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9x12 inches. English-German-French-Dutch.
2011 was a disastrous year for Japan: on March 11 the northeast of the country suffered a violent earthquake, which triggered a huge tsunami and caused massive damage to people and the environment. The ensuing problems with the nuclear reactor at Fukushima only increased the misery: a black day in the country’s history…One almost inevitable consequence of such dramatic circumstances is the particular damage suffered by the cultural arts. And so it was in Japan: various high school wind orchestras in the effected areas lost their practice rooms and/or instruments. It will take a long time before the damage suffered is repaired—and it will take great effort to overcome thepsychological effects, too. Focusing on the latter, Yutada Nishida (director of The Bandwagon radio program) asked a few composers for a simple work that could be played by many orchestras. It just so happened that the Osakan Philharmonic Winds (with whom Jan Van der Roost had conducted a concert exclusively of his own works on September 25th) had had a similar idea. This concert saw the baptism of Song of Hope. This piece immediately struck a chord with musicians and audience alike: it begins bleakly in the low register and evolves to a more open, optimistic close. There really is hope for better times! 2011 was een rampzalig jaar voor Japan: op 11 maart teisterde een hevige aardbeving het noordoosten van het land, bracht een enorme tsunami teweeg en veroorzaakte zeer grote schade aan mens en natuur. De daaruit voortvloeiende problemenmet de kernreactor van Fukushima maakten de ellende nog groter: een zwarte pagina in het bestaan van het land ... Dat in dergelijke dramatische omstandigheden ook (en vooral) het culturele bestel een flinke knauw krijgt, ishelaas een haast onvermijdelijke consequentie. Zo ook in Japan: verschillende high school bands in de getroffen regio verloren hun repetitieruimte en/of instrumenten: het zal lang duren voordat de geleden schade is hersteld - enhet zal ook moeite kosten om er mentaal weer bovenop te geraken. Met het oog op dat laatste aspect verzocht Yutaka Nishida (samensteller van het radioprogramma The Bandwagon) een paar componisten om een eenvoudig werkje te schrijvendat speelbaar is door een groot aantal orkesten. Als bij toeval kwam een dergelijk verzoek eveneens van de kant van de OSAKAN Philharmonic Winds, waarmee Jan Van der Roost op 25 september een concert dirigeerde, uitsluitend gewijdaan eigen werken. Daar werd Song of Hope dan ook ten doop gehouden en het werkje sloeg meteen aan bij uitvoerders en publiek: na een tamelijk donkere start in het lage register evolueert het tot een optimistischer en opener slot.Er is inderdaad hoop op betere tijden!Am 11. März 2011 löste ein heftiges Erdbeben in Japan einen riesigen Tsunami mit desaströsen Folgen für Mensch, Natur auch das kulturelle Leben. Yutaka Nishida vom Radioprogramm The Bandwagon bat daher einige Komponisten, darunter Jan Van der Roost, ein einfaches, für viele Orchester spielbares Werk zu schreiben. Song of Hope beginnt düster im tiefen Register, um sich dann zu einem optimistischeren Schluss hin zu entwickeln. Es gibt sie, die Hoffnung auf bessere Zeiten... !2011 fut une année tragique pour le Japon : le 11 mars, le nord-est du pays connut un violent tremblement de terre qui entraîna un gigantesque tsunami, occasionnant de nombreuses pertes humaines et de gros dég ts environnementaux. La catastrophe du réacteur nucléaire de Fukushima ajouta encore ces malheurs : une période bien sombre de l’histoire du pays…Des événements aussi dramatiques ont souvent un impact négatif sur les arts culturels. Ce fut le cas au Japon : plusieurs orchestres d’harmonie des collèges des régions affectées perdirent leurs locaux de répétition et/ou leurs instruments. Il faudra beaucoup de temps pour que les choses reviennent la normale - et pour estomperles cicatrices psychologiques. S’intéressant particulièrement celles-ci, Yutada Nishida (directeur du programme radiophonique The Bandwagon) demanda quelques compositeurs d’écrire une œuvre simple pouvant être interprétée par de nombreux orchestres.Il se trouva que l’Harmonie Philharmonique d’Osaka (que Jan Van der Roost avait dirigée lors d’un concert exclusivement composé de ses œuvres, le 25 septembre) avait eu la même idée. Ce concert vit la création mondiale de Song of Hope, qui interpella immédiatement les musiciens et l’auditoire. Cette pièce débute sombrement dans le registre grave avant d’évoluer vers une conclusion plus pétillante, plus optimiste. Il est assurément permis d’espérer des temps meilleurs ! Il 2011 è stato un anno tragico per il Giappone; al devastante terremoto e al non meno catastrofico tsunami dell’11 marzo, sono seguiti i gravi problemi al reattore nucleare di Fukushima. Il settore della cultura in generale, e quello della musica in particolare hanno sofferto immensamente a causa di questi nefasti eventi naturali. Song of Hope è un brano che ha profondamente commosso esecutori e pubblico.Song of Hope inizia nel registro acuto con suoni oscuri e melanconici, ma si sviluppa in un clima di ottimismo, come a voler simboleggiare un futuro più sereno.
