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La Cité Des Saules (DUFOURT HUGUES)
18.80
La Cité Des Saules (DUFOURT HUGUES)
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Guitare Electrique et Transformation Du Son
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Par DUFOURT HUGUES. / contemporain / Répertoire / Guitare Electrique et Trans...
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Par DUFOURT HUGUES. / contemporain / Répertoire / Guitare Electrique et Transformation Du Son
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Devenir
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Devenir
Clarinette Et Electronique
Jobert
Devenir associe une clarinette solo amplifiée à un environnement informatique:...
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Devenir associe une clarinette solo amplifiée à un environnement informatique: tout ce que joue le soliste a été préalablement inscrit dans la mémoire de la Station d'informatique musicale (SIM) afin que cette dernière puisse effectuer les opérations désirées au moment opportun, que ce soit les transformations sonores, la spatialisation ou le déclenchement de séquences.Les sons choisis pour cette pièce sont volontairement limités à ceux d'une clarinette en si bémol et d'une clarinette basse (qui ont été préalablement échantillonnées) ainsi qu'à quelques transformations électroniques qui laissent toujours percevoir le son originel de l'instrument solo. Il n'y a pas dans cette oeuvre de confrontation entre le soliste et l'électronique mais une démultiplication de la clarinette en une série de transformations et de figures issues du jeu en direct, la spatialisation révélant alors les couches diverses qui se superposent.Le titre Devenir provient de cette idée d'évolution de la sonorité d'un instrument, ou d'une idée musicale, mais aussi de ce flot incessant qui traverse nos vies et les êtres que nous côtoyons. C'est de l'instant présent que se dévoile et se transforme la mémoire mais aussi que se construit un avenir qui est un devenir infini, un potentiel plus qu'une déduction stricte de causes à effets.Cette oeuvre est reliée à ma collaboration, brisée par la mort, avec Dominique Bagouet et Jean Rouaud. Trois pièces résultent directement de ce passage douloureux: Là, Au-delà (dont la fin de la seconde version a été fortement modifiée à la mort de Dominique Bagouet), Devenir et So schnell, zu früh qui sera créée en décembre prochain et dédiée à la mémoire d'un chorégraphe aventureux et généreux dont l'invention était en éveil constant.Devenir est dédiée à Jean Rouaud en témoignage d'amitié et d'affection.Je remercie chaleureusement Leslie Stuck et André Trouttet pour leur collaboration et leur soutien qui m'ont été précieux.Frédéric DurieuxLa partie d'électronique est disponible à la location / Clarinette Et Electronique
21.70 EUR - vendu par LMI-partitions
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Electrics
16.00
Electrics
Jobert
Les Electrics sont des tentatives de création d'espaces sonores qui allient le ...
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Les Electrics sont des tentatives de création d'espaces sonores qui allient le soliste et le dispositif électroacoustique dans une relation particulière. Avec Les Electrics, je cherche à définir cette interactivité idéale, le lien ou le lieu sonore convivial, musical et ludique, à l'image peut-être d'une pensée de musique chambriste qui pourraient relier deux musiciens, ici le soliste et l'ordinateur. Un espace interactif, créatif et récréatif où le soliste peut construire un enchaînement personnel de territoires sonores électroacoustiques dans lesquels il se déplace à sa guise en créant ses propres itinéraires dans la partition de 'forme ouverte'.Ici, le programme informatique 'écoute' les 'mi' de la flûte, hauteur pivot sur laquelle se polarise la pièce qui sert de relais comme interactivité avec l'ordinateur. Sur chaque 'mi', il en analyse immédiatement les variations microtonales, les dynamiques et le timbre du soliste. En fonction de ces paramètres, se construisent les transformations électroacoustiques. L'instrumentiste a donc le contrôle permanent de ces transformations par sa technique de jeu.Florence BaschetLes Electrics sont des pièces mixtes qui ont pour but de familliariser les instrumentistes (professionnels et étudiants en cycle supérieur de conservatoire) aux techniques de jeu instrumentales contemporaines avec dispositif électroacoustique en temps réel, ce dispositif étant contrôlé par la technique de jeu du soliste. A ce jour, il existe deux Electrics, une pour saxophone et une pour flûte. / Flûte Traversière et Electronique
16.00 EUR - vendu par LMI-partitions
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Borrowings In English Church Music 1550-1950 (BLEZZARD JUDITH)
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Borrowings In English Church Music 1550-1950 (BLEZZARD JUDITH)
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Stainer and Bell
Par BLEZZARD JUDITH. Judith Blezzard This book looks at English church music fro...
