Mark Vega’s Jazz Solo Series for Eb instruments, including Tenor Saxophone, is a great instructional tool for musicians and music students to learn or improve their improvisational abilities in the jazz-swing idiom. There are sixty-six examples in the book, starting at a somewhat easy level and gradually increasing in difficulty throughout the book. Sections include: Exercises in all twelve keys using II-V-I and II-V-III-VI-II-V-I chord progressions. Exercises in all twelve keys using I-VI-II-V-III-bIII-II-V-I chord progressions. Complete worked-out solos over chord changes to the popular Jazz standards Stella By Starlight, Take The A Train, and There Will Never Be Another You. Includes an easy version of the solo followed by a more difficult one. A selected discography of Mark’s favourite Jazz albums featuring great Jazz soloists. / Jazz / Recueil / Saxophone Ténor

Jazz Solo de série de Mark Vega pour trompette est un excellent outil pédagogique pour les musiciens et les étudiants en musique apprendre ou améliorer leurs capacités d'improvisation dans l'idiome jazz-swing. Il y a soixante-six exemples dans le livre, commençant à un niveau un peu facile et augmentant graduellement en difficulté tout au long de l'ouvrage. # Sections comprennent : des exercices dans toutes les douze clés à l'aide des progressions de corde II-V-I et II-V-III-VI-II-V-I. # Exercices dans toutes les douze clés à l'aide des progressions de corde I-VI-II-V-III-bIII-II-V-I. # Complets solos de sortie a travaillé sur des changements de corde pour les standards de Jazz populaires Stella par Starlight, prendre le Train A et il y aura jamais être un autre vous. Inclut une version facile du solo suivie plus difficile. # Enregistrements des choeurs des pièces ci-dessus, répétés pour pratiquer la commode. # Pour la sélectionné Discographie des albums de Jazz préférés de Mark, mettant en vedette grands solistes de Jazz. / Trompette

La musique des îles britanniques se compose d'un large spectre de la grande musique que vous ne pourrez pas d'arrêter de jouer ! Vous trouverez ici la musique d'un manuscrit de luth, musique des grands compositeurs de Renaissance John Dowland et Anthony Holborne, une pièce obsédante intitulée en forêt Yon et de belles pièces du compositeur grand harper Turlough O'Carolan. Il y a également des pièces traditionnelles comme le danseur de Deever et de Slane, qui ont duré car personnes ne pouvaient pas arrêter de fredonner les et même un hymne hypnotique très tôt intitulé The Truth ci-dessus. Les pièces sont soigneusement doits de porter sur la touche. Vous trouverez dans cette pièces de collection, vous n'avez jamais vu transcrit ou arrangé pour guitare, et beaucoup d'entre eux ont des variations qui s'étendent de la jouissance. En plus d'avoir les scores d'où vous pouvez jouer à ces pièces, le livre vient aussi avec un CD qui vise à la fois référence et le plaisir à l'écoute. / Guitare

Vol. 10/II - Edizione critica a cura di Alessandro Borin-David Bryant (testi in italiano e inglese). Par GABRIELI ANDREA. Vol. 10 of the Complete Works, articulated in two parts, contains the music found exclusively in manuscript and printed anthologies compiled prior to the great sixteenth-century Venetian composer?s death in 1585. Broadly speaking, Gabrieli?s contributions to collective anthologies fall into the following categories: 1) celebratory compositions, in several cases conceived as individual contributions to madrigal cycles by various composers in honour of more or less prominent Venetian or other personalities; 2) compositions originating in social and cultural circles close to Gabrieli; products of the composer?s habitual interaction with patrons, poets and musicians in mid sixteenth-century Venice, these compositions are published in anthologies containing similar works by other composers in Gabrieli?s milieu; 3) individual madrigals inserted in generic multi-author anthologies. Vol. 10/I features eight compositions on texts in Latin, Italian and ?stradioto? dialect (a linguistic concoction in which words of Greek origin appear against a background of simulated Venetian dialect). These include Gabrieli?s contribution to a Corona of nine sonnets by various composers on the death of Annibale Caro, the celebrated man-of-letters whose production comprises a highly successful Italian translation of Virgil?s Aeneid. The entire Corona is edited in the Complete Works. Gabrieli?s presence in multi-author anthologies follows a predictable pattern. The young composer?s earliest madrigals appear in editions of music by well-established authors (Vincenzo Ruffo, Cipriano de Rore) or collective anthologies edited by enterprising local musicians or other cultural figures (Giulio Bonagiunta, a singer at St Mark?s; the Venetian poet, actor and musician Antonio Molino). These give way to anthologies of music by highly celebrated composers, to which Gabrieli, his reputation now secure, accedes by invitation; and, beginning in 1583, non-Italian publications (increasingly common in the years following the composer?s death). / Date parution : 2022-04-26/ Recueil / Orchestre