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In Scotland, the monster of Loch Ness is a hot issue, but the American state of Montana enjoys a comparable phenomenon going by the name of Montana Nessie. In the western part of this remote state lies Flathead Lake: a lake of 45 kilometres /38miles in lenght and 24 kilometres /15 miles breath. At several places, its depth exeeds 100 metres.Nessies discovery takes us back to the year 1889, when captain James Kerr aboard the passengership U.S.Grant was startled by a ship unknown to himsuddenly approaching his vessel across Flathead Lake. However, it turned out not to be a ship but an undefinable animal of immense size.From that moment onwards, life would never be the same again in and around Flathead Lake.The composer wasinspired by the story, and summarized the events into a symphonic poem, but from a surprising angle:that of the monster. The exiting opening allows us to follow the monster in its natural surroundings.The fast follow-up movement depictsMontana Nessie trotting and frolicking about the Montana woods and prairies.From its abode, it thorougly enjoys everything around it. This period abruptly ends in a short climax (Chimes). The solo for cor anglais marks a new period in themonsters life.The presence of people has a paralizing effect and the apprehensive atmosphere of the slow movement may be felt profoundly.The monster observes and mildly teases the ship. Abhor sounds force the ship to a withdrawal.The movingmusical continuation depicts the triumphant monster dancing an ironic waltz. The monsters fear and anger at the intrusion of his freedom run through the piece like continuous threads, and develop into the works final theme.Ook Amerika kent, in navolging van Loch Ness, haar monster met alle sterke verhalen eromheen. Dit Amerikaanse monster werd in 1889 voor het eerst gezien door de kapitein van een toeristenboot, varende op Flathead Lake in de staat Montana.Wittrock schildert niet enkel de gebeurtenissen maar kruipt in de huid van het monster. Het programmatische werk beschrijft op vaak ontroerende en soms angstaanjagende wijze het leven van Montana Nessie. Aanknopingspunten in dit werk zijnde geboorte (het begin), de eerste levensfase met oerkreten (allegro) en de verwondering en bewondering van de natuur (hobosolo). Het tweede gedeelte symboliseert de spanning tussen mens en monster tijdens de spannende boottocht op FlatheadLake. Het derde deel brengt het monster aan het dansen in een aandoenlijke wals vol ironie en zelfspot. Rode draad en afsluitend thema is de angst en boosheid van Montana Nessie op de vrijheidsinbreuk. Een meesterwerk! Dit werk isopgenomen in het Klein repertorium, harmonie - 2e divisieGobelin Music Publications.
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Pasadena ist nach der gleichnamigen kalifornischen Stadt benannt. Das Werk beschreibt diese auf zwei unterschiedliche Weisen. Im ersten Teil der Komposition kommt ein expressives Element zum Ausdruck; hier finden mit Statuen geschmückte, imposante Villen ihren musikalischen Niederschlag. Ganz anders ist der zweite Teil im Swing-Rhythmus und Latin-Rock-Stil. Er beschreibt das traditionelle Footballspiel um den 'Rose Bowl' am Neujahrstag, dem die Parade 'Tournament of Roses' vorangeht. Kontrastiv und überzeugend!Cette œuvre du compositeur hollandais Jacob de Haan tient son nom de la ville de Pasadena en Californie, située au pied de la chaîne de montagnes San Gabriel dans les environs de Los Angeles. Pasadena est une fresque musicale qui dépeint l’environnement et l’architecture de la ville californienne et l’événement sportif qui s’y déroule chaque année : le Rose Bowl, le plus célèbre des matchs de football américain. Une rencontre inédite entre la culture, le sport et la musique.
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Jacques Offenbach was born in 1819 in Cologne, Germany, but as a child he moved to Paris where he received a thorough musical education. In his operetta Orpheus in the Underworld, Offenbach parodies the famous Greek legend of Orpheus and Euridice. Indirectly, however, he criticises the complacency of many of his contemporaries. The overture was not written entirely by Offenbach, Carl Binder added various pieces to it for a Viennese production of this operetta in 1860 and since then, these pieces have remained part of the composition. This appealing transcription includes the famous Can Can which is sure to get your audience high kicking in the aisles!In de operette Orphée aux Enfers (Orpheus in de onderwereld) parodieert Offenbach het beroemde verhaal van Orpheus en Euridice uit de oude Griekse sagenwereld - indirect stelt hij echter de zelfgenoegzaamheid van veelvan zijn tijdgenoten aan de kaak. De ouverture is niet geheel van Offenbachs hand. Carl Binder