La cour d'organiste Antonio de Cabezón, qui a été nommé à la chapelle de la cour de la Reine Isabelle de Toledo à l'âge de 16 ans, a été considéré à juste titre par ses contemporains comme l'organiste espagnole leader et claviériste du 16 ème siècle. Ses hymnes et des versets sont basées sur courte, harmonisations décorée des tonalités psaume. Dans le tientos, la transformation du style motet vocal à un style d'écriture approprié pour les instruments à clavier est parfaitement exécuté.Cette édition Urtext contient une sélection des meilleurs Cabezon de travaux connus et se composera de quatre volumes. Il a été préparé par deux rédacteurs en chef travaillant dans les universités portugaises et espagnoles qui sont tous deux grands spécialistes des oeuvres de Cabezón et reflète les derniers résultats de recherche.- Première édition critique universitaire, des oeuvres sélectionnées par l'organiste leader espagnol- Reflète les derniers résultats de la recherche- Chaque volume avec une préface (Ger / Eng) avec des conseils sur la technique de rédaction, le commentaire critique (Ger / Eng) et l'indice de sources / Orgue, Piano, Clavecin

Baroque allemand poésie me fascine depuis longtemps. Lorsque vous organisez le livret de mon opéra de chambre Dafne (d'après Martin Opitz, écrit en 2005), j'ai intégré plusieurs poèmes de Opitz dans son jeu, et c'était aussi la première fois pour moi de composer des passages de choeur prolongées. Après avoir terminé ce travail, j'ai ressenti le besoin d'explorer la combinaison de choeur et les textes baroques dans un plus, la composition chorale indépendante. J'ai choisi des poèmes de Christian Hoffmann von Hoffmannswaldau, Andreas Gryphius, Martin Opitz, Georg Philipp Harsdörffer, Barthold Brockes Hinrich und Friedrich von Logau. En dehors de Trost aphoristique von Logau, les textes ont été raccourcies et réorganisé en profondeur. Les sujets similaires, en utilisant aussi des manières étroitement liées d'expression, et la tendance à des structures redondantes - souvent, une pensée à plusieurs reprises formulé de différentes façons - en fait des lignes de change, même possibles entre les différents poèmes.La façon dont les textes sont examinés les changements entre cadre cohérent et la langue en utilisant comme matière sonore et l'élément structurel. Un aspect important est la technique de laisser mots ou des syllabes tourner à travers tout le choeur, qui - soutenus par différents niveaux dynamiques et d'un unisono souvent légèrement imprécise - crée un effet panoramique comparables. Le moins son temps difficiles de la langue baroque, riche en consonnes, les métaphores lourdes, mais aussi les ondulée, parfois des expressions bizarres sont le plus souvent mis en musique plutôt discrète. Surtout, une duplication du caractère déclamatoire est évité, tandis que quelques belles images sont ramassés et transformés en sons. Le son choeur en tant que telle reste la plupart du temps 'intacte' au sens traditionnel- du brai est même traitée de manière très restrictive - un seul passage (le début du mouvement IIIe) fait usage de la pleine échelle chromatique. L'abstinence de spectaculaires effets attire l'attention sur compréhensibles structures harmoniques, les nuances dynamiques, un large éventail de combinaisons de voix et de registre et les variations subtiles des textes dans les différentes pièces.Formellement, l'ensemble du cycle de sept pièces sont regroupées en grandes sections de plusieurs mouvements. La devise en forme de début se transforme à la fois du texte et de l'harmonie dans le mouvement Gryphius dans laquelle le choeur est progressivement étendue d'une région à moyen terne à plus de registres contrastés jusqu'à ce que les fondus sonores away 'wie Rauch' [comme] la fumée et se transforme en fines pétille. Un petit interlude - la seule section qui présente le quatuor de cuivres - mène à Echo Opitz ', qui se déplace d'un endroit sombre, pesante, son dissonant des voix d'hommes dans une atmosphère de plus en plus léger, qui est ensuite repris par le plutôt simple , paysage d'automne mélancolique de Harsdörffer. La pièce maîtresse du cycle suivant, basé aussi bien sur le poème d'automne par Brockes, contraste fortement avec la simplicité du mouvement précédent. L'image d'une douche à effet pluie de feuilles qui tombent, méditative qui tournent autour lui-même, est transféré dans une longue et complexe 'spirale' paysage sonore sans cesse en rotation dans un maximum de 16 pièces individuelles, chacun d'entre eux d'explorer une version légèrement différente du texte du poème. Tandis que le choeur se développe pour le plus grand nombre de registres et de plus forte densité de la pièce, l'expression, dans le style de la langue Brockes ', reste plutôt affectée. La dernière section reprend le slogan du début, en explorant les deux enlacés textes Hofmannswaldau de manière plus approfondie, et conduit à la court épilogue qui sert comme un commentaire ironique sur baroque lassitude du monde sous la forme d'une merry-go-round avec les syllabes du poème de rotation spirituellement rapide grâce à la chorale.Le quatuor de cuivres partie soutient, accompagne et complète en partie le choeur d'une façon presque totalement la fusion. Il ya à peine une note qui n'est pas directement associée à l'une des voix de la chorale. Cependant, l'utilisation ou ommitting les cuivres affecte également la Charakter de la performance de la chorale - de cette manière, deux versions égales de la pièce sont combinés en un seul score, et vergehn wie Rauch peut être effectuée a cappella à la fois l'original et d'aujourd'hui les sens du terme.- Benjamin Schweitzer / Choeur Mixte (SSAATTBB), Trompette En Sib, Cor En Fa, Trombone Et Tuba

