SKU: BT.PS1606

ISBN 9788888003993.

Fare musica con i bambini della Scuola d’Infanzia e i primi anni della Primaria è un’avventura che riserva continue sorprese e momenti di gioia. Talvolta, tuttavia, può capitare che gli occhi di chi si ha di fronte non brillino come si vorrebbe; eallora serve una soluzione, una tattica, un’idea che possa smuovere e coinvolgere anche il bambino o la bambina più reticente.Giocando a fare musica tra Infanzia e Primaria mira proprio a questo: fornire materiale che si presti a svariati tipi di attivit , permettendo al docente di personalizzare le proposte in funzione del gruppo in cui opera e far sì che ogni alunno possaesprimere tutto il suo potenziale.Molte attivit sono impostate sulla voce, strumento principe per l’educazione musicale. Ma lungo il percorso vi sono anche attivit operative per lo sviluppo del coordinamento motorio e dell’espressione corporea, fondamentali per l’acquisizione diquella consapevolezza che render il bambino più sicuro di sé, più armonico nel rapporto tra corpo e mente. Si affrontano poi temi relativi all’educazione alimentare, ambientale, al recupero delle tradizioni locali e, infine viene dato molto spazioall‘improvvis azione vocale, strumentale, corporea, così importanti nel linguaggio infantile. Il tutto sperimentato e collaudato dall’autore in diversi contesti educativi.Il CD contiene i sedici brani utilizzati nel progetto, cantati dall’autore manifestando tutta la sua particolare vena interpretativa e il suo amore per l’educazione musicale, e le basi su cui cantare, suonare, recitare, ritmare, muoversi,improvvisare, creare… giocando a fare musica.Un sussidio importante per chi opera nella Scuola d’Infanzia e Primaria, esposto con chiarezza e strutturato per essere perfettamente fruibile da chiunque, compresi coloro che sono privi di competenze musicali specifiche.

SKU: UT.DM-31

ISBN 9790215305694. 9 x 12 inches.

È ormai un dato acquisito che la pratica della musica d’insieme rappresenti un’importante e indispensabile esperienza in grado di favorire una corretta e completa formazione musicale. Nei Conservatori di Musica è prevista la frequenza obbligatoria di questa disciplina solo dal quinto anno di strumento. È a partire da quel momento che lo strumentista incomincerebbe a possedere i requisiti necessari per poter iniziare a suonare insieme agli altri: e cioè una buona tecnica strumentale, una corretta intonazione, un bel suono, ecc.
In realtà anche in Italia sono ormai molte le Scuole di Musica (pubbliche e private) che, invece, propongono da subito questa attività ai giovanissimi allievi dei corsi di propedeutica strumentale e di propedeutica musicale generale.
Non è infatti indispensabile possedere grandi abilità tecniche o avere già maturato una perfetta intonazione: l’importante è che il bambino possa incominciare da subito ad esprimere la propria musicalità concentrando l’attenzione anche su pochi elementi, pochi suoni, e possa soprattutto, nella continua interazione con i propri compagni, sviluppare l’abitudine di ascoltare se stesso in rapporto al contributo degli altri e al risultato di insieme.
Il piccolo allievo avrà così la possibilità di potenziare il senso ritmico, la percezione melodica, la memoria musicale, la lettura, le capacità analitiche, compositive e interpretative; e potrà inoltre sviluppare il rapporto con il proprio strumento migliorando l’intonazione, la postura, il modo di respirare (e il problema non riguarda solo gli strumenti a fiato), ricercando diverse modi di produzione del suono: d’altra parte è proprio imparando ad ascoltare gli altri, attraverso una disciplina fatta di autocontrollo e concentrazione, che può maturare l’ascolto critico del proprio suono e dunque lo sforzo per migliorarlo. Anche solo l’esecuzione di una melodia all’unisono, se fatta in un gruppo d’insieme, può così diventare motivo di gratificazione e di stimolo per la crescita musicale dei giovanissimi allievi e può nello stesso tempo assumere una forte rilevanza formativa, anche in quanto esperienza socializzante.
I primi strumenti comunemente utilizzati all’interno dei corsi di propedeutica musicale sono, com’è noto, quelli dello strumentario Orff. In genere solo in un successivo momento (di solito dopo circa un anno) il bambino inizia parallelamente anche lo studio di uno strumento musicale sotto la guida di un insegnante con competenze strumentali specifiche. L’approccio iniziale con lo strumentario didattico è sicuramente semplice e immediato: senza problemi di intonazione l’esecutore può concentrarsi direttamente sulla tecnica esecutiva e sul fare musica insieme. È vero però che gli strumenti musicali tradizionali con le loro ben più ricche e interessanti caratteristiche timbriche, possono ancor più stimolare la fantasia del bambino e dunque motivarlo nella ricerca di nuove possibilità sonore.
La proposta di utilizzare entrambe le tipologie strumentali può allora rappresentare un valido accorgimento per un percorso metodologico veramente completo e in grado di agevolare una corretta e approfondita crescita musicale.
È per questo che al primo quaderno dedicato alla musica d’insieme per strumentario Orff ne seguirà un secondo, nel quale verranno proposte altre facili partiture che richiederanno anche l’utilizzo degli strumenti tradizionali.
Le partiture qui raccolte, da me trascritte ed elaborate, sono il risultato di un’esperienza decennale maturata all’interno dei corsi di propedeutica degli Istituti musicali pareggiati di Carpi e Reggio Emilia. I brani si susseguono secondo un ordine di difficoltà crescente e sono presi dal repertorio popolare internazionale e classico. Il quaderno si rivolge a bambini di 8-12 anni, ma può essere utilizzato anche nelle scuole medie inferiori o a indirizzo musicale.
È consigliabile che il gruppo di musica d’insieme sia costituito da non più di 10-12 esecutori, con la possibilità di raddoppiare le parti principali.
Si è scelto di non scrivere le singole parti strumentali affinché l’allievo possa prendere da subito l’abitudine a leggere in partitura.
Inoltre si è preferito non adottare la diteggiatura dello strumentario a piastre per dare maggior chiarezza ritmica alla partitura e nello stesso tempo per lasciare più libertà nelle modalità d’esecuzione.
Le parti pianistiche sono per la maggior parte abbastanza facili, adatte ad essere suonate da allievi principianti.

SKU: BT.PS0906

ISBN 9788888003429.

SKU: BT.PSM0906

Italian.

SKU: BT.PS1805

SKU: BT.PSM2006

Italian.

SKU: BT.PS1607

ISBN 9788899849009. Italian.

