SKU: BT.GOB-000726-030

Durkle Bandrydge is the name of the composers imaginary world, but it could very well be anyones invisible dream world with a different name. In this very versatile suite by Bruce Fraser, 8 characters are featured, each with its ownpeculiarities, making Durkle Bandrydge such a colourful place. Do these characters differ that much from us? That is for you to find out! In the last part, all characters come together in a special way.

Durkle Bandrydge exists at the end ofyour street. It is invisible to humans, but Durkle Bandrygators can watch us with great interest.
The music will introduce you to some of the characters who live in this unusual place.

The parts:
Somnanbulyss, who is a giant trollguarding the entrance to Durkle Bandryde. At least, he is supposed to, but he tends to sleep most of the time. His music is therefore very slow moving and sleepy.

Long Gwysteen is a tall, mysterious, and somehow sophisticated character,who walls around with a shell on his back. His music glides along rather gracefully.

Squelfitch is a rather unpleasant and smelly character who lives in a bog, which is why his music sounds rather slimy and a bit like trying to walkthrough quicksand.

Perfydlia is a meddling old woman, who gossips about everybody and squeals with sudden delight at the small exciting bits of tittletattle about others in the village. In the music you can hear her sudden little squealsof delight.

Maryann Lovely is a beautiful young lady, graceful, gorgeous, absolutely devine, and her music is obviously just the same.

Thistledoo Nicely is a lively character who spends and spends and spends with her credit card,buying the latest fashion and never worries about having to pay the bills. Her music reflects her excitement when shopping and het ‘happy go lucky’ approach to life.

Marsyn Edginton is the Lord of the manor, the richest man in town, the‘big cheese’, the man with all the power and, of course, the biggest house. He is very grand and his music like he could be a king.

Jimmy McScotsmyn is a red haired scotsman wearing tartan cap. He misses his home country terribly and eatslots of shortbread, oatcakes, scotch eggs, porridge and drinks an enormous amount of Scotch Wisky, which helps him to have fond memories of the kind of music he would like to dance to when he was a younger man. His favourite dance is a Jig andthis is the music he remembers.

Grand March of the Durkle Bandrydgators. We hope that you have enjoyed meeting these characters from Drukle Bandrydge and would invite you to listen to all the villagers now march along in a grand parade -it is a pity that you can not see them, what is a wonderful sight.
If you listen carefully, you will hear the melodies which belong to the characters as they march past.
Oh what a grand spectacle!

Durkle Bandrydge is de schijnwereld van de componist maar eigenlijk de onzichtbare droomwereld in elk van ons en die wereld zou elke naam kunnen dragen.
In de bijzonder kleurrijke suite van Bruce Fraser komen 8 personages (karakters)naar voren ieder met hun eigenaardigheden die van Durkle Bandrydge zo'n kleurrijke wereld maken.
Verschillen die personages nu zo erg van ons? Aan u het oordeel! Het laaste deel brengt alle personages op een wonderbaarlijkewijze samen.
In de score zijn de karakters uitgebreid en nader omschreven.

Performance note: Elk deel heeft een aantal leerinhouden die de moeite waard zijn om uit te lichten. Articulatie, dynamiek, stijlen, zuiverheid,balans, tempo en maatsoorten - het komt allemaal voorbij.

Tip: Maak de personages zichtbaar in een compleet theatergebeuren. Gebruik een spreekstem!

De delen van deze suite zijn:

1. Somnambulyss
2.Long Gwysteen
3. Squelfitch
4. Perfydlia
5. Maryann Lovely
6. Thistledoo Nicely
7. Marsyn Edginton
8. Jimmy McScotsmyn
9. Grand March of the Durkle Bandrydgators.

SKU: BT.AMP-026-130

Edward MacDowell can be regarded as the first great American composer, although he disliked the idea of being classified as any sort of musical nationalist. He composed a large number of orchestral works but it is the charming and unpretentious suite of musical miniatures, Woodland Sketches, that has survived as his best-known work, with To a Wild Rose being the most popular. Philip Sparke has expertly arranged this simple work for brass band.

Philip Sparke bearbeitete dieses Stück des amerikanischen Komponisten Edward MacDowell, der weit über die Grenzen seines Heimatlandes hinaus berühmt ist. To a Wild Rose wurde seinem bekanntesten Werk, den Woodland Sketches, entnommen, einer Reihe anmutiger, unprätentiöser musikalischer Miniaturen. Hieraus ist To a Wild Rose das wohl populärste Stück, dessen Qualität Kritiker zu dem Urteil bewog, es sei so gut, wie der gesamte Rest von MacDowells Klaviermusik.

Edward MacDowell (1860-1908) est considéré comme le premier grand compositeur américain de l’histoire de la musique, bien qu’il refusait avec vigueur d’être associé un quelconque courant musical nationaliste. Edward MacDowell a toujours considéré que la musique était une véritable langue internationale, et ses œuvres sont fortement influencées par le style de composition européen, et plus particulièrement par l’écriture allemande. Compositeur adulé de son vivant dans son pays natal et l’étranger, il était également un pianiste exceptionnel dont la virtuosité a impressionné l’un de ses plus brillants professeurs, Franz Liszt. Edward MacDowell a composé de nombreusesœuvres pour piano, un grand nombre de lieder ainsi que plusieurs œuvres orchestrales. Mais l’œuvre la plus connue de son répertoire est une charmante suite de miniatures musicales pour piano, Woodland Sketches, une composition modeste et stylistiquement simple dont est extraite la plus célèbre de ces miniatures To a Wild Rose (“ une rose sauvage”). L’étonnante sincérité de la mélodie fit dire un grand critique musical que cette mélodie valait toutes les œuvres pour piano réunies de MacDowell.