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Par BLEZZARD JUDITH. Judith Blezzard This book looks at English church music from a new standpoint. It examines the relationship between English church music and the various types of other music that have influenced its development, revealing a vigorous tradition of interplay with extraneous musical material that is seldom apparent from the ways in which music is presented for church use. The borrowing of music from churches outside England is explored, and a large section is devoted to the often surprisingly ingenious ways in which secular music has, since the beginnings of the English church, been appropriated as music for worship - often with controversial results. From madrigal tomusic-hall, from plainsong to popular styles: these and many other kinds of music have lent both styles and material to sacred music with English texts. By examining these musical transformations, this book demonstrates that English church music is far from being an exclusively insular and retrospective repertory, as is often presumed to be the case. Although the book, with its use of musical examples, is designed primarily for the general musical reader - both amateur and professional, its broadly historical approach will appeal to those interested in English cultural heritage, the church, and its worship. ISBN 0 85249 784 9 Judith Blezzard This book looks at English church music from a new standpoint. It examines the relationship between English church music and the various types of other music that have influenced its development, revealing a vigorous tradition of interplay with extraneous musical material that is seldom apparent from the ways in which music is presented for church use. The borrowing of music from churches outside England is explored, and a large section is devoted to the often surprisingly ingenious ways in which secular music has, since the beginnings of the English church, been appropriated as music for worship - often with controversial results. From madrigal tomusic-hall, from plainsong to popular styles: these and many other kinds of music have lent both styles and material to sacred music with English texts. By examining these musical transformations, this book demonstrates that English church music is far from being an exclusively insular and retrospective repertory, as is often presumed to be the case. Although the book, with its use of musical examples, is designed primarily for the general musical reader - both amateur and professional, its broadly historical approach will appeal to those interested in English cultural heritage, the church, and its worship. ISBN 0 85249 784 9/ Livre / Livre
21.19 EUR - vendu par LMI-partitions
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Electrics (BASCHET FLORENCE)
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Saxophone et Electronique
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Par BASCHET FLORENCE. Les Electrics sont des tentatives de création d'espaces s...
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Par BASCHET FLORENCE. Les Electrics sont des tentatives de création d'espaces sonores qui allient le soliste et le dispositif électroacoustique dans une relation particulière. Avec Les Electrics, je cherche à définir cette interactivité idéale, le lien ou le lieu sonore convivial, musical et ludique, à l'image peut-être d'une pensée de musique chambriste qui pourraient relier deux musiciens, ici le soliste et l'ordinateur. Un espace interactif, créatif et récréatif où le soliste peut construire un enchaînement personnel de territoires sonores électroacoustiques dans lesquels il se déplace à sa guise en créant ses propres itinéraires dans la partition de 'forme ouverte'. Ici, le programme informatique 'écoute' les 'mi' de la flûte, hauteur pivot sur laquelle se polarise la pièce qui sert de relais comme interactivité avec l'ordinateur. Sur chaque 'mi', il en analyse immédiatement les variations microtonales, les dynamiques et le timbre du soliste. En fonction de ces paramètres, se construisent les transformations électroacoustiques. L'instrumentiste a donc le contrôle permanent de ces transformations par sa technique de jeu. / Contemporain / Répertoire / Saxophone et Electronique
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E Cosi Via
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E Cosi Via est une commande de Radio France. La bande magnétique a été réali...
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E Cosi Via est une commande de Radio France. La bande magnétique a été réalisée au Groupe de Recherches Musicales avec le processeur en temps réel SYTER qui avait été conçu et construit au GRM. A l'époque on commençait à utiliser les premières interfaces graphiques pour transformer en temps réel des sons de piano préenregistrés. A partir de ces enregistrements, il était possible de transformer radicalement le son du piano et obtenir des sons très éloignés de la source initiale. Les principaux modules de transformation utilisés dans E Cosi Via sont des harmoniseurs, des délais, des boucles de réinjection, de la distorsion contrôlée, des filtres résonants et des réverbérations.E Cosi Via est construit autour de l'ambiguïté entre l'instrument réel et sa composante non réelle qu'est la bande. L'oeuvre comporte 3 sections, chacune explorant un type de relation différent entre le piano et la bande.Dans la première section, la bande souligne les idées musicales développées par le piano - les sons de piano sont assez déformés mais leur origine est toujours reconnaissable.Le piano prolonge la bande dans la deuxième partie, les sons de piano sont légèrement transformés et il existe une certaine confusion entre les sons réels et les sons enregistrés.La dernière section propose une opposition entre le piano et la bande. Ici, les transformations altèrent complètement les sons de piano, leur origine n'est plus reconnaissable. Le piano et la bande sont antagonistes. Seulement à la fin de l'oeuvre, ils vont fusionner à nouveau comme au début.Daniel Teruggi / Piano et Bande
33.30 EUR - vendu par LMI-partitions
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La Muette
71.50
La Muette
Jobert
Make the silence talk'La Muette knew how to make the silence talk like no one', ...