Il manuale del piccolo pianista è un nuovo metodo per lo studio del pianoforte rivolto a tutti i bambini, compresi quelli in et prescolare. Considerando la natura giocosa, esplorativa, inventiva dei bambini, il libro si propone come naturale sussidio per svilupparne adeguatamente tutte le potenzialit creative ed espressive. Le varie attivit e i brani proposti sono stati ideati per stimolare il bambino a giocare con i suoni, a toccare e a esplorare il pianoforte in diversi modi e a esprimere con i suoni la realt , le sensazioni, le emozioni e tutto il suo immaginario. Prospettando da subito l’esplorazione di tutta la tastiera e proponendo effetti sonori ricavati da particolaricombinazioni di tasti (sia bianchi, sia neri), abbinate a titoli e illustrazioni che le descrivono, si creano le migliori condizioni per un approccio creativo, fantasioso e divertente con la musica, naturalmente senza trascurare la corretta impostazione fisica e metodologica che lo studio delle strumento richiede. Nonostante il ricco panorama di proposte didattiche indirizzate al pianoforte, Il manuale del piccolo pianista trova un suo spazio proprio per la sua originalit , gradualit , gradevolezza del percorso offerto, uniformandosi perfettamente con le esigenze del mondo infantile.

SKU: UT.DM-50

ISBN 9790215315266. 9 x 12 inches.

Il teatro d’opera, all’interno dell’intero patrimonio musicale del repertorio cólto, ma per dir meglio, all’interno del portato culturale che ha investito – tramite la sua nascita – dapprima l’Italia e poi l’Europa tutta, mantiene inalterato nel tempo un riconoscimento di grande valore.
In virtù di questo primato, un’attenzione particolare gli è conferita anche in questa sede, nella quale si è voluto condurre lo studente alla scoperta di tre importanti capolavori.
Diversamen te da quanto si sia portati a credere, l’opera non è unicamente repertorio per vecchi e canuti parrucconi, ma è spettacolo in grado di catturare anche un pubblico d’età scolare.
Attraverso le molteplici espressioni con le quali l’opera si manifesta (musica e parola su tutte, ma anche gesto e danza, insieme a gestione dello spazio scenico e della luce, elementi che definiscono tutti la complessa dimensione drammaturgica), il teatro d’opera si pone come spettacolo multimediale ante litteram capace come pochi di riassumere esemplarmente in un solo concetto rappresentazioni di pienezza e complessità culturale assai variegate.
Nel tratteggiare la ricchezza di un viaggio alla scoperta dell’opera, si potrebbe affermare che addentrarsi nelle narrazioni di un Figaro, di un Don Giovanni, di un Rigoletto sia un po’ come se da un solo assaggio si degustassero più sapori, come se si riuscisse a cogliere l’intero panorama solamente sbirciando da un foro. In questa operazione si possono identificare gli estremi di una visione ologrammatica della realtà, quella che ci consente di mettere in evidenza come una parte sia inscritta nel tutto, ma quanto il tutto stesso costituisca una parte. Questo apparente paradosso, che ci sembra possa essere rappresentato anche dal teatro musicale, è alla base di quell’atteggiament o che ci consente di evitare operazioni di riduzionismo e di semplificazione, e di aumentare invece i livelli di relazione e di complessità con le esperienze che ci accadono.

Il quaderno si rivolge ad allievi non digiuni dei primi rudimenti di alfabetizzazione sonora ed esplora – data la specificità della collana – soprattutto la dimensione musicale, anche se non tralascia di guidare all’indagine delle relazioni che la musica ha con gli altri linguaggi che costruiscono lo spettacolo.
Non è un caso, per di più, che ancora una volta e come costante metodologica che accompagna tutti i quaderni, ci si avvalga anche qui del segno, del gesto, della parola come strategie per la conoscenza dei mezzi espressivi e per l’esplorazione dei significati, tutti meccanismi necessari ad innescare un ascolto attivo.
La scelta di opere e autori si è imposta quasi naturalmente: Mozart, Rossini, Verdi sono ovunque riconoscibili come figure emblematiche del genere operistico. Nessuno potrebbe affermare di aver assaggiato la Sacher Torte senza essere stato a Vienna, così come nessuno potrebbe sostenere di aver assaporato l’opera senza aver avuto occasione di avvicinarsi a questi tre autori.
L’inten to del quaderno è dunque quello di fornire supporti all’allievo e all’insegnante per favorire scoperte, per far nascere curiosità.
Gli obiettivi del lavoro si perdono però a metà strada nel momento in cui non si ponga a conclusione del percorso la visione dell’opera.
Lâ €™auspicio e l’invito è dunque quello di uscire dalle aule e di recarsi, senza esitazioni, a teatro.
Il valore estetico e il potere seduttivo di un capolavoro sono in grado di disvelarsi talvolta senza che si operi nessun tipo di facilitazione (seppur la preparazione del campo, come questo testo vuole dimostrare, non sia certo operazione inutile); ma, quasi certamente, nessun magnetico incanto potrà fuoriuscire se ci si arresterà unicamente alle esperienze di queste pagine.

SKU: UT.DM-60

ISBN 9790215315907. 9 x 12 inches.

Seguendo la linea già_x001A_ tracciata nei primi due volumi, La chitarra di Dulcita e Pepito 3 conclude un ciclo finalizzato allâ??acquisizione da parte dellâ??allievo di un bagaglio musicale e tecnico di base che gli permetterà, in seguito, di affrontare con apertura e disinvoltura repertori più specifici e di livello più avanzato.
In questo terzo volume la mano sinistra si spinge fino al XII tasto, gli spostamenti della stessa sono più ampi e la scelta dei brani privilegia lo sviluppo della cantabilità_x001A_ e_x001A_delle sfumature espressive parallelamente a una più_x001A_ consapevole esplorazione della tastiera.
Il livello di difficoltà delle musiche è in linea di massima progressivo anche se, di tanto in tanto, qualche brano più_x001A_facile segue volutamente dei brani più_x001A_impegnativi per stemperare la sensazione di percorso _x001A_tutto in salita_x001A__x001A_e permettere_x001A_all_x001 A_allievo di acquisire padronanza dello strumento e sicurezza dei propri mezzi espressivi. Pur restando circoscritte al sistema_x001A_tonale, le sonorità_x001A_ sono piuttosto varie e contengono tocchi di modernità.
Così come avviene nei due volumi di primo e di secondo livello, La chitarra di Dulcita e Pepito 3 contiene anche specifici esercizi di tecnica e molti duetti nei quali le_x001A_due parti presentano livelli_x001A_ di difficoltà perlopiù_x001A_ simili e_x001A_ quindi possono, anzi dovrebbero, essere studiate e suonate entrambe dallâ??allievo.
Paral lelamente allo studio di questo volume,_x001A_è possibile ampliare il repertorio e approfondire la conoscenza dei diversi stili attraverso le antologie della collana Ciao Chitarra!!! dedicate al Rinascimento, al Barocco, al periodo classico-romantico, a quello contemporaneo e alla musica extraeuropea.