 1 - BRUMES (2 min, 50)2 - FEUX FOLLETS (5 min 25)3 - CORTEGE AU CLAIR DE LUNE (2 min 50)?' Ce duo est d'une extrême délicatesse, Chacun des deux instruments chante, accompagne, de telle sorte que l'auditeur est transporté dans une ambiance songeuse et apaisante, Il demande une attention de chaque minute, Les changements de modes de jeu, les rythmes qui s'entrecroisent, les longues tenues d'archets, les sauts de main gauche, tout ceci doit être fluide pour que l'ambiance suspendue puisse se faire, 'Marjorie Pagès, Contrebassiste ' Le duo de Paul Sterne ' Rêves sélènes ' correspond pour moi à de la musique descriptive, Les titres des trois mouvements, ' Brumes, Feux follets, Cortège au clair de lune ' pourraient être ceux de  tableaux, On pourrait faire un  parallèle par exemple entre le motif initial exprimé par le  violoncelle (suite de demi- tons et tierces en triolets liés) et le ' sfumato ' des grands peintres italiens (techniques de superpositions des couches pour donner un aspect vaporeux), Ce motif désignant la brume sera ensuite repris par la contrebasse puis à nouveau par le violoncelle tout au long de ce premier mouvement,Le deuxième mouvement est d'une grande beauté dans ses couleurs et sa richesse harmonique, J'imagine un retable dont le coeur serait le deuxième mouvement, premier et final peuvent se refermer  comme des volets pour le protéger, La pièce ne se livre pas à la première lecture, les musiciens auront besoin de temps pour trouver l'ambiance très particulière de ce duo - de nombreux ' effets ' de sonorité contribuent à renforcer le caractère descriptif de la pièce, Le titre de l'oeuvre nous donne les motifs de cette description : Le rêve, la lune, ?, on retrouve l'idée de Schoenberg  ' la nuit transfigurée ', 'Vincent Prost, Violoncelliste Collection Le Temps des Basses / Violoncelle Et Instruments Divers

Santorella Publications est fier de présenter 101 Chansons populaires pour Trumpet.After innombrables demandes que nous avons tout ce qu'il a rassemblé sous un même toit. Il a été depuis des décennies en laiton ou joueur roseau pouvaient trouver tant de chansons reconnaissables, de genres variés en une seule collection.Aussi disponible dans les clés pour clarinette, flûte, alto sax and Trombone à la fois en solo et en duo formes accommodant.101 Popular Songs comprend une variété de classiques bien connus originales, classiques de mariage, hymnes sacrés, chants patriotiques, des standards de jazz et chants de Noël. Chaque édition comprend trois (3) Accompagnement Piano CD - avec plus de 100 titres dont des duos classiques et jazz. Chaque joueur de cor aura une occasion unique de jouer avec les plus grands musiciens de studio à Los Angeles. Chaque édition est orientée vers un instrument particulier dans les sections Duets Classique and Jazz, qui est enregistré dans un mode de 'Music Minus One'. / Trompette