heeft er diverse stukken aan toegevoegd voor een Weense productie in 1860, en die zijn er sindsdien in gebleven. Wil van der Beek maakteeen transcriptie voor harmonieorkest van de aanstekelijke ouverture - waarin natuurlijk de beroemde cancan is verwerkt.In seiner Operette Orpheus in der Unterwelt (Orphée aux Enfers) parodiert Offenbach die berühmte Erzählung von Orpheus und Eurydike aus der klassischen griechischen Sagenwelt. Indirekt kritisiert er darin jedoch die Selbstgefälligkeit vieler seiner Zeitgenossen. Die Ouvertüre schrieb Offenbach nicht ganz alleine; Carl Binder fügte einige Stücke für eine Wiener Produktion dieser Operette im Jahr 1860 hinzu. Diese Stücke blieben seither Teil der Ouvertüre. Wil van der Beek schuf eine Transkription für Blasorchester dieser reizvollen Ouvertüre, die auch den berühmten Cancan enthält.Jacques Offenbach (1819-1880) cultivait l’art d’ironiser sur la frivolité des moeurs parisiennes, sur l’amour, la vie politique et la vie militaire. Son opérette Orphée aux Enfers (1858) est une parodie du mythe grec d’Orphée et Eurydice, mais sous le masque de l’antiquité, il se livre une critique sévère de l’attitude suffisante de nombreux de ses contemporains. L’Ouverture telle que nous la connaissons aujourd’hui n’est pas la version originale d’Offenbach, mais une version complétée par Carl Binder pour une production Vienne en 1860. Wil van der Beek en a réalisé une transcription irrésistible qui contient le pétillant Cancan, l’une des pages les plus célèbres de lapartition. Jacques Offenbach (1819-1880) coltivava l’arte di ironizzare sulla frivolezza delle abitudini parigine, sull’amore, sulla vita politica e la vita militare. La sua operetta Orfeo agli Inferni (1858) è una parodia del mito greco di Orfeo ed Euridice, ma dietro la facciata dell’antichit , si abbandona ad una critica severa del comportamento di sufficienza di numerosi suoi contemporanei. L’Ouverture come noi la conosciamo oggi, non è la versione originale di Offenbach, ma una versione completata da Carl Binder per una produzione a Vienna nel 1860. Wil van der Beek ne ha realizzato una trascrizione irresistibile che contiene il brillante Cancan, una delle pagine più celebri dellospartito.
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Available from July 2024Combining art and sport, the muscle with the spirit as Pierre de Coubertin said, is one of the foundations of Olympism. For the Paris 2024 Games, art and sport will interact and enrich each other. To ensure that the Games are open, participatory, unifying and inclusive, Paris 2024 is encouraging everyone - artists, companies, associations, local authorities, sports clubs, etc. - to play a part in the cultural programming of the Games. It is against this backdrop that the Confédération Musicale de France in Hauts de France has commissioned a piece from composer Guillaume Détrez.Available from July 2024De combinatie van kunst en sport, de spier met de geest zoals Pierre de Coubertin zei, is een van de fundamenten van het Olympisme. Voor de Spelen van Parijs 2024 zullen kunst en sport op elkaar inwerken en elkaar verrijken. Om ervoor te zorgen dat de Spelen open, participatief, verenigend en inclusief zijn, moedigt Parijs 2024 iedereen aan - kunstenaars, bedrijven, verenigingen, lokale overheden, sportclubs, enz. - om een rol te spelen in de culturele programmering van de Spelen. Tegen deze achtergrond heeft de Confédération Musicale de France in Hauts de France opdracht gegeven voor een stuk van componist Guillaume Détrez.Available from July 2024Associer l'art et le sport, le muscle à l'esprit comme le disait Pierre de Coubertin, est l'un des fondements de l'Olympisme. Pour les Jeux deParis 2024, l'art et le sport interagiront et s'enrichiront mutuellement. Pour que les Jeux soient ouverts, participatifs, fédérateurs et inclusifs,Paris 2024 encourage chacun - artistes, entreprises, associations, collectivités locales, clubs sportifs, etc. - à s'impliquer dans laprogrammation culturelle des Jeux. C'est dans ce contexte que la Confédération Musicale de France de la région Hauts de France a commandé une oeuvre au compositeur Guillaume Détrez.Available from July 2024Die Verbindung von Kunst und Sport, der Muskel mit dem Geist, wie Pierre de Coubertin sagte, ist eine der Grundlagen des Olympismus. Bei den Spielen von Paris 2024 werden Kunst und Sport zusammenwirken und sich gegenseitig bereichern. Damit die Spiele offen, partizipativ, verbindend und integrativ sind, fordert Paris 2024 alle auf - Künstler, Unternehmen, Verbände, lokale Behörden, Sportvereine usw. - dazu auf, sich an der kulturellen Gestaltung der Spiele zu beteiligen. Vor diesem Hintergrund hat die Confédération Musicale de France in Hauts de France ein Stück bei dem Komponisten Guillaume Détrez in Auftrag gegeben.