Sito Web: www.ciao chitarra.it

SKU: UT.DM-45

ISBN 9790215314207. 9 x 12 inches.

Questo metodo è rivolto a chi vuole intraprendere lo studio della tiorba avendo già qualche base di studi musicali e abbia almeno una base pratica su un altro strumento a pizzico. È rivolto anche ai liutisti/tiorbisti di ogni livello che vogliano migliorarsi. Si può anche iniziare lo studio della tiorba senza una precedente pratica strumentale ma, in particolare per i bambini, è preferibile iniziare lo studio con uno strumento a corde di dimensioni più ridotte.
Durante il periodo storico di maggior diffusione della tiorba, il Seicento, non sono stati scritti dei metodi per lo strumento così come li intenderemmo oggi.
Tra i vari manoscritti per tiorba compilati nell’epoca Barocca, però, alcuni contengono esemplificazioni utili allo studio (passaggi, cadenze, accordi e progressioni melodiche). Tuttavia questi scritti, spesso anonimi, contengono parecchi errori, e qualche volta non sono sistematici nella trattazione.
Inoltre il materiale musicale in essi contenuto a volte non è rilevante quindi, per l’insieme di queste ragioni, questi manoscritti non possono essere impiegati in toto come metodi per lo studio strumentale.
C’& egrave; poi un certo numero di trattati seicenteschi sul basso continuo destinati alla tiorba.
Questa produzione, insieme alle intavolature a stampa e i manoscritti musicali di cui parleremo qui di seguito, ha fornito il materiale di lavoro dal quale abbiamo cercato di trarre lo spunto per un percorso progressivo e sistematico.
Dall&rsqu o;inizio del Novecento ad oggi in Europa sono stati pubblicati diversi metodi per liuto, ma non per tiorba. Il repertorio per liuto solo è più vasto e potrebbe giustificare questo fatto, ma al tempo stesso la musica per tiorba ha caratteristiche molto diverse. È necessario, dunque, un approccio autonomo alle tecniche, al repertorio, al basso continuo.
Nel panorama editoriale, quindi, questo è il primo metodo dedicato alla tiorba.

SKU: UT.DM-17

ISBN 9790215301504. 8.26 x 11.69 inches.

Questo progetto è rivolto ai ragazzi della scuola media. Ritengo sia possibile realizzarlo all’interno di una classe di 20-25 ragazzi; diversamente si può anche ampliare l’organico utilizzando due classi, potenziando le singole parti, il coro e i personaggi, ma è opportuno tener presente le difficoltà che potrebbero sorgere nel coordinare un così vasto numero di persone con parti e ruoli differenti. Consiglierei l’utilizzo di un progetto del genere in ambito interdisciplinare (storia, educazione artistica, ecc.) per consentire una maggiore assimilazione del lavoro.
Per la regia darei solo delle indicazioni di massima, per i seguenti motivi: la riuscita del progetto è condizionata dall’ambiente in cui avviene la rappresentazione (aula, palestra, teatro) e dall’impostazione che i docenti vorranno dare. Trovo perciò inutile consigliare effetti scenici, costumi, (ad esempio ombre cinesi, maschere, pupazzi) o suggerire un’ambientazione storica piuttosto che un’altra se in realtà i mezzi esistenti sono assai modesti (poco spazio, molta luce, scarso materiale da utilizzare) o se un certo tipo di contesto non coinvolge il vissuto dei ragazzi. In questi casi l’insegnante potrà adattare il progetto alle varie esigenze della classe, badando comunque a non compromettere la struttura di base. È sufficiente una scenografia molto essenziale: un fondale abbastanza grande (per esempio delle lenzuola) sul quale poter dipingere la scena.
Per quanto riguarda la parte musicale, è preferibile che gli esecutori siano sempre in scena dall’inizio alla fine, ciò per evitare scollature o problemi di coordinamento con strumenti vari e con gli attori.
Gli esecutori possono rappresentare loro stessi in scena (fare cioè la parte dei musici) o indossare dei costumi da inserire nel contesto (alberi, animali, ecc.); a loro ovviamente è affidata anche la realizzazione dei rumori di scena (vento, acqua, tuoni, ecc.).
(Silvia Manca).

SKU: UT.LB-3

ISBN 9788881094462. 6.5 x 9.5 inches.

«Sono stata un?arpista attiva per mezzo secolo. Come tutti i miei colleghi, ho dovuto affrontare le difficoltà create dalla leggenda che l?arpa non abbia né musica, né storia.
Fortunatamente, nel corso della mia carriera, ho potuto constatare che questa diceria è infondata e ho cercato di mettere in risalto almeno una piccola parte dell?immenso repertorio antico e moderno di questo strumento considerato un Paria della musica.
Il lavoro è stato piano e diretto per i libri che ho scritto sulla musica d?arpa italiana e svizzera, perché basato su precisi titoli e frontespizi; la ricerca sarebbe stata ugualmente scorrevole per i libri che non scriverò sulla musica d?arpa francese, tedesca, austriaca, britannica, boema, spagnola, portoghese e scandinava.
Per la musica olandese il cammino è un po? diverso: i pittori, i trattatisti e gli storici sono i testimoni e le guide che aiutano a ritrovare gli usi e i costumi musicali nei quali l?arpa aveva una parte importante.
Il concertista in cerca di pezzi potrà utilizzare così questo libro: dopo i trattati (capitolo II), i dipinti (capitolo III), la storia e la cronaca (capitoli IV-VII), autori e musiche (capitoli VIII e IX), biblioteche ed editori (capitoli X e XI), arriverà all?indice secondo le formazioni strumentali (capitolo XII).
Potrà cominciare dal cercare, in quest?ultimo capitolo, gli Autori adatti al suo gruppo e al suo programma; ritroverà i relativi dettagli nei capitoli VIII e IX; otterrà i pezzi seguendo le indicazioni dei capitoli X, XI e XII; e buona caccia, buono studio, buone prove!
Nel cercare di stabilire che cosa sia olandese o non-olandese nella musica antica è stata seguita l?abitudine corrente di considerare patrimonio comune dei Paesi Bassi l?arte e la storia anteriori alla separazione delle "Sette Province" nel secolo XVI; e specificamente olandese tutto ciò che accadde in quei coraggiosi territori da allora in poi.»

SKU: UT.DM-30

ISBN 9790215305687. 9 x 12 inches.