SKU: BT.DHP-1094658-030

9x12 inches. English-German-French-Dutch.

For Cityscapes, the composer used the metropolis of New York, the largest city of the United States, as a source of inspiration. The first movement mirrors the skyline of the ‘Big Apple’. In movement two, Central Park is introduced and in the closing movement of this triptych, the ever-sparkling Manhattan, known for its many skyscrapers, and its financial centre Wall Street, is the focal point. Not only are the busy city traffic and the chaotic hustle and bustle expressed in the music, but also the impressive buildings, including the famous Empire State Building. Let the magic of New York shine with this dramatic new item for brass band.

Voor Cityscapes heeft de componist zich laten inspireren door de metropool New York, de grootste stad in de Verenigde Staten. Het eerste deel verklankt de skyline van de ‘Big Apple’. De grootse aanblik van onder andere Manhattan,Brooklyn Bridge en het Vrijheidsbeeld staat model voor het pakkende hoofdthema. In deel twee wordt de stemming van het Central Park voorgesteld. Dit immense park in New York is een plek voor ontspanning en vermaak. In het slotdeelvan dit drieluik staat het altijd bruisende Manhattan, bekend om de vele wolkenkrabbers en het financiële centrum, Wall Street, centraal. Een absolute aanrader!

Jan de Haans Quelle der Inspiration für Cityscapes war die Metropole New York, die größte Stadt der Vereinigten Staaten. In drei Sätzen gelang es ihm, einige charakteristische Merkmale des Big Apples“ einzufangen: der großartige Anblick der Skyline von Manhattan, Brooklyn Bridge und der Freiheitsstatue, die Stimmung des berühmten Central Park und das pulsierende Leben in dieser glitzernden, eindrucksvollen Metropole. Absolut hörenswert!

Cityscapes (“Paysages urbains”) est une œuvre inspirée d’une série d’impressions et de paysages de la métropole de New York, la plus grande ville des États-Unis.Dans le premier mouvement, l’impressionnante ligne d’horizon de « La Grosse Pomme » s’étire devant nous. Manhattan, le pont de Brooklyn et la Statue de la Liberté sont l’essence du thème principal. Les dernières mesures de ce premier mouvement font référence la célèbre Symphonie n° 9 dite « du Nouveau Monde » que le compositeur tchèque Antón Dvorák composa lors d’un séjour New York.Le second mouvement est consacré Central Park, l’immense parc new-yorkais construit au XIXe siècle, etdestiné aux loisirs, au divertissement et la relaxation. Plusieurs b timents célèbres, tels que le Metropolitan Museum of Art, jalonnent Central Park.Le troisième et dernier mouvement de ce triptyque dépeint l’esprit bouillonnant de Manhattan, quartier célèbre pour abriter d’impressionnants gratte-ciel et la Bourse de Wall Street. La musique palpite au rythme du trafic intense et suit le tourbillon d’activité tumultueux. Elle décrit également les immenses buildings comme l'Empire State Building.

SKU: BT.AMP-417-030

English-German-French-Dutch.

Second to None is a perfectly suitable title for this work, though it actually refers to “Nulli Secundus”, the motto of the British Corps of Army Music, who gave the commission to Philip Sparke. The piece opens with a fanfare, followed by two short quotes from two of the Corp’s own marches and a festive Vivace. A more legato central section creates a nice contrast before the work closes with the opening fanfare. A perfect affair!

De titel Second to None past heel goed bij dit werk, maar verwijst eigenlijk naar ‘Nulli Secundus’, het motto van British Army Corps of Music, het orkest dat Philip Sparke de opdracht voor dit werk gaf. Second to None opent met een fanfare. Daarna volgen twee korte citaten uit twee van de eigen marsen van het orkest en een feestelijke Vivace. Een meer legato deel creëert een mooi contrast voordat het werk wordt afgesloten met de openingsfanfare. Van begin tot einde prachtig!

Second to None (Unübertroffen“) wurde zum 20-jährigen Jubiläum der britischen Armee komponiert. Das feierliche Werk honoriert die musikalische Tradition des Corps, indem es auf einige seiner eigenen berühmten Märsche, wie beispielsweise The Corps of Army Music Slow March (Greg Machin) und The Music Makers (Ian Mitchell), anspielt. Second to None kann auch in einer kürzeren Fassung gespielt werden und ist ein ideales Eröffnungsstück für jedes festliche Konzert.

Second to None est un titre qui convient parfaitement ce morceau, même s’il fait en fait référence « Nulli Secundus », la devise du British Corps of Army Music, l'orchestre qui a fait la commande auprès de Philip Sparke. La pièce commence par une fanfare, suivie de deux citations courtes de deux de leurs propres marches, et un Vivace festif. Une section plus legato crée un beau contraste avant la fin où la fanfare du début est répétée. Parfait !

Second to None was composed for the celebration of the 20th anniversary of the British Army Corps. Paying tribute to the musical tradition of the Corps, this celebratory work refers to some of its own famous marches like The Corps of ArmyMusic Slow March (Greg Machin) and The Music Makers (Ian Mitchell). Second to None - which can also be played in a shorter version - is an ideal opener for any festive concert.

SKU: BT.AMP-396-030

9x12 inches. English-German-French-Dutch.