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Sbandiamo! is a joyous—and swinging—work, taking its title from the wind music event held annually in the medieval Italian city of Gubbio, Umbria in which various bands from all over Italy participate. The first performance of this piece was given at the Piazza Grande, Gubbio, under the baton of the composer himself, with a wind band of some 250 musicians. A stately introduction, with festive percussion, is followed by a catchy theme in alternating pop and march rhythms. The opening theme then returns as a marcia cantabile, and the work is brought to a grand and compelling conclusion.Sbandiamo! is zowel een vreugdevol als swingend werk. De titel verwijst naar het gelijknamige blaasmuziekevenement in de middeleeuwse stad Gubbio in Umbrië (Italië). Daar klonk op de Piazza Grande de première met een blaasorkest bestaande uit ongeveer 250 musici, onder leiding van de componist. Elk jaar nemen diverse orkesten uit heel Italië deel aan dit evenement. Een statige inleiding met feestelijk slagwerk wordt gevolgd door een pakkend thema in afwisselende pop- en marsritmes. Dan keert het beginthema terug als marcia cantabile en eindigt het werk meeslepend en groots.Sbandiamo! ist ein fröhliches und schwungvolles Werk. Der Titel bezieht sich auf die gleichnamige Blasmusik-Veranstaltung in der mittelalterlichen Stadt Gubbio in Umbrien (Italien). Dort fand auch die Uraufführung des Stückes mit einem etwa 250-köpfigen Blasorchester unter der Leitung des Komponisten auf der Piazza Grande statt. Jedes Jahr nehmen an dieser Veranstaltung verschiedene Blasorchester aus ganz Italien teil. Auf die majestätische Einleitung mit festlichem Schlagwerk folgt ein eingängiges Thema mit wechselnden Posp- und Marschrhythmen. Sbandiamo! Eine Komposition, die sowohl den Musikern als auch ihrem Publikum gefallen wird.Sbandiamo ! est une œuvre joyeuse qui fait swinguer ! Son titre fait référence la rencontre d’orchestres d’harmonie qui regroupe chaque année des orchestres de toute l’Italie dans la ville médiévale de Gubbio en Ombrie (Italie). L , sur la Piazza Grande, l’œuvre a été créée sous la direction du compositeur avec une ensemble d’environ 250 musiciens. Une introduction grandiose avec de la percussion festive est suivie d’un thème entraînant, alternant entre des rythmes de pop et de marche. Puis, on retrouve le thème d’ouverture dans la forme d’une marcia cantabile, et l’œuvre est menée sa fin grandiose et captivante.Sbandiamo! è un brano gioioso e swing il cui titolo è tratto dalla rassegna dedicata ai fiati che si tiene nella cittadina medioevale di Gubbio una volta all’anno, e che vede chiamate a raccolta varie bande provenienti da ogni parte d’Italia. La prima esecuzione del brano è avvenuta nella Piazza Grande di Gubbio, sotto la guida dello stesso compositore con una banda di 250 strumentisti a fiato. Una maestosa introduzione con festose percussioni è seguita da un tema accattivante che alterna ritmi pop e di marcia. Il tema iniziale ritorna poi come una marcia cantabile e il brano si avvia ad una grande ed irresistibile conclusione.
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9 x 12 inches.
It is ironic that Kiefer’s most popular march was not published until 1921, the year after his death. It was published by Charles L. Barnhouse who may have given the march its name as few composers use their own names in their music titles. Kiefer’s Special is an all-purpose march which, depending on the tempo, can be used to accompany a circus routine, move the troops from one location to another, enliven a football half-time show, or entertain a concert audience.
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Golden Peak is a concert piece that takes us deep into the world of volcanoes of the Auvergne in central France. They are dormant volcanoes whose origins date back from 7,000 to over 65 million years ago. Among the most well-known are the 80 volcanoes of the Chaîne des Puys, a spectacular natural environment ranking among the most fascinating landscapes in the world. The title of this dynamic and rhythmic piece is a reference to the local spa town of Mont-Dore and calls upon all sections of the orchestra. The central theme is very mellow yet riveting and the music depicts both the dynamism and tranquillity of the region.Golden Peak is een concertwerk dat ons meeneemt naar een vulkanische wereld: die van de Auvergne in het midden van Frankrijk. De vulkanen daar zijn slapende; hun oorsprong gaat terug naar 7000 tot meer dan 65 miljoen jaar geleden. Tot de bekendste behoren de tachtig vulkanen van de Chaîne des Puys, een uniek natuurgebied dat tot de boeiendste landschappen van de wereld behoort. De titel van deze dynamische en ritmische compositie verwijst naar de plaats Mont-Dore aldaar. Het werk doet een beroep op alle secties in het orkest. Het centrale thema is mild en tegelijk meeslepend, en verder beschrijft de muziek zowel de vitaliteit als de rust van de streek.Golden Peak ist ein Konzertstück, das uns tief in die Welt der Vulkane in der Auvergne in Mittelfrankreich entführt. Es handelt sich um erloschene Vulkane, deren Ursprünge zwischen 7.000 bis 65 Millionen Jahren vor unserer Zeit liegen. Zu den bekanntesten gehören die 80 Vulkane der Chaîne des Puys, eine spektakuläre Gegend, die zu den faszinierendsten Landschaften der Welt zählt. Der Titel dieses dynamischen und rhythmischen Stücks, in dem alle Instrumentengruppen des Orchesters verwendet werden, bezieht sich auf die Kurstadt Mont-Dore. Das zentrale Thema ist sehr sanft und voller Emotionen und die Musik beschreibt sowohl die Betriebsamkeit als auch die Ruhe dieserRegion. Golden Peak est une œuvre de concert qui nous plonge dans l’univers des volcans d’Auvergne, au centre de la France. Ce sont des volcans endormis dont l’ ge s’étend de 65 millions d’années jusqu’ seulement 7000 ans. Parmi les plus célèbres, la Chaîne des Puys compte 80 volcans et forme un environnement naturel qui se place parmi les plus fascinants au monde. Le titre de cette pièce dynamique et rythmique, qui fait appel tous les pupitres de l’orchestre, se rapporte la ville thermale de Mont-Dore. Très serein, le thème central est fascinant, tandis que la musique dépeint la fois le dynamisme et la quiétude de la région.
