Cet ouvrage est centré sur un ensemble d''uvres de compositeurs qui ont été déterminants pour la pensée musicale après la Seconde Guerre mondiale : Berio, Boucourechliev, Boulez, Cage, Carter, Dallapiccola, Dutilleux, Feldman, Kagel, Kurtag, Ligeti, Lutoslawski, Nono, Ohana, Penderecki, Pousseur, Stockhausen, Takemitsu, Xenakis, Zimmermann.
Dans ce but, une trentaine de partitions a été regroupée autour de thématiques générales : le sérialisme et ses conséquences, la fixité de l'écriture en question, les nouvelles expressions vocales, le rythme...
Il s'agit d'avancer des pistes de lecture permettant d'approcher chaque partition selon l'angle le plus approprié, en s'appuyant sur les prises de position et les informations fournies par les compositeurs eux-mêmes. Le propos ne se limite donc pas à une démarche de nature exclusivement musicologique, l'analyse technique d'une partition et des considérations plus globales, de tendance esthétique, s'imposant le plus fréquemment comme complémentaires.
Afin que le travail présenté ici puisse susciter prolongements et développements, le choix s'est porté sur des 'uvres éditées et dont il existe au moins une réalisation discographique / Livre /

Parce qu'il fait problème, le rapport entre musique et peinture est une source féconde d'interrogation créatrice. Sont envisagés ici la dimension mythologique, les équivalences sensorielles et la quête de la synesthésie, l'intérêt de peintres comme Delacroix ou Fantin-Latour pour certains musiciens aussi bien que le regard porté sur la peinture par Liszt, Debussy ou Satie. / Livre /

40 chanteurs francophones chroniquent le dernier album de 40 chanteurs francophones.


Selon un célèbre journaliste, un bon rock-critique est forcément un bon musicien. Mais un bon musicien peut-il faire un bon rock-critique ? Ce livre regroupe les chroniques inédites d?artistes francophones qui ont bien voulu écrire sur le dernier album d?un collègue chanteur. Le choix du disque de chaque participant ne relève bien évidemment pas du hasard mais permet une vraie immersion entre objectivité et subjectivité dans l?espace de liberté totale que constitue une chronique d?album.

Ce bel objet (la signature manuscrite de chaque artiste est reproduite en bas de sa chronique) présente un intérêt littéraire et musical sans précédent, mais davantage encore : imagine-t-on le Serge Gainsbourg débutant de 1958 chroniquer le dernier album en date d?un Georges Brassens déjà consacré ? Ou Indochine écrire une page entière sur un album du groupe Téléphone à l?aube des années 80 ? Nul doute que ces documents possèderaient une valeur historique, voire sociologique, indéniable dans les bibliothèques.
Chroniques de luxe réalise aujourd?hui le rêve des passionnés de musique et autres lecteurs curieux de cette expérience artistique sans précédent.

Didier Wampas chronique l'album de Johnny Halliday, Antoine l?album « Rouge sang », de Renaud. Quand l?un des groupes majeurs du rock français, Eiffel, chronique le dernier Louise Attaque, la langue s?étourdit d?étincelles, de fulgurances rimbaldiennes. Quand CharlElie Couture se penche sur le dernier Benjamin Biolay, on entend New York respirer derrière lui. Et ce ne sont que quatre exemples parmi 40 autres. On l?aura compris, la chanson francophone dans toute sa diversité est représentée : la nouvelle scène, les rockers, les punks, les metalleux, les artistes révélés par Internet, les figures incontournables, les chanteurs « cultes », etc.

Chaque « artiste-critique » bénéficie d?une note biographique dans le livre. / Variété / Livre /

Si la frontière entre un Concerto Grosso et un Concerto, une Sonate et une Forme-Sonate vous paraît incertaine, si les mots Suite ou Ondes Martenot se perdent dans le flou ou si vous prenez, en toute bonne foi et comme tant d?autres, le cor anglais et le saxophone pour des Cuivres, la solution est précisément entre vos mains: venez donc parcourir sans douleur 1000 ans de musique instrumentale en savourant les 208 extraits commentés qui sont là pour éclairer votre route.