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Make the silence talk'La Muette knew how to make the silence talk like no one', writes Djavann in his book (La Muette, © Flammarion 2008). Those words deeply touched me for they express one of the most beautiful metaphors in music. Through the lines of discourse, beyond words, I was listening to the silence of 'La Muette'. A rare and intense listening which joins the same internal listening I use when I'm writing my score. I was listening to La Muette, I decided to write a new piece to make the silent voice of La Muette told by Chahdortt Djavann sound through music. Choosing the extracts The text put in music is composed of short extracts from Djavann's story. I focused on this woman's portrait, who conquers her freedom through silence in which she forms a strong love relationship with her niece Fatemeh on the one hand, and the Uncle on the other hand. 'She had made her silence become her art of living, her freedom' writes Djavann. The extremely dramatic tension, the flow of the singing in Persian language, and the oppression in relation to the Iranian context are trying to underline the independent beauty of that woman who resists and exists without a voice. Story A young 15 years old Iranian girl named Fatemeh is in jail. Waiting for her death sentence, she writes the story of her aunt on a small notebook, 'so that someone remembers La Muette and myself'. The young teenager was raised by her aunt who becomes mute because she decided to stop talking on a dark day of her own childhood when she was interrogated, never to tell THE truth. An aunt whose silence makes even more fascinating, haughty, with an insolent look, cigarette at her lips, bare-footed and without any scarf on her head. 'La Muette' had made her silence become her art of living, her freedom. Around her, women start to talk, even considering her mad, for only a mad person could act this way. Fatemeh loves her mute aunt unconditionally, that is how she wants to become a woman, by being like her, fascinated by her silence and her excesses. La Muette embodies a figure of Freedom and makes us remember that in some countries, the woman who won't be submissive risks capital punishment. She will be hung. Following this beautiful text by Chahdortt Djavann, 'La Muette', a powerful text, stiff, tensed, without any lyricism nor compromises, which takes place in Iran under the Mollahs' regime. Persian: Phonological material / Compositional material Djavann's story is written in French. I asked Baharé Khadjé-Nouri to translate the text into Persian, and worked with her on pronunciation, accentuation, metric and the structure of the language, and I thank her again for that. I spent a long time having some people reading me the text in Persian and through listening I immersed myself in that sound universe. From this linguistic material, the beginning of the piece starts with the constitution of a tank of sound objects which will constitute parts of the compositional material. To compose the phonological tank, I worked on writing the pronunciation that lies at the origin of every possible vocal composition, writing the tone as well as the 'percussive - resounding' aspects of phonemes, multiple uses of fricative consonants or sibilants. Finally I used the vocal treatment of the phoneme through modes of play in relation to sprechsang: sing -inspire, or -expire, -blow, -chanting, -whispering, -spitting, -speaking. But a purely phonetic analysis of the vocal structures composing the sung part would reduce the word to its mere phonetic entity. The phonological material then constituted a compositional material by giving to the sung word its semantic entity. Form of the piece To strip the drama off every narrative element, at least of the discursive and linear character of the story, I first re-organized parts of the text extracted from the whole book in an order fitting the form I wanted to give to the piece (except for the beginning and ending which are kept in their linear forms). I imagined Fatemeh in jail, whose memories bounced between the four walls of her cell: recurring musical material, re-injected in an obsessive way, disjointed and contrasted, continuously modified each time, bouncing from one sequence to the next in another state. The piece is divided into 5 sequences, between each of them is an instrumental interlude with a voice-off, the voice of the present in the cell that contrasts with the singing voice of the sequence, evocation of memories of La Muette (sequence 1: preamble, sequence 2: portrait of La Muette, sequence 3: La Muette and Fatemeh, sequence 4: La Muette and the Uncle, sequence 5: epilogue). Electroacoustic setupFor this piece, I wrote the electroacoustic parts myself at the same time I was writing the instrumental parts. The electroacoustic setup is here considered as a whole instrument, an instrument added to the 12 others electroacoustic instruments and to Donatienne's voice. The electroacoustic sounds are divided into three types: - Samples from the singer's voice and instruments of the TM+ ensemble transformed - The narrator's voice Baharé Khadjé-Nouri in Persian, original version or transformed - Extra-musical sounds As for the synchronization between the acoustic and the electroacoustic scores, we will use for the first time an innovative application developed by Frédéric Bevilacqua and Bruno Zamborlin, not to follow the moves as we did it in StreicherKreis (my string quartet created in November 2008), but to follow the voice and orchestra. Thus, we will be using an 'audio-following', which constituted a first. This setup of recognition and following will allow the synchronization between instrumental and electroacoustic scores in a musical and precise way. Concerning the interactivity between performers and device, it will all be in real-time. Characteristics of the musicians' sound will 'interpret' what comes out of the speakers. The musicians will define the settings of the sound transformations, in terms of space, transposition, tone or length. This new piece expresses a message through the choice of subject that goes beyond strictly music. For me, it is important that both the composer and writer can invest their work into problematics which they're confronted to because they are immediate witnesses. / Soprano Et Percussions
71.50 EUR - vendu par LMI-partitions
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Cela faisait longtemps que je voulais écrire une pièce pour flûte seule. En f...
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Cela faisait longtemps que je voulais écrire une pièce pour flûte seule. En fait, depuis Eolia, une oeuvre des années 80 dans laquelle j'avais essayé de détourner le jeu volubile normal de la flûte tel qu'on l'employait dans la littérature traditionnelle. Dans Loops, le son de la flûte et les techniques de jeu importent moins finalement que les processus de transformation mis en oeuvre. Le titre de la pièce annonce et désigne déjà le principe d'écriture. Il y a un côté allitératif dans ce titre et je tiens absolument à conserver l'esprit qui caractérise ce genre de pièces. Je pars de petits motifs rythmiques qui se répètent et se transforment au fur et à mesure. En fait, ce sont des formules simples qui, par ajout ou soustraction successifs, finissent par créer elles-mêmes de nouvelles boucles. Ce qui m'intéresse, c'est ce qu'il y a entre les deux, la façon dont on y arrive et dont on en repart. Le résultat du processus m'importe peu. La boucle, elle, m'intéresse parce qu'il y a répétition et la répétition m'intéresse parce qu'elle est au fondement de toute transformation dans le temps. Dans cette oeuvre, le principe est poussé à l'extrême. Avec Open music, J'ai trouvé un système pour implémenter cette idée de répétition et de bouclage, tout un programme qui permet de prévoir la façon dont doivent se dérouler les transformations. Je n'avais encore jamais utilisé la boucle de façon aussi dépouillée, avec un seul instrument. Cette idée est pourtant prédominante dans toutes mes pièces. Il y a toujours eu ce principe de répétition dans ma musique. Sur le plan formel, il permet à l'auditeur de mieux comprendre, d'avoir des repères. Loops est une pièce que j'ai faite de façon très objective, mais à partir d'éléments intuitifs, improvisés vocalement lors de conférences. Je tente certaines choses ludiques. Je les teste... Un peu à la manière de Schoenberg lorsqu'il construisait ses contrepoints et ses carrés... Contenu : Compositeur/Auteur : HUREL Philippe
Discipline/Instrument : flûte solo Support : Partition
Style/Genre : contemporain
Date de parution : nov.-99
Niveau de difficulté : 5
Nombre de pages : 4
16.10 EUR - vendu par Woodbrass
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Modifications (JARRELL MICHAEL)
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Par JARRELL MICHAEL. Modifications a été écrit pour l'Ensemble Contrechamp et...