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Three Norwegian Sketches was commissioned by Åndalsnes Musikkforening, Norway, who are conducted by John Hudson. The three contrasting movements - TROLLVEGGEN (The Troll Wall), RAUMA ELV (River Rauma) and RAUMABANEN (The Rauma Line) - describe life and scenery around the town of Åndalsnes on the beautiful west coast of Norway. This is a challenging, imaginative and versatile new work, ideal for a concert or a contest. Three Norwegian Sketches werd geschreven in opdracht van de Åndalsnes Musikkforening uit Noorwegen, die onder muzikale leiding staat van John Hudson. De drie contrasterende delen TROLLVEGGEN (De Trollenmuur), RAUMA ELV (de rivier de Rauma) en RAUMABANAN (de Raumaspoorlijn) beschrijven het fraaie landschap rondom Åndalsnes, een kleine plaats aan de prachtige Noorse westkust. Dit is een uitdagend, verbeeldingsrijk en veelzijdig nieuw werk, dat ideaal is voor een concert of concours.Three Norwegian Sketches wurden von der Åndalsnes Musikkforening aus Norwegen in Auftrag gegeben, die von John Hudson geleitet wird. Die drei gegensätzlichen Sätze TROLLVEGGEN (Die Trollwand), RAUMA ELV (Der Fluss Rauma) und RAUMABANEN (Die Raumabahn) beschreiben das Leben und die Landschaft rund um die Stadt Åndalsnes an der schönen Westküste Norwegens. Dies ist ein anspruchsvolles, fantasievolles und vielseitiges neues Werk, das sich bestens für Konzerte und Wettbewerbe eignet.Three Norwegian Sketches est une commande de l’harmonie norvégienne Åndalsnes Musikkforening, dirigée par John Hudson. Ses trois mouvements contrastés « Trollveggen » (Le mur des trolls), « Rauma Elv » (La rivière Rauma) et « Raumabanen » (La ligne Rauma) dépeignent la vie et les paysages environnant la ville d’Åndalsnes, sur le splendide littoral occidental du pays. Stimulante, originale et adaptable, cette nouvelle pièce est idéale pour un concert ou un concours.
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2011 was a disastrous year for Japan: on March 11 the northeast of the country suffered a violent earthquake, which triggered a huge tsunami and caused massive damage to people and the environment. The ensuing problems with the nuclear reactor atFukushima only increased the misery: a black day in the country's history...One almost inevitable consequence of such dramatic circumstances is the particular damage suffered by the cultural arts. And so it was in Japan: various high school wind orchestras in the effected areas lost their practice rooms and/or instruments.It will take a long time before the damage suffered is repaired - and it will take great effort to overcome the psychological effects, too. Focusing on the latter, Yutada Nishida (director of The Bandwagon radio program) asked a few composers fora simple work that could be played by many orchestras. It just so happened that the Osakan Philharmonic Winds (with whom Jan Van der Roost had conducted a concert exclusively of his own works on September 25th) had had a similar idea. This concert saw the baptism of Song of Hope. This pieceimmediately struck a chord with musicians and audience alike: it begins bleakly in the low register and evolves to a more open, optimistic close. There really is hope for better times!2011 was een rampzalig jaar voor Japan: op 11 maart teisterde een hevige aardbeving het noordoosten van het land, bracht een enorme tsunami teweeg en veroorzaakte zeer grote schade aan mens en natuur. De daaruit voortvloeiende problemenmet dekernreactor van Fukushima maakten de ellende nog groter: een zwarte pagina in het bestaan van het land ... Dat in dergelijke dramatische omstandigheden ook (en vooral) het culturele bestel een flinke knauw krijgt, ishelaas een haastonvermijdelijke consequentie. Zo ook in Japan: verschillende high school bands in de getroffen regio verloren hun repetitieruimte en/of instrumenten: het zal lang duren voordat de geleden schade is hersteld - enhet zal ook moeite kosten om er mentaalweer bovenop te geraken. Met het oog op dat laatste aspect verzocht Yutaka Nishida (samensteller van het radioprogramma The Bandwagon) een paar componisten om een eenvoudig werkje te schrijvendat speelbaar is door een groot aantal orkesten. Alsbij toeval kwam een dergelijk verzoek eveneens van de kant van de OSAKAN Philharmonic Winds, waarmee Jan Van der Roost op 25 september een concert dirigeerde, uitsluitend gewijdaan eigen werken. Daar werd Song of Hope dan ook ten doop gehoudenen het werkje sloeg meteen aan bij uitvoerders en publiek: na een tamelijk donkere start in het lage register evolueert het tot een optimistischer en opener slot.Er is inderdaad hoop op betere tijden!Am 11. März 2011 löste ein heftiges Erdbeben in Japan einen riesigen Tsunami mit desaströsen Folgen für Mensch, Natur auch das kulturelle Leben. Yutaka Nishida vom Radioprogramm The Bandwagon bat daher einige Komponisten, darunter Jan Van derRoost, ein einfaches, für viele Orchester spielbares Werk zu schreiben. Song of Hope beginnt düster im tiefen Register, um sich dann zu einem optimistischeren Schluss hin zu entwickeln. Es gibt sie, die Hoffnung auf bessere Zeiten... !Le 11 mars 2011, un violent tremblement de terre secoua le Japon et déclencha un tsunami gigantesque, avec des conséquences désastreuses pour la population et l’environnement. Yutaka Nishida, animateur radio de lémission, The Bandwagon a doncdemandé plusieurs compositeurs, y compris Jan Van der Roost, d’écrire des pièces faciles interpréter, pour les orchestres locaux. Song of Hope (Chant de lespoir) s’ouvre par une ligne mélodique dans le registre grave, qui évoluera tout aulong de la pièce afin d’aboutir une conclusion pétillante d’optimisme. Des jours meilleurs se profilent l’horizon ! Il 2011 é stato un anno tragico per il Giappone, al devastante terremoto e al non meno catastrofico tsunami dell'11 marzo, sono seguiti i gravi problemi al reattore nucleare di Fukushima. Il settore della cultura in generale, e quellodella musica in particolare hanno sofferto immensamente a causa di questi nefasti eventi naturali. Song of Hope é un brano che ha profondamente commosso esecutori e pubblico.Song of Hope inizia nel registro acuto con suoni oscuri e melanconici, ma si sviluppa in un clima di ottimismo, come a voler simboleggiare un futuro pié sereno.