Hava Nagila (the title means ‘let us rejoice’) is perhaps the best known example of a style of Jewish music called ‘klezmer’. Klezmer music originated in the ‘shtetl’ (villages) and the ghettos of Eastern Europe, where itinerant Jewish troubadours, known as ‘klezmorim’, had performed at celebrations, particularly weddings, since the early Middle Ages.‘Klezmer’ is a Yiddish term combining the Hebrew words ‘kley’ (instrument) and ‘zemer’ (song) and the roots of the style are found in secular melodies, popular dances, Jewish ‘hazanut’ (cantorial music) and also the ‘nigunim’, the wordless melodies intoned by the ‘Hasidim’ (orthodox Jews).Since the 16th century, lyrics hadbeen added to klezmer music, due to the ‘badkhn’ (the master of ceremony at weddings), to the ‘Purimshpil’ (the play of Esther at Purim) and to traditions of the Yiddish theatre, but the term gradually became synonymous with instrumental music, particularly featuring the violin and clarinet. The melody of Hava Nagila was adapted from a folk dance from the Romanian district of Bucovina. The commonly used text is taken from Psalm 118 of the Hebrew bible.

Hava Nagila (de titel betekent ‘laat ons gelukkig zijn’) is misschien wel het bekendste voorbeeld van klezmer, een Joodse muziekstijl.De klezmermuziek komt van oorsprong uit de sjtetls (dorpen) en de getto’s van Oost-Europa, waar rondtrekkende Joodse troubadours, bekend als klezmorim, al sinds de middeleeuwen hadden opgetreden bij feestelijkheden, en dan met name bruiloften.Klezmer is een Jiddische term waarin de Hebreeuwse woorden kley (instrument) en zemer (lied) zijn samengevoegd. De wortels van de stijl liggen in wereldlijke melodieën, volksdansen, de joods-liturgische hazanut en ook de nigunim, de woordeloze melodieën zoals die worden voorgedragen doorchassidische (orthodoxe) joden.Sinds de 16e eeuw zijn er aan de klezmermuziek ook teksten toegevoegd, dankzij de badchen (de ceremoniemeester bij huwelijken), het poerimspel (het verhaal van Esther tijdens Poerim/het Lotenfeest) en tradities binnen het Jiddische theater, maar de term werd geleidelijk synoniem aan instrumentale muziek met een hoofdrol voor de viool en klarinet.De melodie van Hava Nagila is afkomstig van een volksdans uit de Roemeense regio Boekovina. De meest gebruikte tekst voor het lied kom uit psalm 118 van de Hebreeuwse Bijbel.

Hava Nagila (auf Deutsch ‚Lasst uns glücklich sein’) ist vielleicht das bekannteste Beispiel für den jüdischen Musikstil namens ‚Klezmer’. Klezmermusik hat ihren Ursprung in den Shtetls“ (Städtchen) und den Ghettos Osteuropas, woumherziehende jüdische Troubadours, die man ‚Klezmorim’ nannte, schon seit dem frühen Mittelalter auf Feiern, vor allem Hochzeiten, zu spielen pflegten. Klezmer ist ein jiddischer Begriff, der sich aus den hebräischen Wörtern ‚kley’(Instrument) und ‚zemer’ (Lied) zusammensetzt. Die Wurzeln des Musikstils liegen in weltlichen Melodien, populären Tänzen, jüdischem ‚Chasanut’ (Kantorengesang) und auch ‚Niggunim’, Melodien ohne Text, vorgetragen von den‚Chassidim’ (orthodoxen Juden). Seit dem 16. Jahrhundert wurden die Klezmermelodien mit Texten versehen, was auf die ‚Badchan’ (Zeremonienmeister bei Hochzeiten), auf das ‚Purimshpil’ (Das Esther-Spiel zum Purimfest) und aufTraditionen des jiddischen Theaters zurückgeht. Der Begriff Klezmer wurde jedoch mit der Zeit gleichbedeutend mit Instrumentalmusik, im Besonderen mit den Instrumenten Violine und Klarinette. Die Melodie von Hava Nagila ist eine Adaption einesVolkstanzes aus der rumänischen Bukowina. Der üblicherweise verwendete Text stammt aus Psalm 118 der hebräischen Bibel.

Hava Nagila (qui signifie Réjouissons-nous) est sans aucun doute la chanson traditionnelle hébra que de style klezmer la plus connue de toutes.La musique klezmer est née dans les shtetl (villages) et les ghettos d’Europe de l’Est, où les baladins juifs ambulants, appelés klezmorim, célébraient toutes sortes de cérémonies, en particulier les mariages, et ce depuis le début du Moyen- ge.Le terme yiddish klezmer est la combinaison de deux mots : klei, que l’on peut traduire par instrument et zemer qui veut dire chanson. Cette tradition musicale tire ses origines dans les mélodies profanes, les danses populaires, la musique juive hazanout (musique vocale) ainsi que les nigunim,les mélodies sans paroles entonnées par les hassidim (juifs orthodoxes).Au cours du XVIe siècle, les paroles ont été ajoutées la musique klezmer, afin d’illustrer le rôle du badkhn (le maître de cérémonie lors des mariages), le pourim-shpil (monologue où est paraphrasé le livre d’Esther) ou encore les traditions liées au thé tre yiddish, mais le terme est progressivement devenu synonyme de musique instrumentale, en particulier dans une interprétation au violon et la clarinette.La mélodie Hava Nagila a été adaptée partir d’une danse folklorique de la région roumaine de Bucovine. Le texte, couramment utilisé, est extrait du Psaume 118 de la bible hébra que.