Juste un petit mot de l'auteur :
A travers le Tome 1 et Tome 2 de ce guide d?écoute, je sais que vous avez, cher lecteur, compris à quel point la route avait été longue pour les compositeurs de musique dite « classique », et combien l?arrivée de chaque instrument avait été un facteur d?évolution pour l?écriture musicale en général : on n?écrit pas pour le piano comme pour le clavecin, ni pour la clarinette comme pour le hautbois.

C?est pourquoi, après avoir brossé une fresque générale des différentes époques musicales, tous genres confondus, et exploré en détail le domaine plus étroit de la Musique Vocale Sacrée, la plus ancienne de toutes, il m?a paru logique ?comme il a paru indispensable à plusieurs de mes lecteurs- d?approfondir de la même façon la musique instrumentale pure ; celle qui ne se sert plus du tout de cette voix humaine qui avait tenu pendant des siècles le haut du pavé, et pour cause : la musique vocale, profane ou sacrée, fut pendant plus de 5 siècles la seule à être notée, et donc à nous être parvenue !

Si l?on en croit Nietszche- « sans la Musique, l?Univers serait une erreur », et il est probable que Cro-Magnon a soufflé dans un roseau et frappé sur un tronc d?arbre dès qu?il a su se tenir debout (nous aurons l?occasion d?en reparler). Malheureusement, il ne nous a laissé aucune trace écrite de ses improvisations sauvages ; pas plus d?ailleurs que les Hébreux, les Étrusques, les Égyptiens, les Celtes, les Grecs, les Perses ou les Romains, peuples hautement civilisés pourtant, mais pour qui la musique était un art réservé aux seuls initiés -qu?elle mettait en prise directe avec les force supérieures- et qu?il ne fallait surtout pas vulgariser par une notation quelconque.

Il a même fallu attendre la fin du Moyen Age pour voir enfin apparaître, en Occident, les premières partitions de musique instrumentale pure, morceaux sur lesquels les gens dansaient d?ailleurs gaiement, au lieu de les écouter avec ce recueillement et cette déférence dont nous faisons preuve actuellement envers la musique « ancienne » ! Et le XVIIème siècle pour assister, dans les différentes cours d?Europe, à la naissance des premiers concerts purement instrumentaux que les gens aient écoutés, enfin assis !

Si elle a donc été appréciée relativement tard en Occident, la musique instrumentale a sans conteste connu à partir de l?époque baroque une très grande vogue qui n?a jamais cessé, car elle est intimement liée aux progrès de la technique : j?ai donc tenu, dans ce Tome 3, à clarifier l?organisation interne et l?apparition progressive de ses différentes formes -suite, musique de chambre, symphonie, concerto, ballet, poème symphonique- et surtout à y mettre en lumière le rôle capital joué par l?arrivée, au fil des siècles, de chaque nouvel « outil ».

Ici encore, de nombreuses illustrations sonores - choisies comme toujours après de cruelles hésitations, tant était large l?éventail des possibilités - vous feront mieux appréhender la manière dont les grands maîtres du lointain passé et de notre présent s?y sont pris, à partir de ces simples objets que sont les instruments de musique, pour dialoguer avec l?impalpable et faire vivre le plus abstrait des arts. / Classique / Livre 3 Cds /

Michel Briat est un vrai peintre : il vit pour peindre, la musique est sa plus fidèle compagne. Parfois il peint pour vivre.

Un jour son ex-femme vendit à un brocanteur sa collection de disques pour changer sa serrure. La perte de ses vinyles le rendit inconsolable. Mais il fit ce qu?on attend d?un peintre : Il peignit. Sur un carré noir de trente centimètres de coté, il fit réapparaître les images qui l?avaient marqué : La femme noire magique de Santana, les dragons de Yes, les pin-up de Roxy Music, les papiers collés des Sex Pistols?

Il inventa ainsi des histoires, une pour chaque vinyle perdu. Ce n?était pas difficile : il les avait vécues.