La scelta di questo strumento come uno dei mezzi di conoscenza del linguaggio musicale (meglio sarebbe dire la sua riconferma, dato l’utilizzo assai frequente in molte scuole italiane), ha ragioni semplici e perciò tanto più convincenti: innanzi tutto il basso costo e un ingombro ed un peso minimi; in secondo luogo la facile comprensione e messa in pratica della tecnica d’uso oltre alla sua secolare tradizione ricca anche di repertorio originale; infine la possibilità dello strumento di costituire un valido sostegno all’intonazione e all’emissione vocale.
Per queste ragioni il testo presenta un breve itinerario, indispensabile al bambino per procedere con la lettura intonata e la tecnica strumentale.
Questo quaderno comprende un percorso graduale di avviamento allo strumento utilizzando il linguaggio tradizionale. Il lavoro qui raccolto ha come presupposto la consapevolezza di aver tralasciato quegli ambiti di espressione che non si avvalgono dei codici tradizionali, vale a dire quelle esperienze che presumono l’utilizzo e la conoscenza di repertori che si allontanano dal linguaggio tonale e che si esprimono attraverso altre grafie di codifica. In questa direzione il volume avrebbe avuto tutt’altra impostazione e, pur ribadendo l’importanza di un approfondimento dei terreni musicali meno battuti e della loro esplicitazione anche attraverso uno strumento forse poco flessibile ad esperienze di questo tipo (almeno per i principianti) come il flauto dolce, si è ritenuto di mettere a disposizione un itinerario strumentale che ha dalla sua una validità consolidata nel tempo.
Il repertorio, certamente non esaustivo, ha avuto come criteri di scelta quegli ambiti geografici e temporali che più hanno messo in evidenza le caratteristiche dello strumento. È per questo motivo che per i brani d’autore si è privilegiato l’ambito rinascimentale e barocco e per ciò che riguarda la provenienza geografica ci si è rivolti verso quelle tradizioni che hanno fatto del flauto uno strumento protagonista.
Per ciò che riguarda i brani d’insieme, ci preme sottolineare che le indicazioni degli strumenti non sono vincolanti poiché a tutti è nota la proverbiale carenza di attrezzature nelle scuole che impedisce l’utilizzo di diversi organici. Ogni insegnante si adatti quindi alle risorse che la scuola fornisce. Inoltre, le brevi strumentazioni dei brani proposti sono da considerarsi solo un supporto di completezza qualora si intenda dare forma più compiuta all’esecuzione. Il percorso, pertanto, può proseguire anche con la semplice esecuzione dei brani al flauto dolce senza il corredo delle elaborazioni per un organico più ampio.
Relativamente agli equilibri sonori e timbrici tra le parti, ogni insegnante li adatti in base al numero degli allievi delle proprie classi e degli strumenti disponibili. In linea generale è bene ricordare che, in fase esecutiva, una sufficiente intensità sonora si ottiene con almeno 5-6 flauti dolci, ma se il registro sale all’acuto possono essere sufficienti anche la metà. Un’utile strategia di lavoro può essere quella di decidere insieme agli allievi le possibilità di distribuzione numerica degli strumenti. Sostegno sempre indispensabile all’insegnante è uno strumento armonico (chitarra o pianoforte) utilizzato per accompagnare e sostenere le esecuzioni.
I brani qui raccolti serviranno di collegamento e supporto alle attività di esercitazione ritmica, melodica, armonica, vocale, di ascolto e di analisi delle forme, tutti temi approfonditi dagli altri quaderni della collana.

SKU: UT.QC-1

ISBN 9788881094509. 6.5 x 9.5 inches.

Saggi di Eva Badura-Skoda, Otto Biba, Federico Celestini, Andrea Coen, Dorothy de Val, Anselm Gerhard, Alberto Iesuè, Roberto Illiano, Leon Plantinga, David Rowland, Luca Sala, Massimiliano Sala, Rohan H. Stewart-MacDonald


L’Istituto Storico Austriaco a Roma, in collaborazione con la Sezione di Storia della Musica dell’Istituto Storico Germanico a Roma, il Comitato Scientifico degli Opera omnia di Muzio Clementi e il Da Ponte-Institut für Librettologie, Don Juan-Forschung und Sammlungsgeschichte di Vienna, ha organizzato dal 4 al 6 dicembre 2002 un symposium internazionale di studi dal titolo Muzio Clementi. Cosmopolita della musica, che ha inteso riunire nella città natale dell’autore i maggiori esperti di Clementi in occasione del 250° anniversario della nascita del compositore.
I numerosi interventi del symposium si sono articolati in complessive 4 sezioni (Muzio Clementi nel 250^o anniversario della nascita; Clementi: un romano a Londra; L’altro Clementi; Clementi e la «Wiener Klassik»), svoltesi presso la sede dell’Istituto Storico Austriaco (5 e 6 dicembre).
La manifestazione ha messo in luce soprattutto la dimensione europea degli interscambi culturali dovuti al fenomeno delle migrazioni dei musicisti, dei rapporti internazionali inerenti all’editoria, all’impresariato e al commercio degli strumenti a tastiera.

SKU: UT.DM-62

ISBN 9790215325029. 9 x 12 inches.

Selezionare le musiche di questo volume è stato un lavoro affascinante ma impegnativo; per la non sempre facile ricerca di fonti (intavolature) originali ma soprattutto per le caratteristiche fortemente idiomatiche della musica scritta per la chitarra e per i vari tipi di liuto dell'epoca barocca, non fedelmente riproducibili sulla chitarra moderna e in realtà meritevoli di uno studio ben più approfondito.
L'antolo gia è destinata a giovani studenti che con molta probabilità suoneranno i brani su uno strumento dei nostri giorni che, sebbene possa in buona parte ricondurre al corpo di tradizioni, principi, effetti e convenzioni di quella che oggi definiamo era barocca, presenta sostanziali differenze di registro, dimensioni, timbro, sonorità e accordatura rispetto agli strumenti originali per i quali le musiche del volume sono state composte.
Questa consapevolezza non giustificherebbe comunque la totale rinuncia a un approccio didattico flessibile - ma sempre su base filologica - verso un repertorio che, insieme ad ascolti appropriati, può piacevolmente veicolare informazioni e avvicinare a particolari consuetudini interpretative, forme, fraseggi e articolazioni del suono, contribuendo così all'arricchimento e alla completezza della formazione musicale ed estetica dello studente.
L'antologia, divisa in tre sezioni dedicate rispettivamente alla chitarra, alla mandora e al liuto dell'era barocca, presenta una breve panoramica degli autori, del repertorio e delle forme musicali dell'epoca, con cenni agli strumenti e al contesto sociale, oltre a suggerimenti interpretativi che in questa fase di studio potrebbe essere prematuro applicare ma la cui lettura può rivelarsi comunque utile.
Nel volume ho preferito lasciare più spazio alla sezione centrale dedicata alla mandora, il cui repertorio è più fedelmente riproducibile sulla chitarra moderna avendone in comune l'accordatura. (A. Tessier)
Sito Web: www.ciao chitarra.it

SKU: BT.VOLMB626

ISBN 9788863886269. Italian.