SKU: BT.DHP-1195844-130

English-German-French-Dutch.

I Shall Love But Thee is an occasional work in the literal sense of the word, since it was originally written on the occasion of the composer’s youngest son’s wedding. The texts, by William Shakespeare, inspired Jan Van der Roost to compose profound and appealing music, largely in the style of Henry Purcell (in the first part) and Georg Friedrich Handel (in the second part)—although no literal quotations have been used. The rather rare combination of soprano and brass band makes this piece a unique addition to the repertoire!

I Shall Love But Thee is in de letterlijke zin van het woord een gelegenheidswerk, want het werd oorspronkelijk geschreven naar aanleiding van het huwelijk van de jongste zoon van de componist. De teksten zijn van William Shakespeare: Jan Van der Roost werd erdoor ge nspireerd tot het creëren van indringende en aansprekende muziek, die in stilistisch opzicht doet denken aan Henry Purcell (in het eerste deel) en Georg Friedrich Händel (in het tweede deel), twee componisten die op teksten van Shakespeare hebben gecomponeerd ook al zijn er geen letterlijke citaten gebruikt. De vrij zeldzame combinatie van sopraan en brassband maakt dit werk een unieke aanwinst voor hetrepertoire!

I Shall Love But Thee ist ein Gelegenheitswerk im eigentlichen Sinn, denn der Komponist hat es ursprünglich aus Anlass der Hochzeit seines jüngsten Sohnes geschrieben. Die Texte stammen von William Shakespeare und haben Jan Van der Roost dazu inspiriert, eine tiefgründige und ansprechende Musik im Stil der großen Meister zu komponieren. Stilistisch erinnert sie an Henry Purcell (im ersten Teil) und an Georg Friedrich Händel (im zweiten Teil), auch wenn keine literarischen Zitate verwendet wurden. Durch die eher seltene Kombination von Sopran und Brass Band stellt das Stück eine einzigartige Bereicherung für das Repertoire dar!

I Shall Love But Thee est une « œuvre d’occasion » dans l’un des sens littéraux du mot, puisqu’elle fut écrite l’occasion du mariage du fils cadet du compositeur. Les textes de William Shakespeare ont inspiré Jan Van der Roost écrire de la musique profonde et attrayante qui, au niveau du style, nous rappelle Henry Purcell (dans la première partie) et Georg Friedrich Haendel (dans la deuxième moitié), deux compositeurs qui ont mis en musique des textes de Shakespeare, bien qu’on n’y retrouve pas de citations littérales. Cette œuvre unique au regroupement plutôt rare de soprano et brass band va enrichir votre répertoire !

SKU: BT.AMP-127-130

9x12 inches. English-German-French-Dutch.

One of the most beautiful songs ever written. Philip Sparke’s sumptuous arrangement of this Stephen Foster classic will make a perfect item to bring a few minutes of peace and calm tranquillity to any concert. The lush harmonies, so characteristic of Philip Sparke’s arranging, are augmented with exquisite solo figures for cornet and flugel horn. Once you have played this you will want it on every concert programme.

Veel van de songs van Stephen Collins Foster (1826-1864), die onder meer Oh! Susannah, My Old Kentucky Home en Beautiful Dreamer schreef, waren erop gericht de zwarte Amerikaanse slaven een menselijker gezichtte geven. Jeanie with the Light Brown Hair schreef hij echter naar aanleiding van de afwezigheid van zijn vrouw toen hij in New York en zij in Pittsburgh woonde. De melancholie van de song komt in dit arrangement van PhilipSparke prachtig naar voren.

Jeanie with the Light Brown Hair stammt von Stephen Foster, der im 19. Jahrhundert in Amerika lebte und zahlreiche heute noch bekannte Lieder komponierte. Viele seiner Lieder handeln von der Befreiung der Sklaven, dieses Lied widmete er jedoch seiner Frau während einer langen, unfreiwilligen Trennung von Ihr. Mit Philip Sparkes sensibler Bearbeitung für Brass Band springt der Funke des romantischen Liedes garantiert auf Musiker und Publikum über!

There is a popular misconception that Stephen Collins Foster (1826—1864) found success as a song-writer writing many of his songs aiming to ‘humanise’ the black American slaves. He was a meticulous worker and sometimes spent months perfecting the lyrics of a song. His first success was Oh! Susanna (1848) and as his popularity grew he moved with his young family to New York to be near his publishers. This was not a success and Jane, his wife and Marion, his daughter, moved back to Pittsburgh in 1854. Foster wrote Jeanie with the Light Brown Hair as a result of her continued absence. Philip Sparke’s arrangement of this beautiful song will make an excellent slowinterlude in any concert.

SKU: BT.DHP-1185868-030

English-German-French-Dutch.

Alan Turing is considered the father of modern computational science and much, if not all, of our modern computer technology and the connectivity that we now take for granted is born of the work of this one great, but troubled man. His famous test was designed to prove whether artificial intelligence (AI) could successfully imitate human thought. The single movement of The Turing Test is essentially non-programmatic, but it does seek to show something of the emotion and colour of Turing’s life in its different sections. The composer employs bi-tonality and complex rhythms to show opposing worlds colliding. At the end of each test, we must decide: has true AI beenborn?