« My lost vinyls » ce sont des chroniques adolescentes et peintures acryliques qui ont la musique comme intersection commune. La fin des seventies, les premiers concerts, son deuxième dépucelage et les derniers disques noirs achetés à la FNAC. On croise Led Zeppelin, Robert Smith, la prof. de musique du lycée de Montgeron et Delphine D. l?amante pornographique... On prend les trains de la banlieue sud-est, avec Mick et Gerry, Franck Zappa, des gentils dealers de shit, le père mélomane, une s?ur sweet sixteen.

Parfois, l?image prend le dessus et laisse l?auteur sans voix. Parfois l?histoire fait oublier la pochette.

Mais la musique se fait toujours entendre. / Variété / Livre /

Heinrich Neuhaus fut professeur au Conservatoire de Moscou. On compte parmi ses élèves S.Richter, E.Guillels. Il expose dans ce livre ses idées pédagogiques et les méthodes de travail qui, après une longue expérience, lui semblent les plus profitables pour obtenir l'interprétation fidèle des intentions du compositeur et le respect de ce qu'il appelle l'image artistique d'une oeuvre musicale .A l'aide d'exemples et de commentaires détaillés, cet ouvrage constitue un vaste exposé de son travail avec les élèves. Contenu : Compositeur/Auteur : NEUHAUS Heinrich Discipline/Instrument : piano Collection : Les Maîtres de Musique Support : Livre Style/Genre : méthode - études Date de parution : juil.-71

Pour donner aux formes de la musique occidentale tout leur relief, ce Guide a choisi de multiplier les angles de vue, conjuguant éclairage historique, stylistique, esthétique et expressif. Chaque notion est systématiquement reliée au répertoire dans lequel elle s'incarne, tandis que les sections, en principe, proposent des modèles d'application à partir de quelques pièces reproduites en partition.

Son contenu embrasse les fomes les plus variées, celles de suite, les formes sonate-baroque, sonate classique, rondo rondi-sonate ou lied, mais aussi les formes contrapuntiques, médiévales, celles des chansons et des lieder, sans oublies les récentes, notamment les formes à processus, les fomes ouvertes et les formes différées.

Plusieurs index et renvois complètent l'ouvrage, donnant une liste des oeuvres analysées (de Léonin à Stravinsky et aux Beatles, en passant par Monteverdei, Bach, Haydn, Beethoven ou Debussy), rattachant les formes aux genres, tout en proposant un index des structures musicales. Bénéficiant de l'expérience pédagogique de ses auteurs.

Ce guide est destiné en premier lieu aux étudiants des classes d'analyse, de musicologie, de préparation au baccalauréat et aux grand niveaux des classes de formation musicale. Par sa clarté et son ouverture, il devrait également concerner le mélomane et l'interprète. / Livre /

Entrez dans le monde de la musique bretonne. Livret de 48 pages en français / breton / anglais. Inclus 2 CDS avec plus de 40 chansons des plus grands noms de la musique bretonne (Alan Stivell, Dan Ar Braz, Tri Yann'). / Musiques du monde / Livre 2 CDs /

Cet ouvrage s'adresse à un très large public, musicien ou non, avide de connaissances sur l'orchestre. Il a été mis à jour en présentant les évolutions apportées à l'orchestre, surtout dans le domaine des nouveaux instruments ou des nouvelles technologies. / Partition /

Pour de nombreux musiciens, le clavecin français au XVIIIème siècle se tait avec les dernières pages de Couperin et de Rameau vers 1730. Ce sont alors de nouvelles idées - celles des Lumières - qui apparaissent pour susciter l'évolution des esthétiques et les transformations techniques qui pousseront l'instrument vers le piano-forte. Au même moment sont publiés de nombreux Livres de clavecin écrits par une nouvelle `Pléiade` de compositeurs tels Balbastre, Royer, Duphly, Dandrieu, Forqueray, Corrette et Armand-Louis Couperin. C'est ce monde, à la fois un et divers, que Jean-Patrice Brosse, en artiste et historien, ausculte dans un livre rafraîchissant, le premier à traiter pareil sujet. / Livre /

