7 - Enrichissement des accords Chapitre 8 - Le retour des touches noires Chapitre 9 - Modulons ! Chapitre 10 - Déjà fini ? Chapitre 1 - Approche philosophique 1. Questions et réponses N.N. : Sophie, pourquoi l'improvisation t'intéresse-t-elle aujourd'hui ? S.A. : Ayant appris la musique dans un cadre classique, j'ai acquis un bon niveau technique qui me permet d'aller vers un large répertoire mais avec le support de la partition. J'ai toujours eu le désir d'aller vers la musique jazz et improvisée, mais elle me semblait inaccessible... Aujourd'hui je veux aussi pouvoir m'exprimer librement sur mon piano. Et toi, comment as-tu abordé l'improvisation et pourquoi souhaites-tu la partager aujourd'hui avec d'autres ? N.N. : Je suis arrivé à l'improvisation par le jazz. Ayant atteint un assez bon niveau technique, l'improvisation m'offrait un mode d'expression correspondant d'avantage à ma sensibilité. J'aimerais communiquer cette approche à ceux qui sont à la recherche d'un 'deuxième souffle' et qui ont envie d'explorer des territoires inconnus... Qu'est-ce qui te paraît le plus difficile dans la musique improvisée ? S.A. : Je pense que le plus difficile est de se lancer, d'oser aller vers l'inconnu et de laisser entre parenthèses le langage musical appris et ancré depuis des années. Quelle est pour toi la différence essentielle entre la musique improvisée et la musique écrite ? N.N. : C'est comme la différence entre raconter une histoire existante et en inventer une ! L'improvisation est une rencontre et un dialogue avec soi-même nous poussant à être notre propre juge et public à la fois. La musique écrite se base sur l'interprétation personnelle d'une oeuvre existante alors que l'improvisation ouvre la porte vers la création individuelle et me paraît être une expérience importante à partager. 2. Avant de commencer : Cette méthode se veut différente par son approche et son contenu. Ainsi vous allez apprendre à 'désapprendre' et vous progresserez dans un monde musical que vous aurez construit vous-mêmes. Contrairement au travail continu avec une partition, un métronome et un professeur, votre apprentissage fera appel à votre oreille, votre mémoire et vos émotions. Le but est de profiter des acquis et de revenir à la simplicité, l'improvisation n'est pas une démonstration technique. Les exercices 'A vous de jouer'... pourront être répétés plusieurs fois, mais les résultats obtenus seront tous uniques car ils sont... improvisés ! Un CD Audio vous accompagnera tout au long de cette méthode. Les exemples sonores vous serviront de repère et de modèle. Nous vous proposons d'écouter les plages 1 et 2 du CD audio : les morceaux que vous allez entendre sont des exemples d'improvisation qui seront bientôt à votre portée... Et maintenant A VOUS DE JOUER : / Niveau : Assez Facile / méthode - études / Méthode / Piano