Alan Turing wordt beschouwd als de vader van de moderne computerwetenschap. Veel, zo niet alle, moderne computertechnologie en connectiviteit die we nu vanzelfsprekend vinden, vloeien voort uit het werk van deze ene geweldige maar getroebleerde man. The Turing Test is in wezen een niet-programmatische compositie aan één stuk, maar in de verschillende gedeelten komt wel iets van de emotie en kleuren van Turings leven terug. De componist heeft geprobeerd bitonaliteit en complexe ritmes te gebruiken om naast elkaar bestaande werelden te laten botsen. Aan het slot van elke test moeten we ons afvragen: is hier sprake van ware kunstmatige intelligentie?

Alan Turing wird als Vater der modernen Informatik angesehen, und vieles, wenn nicht sogar alles, was für uns inzwischen an moderner Computer- und Informationstechnologie selbstverständlich ist, basiert auf der Arbeit dieses großartigen, aber sorgenschweren Mannes. The Turing Test ist im Grunde genommen kein programmatisches Werk, aber es möchte Emotionen und Facetten von Turings Leben in einem einzigen Satz, der aus verschiedenen Abschnitten besteht, wiedergeben. Der Komponist hat versucht, Bitonalität und komplexe Rhythmen zu verwenden, um das Aufeinanderprallen der verschiedenen Welten darzustellen. Am Ende jedes Tests müssen wir entscheiden, ob wahre künstlicheIntelligenz geboren wurde.

Alan Turing est estimé être le père des sciences numériques modernes et la plupart, sinon l’intégralité, des technologies et des connectivités informatiques modernes établies aujourd’hui sont nées du travail de ce grand homme troublé. The Turing Test n’est en fait pas programme mais cherche dépeindre l’émotion et la couleur de la vie de Turing dans les sections différentes, en un seul mouvement. Le compositeur utilise la bitonalité et des rythmes complexes pour illustrer deux mondes opposés qui se heurtent. A la fin de chaque test, nous devons décider : la vraie intelligence artificielle, est-elle née ?

SKU: BT.GOB-000833-030

Christopher Columbus was born in Genoa in 1451. His father was a wool merchant. Originally he seemed destined to follow in his father’s footsteps, and thus sailed the oceans to countries as far apart as Iceland and Guinea.
In 1476 his ship was sunk during a battle off the coast of Portugal. Columbus saved his own life by swimming to shore.
In 1484 he conceived the idea of sailing to the Indies via a westward sea route, but it was only in 1492 that he was able to realize this plan.
On this first voyage he was in command of three ships: the flag-ship, called the Santa Maria, the Pinta, and the Ni?a. From Spain Columbus sailed via the Canary Islands to the Bahamas, whichhe sighted on October 12th 1492.
Without being aware of it Columbus discovered the ‘New World’ he thought he had landed in the eastern part of Asia. The motif from Dvoøák’s 9th Symphony ‘Aus der neuen Welt’ forms a little counterfeit history at this point in the composition.
After this first voyage Columbus was to undertake another three long voyages to America. These voyages were certainly not entirely devoid of misfortune.
More than once he was faced with shipwreck, mutiny and the destruction of settlements he had founded.
After Columbus had left for Spain from Rio Belen in 1503, he beached his ships on the coast of Jamaica. The crew were marooned there and it was only after a year that Columbus succeeded in saving his men and sailing back to Spain with them.
In the music the misunderstanding about which continent Columbus discovered in his lifetime resounds, for does this part in the composition not contain Asiatic motifs?
Poor Columbus! In 1506 the famous explorer died in Valladolid.

Christopher Columbus wordt in 1451 geboren in Genua als zoon van een wolhandelaar. Aanvankelijk lijkt hij voorbestemd om als koopman door het leven te gaan. Zo bevaart hij al een groot deel van de wereldzeeën tot landen als IJslanden Guinea.
In 1476 zinkt zijn schip in een veldslag voor de kust van Portugal. Columbus kan zich zwemmend naar de kust redden.
In 1484 vat hij het plan op om langs de “andere” kant van de wereld naar India te varen. Pasin 1492 kan hij zijn plan verwezenlijken.
Het vlaggeschip op deze reis is de Santa Maria. Het schip wordt gesecondeerd door de Pinta en de Ni?a.
Vanuit Spanje vaart Columbus via de Canarische eilanden naar de Bahamas,die hij op 12 oktober 1492 in zicht krijgt. Zonder het te weten ontdekt Columbus de “Nieuwe wereld”.
Hij verkeert in de veronderstelling in het oosten van Azië te zijn aangeland. Een stukje geschiedvervalsing vormt hier eenmotiefje uit Dvoøák’s 9de symfonie, ‘Aus der neuen Welt’.
Na deze eerste reis maakt Columbus nog drie grote reizen naar Amerika. De reizen verlopen zeker niet alle voorspoedig. Zo is er bijv. meermaals sprake van schipbreuk,muiterij en verwoesting van de door Columbus gestichte nederzettingen.
Als hij in 1503 uit Rio Belen weer richting Spanje vertrekt, stranden zijn schepen op de kust van Jamaica. De bemanning wordt daar achtergelaten.
Paseen jaar later weet Columbus zijn bemanning te redden en met hen terug te varen naar Spanje.
In de muziek klinkt het misverstand over welk werelddeel Columbus in zijn leven bevaren had door. Roept dit deeltje geen associatiesop met Aziatische klanken? Arme Columbus!
Christopher Columbus overlijdt in 1506 in Valladolid.

SKU: BT.GOB-000675-030

Jamaica is an island in the Caribbean.
In 1494 it was discovered by Christopher Columbus, who used it as private property until 1509. After some skirmishes it fell under British rule and the sugar trade on the island flourished.
After the abolition of slavery in 1834 it was only granted Home Rule in 1944, but it remained a member of the British Commonwealth of Nations.