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Par JARRELL MICHAEL. Modifications a été écrit pour l'Ensemble Contrechamp et pour Claude Helffer. La partition fait directement allusion au roman de Michel Butor, et s'inspire de quelques uns de ses principes: modification des différents temps, modification d'une situation en rapport avec une constante, modification de celle-ci, modification de l'itinéraire même du soliste dont l'écriture se transforme peu à peu afin de rejoindre celle de l'ensemble. Michael Jarrell Lorsque je compose, je suis confronté à des choix qui affectent la succession immédiate des événements ou le décours de la forme: une fois un chemin choisi, on ne peut revenir en arrière. En ce sens, la composition ressemble à un système arborescent: un motif, une 'Gestalt' peuvent se développer de différentes façons. Certains éléments d'une oeuvre peuvent servir de germe à une autre oeuvre. C'est ainsi que des liens profonds existent entre les pièces enregistrées ici: Trei I, Trace-Ecart, Modifications (...) Cette idée des notes répétées impliquait d'autres formulations, que je décidai de mettre à jour avec Modifications. J'ai établi dans cette oeuvre une sorte de cycle de développement à partir de deux éléments contraires ayant comme axe principal des notes répétées: ainsi l'auditeur peut-il suivre les transformations allant de la note tenue à des groupes d'appoggiatures, en passant par le trille et différentes sortes de figurations rapides. Ces éléments sont, au départ de la pièce, superposés. Ils ont également une fonction de 'signal', et articulent les différentes parties de l'oeuvre du point de vue formel. Plus qu'un jeu d'écriture, un tel travail est lié aux phénomène psychoacoustiques et à la recherche d'un langage il vise à une formulation que l'auditeur peut saisir, à une adéquation satisfaisante entre langage et perception basée sur l'utilisation d'éléments repérables tels que motifs, hauteurs gelées, gestes musicaux. De même que je n'ai pas l'intention de faire table rase du passé, je ne désire pas construire chaque pièce à partir d'un point zéro. Ce qui importe au contraire, c'est de travailler avec des éléments que je maîtrise de mieux en mieux, d'atteindre à une certaine fluidité, et d'établir une continuité significative entre les oeuvres. Fasciné par des artistes qui, comme Giacometti ou Varèse, travaillent sans cesse la même idée, je conçois mon propre développement comme une sorte d'auto-analyse. Michael Jarrell, extrait du texte de présentation du disque Accord / contemporain / Date parution : 1987-01-01/ Répertoire / Piano et Ensemble
33.80 EUR - vendu par LMI-partitions
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Par NODAIRA ICHIRO. Une oeuvre pour quatre violoncelles basée sur la Suite no5 ...
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Par NODAIRA ICHIRO. Une oeuvre pour quatre violoncelles basée sur la Suite no5 pour violoncelle solo de J.S.Bach. Elle fait partie de la série 'Transformation' qui cherche à transformer l'oeuvre de Bach dans l'ère moderne, à convertir l'écriture de Bach en celle d'aujourd'hui. L'oeuvre se compose de quatre parties jouées successivement. Bien que la sonorité soit complètement différente, chaque partie est étroitement liée à cette Suite no5. Partie 1 Densité : chaque note de la double-croche au début du prélude est prolongée pour former des accords denses. Partie 2 Chant : une nouvelle ligne de chant est née à partir de différentes transpositions des lignes mélodiques de Sarabande. Partie 3 Tempus fugit : les fragments de Courante traversent rapidement, tandis que le rythme de base de Gigue se répète sans relâche. Partie 4 Dans le temps qui s'étire : le sujet de Fugue dans la seconde moitié du Prélude s'étend une dizaine de fois, apportant divers développements. Ichiro Nodaïra / Musique contemporaine / Répertoire / 4 Violoncelles
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Quatuor A Cordes #1 Scratches
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Quatuor A Cordes #1 Scratches
Quatuor à cordes: 2 violons, alto, violoncelle
Jobert
Brouillons... l'onomatopée 'scratch!!!'... l'idée de brouiller etc...L'abord d...