Par PEPIN CAMILLE. Il s'agit d'un cycle de mélodies pour mezzo-soprano, violoncelle et piano - commande de l'Association Olivier Messiaen au pays de la Meije - dédié à Anne Le Bozec, Yan Levionnois et Fiona McGown. Ce choix autour de la danse m'est venu à la lecture de cette phrase du poète américain Ezra Pound (1885-1972) - chef de file du mouvement imagiste et moderniste - dans son ABC of Reading : 'Music begins to atrophy when it departs too far from the dance... poetry begins to atrophy when it goes too far from music ('La musique commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la danse... La poésie commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la musique'). C'est cette phrase qui m'a inspirée pour les Dancing Poems. Les quatre mélodies de ce cycle ont été composées d'après les poèmes At the still-point de Thomas Stearns Eliot (1888-1965), Slow Movement de William Carlos Williams (1883-1963), To a child dancing in the wind et Those dancing days are gone de William Butler Yeats (1865-1939). Véritablement pensée avec un rapport au corps, ma façon de concevoir le rythme est plus spontanée qu'intellectualisée. J'ai besoin de sentir intérieurement une rythmique - corporellement - avant de la coucher sur le papier. Musique et danse sont ainsi intimement liées. Pour moi, composer, c'est quelque part le point de rencontre entre la musique, la danse et la poésie - le point où chacune de ces disciplines est indissociable l'une de l'autre. Aussi, mon choix s'est porté sur la littérature anglo-saxonne, que Fiona McGown pratique à merveille et qui en fait ressortir toute la musique des mots. J'ai alors imaginé son timbre magnifique entremêlé à celui du violoncelle - instrument que j'aime tout particulièrement. Dans tout le cycle, l'enjeu a été de créer une ambiance intime et lumineuse. Les couleurs et les timbres se mélangent de manière à créer un halo sonore résonnant et flottant autour ces trois instruments. Ainsi, le halo contribue à recréer ce point particulier de rencontre entre la musique, la danse et la poésie - un point hors du temps libéré des tensions du monde. Le cycle est également imprégné de rythmes répétitifs et dansants, et les mélodies sont construites sur des formes simples utilisant des refrains. Cela confère à l'ensemble une couleur populaire, propre à l'expression de la danse. La première mélodie, At the still-point, cherche à retranscrire cet état de transe par un accompagnement répétitif où piano et violoncelle se mélangent pour créer une texture planante. Il est conçu comme un moteur essentiel au sein duquel le mouvement est toujours présent. Sa répétition permet toutefois de conserver une immobilité apparente. La voix, sensuelle, se déploie sur ce tapis sonore brumeux et flottant. Point d'équilibre fragile, ce still point n'est donc ni en suspens, ni en mouvement : il est les deux à la fois. C'est le moment où le temps s'arrête et où nous nous retrouvons immergés dans nos propres mondes. J'ai imaginé certains vers comme un refrain, rappelant régulièrement l'équilibre subtil et délicat de ce still point. La seconde mélodie, Slow Movement, est le mouvement lent du cycle et évoque les souvenirs - ces trésors que l'on peut enfermer une boîte. J'ai donc choisi d'utiliser la voix parlée. Seuls le début et la fin sont fredonnés (éteint, sans timbrer) comme un écho au thème de violoncelle. Violoncelle et piano prennent tour à tour la parole pour chanter l'expression des mots déclamés dans ce numéro. Les deux dernières mélodies évoquent successivement l'enfance et la vieillesse. To a child dancing in the wind décrit un enfant dansant sur le rivage, insouciant des sons menaçants qui l'entourent. Le fracas incessant des vagues, les hurlements du vent, ou encore les gouttes d'eau salée qui perlent de ses cheveux sont autant d'images des évènements de la vie qui nous assaillent. Le rugissement du vent et le déferlement des vagues semblent être une allusion aux injustices et au désordre de la vie ('L'amour est perdu aussitôt qu'il est gagné et l'imbécile triomphe'). Toutefois, l'imbécile peut être une personne motivée par l'amour et ne se souciant pas du reste. 'Le meilleur ouvrier est mort', mais il était peut-être le meilleur parce qu'il a travaillé avec amour. Ce poème parle donc à la fois de l'insouciance de l'enfance, et de l'expérience de la maturité. J'ai choisi de transcrire en musique cette insouciance de l'enfant qui danse, cette incarnation de la vie dans le moment présent, en un véritable moment vif et dansant. De plus en plus apaisée, la danse s'achève et nous ramène à la réalité du monde adulte avec la dernière mélodie du cycle. Ici, Yeats fait allusion aux moments heureux qui ont pris fin. Les jours dansants sont terminés. L'épouse et les enfants ont disparu. Un corps enveloppé dans un haillon sale évoque aussi bien la mort que l'éclat de vie perdu. La boucle rythmique utilisée traduit avec mélancolie et sensualité les heureux jours disparus. Les vers 'I carry the sun in a golden cup, the moon in a silver bag' à la fin de chaque strophe sont utilisés comme un refrain. Ils portent à la fois l'idée du rayonnement du soleil comme éclat de vie et de l'ombre de la lune qui tombe délicatement dessus comme un voile mystérieux. Mais peu importe que la mort arrive car l'on peut toujours danser et chanter. Jusqu'à notre dernier souffle. / Contemporain / Répertoire / Mezzo-Soprano, Violoncelle et Piano

Par MORGANSTERN DANIEL. Pratique pour la Performance fournit une vue rare et intime en toolkit personnelle de l'artiste très attentionné et réussie. Défini dans le contexte de sa propre histoire personnelle de la croissance en tant qu'interprète, violoncelliste Daniel Morganstern (violoncelle solo de l'opéra lyrique de Chicago et de l'American Ballet Theatre au Metropolitan Opera House à New York) affiche une honnêteté rare en discutant des problèmes que lui face à différents point de sa carrière et les façons de les résoudre. Les découvertes déroulent judicieusement dans un fascinant compte des expériences avec de nombreux artistes remarquables dont les commentaires et exemples en forme de pensée de l'auteur. Ces idées ne doivent ne pas être trouvé dans tout autre traité sur le sujet de la préparation musicale. Les exemples dans ce livre, musical et non musicaux, offrent une Fondation pour aider à évoquer instinctives réponses musicales dans les processus mécaniques de jouer du violoncelle et ont été appliqués avantageusement à d'autres instruments, y compris la voix. / Niveau : Débutant à Intermédiaire / All Styles - Technic / Recueil / Violoncelle