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Who doesnââ¬â¢t like the bad guys in the movies? We all know they will lose in the end, but maybe weââ¬â¢re rooting for them a little. Enjoy this Disney Villains medley!Hebben we niet allemaal een zwak voor de slechteriken in de tekenfilm? We weten dat ze uiteindelijk aan het kortste eind zullen trekken, maar we voelen vaak ook heimelijk met ze mee! Reden genoeg om een heuse slechterikenmedley te maken. Geniet van deze Disney Villains Medley!Wer mag nicht die Bösen im Film? Wir alle wissen, dass sie am Ende verlieren werden, aber wir hegen dennoch auch ein wenig Sympathie für sie! Grund genug, ein echtes Medley der Bösenââ¬Å zu erstellen. Viel Spaß mit dem Disney Villains Medley!Qui nââ¬â¢aime pas les méchants dans les films ? Nous savons toujours quââ¬â¢ils finiront par perdre, mais nous faisons quand même preuve de compassion ! Raison suffisante donc pour faire un vrai medley des méchants. Prenez plaisir Disney Villains Medley !A chi non piacciono i cattivi nei film? Sappiamo tutti che alla fine perderanno, ma comunque ci piace avere per loro una sorta di comprensione! Un motivo sufficiente per mettere insieme un medley del cattivo. Godetevi quindi il Disney Villains Medley ossia il medley dei personaggi cattivi di Disney!
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Featuring the concert band’s brass section and an offstage trumpet ensemble, this contemporary work draws its inspiration from the mutation of sound and its transmission throughout the ensemble and performance environment. From a dark and mysterious beginning with muted sounds on all brass instruments, the timbre and sonority slowly mutates through various musical environments. As the brass section mutates to open sounds, the result is a stunning and glorious music statement that transforms the ensemble and audience alike.
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Scenes from an English Landscape is a brief nostalgic tone poem taking its inspiration from visions of rural England as depicted in the paintings of John Constable, the novels of Thomas Hard, and the music of Gustav Holst and Ralph Vaughan Williams. A chorale-like theme is stated in the brass and then taken up at three times the tempo in the woodwinds. At the end of the work, both versions of the theme are stated together to bring the piece to a triumphant climax.This is a brief nostalgic tone poem taking its inspiration from visions of rural England as depicted in the paintings of John Constable, the novels of Thomas Hard, and the music of Gustav Holst and Ralph Vaughan Williams. I imagined a community of villagers coming out of church and filling a village square with their vibrant presence. A chorale-like theme is stated in the brass and then taken up at three times the tempo in the woodwinds. At the end o the work, both versions of the theme are stated together to bring the piece to a triumphant climax. Adam Gorb was born in Cardiff and started composing at the age of ten. His first work broadcast on national radio was written when he was fifteen. He studied at Cambridge University (1977-1980) and the Royal Academy of Music (1991-1993) where he graduated with the highest honours including the Principal's Prize. He has been on the staff at the London College of Music and Media, the junior Academy of the Royal Academy of Music and, since 2000 he has been the Head of School of Composition at the Royal Northern College of Music in Manchester . International recognition came in 1994 with the US Walter Beeler Prize for his work Metropolis . With it began what has developed into probably the most important wind ensemble catalogue by a contemporary composer, ranging from extremely challenging to the most accessible, at all technical levels, seized on by players internationally, widely recorded and now absolutely central to the world's wind repertoire. Equally important though are his works for dance, and concert pieces like the chamber orchestral Weimar , the Violin Sonata , a Clarinet Concerto for the Royal Liverpool Philharmonic Orchestra and Diaspora for strings (for the Goldberg Ensemble). Deceptively mainstream at first glance, they display the same inventive brilliance, pulsating sound world, striking use of rhythm and an undogmatic absence of stylistic hang-ups to embrace jazz and serialism in works where power, poetry, irony and pathos, often underlaid by a theatrical and deeply subversive element, coalesce in an integrated, highly individual musical voice. Gorb is also not afraid to draw on the vivid musical heritage of his Jewish roots, sometimes directly, often in a more subsumed or radically creative way. The crucial and consistent feature of Gorb's work though is that it communicates strongly without patronizing players or audiences. He firmly believes that if contemporary music - any music - does not impact on listeners then its message is irrelevant; it is lost.