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Brouillons... l'onomatopée 'scratch!!!'... l'idée de brouiller etc...L'abord du genre du quatuor à cordes reste dans le parcours d'un compositeur un passage important. Cet instrument à seize cordes est un véritable laboratoire de recherche et une magnifique source de stimulation pour l'imaginaire sonore. Le dispositif électronique est là comme prolongement du son, extrapolation du timbre ou excroissance de la masse - il vient densifier, décupler les possibilités sonores et provoquer une sorte de 'schizophrénie' du quatuor à cordes. Grâce à un système de spatialisation, il devient possible d'extraire l'image sonore du quatuor, de la déplacer ou bien même de l'exploser. Ce procédé de diffusion permet de plonger, d'immerger l'auditeur à l'intérieur même du son pour pouvoir mieux le sentir, le ressentir ou bien même de le 'toucher'. Aucun son n'a été au préalable enregistré en studio, tous les traitements et les transformations ont lieu en temps réel. Ce qui signifie que les algorithmes réagissent au jeu des interprètes à un instant T et rendent l'interprétation plus dynamique donc plus vivante. Ceci, dans un sens, 'humanise' les machines et les mets quelque part au service de l'homme !Yann Robin / Quatuor à cordes et Electronique
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32 Etudes Vol.1 - Etudes 1 A 16 (ROSE CYRILLE)
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Clarinette Solo
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Intermédiaire
FLEX Editions
32 Etudes Pour Clarinette Volume 1. Par ROSE CYRILLE. Dans le petit monde de la ...
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32 Etudes Pour Clarinette Volume 1. Par ROSE CYRILLE. Dans le petit monde de la clarinette, le recueil des '32 Etudes' de Rose est sans aucun doute un des plus réputés et des plus utilisés. En se basant sur les '48 Etudes op. 31' pour hautbois de Ferling, Rose a librement modifié la structure, l'étendue, la tonalité et parfois même la carrure des études originales pour les adapter à la tessiture et au jeu de la clarinette. Ce sont donc de véritables re-créations que Rose met à la disposition de l'étudiant clarinettiste. Regroupant une grande variété de défis musicaux et techniques, les '32 Etudes' permettent une préparation idéale au répertoire du 19e siècle et, en tant que telles, elles n'ont peut-être jamais été remplacées. À travers de nombreuses rééditions, ces études ont été à leur tour révisées et complétées par l'ajout d'indications expressives, de dynamiques, d'articulations, de phrasés et de tempi métronomiques surchargeant parfois le discours original. Cette nouvelle édition présente un double intérêt : d'une part de proposer le cahier original de Rose de 1893, et d'autre part de mettre en parallèle la version référente de Ferling pour le hautbois (édition de 1840 chez Bachmann) que nous avons transposée dans les tonalités choisies par Rose pour la clarinette. L'étudiant pourra donc facilement comparer les deux versions, saisir les modifications, les ajouts et les transformations de Rose et ainsi enrichir son approche du style et du phrasé de chaque étude. Pour compléter cette réflexion, des indications de jeu et de travail sont données tout au long du recueil. - Formation : Solo - Instrumentation : Clarinette Solo - Niveau de Difficulté : 3/6 - Intermédiaire - Durée : -- - Style Musical : Pédagogique - Catégorie : Composition Originale, Méthode - Compositeur : Cyrille ROSE - / Niveau : Intermédiaire / Pédagogique / Etude / Clarinette Solo
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Quintette (MANTOVANI BRUNO)
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Quintette (MANTOVANI BRUNO)
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Lemoine, Henry
Par MANTOVANI BRUNO. Une large partie de ma production dans le domaine de la mus...
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Par MANTOVANI BRUNO. Une large partie de ma production dans le domaine de la musique de chambre est consacrée à des effectifs 'historiquement référencés'. En effet, outre le quatuor à cordes dont le patrimoine est immense mais qui est aussi une formation très prisée dans la création actuelle, je me suis consacré régulièrement aux genres de la sonate avec piano, au trio avec piano et à d'autres combinaisons instrumentales bien plus en vogue aux XVIIIe et XIXe siècles qu'aujourd'hui. Après un quintette avec piano, un autre à deux altos, c'est en 2016 le quintette à deux violoncelles qui a attiré mon attention. Le modèle schubertien a été évidemment présent à mon esprit pendant toute l'écriture (il s'agit d'aiIleurs de mon troisième opus faisant référence à ce compositeur, après Mit ausdruck pour clarinette basse et orchestre et Huit moments musicaux pour trio avec piano). Si dans une des sections lentes on peut reconnaître les pizzicati issus de l'Adagio de mon illustre collègue, la musique est assez éloignée du Quintette en ut. Cette pièce tente d'unir dans un même élan lyrisme et énergie, gestes instrumentaux naturels et abstraction. La forme tend vers une certaine continuité, soit par la mise en place de processus linéaires (transformations rythmiques, 'morphing' harmonique) soit par le tuilage entre des idées musicales contrastées. Les séquences les plus lentes ne visent à créer aucun sentiment de statisme : en général, la texture est animée par des trémolos, des batteries, les longues durées d'attente (notion très schubertienne) étant toujours habitées par le mouvement. Au milieu d'une texture généralement très dense et très monolithique, de nombreux soli renvoient au genre du concerto grosso. Le Quintette pour deux violons, alto et deux violoncelles est dédié à Henri Demarquette et au Quatuor Danel. Bruno Mantovani/ Répertoire / 2 Violons, Alto et 2 Violoncelles
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Dawn Flight (DUFOURT HUGUES)
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Lemoine, Henry
Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peint...