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Music from the Disney Motion Picture Soundtrack. Par JOHN ELTON / ZIMMER HANS / RICE TIM. 2019 marks the 25th anniversary of Disney's iconic animated classic, The Lion King, and it is now being brought to a new generation of viewers with a new live action film. Our matching songbook to the soundtrack for the July 2019 production features 16 songs by Elton John and Tim Rice, including five classics from the original film: Be Prepared - Can You Feel the Love Tonight - Circle of Life - Hakuna Matata - I Just Can't Wait to Be King - as well as new songs including 'Spirit” performed by Beyoncé and 'Never Too Late” performed by Elton John. Includes 8 pages of full-color art from the film. / TV, Film, Comédie musicale / Date parution : 2019-05-27/ Recueil / Piano, Chant et Guitare

'When Gabriel Fauré was appointed Director of the Paris Conservatoire in 1905, one of his most pressing concerns - and first achievements - was a complete reform of the teaching of singing. He was determined to introduce mandatory study of art song, along with 'exercises developing vocal suppleness, articulation, and voice placement and production, which are the basis of singing teaching'. To this end, between 1906 and 1916 he composed a substantial body of accompanied vocalises for use in the Conservatoire's sight-singing examinations. For a century these vocalises - all but one now held in the Archives nationales de France in Paris - have lain unknown to the musical world at large. Their first publication here marks a major event for the vocal teaching repertoire (as well as some entrancing music)- a marvellous resource of skilfully devised vocal exercises ranging from elementary to advanced virtuoso level, all from one of history's greatest song composers.'- Roy Howat / Voix Et Piano

Following the recent publication of the full score and performance material to Debussy?s ?La Mer? (BA 7880), Bärenreiter now presents the study score edition of this ?impressionistic? masterpiece. The new scholarly-critical edition draws on several important sources previously unavailable to musicologists, resulting in an array of new readings and corrections. In addition, there are many changes, especially in terms of articulation and dynamics. This new edition includes the famous ?fanfare? in Movement III, clearly marked in small print and brackets. This fanfare was excised in the 1910 reissue of the work, but was reinstated by a number of great conductors who knew Debussy, i.e. Monteux, Münch, Mitropoulos and Ansermet. They felt that the excision was a misunderstanding and that the fanfare was necessary for the structure of the movement. And so, the Bärenreiter edition presents the revival of a performing tradition which is committed to the fanfare. - New Urtext edition with numerous corrections in comparison to other editions - Important sources which were previously inaccessible have been taken into account Edition no.: TP 780 ISMN: 9790006205455 Editor: Woodfull-Harris, Douglas Language(s) of text: French, English, German Product format: Study score, Urtext edition Binding: Paperback Pages / Format: XXVIII, 158 S. - 22,5 x 16,5 cm

Par SZYMANOWSKI KAROL. The composition of the Princess Songs marked the beginning of a particularly productive phase for Karol Szymanowski. Based on a series of poems by his sister Zofia, Szymanowski composed this colorful and glittering music in 1915; its exotic, lyrical and fantastical world is expressed in the coloratura soprano’s many passages, featuring trills and rapid runs. The princess herself remains mysteriously undefined. Love is her only recurrent theme. By withdrawing into internal fantasy during a time of war, Szymanowski found an opportunity to retreat into a dream world, and composing songs remained an important part of his lifelong work; in 1933 he arranged three of the six Princess Songs for voice and orchestra. (Sakari Oramo orchestrated the other three and conducted their first performance in 2012). (Translation on UE website by Grant Chorley.)/ Répertoire / Voix Haute et Piano

Par LUCIA PACO DE. Paco de Lucía applied modern harmony to the flamenco guitar, exerting a huge influence on the flamenco world. He also advanced guitar technique and established the cajon, a boxlike Peruvian percussion instrument, as a mainstay in flamenco ensembles, further elaborating and solidifying the rhythmic foundation and influencing all facets of the flamenco art form, be it dance (baile), song (cante) or guitar performance (toque). This volume marks the first in a series of collections of chronologically transcribed recordings by this consummate guitarist - It presents works from his first recording, La fabulosa guitarra de Paco de Lucía including: Barrio la viña - De madruga - Farruca de Lucía - Ímpetu - Jerezana - Llanto a Cádiz - Punta del Faro - and Punta Umbría. Every effort was made to accurately render this music in standard notation and tablature ultimately approved by the artist himself. A foreword, explanation of notation symbols, and generous performance notes are included in Spanish, English and French. UK product number 901310308 / Niveau : Intermédiaire à Avancé / Flamenco - Solos / Tablatures / Guitare Tablatures

Playing with the Chamber orchestra. Par SCHWARZ OTTO M.. The recordings for the POESIA production were made by a chamber orchestra supported by electric bass and drums. Recordings and sheet music of the highest quality are the trademarks of composer Otto M. Schwarz and Symphonic Dimensions Publishing. Let this music transport you into the dreamworld of masks, fairy tales and romance!/ Répertoire / Trompette

Par KOSKINEN JUHA T.. Juha T. Koskinen's (b. 1972) responsiveness to timbre and particular inetrest to take into account the musical dramaturgy as a parameter in the duration of the movements are important in the String quartet no. 3 (2022). The aim of the composer 'is to provide the listener with clear musical marks, using which one can navigate on the ocean of one's own mind.' This product includes the full score and string parts. / Date parution : 2022-12-12/ Répertoire / Quatuor à Cordes