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Charles Aznavour, the son of Armenian immigrants, was born in 1924, in Paris. He finally launched his singing career in France with great effort; despite his lack of star looks and less than remarkable voice. However, he had two things going for him:powerful on-stage charisma and great willpower. It took him about twenty years to reach the top but when he did, his determination certainly paid off. He became a star singer/songwriter in France and his chansons were embraced throughout the rest ofthe world as well. The typical French atmosphere that pervades his music can be clearly experienced in this medley for concert band. Charles Aznavour, 1924 in Paris als Sohn armenischer Einwanderer geboren, brachte es zu einem der größten Chansonniers Frankreichs im 20. Jahrhundert. Er feierte sowohl als Liedautor, Interpret als auch als Filmschauspieler große Erfolge. Die typischfranzösische Atmosphäre, die Charles Aznavour in seine Musik packte, ist auch in dieser Bearbeitung für Blasorchester deutlich spürbar. Das Medley von Roland Kernen lässt vier unvergessene Chansons von Aznavour Revue passieren. Charles Aznavour, le fils d’immigrants arméniens, est né Paris en 1924. Il s’est enfin lancé avec beaucoup d’effort dans sa carrière de chanteur en France, malgré son manque de physique de star et sa voix peu remarquable. Pourtant, il avait deux atouts importants : un charisme puissant sur scène et une forte détermination. Cela lui prit environ vingt ans pour atteindre le sommet, mais sa persévérance en valait la peine. Il devint un célèbre auteur-compositeur-interprète en France et ses chansons furent appréciées avec enthousiasme dans le monde entier. L’atmosphère typiquement française qui se répand dans sa musique peut aussi être ressentie dans ce medley pour orchestre d’harmonie.
L’atmosphère typiquement « chanson française » des musiques d’Aznavour est recréée dans ce medley pour Orchestre d’Harmonie, qui rassemble quatre succès du chanteur : For Me... Formidable, Les Comédiens, La Bohème et Je m’voyais déj .
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This original piece is constructed as the overture of a fantasy opera. It proposes 5 distinct environments with contrasting moods (solemn, humorous ...) which could symbolize 5 characters or situations, without development. The coda then overlays the various themes.
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Der letzte Traum der alten Eiche schrieb der dänische Schriftsteller und Dichter Hans Christian Andersen, dessen zeitlose Märchen in über achtzig Sprachen übersetzt wurden und schon zahllose Künstler aller Sparten inspirierten. So auch Maxime Aulio, dessen kunstvolle Art, verschiedene Klangfarben und Stimmungen miteinander zu verknüpfen, die Fantasie von Musikern und Zuhörern anregt. L’écrivain et poète danois Hans Christian Andersen (1805-1875) est entré dans l’histoire de la littérature mondiale gr ce ses innombrables contes. Le fantastique et le merveilleux y jouent un rôle primordial mais l'humour et la portée philosophique qui s'en dégage les font parfois ressembler des satires plus qu' des contes pour enfants. Doté d'une imagination extraordinaire, Andersen allie l'ironie et le rêve en un subtil mélange. Traduits en plus de quatre-vingts langues, ses contes n’ont pas de temporalité et continuent d’inspirer les écrivains, réalisateurs, chorégraphes, sculpteurs, peintres et compositeurs.The Last Dream of the Old Oak (Le dernier rêve du chêne) deMaxime Aulio s’inspire du conte éponyme d’Andersen. La musique descriptive nous raconte l’histoire d’un chêne antique et séculaire. « Il avait justement atteint trois cent soixante-cinq ans (…). Souvent, par les beaux jours d'été, il discutait avec les éphémères qui venaient s'ébattre et tourbillonner gaiement autour de sa couronne. (…) Le temps approchait où il allait se reposer (…). Le chêne (…) s'endormit pour tout le long hiver ; et il eut bien des rêves, où sa vie passée lui revint en souvenir. (…) Et, tout coup, le chêne éprouva comme si un nouveau et puissant courant de vie partant des extrémités de ses racines le traversait de part en part, montant jusqu' sa cime, jusqu'au bout de ses plus hautes feuilles. (…) Soudainement, ses racines se détachèrent de terre. (…) Ce fut la fin du rêve du vieux chêne. Une tempête terrible soufflait sur mer et sur terre. (…) Il tomba, au moment où il rêvait qu'il s'élançait vers l'immensité des cieux. (…) »Les couleurs et les atmosphères créées par Maxime Aulio laissent l'imagination toute la liberté de ses rêveries.The Last Dream of the Old Oak est une commande de la Communauté de Communes de Vinay en Isère (France) pour l’inauguration de son Musée de la Noix. L’œuvre fut donnée en création sous le titre éphémère du Dernier rêve du noyer, mais l’histoire racontée était bien celle.