Trombone basse solo / Ensemble instrumental : Flûte traversière - Cor anglais - Petite Clarinette en Mib - Cor en Fa - Harpe - Contrebasse - Piano / Percussions : Vibraphone - Cloche tube (Do#) - Fouet - Crécelle - Petit gong chinois ascendant. / PHAETHON : Le poète latin Ovide [43 av. J.-C./17 après J.-C.] a consigné dans ses Métamorphoses, véritable texte fondateur de la mythologie classique, quelques-unes des légendes antiques les plus immortelles dont le mythe de Phaethon et le char solaire. Né d'une liaison entre l'Océanide Clymène et Hélios (le Soleil), Phaethon entretient des doutes sur sa filiation divine. Il décide alors de se rendre au palais du Soleil pour obtenir confirmation de son lignage. Le Soleil l'accueille en fils et s'engage, par un serment qu'il ne peut rompre, à lui accorder la faveur de son choix pour prouver sa paternité. Phaethon lui demande de le laisser conduire le char solaire durant un jour. Lié par son serment, Hélios sait qu'il doit honorer sa promesse. Il tente vainement de dissuader son fils, invoquant son jeune âge, sa condition de mortel et le caractère surhumain de la tâche. Sourd aux paroles de son père, Phaethon prend les rênes et les quatre coursiers du Soleil s'élancent dans les cieux. Très vite, il perd le contrôle de la situation. Le char dévie alors de sa course habituelle. Phaethon, complètement perdu, assiste impuissant à la ruine et à la dévastation qui se répand partout sur la terre. Alors que l'univers entier est en flammes, Jupiter, pour éviter la destruction du monde, foudroie le jeune Phaethon et arrête la course du char. Le corps embrasé du fils du Soleil est précipité à travers l'espace et tombe dans le fleuve Eridan, où les Naïades de l'Hespérie lui dressent un tombeau et une épitaphe : ' Ci-gît Phaethon, qui fut l'aurige du char de son père - Il ne put le maîtriser, mais sa grande témérité le perdit. 'Phaethon est une commande de Frédéric Potier - trombone basse solo de l'Opéra national de Paris et professeur au CNSM de Lyon - pour son élève Valentin Pérez. L'oeuvre fut donnée en création, le 23 mai 2008 par Valentin Pérez, trombone basse, dans le cadre du concours de sortie du CNSM de Lyon. / Trombone basse, Ensemble Instrumental Et Percussions / 16 pages / niveau : Moyen / Partition

Par HUREL PHILIPPE. Commande du concours international de piano d'Orléans (OCI) et des Percussions de Strasbourg avec le soutien du Conseil Régional du Centre et de la Fondation Francis et Mica Salabert. Ecrite pour piano solo et trois percussions, Interstices s'apparente à un 'mini concerto' dont les percussions assureraient la partie orchestrale. Bien sûr, le piano n'a pas qu'un rôle de soliste et peut, par endroits, fusionner avec la percussion pour ne créer qu'un seul et unique timbre. Comme son titre le suggère, la pièce est construite sous forme de grandes sections interrompues par des intervalles de temps durant lesquels apparaissent des éléments très identifiables. Ces éléments, brefs événements rythmiques ou véritables situations musicales, peuvent donner lieu, à leur tour, à un nouveau discours intelligible lui-même interrompu par de nouveaux évènements, et ainsi de suite. Pour exemple, la pièce finit par une 'boucle' dont l'élément principal s'était inséré, comme une parenthèse, dans la section précédente elle-même composée d'un court motif homorythmique qui avait interrompu à plusieurs reprises la section lente de l'oeuvre, placée juste avant. Pour ce qui est du traitement instrumental, j'ai conservé ici une écriture pianistique relativement classique. La pièce ayant été écrite pour un concours international de piano, je souhaitais que les instrumentistes puissent exploiter toutes leurs ressources techniques. C'est le brouillage avec la percussion ainsi que les doublures avec les claviers ou les instruments aux hauteurs relatives qui permettent d'échapper à la perception trop directe et codifiée du piano. Interstices est une pièce très énergique et rythmique et les moments les plus statiques et poétiques sont aussi perturbés par les interventions de motifs rythmiques très incisifs. Ici, tout n'est que tension et lorsque, à de rares moments, on pourrait espérer un peu de quiétude, un évènement apparaît qui remet en question le calme que l'on croyait enfin trouver. Interstices est dédié à Françoise Thinat. Philippe Hurel / contemporain / Date parution : 2009-06-29/ Répertoire / Piano et 3 Percussions

Cette méthode de saxophone convient aux leçons et d'autoformation et s'adresse aux jeunes et aux adultes qui veulent apprendre à jouer du saxophone avec plaisir et de succès. C'est pourquoi cette méthode établie se concentre sur les chansons connues - exercices secs et longues explications sont évités. Tous les sujets ont été enveloppés dans des chansons attrayants et pièces dont son comme droit réel de la musique depuis le début grâce à live enregistré des pistes de lecture. Ainsi, l'exercice est amusant. Un autre succès méthode instrumentale dans la série ' Hobby ' bien connue. Dirko Juchem a fait un nom comme saxophoniste, professeur de saxophone et auteur spécialiste au niveau national et international depuis de nombreuses années.Son son saxophone et un large éventail de styles sont bien en demande : il a joué avec des artistes allemands et internationaux connus comme les Rolf Zuckowski, Barbara Dennerlein, Thomas Anders, Anne Haigis, Harald Juhnke, Werner Pe, Sara K. ainsi qu'avec des musiciens de Jethro Tull, Jazz-Kantine o... / Saxophone Alto