L'Orchestre philharmonique de Berlin a non seulement vu et transporté sa part de l'histoire mouvementée de sa ville natale. L'un des plus importants orchestres de concert du monde, il est, en outre, devenu un excellent Ambassadeur de la culture.Herbert Haffner raconte l'histoire de l'Orchestre philharmonique de Berlin - de leur formation en 1882 de la Kapelle de Bilsesche (bande de Bilse) par le biais de la période d'inflation, deux guerres mondiales, le pont aérien de Berlin et la réunification allemande jusqu'à nos jours. Il ne cache pas les crises économiques et personnelles, montrant que le développement de l'orchestre reflète les circonstances sociales et politiques de l'époque. L'Orchestre philharmonique est presque aussi fort, marquée par la réorientation continue vers ses principaux chefs, de Hans von Bülow via Arthur Nikisch, Wilhelm Furtwängler, Herbert von Karajan, Claudio Abbado à Sir Simon Rattle.This n'est pas seulement un livre sur la musique, mais aussi une contribution divertissante à l'histoire culturelle de l'Allemagne... / Divers

Par TOUBIANA MARC. sélectionnées et retranscrites par Marc Toubiana Cette sélection de morceaux a pour but de vous présenter une partie de la diversité des musiques traditionnelles et populaires des pays d'Europe orientale. Pour chaque morceau, lorsque je l'avais, j'ai indiqué la référence de l'enregistrement utiliséla transcription, afin que les personnes intéressées puissent se procurer l'enregistrement. Pour les chansons, les parties chantées ont été écrites avec le minimum d'ornementation afin de laisser du champ à l'interprétation. En revanche les danses etitournelles (passages instrumentaux entre les parties vocales) ont été notées avec la plus grande précision rythmique en ce qui concerne les ornements. Les ritournelles ont été signalées par l'abréviation: 'RIT'. A la veille de l'unification de l'Eur'espère que cet ouvrage donnera envie d'approfondir l'étude de ces musiques en allant les écouter sur place (et pourquoi pas en se procurant le volume deux actuellement en préparation). Tsigane, Chants Yiddish Instrumentaux Klezmer, Albanie, Arménie,/ Recueil / Chant et Guitare

Par RIDGLEY SARA / MOLE GAVIN. Ce spectacle crée un voyage musical à travers les dix derniers siècles, mettant en vedette les contes de ce qui est vraiment arrivé aux caractères tristement célèbres de nos livres d'histoire. Les caractères de la tapisserie de Bayeux à la nuit - 11th century Britain avec le 'Equipage Doomsday' - Thomas ringot dans la cathédrale de Canterbury - roi Jean et la Magna Carta - la peste noire bascule EuAvailablee - l'insaisissable Robin des bois dans la forêt de Sherwood - Geoffrey Chaucer des recherches sur son prochain livre - Jeanne d'Arc à son procès pour sorcellerie - les six reines d'Henri VIII - Guy Fawkes, la révolution industrielle de l'agent - du capitaine Cook autour des voyages du monde - de non réussie d'espionnage et de l'ère victorienne - les personnes évacuées du monde Guerre II - jusqu'à, les développements technologiques du XXe siècle. Le spectacle est convenable pour clé étapes 2 et 3, pack inclut: CD de sauvegarde de pistes - CD de spectacles plein - idées sur la zone de transit, de collecte de fonds, publicitées et générales des fonctions dans les coulisses. / Pédagogie / Date parution : 2005-05-27/ Recueil / Chant

Cette série comporte pratiques 6 'x 9' livres avec les paroles complètes et symboles d'accord ci-dessus les paroles de dizaines de grandes chansons. Chaque morceau comprend aussi les grilles d'accords en haut de chaque page et les premières notes de la mélodie facile à consulter. Ces livres sont parfaits pour les personnes qui ne lisent pas la musique mais qui veulent accords Jouez et chantez, et sont également idéal pour les plus avancés, joueurs de ukulélé musique-lecture qui ne se sentent pas comme patauger dans la note pour note notation. / Ukulélé

Par DAHL GARY. Cet ouvrage est conçu pour la personne qui peut ne savent rien de musique et n'a eu aucune formation antérieure d'accordéon. Inclus avec le livre afin de faciliter le processus d'apprentissage est un enregistrement d'enseignement par l'auteur ! Cet outil efficace d'enseignement exceptionnel sera de motiver et de guider l'élève débutant de base familiarisation accordéon et de la théorie de la musique d'obtenir rapidement des résultats en jouant des chansons comme Scarborough Fair et Ode à la joie ! L'instrument de la taille minimale de cette percée livre d'enseignement est un accordéon basse 80. -Conçu pour les débutants plus inexpérimentés. Comprend un enregistrement d'enseignement par l'auteur. -Guides de l'étudiant de la théorie fondamentale de familiarisation et de la musique, à l'apprentissage des airs.Comprend Scarborough Fair et Ode à la joie - accordéon de taille Minimum : 80 piano basse / Niveau : Débutant / All Styles - Methods / Méthode / Accordéon ou Clavier