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Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes
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(...) L'importance que je donne à cette nouvelle partition s'inscrit en deux dimensions: la spécificité du genre musical que représente le quatuor à cordes et l'ambition du projet, exigeant en matière de musique mixte.(...) Nous avons cherché à saisir (ou capter) dans le jeu de l'instrumentiste les qualités gestuelles du phrasé de son archet pour s'en servir comme nouveaux modes de communication interactifs avec le dispositif. Nous avons placé sur les hausses des archets des puces électroniques miniaturisées, ce qui vaut au quatuor ce nom particulier de 'quatuor augmenté'. Ces miniatures sont capables de capter les qualités gestuelles des instrumentistes, dans ses paramètres de vitesse, de position, d'angle d'attaque, de hauteur d'attaque et de pression de l'archet sur les cordes. Puis nous avons élaboré un dispositif de reconnaissance et de suivi de geste permettant ainsi de façon précise et musicale, un contrôle par l'interprète des traitements sonores en temps réel.Ce sont donc les coups d'archet des instrumentistes du quatuor à cordes qui vont définir les paramètres des transformations sonores que l'on entend dans les haut-parleurs. Dans le domaine de l'interaction entre instruments acoustiques et dispositif électroacoustique live réalisée par le suivi du geste instrumental, ce qui sera une première, cette oeuvre ouvre très certainement une nouvelle page de musique. (...)Florence Baschet / Quatuor à cordes et Electronique
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Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Quatuor à Cordes
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Par HUREL PHILIPPE. Utiliser la voix implique souvent l'utilisation d'un texte. Et l'on sait que le compositeur, pour se l'approprier, le maltraite au risque de le rendre incompréhensible. Il reste alors - et ce n'est pas rien - l'influence de sa structure sur la forme musicale. Pour ma part, je n'ai pas souhaité me livrer à un travail de 'réorganisation' d'un texte préexistant que je craignais de trop malmener. Dans cette pièce, la partie vocale n'a donc pas été écrite à partir d'un texte. Elle est extraite de polyphonies à caractère instrumental, canons rythmiques organisés à partir d'un cantus firmus simple et repérable. La partie vocale est, selon la situation, le cantus firmus lui-même ou bien l'une des parties, en imitation ou en canon, extraite de la polyphonie. J'ai donc écrit le texte a posteriori, en fonction de la ligne mélodique obtenue. La chanteuse est ici en observatrice. Elle décrit de manière 'topologique' les transformations, les dérives de la musique qui est en train de se dérouler. Le texte est une sorte de 'mode d'emploi' (écrit après la composition) dont le caractère poétique ne se dégage que lorsqu'il est chanté et que la pièce est réellement jouée. Philippe Hurel / contemporain / Répertoire / Soprano et Ensemble
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C'est un hymne triomphant qui se manifeste, dès les premières mesures. Un rêve qui se fraye un chemin vers une lumière étincelante. Le thème subit des transformations, parce que le rythme au piano qui l'accompagne se renforce, il semble s'amuser à son contact. C'est un élément de surprise permanant, le piano tente, en vain, de déséquilibrer ce thème, pour le faire trébucher. / Trompette En Ut Ou Sib Et Piano
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La musique de Mozart oriente l'interprétation vers des interrogations esthétiques, beaucoup plus que celle d'autres compositeurs, Non pas tant parce qu'elle serait plus proche de la beauté ou plus vouée à la perfection, mais parce qu'elle laisse discerner en filigrane une poétique permettant de s'orienter vers des voies de compréhension, En quête d'une représentation de cette poétique, ce livre parcourt la conséquente production du compositeur, en privilégiant deux extrêmes dans l'immensité du champ d'expression mozartien: les récits du bonheur et de la mort,D'un côté l'aspiration au bonheur, tenace et sans cesse renouvelée, de L'Enlèvement au sérail aux Noces de Figaro jusqu'à La Flûte enchantée, vécue à un moment de l'histoire des idées qui en exalte la centralité anthropologique et philosophique, Un bonheur suscité par le désir, mais élaboré au sein d'une complexité de transformations, dans un contexte moral insoupçonné qui ne prononce pas de sentences et connaît le pardon : l'expression la plus élevée de cette pensée extraordinaire et paradoxale qu'est l'humanisme mozartien,De l'autre côté, la mort, dans une confrontation avec le sublime du dix-¬huitième siècle et au seuil du sacré: Idoménée, la Messe en do mineur, Don Juan, Mais surtout une mort ressentie comme séparation, comme renoncement à toute possibilité de rencontre avec une vie heureuse : en pensant moins à ce qui nous attend qu'à ce que l'on abandonne,Voilà donc comment il faut entendre le long itinéraire suggéré par le titre, Vers le Requiem, qui nous mène vers ce travail ultime et inachevé, piégé par les circonstances romantiques de sa commande mystérieuse, mais encore susceptible de troubler le mythe d'une atténuation expressive mozartienne, Le Requiem est observé ici comme un projet parallèle à celui de La Flûte enchantée : la dernière fable illuminée par le bonheur et la rencontre avec la nuit de la mort, les deux réflexions avec lesquelles Mozart prend congé de son siècle, Livre ré-écrit en français avec l'auteur, Angela Cristina, Gianfranco Vinay, Marianne Lyon Collection Musique/Interprétation AVEC L'AIDE DE L'UNIVERSITE DE TURINOUVRAGE PUBLIE AVEC LE CONCOURS DU CENTRE NATIONAL DU LIVRE CNL / Formation Musicale