Whereas the export of cane sugar used to be Jamaica’s main export product for many years, nowadays music has taken over this role. At first American music used to be very popular on the island. Later, however, Jamaican musicians started to experiment and thus in the end created their ownmusical style called Reggae.
Well-known Reggae musicians are Bob Marley and Peter Tosh.

The most important instruments used in Reggae are the bass and the drums. Together they form the base for the style: the riddim. A bass drum accent on the second and fourth beat are characteristic of a typically reggae drum beat. To this syncopic patterns are often added. The rhythm guitarist plays chords in a characteristic Reggae rhythm, not on, but between the beats.

Jamaica is een eiland in het Caribisch-gebied.
Het werd in 1494 ontdekt door Christoffel Columbus, die het tot 1509 als privé-eiland gebruikte. Na enige schermutselingen viel het onder Britse heerschappij en bloeide de suikerhandel.Na afschaffing van de slavernij in 1834 kreeg het uiteindelijk pas in 1944 volledig zelfbestuur. Jamaica is lid van het Britse Gemenebest.

Jaren na de suikerexport is op dit moment de muziek misschien wel het bekendsteexportproduct.
Eerst was de Amerikaanse muziek erg populair op het eiland. Later begonnen de Jamaicaanse muzikanten zelf te experimenteren en ontstond uiteindelijk de Reggae.
Bekende reggea artiesten zijn Bob Marleyen Peter Tosh.

De belangrijkste instrumenten bij reggae zijn de bas en de drums. Samen leggen zij de basis voor de stijl neer. de riddim. Een bassdrum-accent op de tweede en de vierde tel, in plaats van de eerste enderde, zijn kenmerkend voor een typisch reggae-drumritme. Dit wordt vaak aangevuld met syncopische patronen. De slag-gitarist speelt de akkoorden in de kenmerkende reggaeslag, niet op maar tussen de tellen.

SKU: BT.GOB-000017-130

Arctic Funk might just as well have been a flashing sequel to a scene from Leonard Bernstein's West Side Story.
Popular music but with a difference, as indicated by the title.
The work's quiet section temporarily soothes down the heated passion of its two corner movements, but everywhere else action is required throughout.
The work was commissioned in 1991 by Troms? Brass. Situated just above the Polar Circle, Troms? is one of Norway's northernmost towns. Topographically, the town probably comes across as freezing cold, but Troms? is famous for its 'warm' night-life.

The Composer: In Arctic Funk you might get a feeling of a party that takes place betweenice-rocks and snow-capped mountains.

Arctic Funk kan net zo goed een flitsend vervolg op een sc?ne uit de West Side Story van Leonard Bernstein zijn.
Populaire muziek, maar met een verschil, zoals aangegeven door de titel.
Afgewisseld door een rustig gedeelteis het volop actie.
Het werk werd geschreven in 1991 voor Troms? Brass. Troms? is een van de noordelijkste steden van Noorwegen, net boven de poolcirkel. Topografisch de stad komt waarschijnlijk over als ijskoud, maar Troms?is beroemd om zijn 'warme' nachtleven.
De componist: In Arctic Funk krijg je misschien het gevoel van een groot feest dat plaatsvindt tussen ijs rotsen en besneeuwde bergen.

SKU: BT.DHP-1206253-130

English-German-French-Dutch.

In 1989, the demonstration named the Baltic Way also known as the Baltic Chain— was held in the Baltic states of Estonia, Latvia and Lithuania by its citizens in a call for independence from the Soviet Union. On 23rd August 1989, some two million participants formed a human chain, hand-in-hand all the way from the Estonian capital of Tallinn its Latvian counterpart, Riga, through to the Lithuanian capital of Vilnius - six hundred kilometres long. It became the longest human chain ever created and turned out to be the final push needed for much sought-after independence. This historic event became the source of inspiration for this composition. The introduction of thefirst movement, ‘Struggle for Independence’, is based on a nocturne for piano by the renowned Lithuanian composer and painter Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875-1911), thematic material from which has been incorporated throughout the whole composition. The melancholic beginning is followed by a powerful theme which reflects the resolve of the Baltic people. The sudden aggressive, dissonant chords and a dominant and—in rhythmic terms—contrary bass drum announce that the resistance is not going smoothly. Just for a moment, we hear the anthem of the Soviet Union in the lower brass, but this is relentlessly pushed to the background by the rest of the band playing the Lithuanian national anthem, ‘Tautiška giesm ’ (Lithuania, our homeland). The second movement, ‘Decades of Suffering’, echoes life under the Soviet Union's thumb. In the pursuit of independence, a peaceful protest is planned in which a human chain is formed across the Baltic states of Estonia, Latvia and Lithuania. This ‘Chain of Freedom’ is depicted in the final movement of the work.