A travers plus de 250 photos couleurs inédites, partez à la découverte d?un Opéra Bastille insolite : bâtiment, coulisses, métiers, ateliers, envers du décor, productions, ... autant d?évasions auxquelles ce livre vous convie. / Livre /

Parmi les mille et une manières d?aborder la Sérénissime, la plus belle est peut-être d?écouter Venise les yeux fermés. Loin des bruits de ce monde, Venise est tout d?abord une histoire d?eau, un clapotement
sur lequel s?élève un chant, barcarolle romantique ou magnificence des fêtes par lesquelles chaque année la cité épouse la mer, jusqu?aux plaintes des lugubres gondoles qui accompagnèrent tant de musiciens, de Monteverdi à Wagner à leur dernière demeure. Sous les voûtes de Saint-Marc s?édifient les vastes architectures musicales à double choeur d?un Gabrieli, tandis que, derrière les grilles des Ospedale, d?obscures jeunes filles inventent le concerto, ou que, sous les masques, de non moins mystérieuses courtisanes s?étourdissent au bal en sortant de l?opéra. Des cafés aux piazzas, des couvents aux salons, du prie-Dieu à l?alcôve, il n?est pas un recoin de Venise où la musique ne repousse obstinément l?ombre du silence. / Livre /

Pour donner aux formes de la musique occidentale tout leur relief, ce Guide a choisi de multiplier les angles de vue, conjuguant éclairage historique, stylistique, esthétique et expressif. Chaque notion est systématiquement reliée au répertoire dans lequel elle s?incarne, tandis que les sections En pratique proposent des modèles d?application à partir de quelques pièces reproduites en partition.
Son contenu embrasse les formes les plus variées, celles de la suite, les formes sonate baroque, sonate classique, rondo, rondo-sonate ou lied, mais aussi les formes contrapuntiques, médiévales, celles des chansons et des Lieder, sans oublier les plus récentes, notamment les formes à processus, les formes ouvertes et les formes différées. Plusieurs index et renvois complètent l?ouvrage, donnant une liste des ?uvres analysées (de Léonin à Stravinsky et aux Beatles, en passant par Monteverdi, Bach, Haydn, Beethoven ou Debussy), rattachant les formes aux genres, tout en proposant un index des structures musicales.
Bénéficiant de l?expérience pédagogique de ses auteurs ? celle qui a déjà fait de leur précédent Guide de la théorie de la musique un ouvrage de référence en son domaine ? ce guide est destiné en premier lieu aux étudiants des classes d?analyse, de musicologie, de préparation au baccalauréat et aux grands niveaux des classes de formation musicale. Par sa clarté et son ouverture, il devrait également concerner le mélomane et l?interprète.
Auteur du Guide de la théorie de la musique (coécrit avec Eugène de Montalembert, Fayard-Lemoine, 2001), Claude Abromont est également le concepteur du cédérom joint à l?Abrégé de la théorie de la musique (Fayard-Lemoine, 2003). Il a tout récemment publié un Petit précis du commentaire d?écoute (Panama, 2008, repris sous le même nom aux éditions Fayard, 2010) et intervient régulièrement à la Cité de la musique et sur France Culture. Après avoir créé les départements de Culture musicale du CRD de Bourg-la-Reine et du CRR de Dijon, il est depuis 2000 professeur d'analyse et de méthodologie au CNSMDP. Auteur du Guide de la théorie de la musique (coécrit avec Claude Abromont, Fayard-Lemoine, 2001) et d?articles ou de contributions diverses, Eugène de Montalembert intervient dans différentes formations et a mis en place le cursus de DEM d?analyse musicale du CRR de Dijon. Il y enseigne l?analyse musicale, l?histoire de la musique, la paléographie musicale, le contrepoint improvisé et l?ethnomusicologie, ainsi que l?analyse au Pôle d?enseignement supérieur de musique de Dijon (PESM).