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Par MANTOVANI BRUNO. Lorsque Frank Madlener m'a proposé le projet de confronter un orchestre symphonique avec la lutherie électronique, j'ai tout de suite accepté ce défi sachant qu'il me faudrait rapidement fixer des contraintes très fortes, tant le champ des possibles, qu'il soit instrumental ou électroacoustique, était infini. Mon idée initiale était d'utiliser pour la première fois des transformations en temps réel, afin d'assouplir les rapports de verticalité et d'utiliser l'informatique comme un moyen d'orchestration. Celle de Frank était de se demander comment l'électronique pouvait créer l'illusion d'un orchestre déployé dans l'espace, entourant le public, et créant des configurations acoustiques inouïes. Afin de travailler sur cette problématique, j'ai décidé d'utiliser une formation orchestrale défective, ou certains instruments (notamment ceux qui étaient les moins localisables à l'écoute, comme le basson ou le cor) seraient absents et 'remplacés' dans la texture générale par l'ordinateur. Qui dit 'illusion' dit aussi 'surprise', et j'avais besoin, pour élaborer la forme de l'oeuvre, de prendre comme point de départ une source qui ait à la fois une grande diversité interne (une succession d'instants pourraient être traduits musicalement par autant de configurations acoustiques) et une cohérence. Rapidement, il m'est apparu que mes recherches étaient finalement très similaires à celles de l'immense chef espagnol Ferran Adrià, dont la cuisine joue en permanence sur le conflit entre connu et inconnu, entre référence et invention abstraite, et dont les menus sont 'composés' avec un sens de la forme absolument saisissant. Très régulièrement, je tente d'établir des liens entre la musique et les arts de la bouche (gastronomie, oenologie), par l'improvisation au piano sur des vins ou des mets, et par l'écriture (notamment d'un duo pour alto et piano, Quelques effervescences, qui s'inspire de vins pétillants du monde). Les deux univers me semblent intimement liés, dans l'immédiateté de la réception, et dans le parallélisme entre les sensations éprouvées (de nombreux musiciens font appel à des métaphores gustatives pour parler de leur travail : un accord 'épicé', une sonorité 'grasse', une orchestration 'acide'...). Le menu que j'ai eu l'honneur de déguster en 2007 au restaurant 'El Bulli' s'articulait autour de 35 plats que j'ai utilisés chronologiquement, tant l'articulation entre le salé et le sucré, les mets marins et terriens, le végétal et l'animal était, en soi, une dramaturgie parfaite. L'illusion était présente dès le premier instant. Ainsi, 'l'olive sphérique' qui débutait ce repas jouait sur le contraste entre un objet visuellement identifiable (une olive) et son 'interprétation' surprenante (il s'agissait en fait d'une reconstruction visuelle de l'olive, mais qui n'était autre que de l'huile d'olive emprisonnée dans une fine couche gélatineuse verte : aspect et goût étaient en phase, mais la texture, elle, était inouïe). Musicalement, la traduction de ce plat était assez évidente : un impact reprenant l'explosion de cet met en bouche débute la pièce, et une texture plus continue vient évoquer le déploiement de l'huile dans la bouche. Certains plats sont assez unitaires, d'autres contiennent en eux un parcours que j'ai fidèlement reproduit (par exemple la 'framboise au wasabi', qui se déguste en trois temps successifs). J'ai aussi mis en relation certains plats entre eux, afin de créer des 'retours' qui permettent à la structure musicale de sortir d'une logique de catalogue (par exemple, une fleur de capucine, dégustée avant les desserts, renvoie gustativement, et donc musicalement, à une amande fraîche qui, elle, est présente dans le premier quart du repas). Ce 'livre' s'achève sur la texture aérienne d'un papier effervescent au cassis qui conclut de façon suspensive une pièce particulièrement animée, où les masses sonores s'opposent de façon frontale, et viennent occuper tout l'espace de la salle de concert. Commande de l'Orchestre de Paris et de l'Ircam, le Livre des illusions (hommage à Ferran Adrià) est dédié à Marie Linden et Grégoire Biasini. Cette oeuvre a été créée à la salle Pleyel le 11 juin 2009 sous la direction de Jean Deroyer. Bruno Mantovani Liste des plats au menu du restaurant 'El Bulli' de Ferran Adrià, illustrés dans l'oeuvre de Bruno Mantovani: - Olives sphériques - Gin Fizz - Chocolat sans chocolat #1 (pistache) - Snack doré - Mercedes - Frites d'ananas lyophilisé - Chocolat sans chocolat #2 (ananas) - Meringue de betterave au yaourt - Boule de cacao amer - Chocolat sans chocolat #3 (cassis) - G.P. - Galette curry/cacahuètes - Meringue à la pistache avec espuma de yaourt - Eponge de sésame - Dacquoise de pignons - Framboise au wasabi - Fleur de horchata - Amande fraîche et huile d'amande - Haricot géant à l'ail japonais - Meringue au Schweppes avec fraises lyophilisées - Anchois à la fleur de basilic - Assiette italienne - Risotto de pamplemousse - Gnocchi de polenta - Ravioles de graines de pimientos del Padron - Couteaux aux algues - Caviar d'escargots - Concombres de mer avec cannelloni d'algues - Anguille à la moelle/fleur de capucine/concombre - Barbe à papa, glace à la banane - Mûres à la liqueur de mûre - Dessert blanc - Fraises au vinaigre de Jerez - Sablés mandarine/thé vert/menthe - Papier effervescent au cassis / contemporain / Répertoire / Orchestre
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Mon Ami Pierrot (Soliste Et Réduction Piano) En Fa Majeur
27.90
Mon Ami Pierrot (Soliste Et Réduction Piano) En Fa Majeur
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Euphonium Sib/Ut Ou Saxhorn-Basse Et Réduction Piano
Delatour France
Construite sur les 5 notes de la deuxième strophe de la célèbre chanson enfan...