De Baltische Weg (The Baltic Way) was een demonstratie van de bevolking van de Baltische staten die in 1989 plaatsvond als een roep om onafhankelijkheid van de Sovjet-Unie. Deze historische gebeurtenis vormde de inspiratiebron voor deze compositie. Van Vilnius via Riga naar Tallinn werd een zeshonderd kilometer lange keten van naar schatting twee miljoen mensen gevormd. Op 23 augustus 1989 gaven al die mensen elkaar de hand en werd De Baltische Weg de langste menselijke keten ooit. Het bleek de uiteindelijke opmaat tot de zo gewenste onafhankelijkheid. De inleiding van het eerste deel, ‘Struggle for Independence’, is gebaseerd op een nocturne voor piano van devooraanstaande Litouwse componist en kunstschilder Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875-1911). Het thematische materiaal van deze nocturne is door de hele compositie heen verwerkt. Na het melancholische begin volgt een krachtig thema, waarmee de strijdbaarheid van de Baltische bevolking wordt uitgebeeld. De plotselinge agressieve dissonante akkoorden en een dominante en ritmisch gezien tegendraadse grote trom laten horen dat het verzet niet eenvoudig verloopt. Even klinkt het begin van het volkslied van de Sovjet-Unie in het lage koper, maar dat wordt door de rest van de band onverbiddelijk naar de achtergrond verwezen door het Litouwse nationale volkslied ‘Tautiška giesm ’ (Litouwen, ons vaderland). In deel twee, ‘Decades of Suffering’, wordt het leven onder het juk van de Sovjet-Unie verklankt. In het streven naar onafhankelijkheid worden plannen gemaakt om als vreedzaam protest tegen de onderdrukking een menselijke keten te vormen over de wegen van de Baltische staten Litouwen, Letland en Estland. Deze ‘Chain of Freedom’ wordt in het laatste deel van het werk muzikaal weergegeven.

Der sogenannte Baltischer Weg (The Baltic Way) auch unter dem Namen Baltische Kette bekannt war 1989 eine Demonstration von Bürgern in den baltischen Staaten Estland, Lettland und Litauen mit dem Aufruf zur Unabhängigkeit von der Sowjetunion. Am 23. August 1989 bildeten rund zwei Millionen Teilnehmer eine sechshundert Kilometer lange Menschenkette, die von der estnischen Hauptstadt Tallinn über das lettische Riga bis zur litauischen Hauptstadt Vilnius reichte. Die längste Menschenkette, die jemals geschaffen wurde, erwies sich als der letzte Schritt, der zur lang ersehnten Unabhängigkeit führte. Dieses historische Ereignis diente der Komposition alsInspirationsquelle. Die Einleitung des ersten Satzes, Struggle for Independence“, basiert auf einem Nocturne für Klavier des bekannten litauischen Komponisten und Malers Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875 1911), dessen thematisches Material in der gesamten Komposition verwendet wird. Dem melancholischen Anfang folgt ein mitreißendes Thema, das die Entschlossenheit der baltischen Bevölkerung widerspiegelt. Die plötzlichen aggressiven, dissonanten Akkorde und eine dominante und rhythmisch gegenläufige Bewegung in der Basstrommel kündigen an, dass der Widerstand nicht reibungslos verläuft. Für einen kurzen Moment erklingt die Hymne der Sowjetunion in den tiefen Blechbläsern, aber diese wird unerbittlich vom restlichen Orchester in den Hintergrund gedrängt, welches die litauische Nationalhymne Tautiška giesm “ (Litauen, unser Heimatland“) spielt. Der zweite Satz, Decades of Suffering“, spiegelt das Leben unter dem Joch der Sowjetunion wider. Für das Streben nach Unabhängigkeit war ein friedlicher Protest geplant, bei dem eine Menschenkette durch die baltischen Staaten Estland, Lettland und Litauen gebildet wurde. Diese Chain of Freedom“ wird im letzten Satz des Werkes beschrieben.

En 1989, la manifestation nommée « La Voie balte » (The Baltic Way) s’est tenue en Estonie, en Lettonie et en Lituanie, les pays baltes dont les citoyens demandaient être indépendants de l’Union soviétique. Le 23 ao t 1989, quelque deux millions de personnes se tenant par la main ont formé une chaîne humaine de 600 km de long reliant les trois capitales Tallinn (Estonie), Riga (Lettonie) et Vilnius (Lituanie). Cette chaîne humaine, la plus longue ce jour, donna une impulsion décisive au rétablissement d’une indépendance vivement souhaitée. Cet événement historique est devenu source d’inspiration pour cette composition. L’introduction du premier mouvement,« Struggle for Independence », est fondée sur un nocturne pour piano du célèbre compositeur et peintre letton Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875-1911). Du matériel thématique emprunté ce nocturne est parsemé travers la présente composition. Un début mélancolique est suivi d’un thème puissant qui reflète la détermination des peuples baltes. La présence soudaine d’accords agressifs et dissonants, associés une grosse caisse dont le décalage rythmique domine, indiquent que la résistance rencontre des obstacles. Nous entendons momentanément l’hymne soviétique dans les cuivres graves, mais cet air est inexorablement repoussé l’arrière-plan par le reste de l’orchestre interprétant l’hymne national de Lettonie, « Tautiška giesm » (Lettonie, notre patrie). Le deuxième mouvement, « Decades of Suffering », dépeint la vie sous le joug de l’Union soviétique. la recherche de l’indépendance, une manifestation pacifique est organisée sous la forme d’une chaîne humaine traversant les trois pays baltes l ’Estonie, la Lettonie et la Lituanie. Le dernier mouvement de la pièce, « Chain of Freedom », exprime cet appel la liberté.

SKU: BT.GOB-000567-130

‘God rest ye merry, Gentlemen’ is an ancient English carol. It was first published in 1833, but it can be traced as far back as the 15th century, which makes it one of the oldest carols known.

‘God rest ye merry’ is a Middle English salutation. In this manner, people wished one another greatness and might.
In modern English, the first line of this carol would read ‘May God keep you mighty, gentlemen’.

Andrew R. Mackereth has not kept to the original words in his up-tempo arrangement of the carol. It is still clearly recognizable, but the arranger has taken a good many liberties. Sometimes a particular note is held longer, at times motifs follow oneanother in various parts. If you listen carefully, you may even be able to detect a motif from another well-known song.