Presque 60 ballades irlandaises traditionnelles sont réunies dans ce recueil, toutes sont arrangées pour piano, voix et guitare. Transportez vous vers l'île Emeraude avec ces standards, dont : Black Velvet Band, Cliffs of Doneen, Danny Boy, Down by the Sally Gardens, Leaving of Liverpool, Minstrel Boy, Red Is the Rose, When You Were Sweet Sixteen, Wild Rover, et beaucoup plus encore ! / Piano/Vocal/Guitare (PVG)

Par PAUSET BRICE. Une première petite chronique. Depuis longtemps l'idée - la nécessité plutôt - d'en finir avec les belles architectures victorieuses, les solides métaphores, le confort du déjà connu, pour imaginer les conditions d'une musique sinon inimaginable, du moins, moins 'calibrée'. Ce morceau représente la première pièce d'un cycle que je me refuse donc à planifier comme tel, tant le sujet est par ailleurs rétif aux outils de la raison. Les larmes - en allemand : Tränen (NdE) nous concernent tous sans exception. Elles matérialisent l'expression de nombre de nos sentiments. Nous les produisons nous-mêmes, avec nos propres corps et elles nous déterminent dans notre fragilité, ou plus exactement dans ce que nous acceptons d'en montrer. Il s'agira donc plutôt d'une chronique en forme de dérive, sans plan et sans fondations, mêlant distanciation poétique, observation presque physiologique, dialogues et même autobiographie. On me dira qu'il est étrange pour un compositeur mâle (ou supposé tel) de se pencher ainsi sur un sujet si traditionnellement féminin. On m'a appris tout petit qu'un homme ne pleure pas - une faille de plus dans mon éducation: je pleure très facilement et pour toutes sortes de raisons. Difficulté de rester dans le sujet, et de ne pas glisser vers ses conséquences: ne pas parler de pleureuses, donc, mais songer à des 'larmes professionnelles' - et surtout ne pas s'appesantir sur les larmes de tristesse: je leur préfère celles produites par le rire, ou celles, fluides entre toutes, émanant de la joie de retrouver enfin un être cher. Le chant - en allemand : Gesang (NdE) promis par le dernier élément du titre est un chant 'en négatif'. Il m'est personnellement très difficile, très périlleux de parler en pleurant. Les larmes sont plus fortes que le discours et imposent leur propre rythme à la voix. Le parler devient alors, à travers les larmes, un chant étrange, involontaire: le timbre de la voix se modifie, son souffle se dévoile sous un jour inhabituellement sensuel, la scansion du verbe est comme conditionnée par le mètre des larmes, faisant intervenir de courts silences, le discours lui-même se prête plus volontiers à des redites, comme des refrains compulsifs. Il s'agirait donc d'une musique purement mélodique, dont la ligne n'existerait en tant que telle qu'à travers une collection de brisures, de trous d'air, de vexations - une musique dépourvue de masque. Brice Pauset / contemporain / Répertoire / Cor en Fa et Piano

Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Par RUTTER JOHN. European Sacred Music est une collection de plus de 50 des plus beaux exemples de la musique chorale sacrée de l'Europe continentale, allant du XVIe au XXe siècles. John Rutter a préparé complètement nouvelles éditions de tous les éléments pré-XXe siècle, remontant au manuscrit premiers et les plus fiables ou de sources imprimées. De nouvelles traductions en anglais sont fournies chantant pour la plupart des morceaux, et les réductions de clavier jouable. Orchestrations sont disponibles à la location pour les huit articles accompagnés (Bach: Jesu O Christ, meins Lebens Licht - Buxtehude: Magnificat - Fauré: Cantique de Jean Racine - Franck: Panis Angelicus - Gabrieli: Jubilate Deo - Mendelssohn: Verleih uns Frieden, Monteverdi: Beatus vir - Mozart: Ave verum Corpus) Certains articles de ce volume sont disponibles séparément sous forme de brochures de la série Oxford Choral Classics Octavo. John Rutter est né à Londres en 1945 et a étudié la musique au Clare College, Cambridge. Ses compositions embrassent la musique chorale, orchestrale et instrumentale, et il a édité ou co-édité plusieurs anthologies chorale dont quatre pour des volumes de Carols chorales avec Sir David Willcocks et l'Oxford Choral Classics série. De 1975 à 1979, il a été directeur de la musique au Clare College, et en 1981 il a formé son propre choeur, les Cambridge Singers. Il partage maintenant son temps entre la composition et la conduite et est recherché comme un chef d'orchestre invité pour le leader mondial des chorales et orchestres. / Niveau : Facile à Moyennement Difficile / Recueil / Chant