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Construite sur les 5 notes de la deuxième strophe de la célèbre chanson enfantine 'Au clair de la lune', dont les paroles sont : 'Mon ami Pierrot', cette oeuvre, en forme de thème varié, verra son thème subir les plus extravagantes et surprenantes transformations. Après l'introduction exposant le thème, c'est un 'allegro spirito' allant de surprises en surprises, auquel succède un 'andante cantabile' aux accents jazzy, qui s'enchaîne à un brillant 'allegro giocoso' sur un rythme de tarentelle. D'une durée de 8 minutes, cette oeuvre possède tous les atouts de séduction, d'autant plus que le dédicataire, brillant tubiste, possède les deux qualités requises : ami du compositeur, et se nommant Pierrot ! / Euphonium Sib/Ut Ou Saxhorn-Basse Et Réduction Piano
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On Opened Ground (TURNAGE MARK-ANTHONY)
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On Opened Ground (TURNAGE MARK-ANTHONY)
Alto et Orchestre
[Reduction]
Schott
Concerto For Viola And Orchestra. Par TURNAGE MARK-ANTHONY. Mark Anthony Turnage...
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Concerto For Viola And Orchestra. Par TURNAGE MARK-ANTHONY. Mark Anthony Turnage, qui célèbre son 50e anniversaire, cet été, composé sur terrain ouvert pour l'un des solistes d'Alto célèbre du monde, Yuri Bashmet et l'orchestre de Cleveland. Le titre rend hommage à Seamus Heaney dont poèmes ont été publiés sous le carrelage sol a ouvert en 1998. Tout au long de l'ouvrage, le motif de l'ouverture, entendu dans l'alto - un geste rapid marqué ' rugueux et agressif ' - subit des transformations diverses de forme et de caractère, devenant ' chaud et intense ' et enfin ' sourdine et lointain ' à la fin des travaux./ Recueil / Alto et Orchestre
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Du sifflet en os à la flûte traversière, de l'arc musical au violon, du litho...
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Du sifflet en os à la flûte traversière, de l'arc musical au violon, du lithophone au vibraphone, les instruments de musique ont suivi une longue évolution depuis les temps préhistoriques jusqu'à l'époque contemporaine. Vous suivrez avec intérêt cette étonnante frise chronologique qui nous enseigne les transformations siècle après siècle d'un monde instrumental sans cesse renouvelé. Une réalisation instructive et d'une grande utilité pédagogique ! 90 x 60 cm
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Construite sur les 5 notes de la deuxième strophe de la célèbre chanson enfan...
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Construite sur les 5 notes de la deuxième strophe de la célèbre chanson enfantine 'Au clair de la lune', dont les paroles sont : 'Mon ami Pierrot', cette oeuvre, en forme de thème varié, verra son thème subir les plus extravagantes et surprenantes transformations. Après l'introduction exposant le thème, c'est un 'allegro spirito' allant de surprises en surprises, auquel succède un 'andante cantabile' aux accents jazzy, qui s'enchaîne à un brillant 'allegro giocoso' sur un rythme de tarentelle. D'une durée de 8 minutes, cette oeuvre possède tous les atouts de séduction, d'autant plus que le dédicataire, brillant tubiste, possède les deux qualités requises : ami du compositeur, et se nommant Pierrot ! / Euphonium Ou Saxhorn-Basse Et Orchestre D'Harmonie
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Par BEETHOVEN LUDWIG VAN. Dans la catégorie des variations sur un thème origin...
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Par BEETHOVEN LUDWIG VAN. Dans la catégorie des variations sur un thème original, le numéro de catalogue WoO 80 paru en 1806 représente un cas particulier, dans la mesure où Beethoven revient ici délibérément à des techniques plus anciennes. C'est un motif chromatique descendant à la basse du thème qui forme le fondement des transformations. Sa répétition en ostinato confère à la composition les traits d'une passacaille. Le texte musical révisé de l'édition Henle Urtext, accompagné d'un préface détaillée ainsi que de commentaires, a été réalisé sur la base de l'appareil critique de l'édition complète des oeuvres de Beethoven, et est publié également en tant qu'édition séparée des 'Variationen für Klavier II' (HN 1269). Ian Fountain s'est chargé des doigtés./ Répertoire / Piano
12.10 EUR - vendu par LMI-partitions
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