Cosè lattitudine musicale? Perché un allievo ha facilit ad imparare e un altro no? Come intervenire nei disturbi specifici di apprendimento (DSA) per una didattica veramente inclusiva ed efficace? Domande importanti che un insegnante deve porsiprima o durante il percorso educativo di un bambino: la padronanza dei comportamenti di questultimo e il loro successo non sono scontati o fortuiti, ma possono essere guidati con unadeguata conoscenza dei processi che li generano o li ostacolano.La Musicopedia si pone quindi come strumento inedito, abilitativo e di potenziamento delle doti necessarie alla gestione dei parametri del linguaggio musicale: il suono e il ritmo. Per avviare lallievo a una maggior sicurezza e fiducianellapproccio con lascolto e la pratica musicale. Il testo illustra le dinamiche di apprendimento relative alla musica, correlate a una compiuta batteria di esercizi, divisa in sezioni chiare e di immediata fruizione.

SKU: UT.LB-14

ISBN 9788881094769. 5.90 x 8.46 inches.

Entrare nell'universo del canto e ritrovare se stessi, la propria dimensione piu autentica e profonda, che comprende anche quella espressiva.
Esistono due modi di cantare: imitando dall'esterno dei suoni oppure scoprendo la propria vera voce e lasciandola risuonare liberamente. Solo il secondo modo dona quel senso euforico di apertura dell'essere, di elevazione e di liberazione, che spinge tante persone sulla strada del canto, ma purtroppo al giorno d'oggi e soprattutto il primo modo a essere proposto e propagandato.
Ogni epoca ha un'immagine, un simbolo che ne rappresenta lo spirito, l'essenza. Il 'meccanismo' e l'immagine in cui ancora si rispecchia e si esprime la modernita del Duemila.
Come i bambini sono convinti che nella radio si nasconda un omino che ci parla dentro, cosi i moderni didatti e scienziati del canto sono convinti che nel corpo si nasconda una macchina vocale che puo entrare in funzione solo leggendo i libretti di istruzione, da loro predisposti. I risultati di questa convinzione si possono sentire nelle scuole di canto e nei teatri...
Si dice che il corpo diventi cio che uno vi introduce mangiando. Analogamente il cantante diventa cio che egli immagina cantando. Se immagina muscoli e cartilagini, il suo canto non potra che essere, per definizione, muscolare e laringeo.
In effetti il canto e si una disciplina del corpo, ma e una disciplina che si apprende educando la mente e non i singoli muscoli. Questa educazione inizia acquisendo la capacita di prendere coscienza delle varie sensazioni vitali e di evocarle cantando. Queste e non le immagini foniatriche delle corde vocali o dei vari muscoli rappresentano la vera tastiera del cantante.
In verita le tastiere meccanicistiche non sono che le gabbie in cui i cantanti inconsapevolmente rinchiudono la loro voce, e ogni anatomia della voce si trasforma ben presto in autopsia della voce...
<>, ha scritto Eraclito venticinque secoli fa. Altrettanto dicasi dell'insperabile del vero canto, detto anche belcanto.

SKU: UT.DM-39B

ISBN 9790215310056. 9 x 12 inches.

Il secondo quaderno dedicato alla musica d’insieme è diviso in due parti: la prima comprende partiture classiche da me trascritte per strumenti musicali tradizionali con alcuni interventi dello strumentario Orff, la seconda propone alcune attività di esplorazione sullo strumento, di elaborazione di materiali sonori e di improvvisazione collettiva.
I brani trascritti ed elaborati nella prima parte del quaderno si susseguono secondo un ordine di difficoltà crescente e sono presi dal repertorio colto: dal tardo barocco alla prima metà del Novecento. Le trascrizioni non prevedono organici originali della letteratura cameristica classica: le partiture sono state scritte con intenti principalmente didattici.
La pratica di musica d’insieme, come abbiamo già ricordato presentando Fare musica insieme n. 1, rappresenta un’esperienza fondamentale nella formazione musicale perché abitua lo studente ad ascoltarsi in rapporto agli altri e rende più consapevole e disinvolto il suo rapporto con lo strumento. Con questo secondo quaderno vorremmo però proporci anche un obiettivo più ambizioso: quello di tentare di favorire e stimolare le capacità analitiche, interpretative e anche creative. È per questo che accanto allo studio e all’esecuzione delle partiture vengono qui suggerite anche una serie di esperienze che, sempre partendo dall’ascolto e dalla ‘analisi’ della musica, offrono lo spunto per diverse attività di improvvisazione collettiva e di invenzione musicale.

Il percorso proposto nella seconda parte del quaderno si articola in quattro fasi:

a) L’allievo viene sollecitato in un primo momento a indagare e sperimentare i diversi suoni che riesce ad ottenere con il proprio strumento per poi contribuire a creare, anche con l’aiuto di stimoli extramusicali e sinestesici, situazioni sonore insieme al gruppo.
b) Viene proposta l’elaborazione di nuovi progetti compositivi partendo dalle partiture trascritte nel quaderno: aggiungendo, togliendo, mescolando e modificando gli elementi musicali.
c) Vengono proposte diverse attività di improvvisazione prendendo spunto dai principi costruttivi individuati ascoltando alcuni brani.
d) Si propone di creare situazioni sonore progettando e interpretando grafici inventati a partire dalle analogie strutturali ricavabili osservando le strutture e gli elementi che caratterizzano un quadro, un’architettura, un elemento della natura, ecc.
L’intento è quello di aiutare l’allievo a sviluppare le proprie capacità di comprensione, di interpretazione e di invenzione della musica e nel contempo di favorire una duttilità esecutiva aperta, non irrigidita, creativa.

Mentre il primo quaderno di Fare musica insieme è pensato principalmente per bambini di 8-12 anni, questo prevede invece che l’allievo abbia già acquisito una certa abilità tecnica sullo strumento.
Il quaderno si rivolge soprattutto agli allievi delle scuole di musica e delle scuole medie a indirizzo musicale.< /p>

SKU: UT.DM-39A

ISBN 9790215309579. 9 x 12 inches.