‘God rest ye merry Gentleman’ is een oude Engelse carol. De eerste officiële publicatie was in 1833, maar de sporen leiden tot ergens in de 15e eeuw. God rest ye merry Gentleman is daarmee één van de oudste carols.

‘God restye merry’ is een oude groet. Men wenste elkaar kracht toe.
Wanneer we de titel naar ‘onze’ tijd zouden vertalen, dan luidt die ‘May God keep you gentleman strong’.

Andrew R. Mackereth heeft zich in dit ‘up-tempo’arrangement niet aan de tekst gehouden. Het lied komt wel zeer duidelijk naar voren maar de arrangeur heeft zich de nodige vrijheid gegund. De ene keer wordt een noot langer aangehouden, een andere keer zijn het motieven die elkaarin diverse stemmen opvolgen. Als u goed luistert kunt u zelfs een motiefje uit een ander zeer bekend lied herkennen.

SKU: BT.GOB-000729-030

In this composition William Vean takes you on a journey through the fascinating and exciting world of animals. Apart from it being a composition filled with special effects, Animal Kingdom contains many educational elements, such as playing inswing (triplets feeling), chromatics, flutter tonguing, gypsy tuning, varying keys, and, of course, dynamics and articulation. The melodic lines occur in all four voices, as well as in all percussion parts, providing each musician with theopportunity to play a solo or to accompany.
Highly recommended for your youth band!

William Vean is an educational composer. He knows how to musically shape the special elements from our daily lives. His music is therefore veryexpressive, containing creative solutions to possible problems. Special ways of playing make his music particularly interesting for the winds, but the percussion section is also featured in his special effects.

The world of the animalsalways plays on ones imagination. In Animal Kingdom, William Vean has portrayed a number of animals in a special manner:

Kevin Kangaroo - The jumping character of this animal can be heard in different voices. The swing style alsoemphasizes the characteristic movements of the kangaroo. Playing in swing style can be practised by using scales.

Eddy Elephant - For some of his smaller fellow fauna friends this can be quite an ordeal, but for Eduard (Eddy for friendsand intimates) it is his daily walk.

Baldrick Bat - Baldrick the Bat is a mysterious character. This can be heard in the fast moving valves and keys, accompanied by special effects in the percussion section.

Curtis Camel - Curtisthe Camel trudges across the desert, feeling bored. The idea that the horizon will never change does not affect him anymore. He has accepted his fate. The distinctive tones from the gypsy scale provide the suitable oriental sounds.

BettyButterfly - Butterfly Betty elegantly, and without worries, flutters from flower to flower in the garden. Her motto: Carpe Diem (Seize the Day). Betty is a one-day butterfly.

Marvin Monkey - A swing monkey stirs up the feelings. Evenmembers of the orchestra will look like real monkeys. How about your audience?

Each part has its own difficulties and challenges.
Important in the first part is playing in swing (triplets feeling). This can be practised usingscales.
In the second part ensemble playing and balance are important.
In Baldrick additional information on the effects that have to be played might be useful. New sounds are, of course, welcome.
Curtis the Camel introduces thegypsy scale. Additional explanation of the use of the scale might be useful. Key changes are interesting in this part. A slight accent on the first beat of the bar will add to the charm of this part.
Marvin the Monkey brings back the swingrhythm that was introduced in the first part, alternated by a straight part with attention to chromatics and articulation.

A story teller will definitely be an asset when performing this composition.

William Vean neemt u mee in de fascinerende en verrassende wereld van het dierenrijk.
Naast leuke speelmuziek vol ''special effects'', is deze compositie zeer educatief van opzet.
Als interessant inhoudelijke zaken komenonder andere aan de orde - het in swing spelen (triolen feeling), chromatiek, flatterzunge, zigeunertoonsoort, afwisselende maatsoorten en natuurlijk dynamiek en articulatie.
Tevens lopen de melodielijnen zowel door alle 4 destemmen als alle percussie partijen, zodat iedere muzikant de gelegenheid krijgt om te soleren dan wel te begeleiden.
Een aanrader voor uw jeugdorkest!

De dierenwereld spreekt muzikaal gezien altijd tot de verbeelding.William Vean heeft op bijzondere wijze een aantal dieren neergezet.
De componist weet op een bijzondere wijze elementen uit het dagelijkse leven muzikaal vorm te geven. Zijn muziek is daarom erg beeldend, de problemen aanwijsbaarmaar de oplossingen zijn creatief.
Voor blazers bijzonder interessant door de bijzondere speelmanieren maar het slagwerk is ook bedeeld met een aantal 'special effects'.

Kevin Kangaroo - Het springerige karakterwordt door verschillende stemmen neergezet. De swingende speelstijl benadrukt de karakteristieke bewegingen van de kangoeroe. Let op de specifieke swingstijl. Heel goed te oefenen met toonladders.

Eddy Elephant - Voor sommigekleinere faunagenoten elke keer weer een beproeving maar voor Eduard (Eddy voor vrienden en intimi) is dit zijn dagelijkse wandelingetje. Giro 224544 t.b.v. de geleden schade.

Baldrick Bat - De vleermuis Baldrick is eenmysterieus type. Dat mysterieuze aspect wordt auditief weergegeven door het snel indrukken van ventielen en kleppen, ondersteund door slagwerkeffecten.

Curtis Camel - De kameel Curtis hobbelt verveeld door de woestijn.