Il secondo quaderno dedicato alla musica d’insieme è diviso in due parti: la prima comprende partiture classiche da me trascritte per strumenti musicali tradizionali con alcuni interventi dello strumentario Orff, la seconda propone alcune attività di esplorazione sullo strumento, di elaborazione di materiali sonori e di improvvisazione collettiva.
I brani trascritti ed elaborati nella prima parte del quaderno si susseguono secondo un ordine di difficoltà crescente e sono presi dal repertorio colto: dal tardo barocco alla prima metà del Novecento. Le trascrizioni non prevedono organici originali della letteratura cameristica classica: le partiture sono state scritte con intenti principalmente didattici.
La pratica di musica d’insieme, come abbiamo già ricordato presentando Fare musica insieme n. 1, rappresenta un’esperienza fondamentale nella formazione musicale perché abitua lo studente ad ascoltarsi in rapporto agli altri e rende più consapevole e disinvolto il suo rapporto con lo strumento. Con questo secondo quaderno vorremmo però proporci anche un obiettivo più ambizioso: quello di tentare di favorire e stimolare le capacità analitiche, interpretative e anche creative. È per questo che accanto allo studio e all’esecuzione delle partiture vengono qui suggerite anche una serie di esperienze che, sempre partendo dall’ascolto e dalla ‘analisi’ della musica, offrono lo spunto per diverse attività di improvvisazione collettiva e di invenzione musicale.

Il percorso proposto nella seconda parte del quaderno si articola in quattro fasi:

a) L’allievo viene sollecitato in un primo momento a indagare e sperimentare i diversi suoni che riesce ad ottenere con il proprio strumento per poi contribuire a creare, anche con l’aiuto di stimoli extramusicali e sinestesici, situazioni sonore insieme al gruppo.
b) Viene proposta l’elaborazione di nuovi progetti compositivi partendo dalle partiture trascritte nel quaderno: aggiungendo, togliendo, mescolando e modificando gli elementi musicali.
c) Vengono proposte diverse attività di improvvisazione prendendo spunto dai principi costruttivi individuati ascoltando alcuni brani.
d) Si propone di creare situazioni sonore progettando e interpretando grafici inventati a partire dalle analogie strutturali ricavabili osservando le strutture e gli elementi che caratterizzano un quadro, un’architettura, un elemento della natura, ecc.
L’intento è quello di aiutare l’allievo a sviluppare le proprie capacità di comprensione, di interpretazione e di invenzione della musica e nel contempo di favorire una duttilità esecutiva aperta, non irrigidita, creativa.

Mentre il primo quaderno di Fare musica insieme è pensato principalmente per bambini di 8-12 anni, questo prevede invece che l’allievo abbia già acquisito una certa abilità tecnica sullo strumento.
Il quaderno si rivolge soprattutto agli allievi delle scuole di musica e delle scuole medie a indirizzo musicale.< /p>

SKU: BT.DHP-1135417-215

9x12 inches. English-German-French-Dut ch.

This suite with a four-part instrumentation is comprised of three cheerful, imaginative movements: firstly Yellow Duck Shuffle, a bluesy, swinging section; next comes Purple Panda Polka, a lively, modern polka in which a funny dancing pair of pandas take centre stage; and finally the third movement entitled Pink Donkey Boogie is a gentle boogie-woogie. The musical motifs are played in all four parts giving every instrumentalist a chance to take the lead.

Deze vierstemmige suite bestaat uit drie vrolijke delen die stuk voor stuk tot de verbeelding spreken. De Yellow Duck Shuffle is een swingend, bluesachtig deel waarin het ritmische gekwaak van een jong eendje te horen is. De Purple Panda Polka is een snelle, moderne polka waarin een grappige paarse pandabeer al dansend de hoofdrol speelt. Het derde deel, Pink Donkey Boogie, is een rustige boogiewoogie met als terugkerend motief het herkenbare ‘ia’ van een swingende ezel. In de gehele suite lopen de melodische thema’s door alle vier de stemmen heen, zodat elke partij op haar beurt de boventoon voert.

Diese vierstimmige Suite besteht aus drei fröhlichen, fantasieanregenden Sätzen: Auf den Yellow Duck Shuffle, einen swingender, bluesartigen Satz, folgt die Purple Panda Polka, eine flotte, moderne Polka, in der ein drolliges, tanzendes Panda-Pärchen die Hauptrolle spielt. Der dritte Satz mit dem Titel Pink Donkey Boogie ist ein ruhiger Boogie Woogie. Die musikalischen Themen wechseln durch alle vier Stimmen durch, sodass jede Stimme einmal führen darf.

Cette suite en quatre parties se compose de trois phrases pétillantes de fantaisie. Yellow Duck Shuffle propose un motif oscillant entre le blues et le swing. Purple Panda Polka offre une moderne polka qui permettra un drôle de couple de pandas d’évoluer sur la piste de danse. Enfin, Pink Donkey Boogie, troisième et dernier mouvement, ramène le calme au coeur de la joyeuse troupe avec un thème boogie woogie résolument modéré. Cette charmante suite a été composée afin de mettre l’ensemble des pupitres de votre orchestre en valeur, car chacun aura, son tour, la possibilité de jouer le thème principal.

Yell ow Duck Shuffle, un movimento in stile swing e blues, e una polka molto moderna (Purple Panda Polka), sono i primi due movimenti di questa suite gioiosa, perfetta per stimolare la fantasia. Il terzo movimento, Pink Donkey Boogie è un tranquillo boogie woogie. I temi musicali sono presenti in tutte quattro le voci previste in questo brano, così da permettere a tutto l’organico di esibirsi come solista.

SKU: BT.DHP-1135417-015

9x12 inches. English-German-French-Dut ch.

This suite with a four-part instrumentation is comprised of three cheerful, imaginative movements: firstly Yellow Duck Shuffle, a bluesy, swinging section; next comes Purple Panda Polka, a lively, modern polka in which a funny dancing pair of pandas take centre stage; and finally the third movement entitled Pink Donkey Boogie is a gentle boogie-woogie. The musical motifs are played in all four parts giving every instrumentalist a chance to take the lead.

Deze vierstemmige suite bestaat uit drie vrolijke delen die stuk voor stuk tot de verbeelding spreken. De Yellow Duck Shuffle is een swingend, bluesachtig deel waarin het ritmische gekwaak van een jong eendje te horen is. De Purple Panda Polka is een snelle, moderne polka waarin een grappige paarse pandabeer al dansend de hoofdrol speelt. Het derde deel, Pink Donkey Boogie, is een rustige boogiewoogie met als terugkerend motief het herkenbare ‘ia’ van een swingende ezel. In de gehele suite lopen de melodische thema’s door alle vier de stemmen heen, zodat elke partij op haar beurt de boventoon voert.

Diese vierstimmige Suite besteht aus drei fröhlichen, fantasieanregenden Sätzen: Auf den Yellow Duck Shuffle, einen swingender, bluesartigen Satz, folgt die Purple Panda Polka, eine flotte, moderne Polka, in der ein drolliges, tanzendes Panda-Pärchen die Hauptrolle spielt. Der dritte Satz mit dem Titel Pink Donkey Boogie ist ein ruhiger Boogie Woogie. Die musikalischen Themen wechseln durch alle vier Stimmen durch, sodass jede Stimme einmal führen darf.

Cette suite en quatre parties se compose de trois phrases pétillantes de fantaisie. Yellow Duck Shuffle propose un motif oscillant entre le blues et le swing. Purple Panda Polka offre une moderne polka qui permettra un drôle de couple de pandas d’évoluer sur la piste de danse. Enfin, Pink Donkey Boogie, troisième et dernier mouvement, ramène le calme au coeur de la joyeuse troupe avec un thème boogie woogie résolument modéré. Cette charmante suite a été composée afin de mettre l’ensemble des pupitres de votre orchestre en valeur, car chacun aura, son tour, la possibilité de jouer le thème principal.

Yell ow Duck Shuffle, un movimento in stile swing e blues, e una polka molto moderna (Purple Panda Polka), sono i primi due movimenti di questa suite gioiosa, perfetta per stimolare la fantasia. Il terzo movimento, Pink Donkey Boogie è un tranquillo boogie woogie. I temi musicali sono presenti in tutte quattro le voci previste in questo brano, così da permettere a tutto l’organico di esibirsi come solista.

SKU: BT.MUSMI0349

Italian.

Ques t’opera presenta una serie di accompagnamenti ed assoli di chitarra nello stile Modern Blues o Blues Fusion.

Scoprirete quindi degli accompagnamenti che si appoggiano sul blues tradizionale per poi arricchirloabbondantement e, sia dal punto di vista armonico che ritmico. Suonerete poi gli assoli, i quali arricchiscono, come le ritmiche, il blues tradizionale, ma piuttosto dal punto di vista melodico.

Essi sono costruiti sulleprogressioni armoniche tipiche dello stile Modern Blues. Dal blues/jazz al blues/funk passando per il blues minore... c’è di che ampliare la propria visione del blues sulla chitarra! Da Robben Ford a JohnScofield,passando per Stevie Ray Vaughan, Gary Moore o Larry Carlton… le fonti d'ispirazione non mancano per evocare questo stile! Per ogni accompagnamento ed assolo, troverete 5 registrazioni diverse sul CD MP3 allegato,distribuite nel modo seguente: la chitarra da sola, a velocità normale poi ridotta, la stessa parte di chitarra suonata però sulla sua base musicale ed infine la sola base musicale, prima a velocità normale,poi ridotta... per permettere ad ognuno di suonare secondo il proprio ritmo, il proprio livello e le proprie capacità.

Ossia più di 4 ore di musica in tutto!

SKU: UT.LB-31

ISBN 9788881095063. 5.51 x 8.26 inches.

Quella fra Schubert e la chitarra è la storia di un amore mancato. Franz a 16 anni compose una piccola Cantata per lâ??onomastico di suo padre per tre voci maschili e chitarra, dimostrando di saper scrivere efficacemente per uno strumento da sempre considerato un rompicapo per i compositori non chitarristi. Lâ??anno successivo riadattò un Trio per flauto, viola e chitarra di Wenzeslaus Matiegka, uno dei migliori chitarristi presenti a Vienna in quel periodo, aggiungendovi la parte per violoncello, e così poté studiare una partitura in cui la chitarra si muove con grande estro e maestria, se mai la sua immensa ispirazione ne avesse avuto bisogno.
Dunque, le premesse per dedicare alla chitarra qualcosa di importante câ??erano tutte, e se non si sono realizzate, lâ??unico motivo non può che essere il disinteresse di Schubert per lâ??universo delle sei corde.
Eppure in lui câ??è qualcosa di affine alla chitarra: il suo carattere implosivo, la sua vita povera e borderline. Qualcosa che ha ispirato i chitarristi. Qualcosa che è appunto lâ??argomento di questo libro, perché, si sa, spesso anche gli amori senza storia in realtà una storia ce lâ??hanno.

SKU: BT.ESZ-01494800

With his Venti pezzi per pianoforte (1938), the Hungarian composer Sándor Veress (1907-92) wanted to create a collection of piano miniatures on folk melodies destined for use in the concert hall as well as for teaching purposes. Each piece is based on one or more songs and dances from different Hungarian speaking areas, which are re-elaborated and presented in a carefully conceived alternation of character, musical writing and technical difficulty. The result is a multi-colored overview of Hungarian folk music: songs of a pathetic or even dramatic nature are contrasted with lighter and high-spirited pieces, interspersed with dances of varying types, among which a homogeneousblock stands out formed by the group of Csárdás, a typical tavern dance also used by Liszt. The Venti pezzi per pianoforte represent the culmination of the extensive ethnomusicological research made by Veress in the ’30s and ‘40s, while working as assistant to László Lajtha and to Béla Bartók, and at the same time carrying out field work in Hungary and neighboring countries. The composer intended that this collection should play a fundamental role of mediation between folklore and western “art” music, by revitalizing the language from within, without resorting to the abstractions of the experimentation being developed in Europe at the time. During his lifetime Veress never succeeded in publishing the complete version of the Venti pezzi per pianoforte, but issued various selections of the pieces, two of which remained totally unpublished. The present critical edition prepared by Giada Viviani reconstructs the complete text of the Venti pezzi per pianoforte on the basis of manuscript sources kept at the Paul Sacher Foundation in Basel: the musical scores, with fingering by Jakub Tchorzewski, are accompanied by an introductory essay on the context in which the collection was created, including a description of the state of the sources and a detailed apparatus criticus of the textual variants.

Con i suoi Venti pezzi per pianoforte (1938), il compositore ungherese Sándor Veress (1907-92) ha voluto creare una raccolta di miniature pianistiche su melodie popolari destinate sia a un uso concertistico, sia all’attivit didattica. In ogni branovengono rielaborati uno o più canti e danze provenienti da diverse aree geografiche di lingua ungherese, che si susseguono in base a una sapiente alternanza di carattere, scrittura musicale, difficolt esecutiva. Viene così offerta una variegatapanoramica della musica popolare di questa nazionalit : a canti di contenuto patetico o addirittura drammatico se ne affiancano di più leggeri e giocosi, avvicendandosi a danze di natura differente, tra cui spicca come un blocco omogeneo il gruppodelle Csárdás, tipica danza da locanda utilizzata anche da Liszt.I Venti pezzi per pianoforte rappresentano il coronamento della ricca attivit etnomusicologica condotta da Veress tra gli anni ’30 e ‘40, sia lavorando come assistente di László Lajtha e di Béla Bartók, sia svolgendo ricerca sul campo in Ungheria enei paesi limitrofi. Per il compositore, questa raccolta doveva svolgere un fondamentale ruolo di mediazione tra il folklore e la musica “colta” occidentale, in maniera da rivitalizzarne il linguaggio dall’interno, senza gli astrattismi dellesperimentazioni allora condotte in Europa.Nel corso della sua vita Veress non riuscì mai a pubblicare la versione integrale dei Venti pezzi per pianoforte, mentre ne fece uscire sul mercato alcune selezioni, lasciando del tutto inediti due brani. La presente edizione critica a cura di GiadaViviani ricostruisce il testo completo dei Venti pezzi per pianoforte in base alle fonti manoscritte conservate presso la Fondazione Paul Sacher di Basilea: gli spartiti musicali, corredati dalla diteggiatura di Jakub Tchorzewski, sono accompagnatida un saggio introduttivo sul contesto di creazione della raccolta, dalla descrizione dello stato delle fonti e da un dettagliato apparato critico delle varianti testuali.

SKU: BT.MI0398

Italian.

Questo metodo si rivolge a tutti coloro che desiderano imparare a suonare la chitarra… senza farsi venire pesanti mal di testa! In altri termini, senza solfeggio, senza teoria musicale, senza note, senza pentagramma… Il che significa che dovrete giusto saper leggere semplici diagrammi di accordi (molto visivi) per capire cosa fa la mano sinistra, mentre le pennate effettuate dalla mano destra sono rappresentate da piccole frecce (molto giudiziose). Semplice, vero? Volendosi molto progressivo, il metodo vi propone all’inizio di scoprire i principali accordi della chitarra. Vi far poi lavorare sulle concatenazioni di accordi e vi insegner poi a suonarli su dei ritmi pop,rock e folk… fino ad essere capaci di suonare degli accompagnamenti alla maniera dei più grandi successi della chitarra di ieri e di oggi (The Rolling Stones, Jimi Hendrix, AC/DC, Oasis…). L’altro vantaggio di questo metodo risiede nel disco dati allegato. Vi troverete in effetti numerosi file audio e video che vi permettono di ottimizzare l’apprendimento e tutte le nozioni didattiche fornite nel libro. I video (mp4) presentano tramite l’immagine tutti gli esempi così come devono essere suonati, mentre le registrazioni audio (mp3) propongono le basi musicali per permettervi di suonare tali esempi in vere condizioni musicali… come se foste gi un chitarrista in seno ad un gruppo.

SKU: BT.MI0395

Italian.

Avere un buon orecchio musicale fa di sicuro parte degli elementi richiesti per essere o diventare un buon bassista. In effetti, oltre a dover migliorare la manualit sullo strumento, bisogna anche educare ed allenare il proprio orecchio per sviluppare la cosiddetta musicalit . Il che significa fare esercizi specifici, come quelli che vi proponiamo in questo metodo. Iniziamo perciò lo studio con un primo lungo capitolo dedicato agli intervalli, poiché saperli riconoscere è proprio la base della formazione uditiva (ear training in inglese). In seguito affronteremo gli arpeggi (e gli accordi) di 3 e 4 suoni nonché le scale che sono altrettanti attrezzi indispensabili peridentificare ad orecchio i grooves e le linee di basso, così come le melodie e gli assoli suonati dal basso. Ogni tappa dell’apprendimento propone un quiz musicale per permettervi di valutare i progressi effettuati e quindi rendervi conto se siete capaci di andare avanti o meno. Troverete inoltre sul disco MP3 allegato al metodo tutte le registrazioni audio corrispondenti ai numerosi esercizi e quiz.

SKU: BT.MI0399

Italian.

Questo metodo si rivolge a tutti i mancini che desiderano imparare a suonare la chitarra… senza farsi venire pesanti mal di testa! In altri termini, senza solfeggio, senza teoria musicale, senza note, senza pentagramma… Il che significa che dovrete giusto saper leggere semplici diagrammi di accordi (molto visivi) per capire cosa fa la mano destra, mentre le pennate effettuate dalla mano sinistra sono rappresentate da piccole frecce (molto giudiziose). Semplice, vero? Volendosi molto progressivo, il metodo vi propone all’inizio di scoprire i principali accordi della chitarra. Vi far poi lavorare sulle concatenazioni di accordi e vi insegner poi a suonarli su dei ritmi pop,rock e folk… fino ad essere capaci di suonare degli accompagnamenti alla maniera dei più grandi successi della chitarra di ieri e di oggi (The Rolling Stones, Jimi Hendrix, AC/DC, Oasis…). L’altro vantaggio di questo metodo risiede nel disco dati allegato. Vi troverete in effetti numerosi file audio e video che vi permettono di ottimizzare l’apprendimento e tutte le nozioni didattiche fornite nel libro. I video (mp4) presentano tramite l’immagine tutti gli esempi così come devono essere suonati, mentre le registrazioni audio (mp3) propongono le basi musicali per permettervi di suonare tali esempi in vere condizioni musicali… come se foste gi un chitarrista in seno ad un gruppo.

SKU: BT.RSK200126

ISBN 9781789361124. English.

The 2020 Ukulele syllabus extends Rockschool's offering to a full suite of grades. The syllabus has been designed in conjunction with their new Ukulele Method books, giving students a comprehensive pathway from absolute beginner stages through to entry into the graded system, and subsequently following a progressive pathway through to grade 8. The syllabus features six tracks for each grade that have been meticulously benchmarked to support students as they learn the instrument. At each grade, two of the pieces offer the students an opportunity to perform without full band backing, exploring the sound and resonance of their instrument. These include duet parts from Debut toGrade 3, which give further opportunities for teaching and group learning. The remaining tracks are ‘session style’ backing tracks, performed with full backing band and including vocal accompaniment which is also shown in the notation as a melody line and lyric over the main ukulele part.

Il sillabus 2020 Ukulele amplia l'offerta di Rockschool a tutti i livelli di studio.
Il syllabus è stato pensato come complemento per il nuovo metodo di ukulele, offrendo così agli studenti un percorso strutturato a partire dal livello principiante assoluto fino al livello 8.
I sei brani inclusi in ogni volume sono stati selezionati e arrangiati attentamente per consolidare l'appprendimento di ogni studente.

El Syllabus 2020 Ukulele expande la oferta de Rockschool en todos los niveles de estudio.
El syllabus está pensado para complementar el nuevo método de ukelele, ofreciendo a los estudiantes un camino estructurado desde el nivel principiante hasta el nivel 8.
Las seis piezas incluidas en cada volumen han sido cuidadosamente seleccionadas y arregladas para consolidar el aprendizaje de cada estudiante.