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With this work, composer Jacob de Haan depicts a procession of the inhabitants of the Basque town Zumarraga to the hermitage of Santa Mar a La Antigua in the mountains nearby. The music, that has carefully been built around therepeated rhythm of the town’s name, varies from meditative and hymn-like to emotional and powerful. Thus, it is a atmospheric piece with plenty of musical appeal.Met dit werk verklankt componist Jacob de Haan een processie van de inwoners van de Baskische stad Zumarraga naar de hermitage van Santa Mar a La Antigua in de nabije bergen. De muziek, die zorgvuldig is opgebouwd rond hetherhaalde ritme van de plaatsnaam, varieert van meditatief en hymnisch tot emotievol en krachtig. Het is dan ook een sfeervol stuk waarin muzikaal veel te beleven valt.In diesem Werk beschreibt der Komponist Jacob de Haan eine Prozession der Einwohner der baskischen Stadt Zumarraga zur Einsiedelei Santa Mar a La Antigua in den nahe gelegenen Bergen. Die Musik, die sorgfältig um den sichwiederholenden Rhythmus des Städtenamens konstruiert wurde, variiert von meditativ und hymnenhaft bis emotional und kraftvoll. Somit ist ein stimmungsvolles Stück mit viel musikalischer Anziehungskraft entstanden.Dans cette œuvre, le compositeur Jacob de Haan dépeint une procession des habitants de la ville basque de Zumarraga jusqu’ l’ermitage de Santa Mar a La Antigua, dans les montagnes environnantes. Adroitement élaborée autour durythme répété du nom de la ville, la musique alterne entre un climat méditatif, tel un hymne, et une puissance chargée d’émotion. Ainsi, cette pièce évocatrice offre un grand attrait musical.
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With this work, composer Jacob de Haan depicts a procession of the inhabitants of the Basque town Zumarraga to the hermitage of Santa Mar a La Antigua in the mountains nearby. The music, that has carefully been built around therepeated rhythm of the townâ??s name, varies from meditative and hymn-like to emotional and powerful. Thus, it is a atmospheric piece with plenty of musical appeal.Met dit werk verklankt componist Jacob de Haan een processie van de inwoners van de Baskische stad Zumarraga naar de hermitage van Santa Mar a La Antigua in de nabije bergen. De muziek, die zorgvuldig is opgebouwd rond hetherhaalde ritme van de plaatsnaam, varieert van meditatief en hymnisch tot emotievol en krachtig. Het is dan ook een sfeervol stuk waarin muzikaal veel te beleven valt.In diesem Werk beschreibt der Komponist Jacob de Haan eine Prozession der Einwohner der baskischen Stadt Zumarraga zur Einsiedelei Santa Mar a La Antigua in den nahe gelegenen Bergen. Die Musik, die sorgfältig um den sichwiederholenden Rhythmus des Städtenamens konstruiert wurde, variiert von meditativ und hymnenhaft bis emotional und kraftvoll. Somit ist ein stimmungsvolles Stück mit viel musikalischer Anziehungskraft entstanden.Dans cette Å?uvre, le compositeur Jacob de Haan dépeint une procession des habitants de la ville basque de Zumarraga jusquâ?? lâ??ermitage de Santa Mar a La Antigua, dans les montagnes environnantes. Adroitement élaborée autour durythme répété du nom de la ville, la musique alterne entre un climat méditatif, tel un hymne, et une puissance chargée dâ??émotion. Ainsi, cette pièce évocatrice offre un grand attrait musical.
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This concert overture, which has the air of a symphonic poem, takes its inspiration from an ancient Roman bridge. A massive introduction, a threatening allegro and alternating virtuoso and chorale themes quickly succeed each other. Trombones and trumpets introduce a rhythmical theme which develops throughout all instrument groups. The allegro is characterised by a quasi-obsessive cadence which depicts a Roman army constantly beating time. Ponte Romano (Römische Brücke) wurde von Jan Van der Roost im Auftragdes Blasorchesters von Pont-Saint-Martin geschrieben, einer kleinen Gemiende im auonomen französischen Teil des Aosta-Tals im Nordwesten Italiens. Er schrieb das Stück anlässlich des 100. Jubiläums des Orchesters und es ist Walter Chenuil, dem Dirigenten, und Claudio Porté, dem Vizedirigenten, gewidmet. Die Uraufführung von Ponte Ramono fand am 27. Mai 2000 in Pont-Saint-Martin statt.Die weite, bergige und auch rauhe Umgebung bildet die Kulisse für eine beeindruckende römische Brücke in der Mitte des Dorfes. Diese jahrhundertealte Brücke inspirierte den Komponisten zu dieserKonzert-Ouvertüre, die mit ihrem programmatischen Thema wie eine sinfonische Dichtung wirkt. Auf einen kraftvollen Anfang folgt ein bedrohliches Allegro, welches zwischen virtuosen und choralähnlichen Themen abwechselt. Dann wird ein drittes, rhytmisches Thema von Posaunen und Trompeten eingeführt und später in allen Orchesterteilen entwickelt. Man könnte sagen, dass der ganze Allegro-Teil einen fast zwanghaft quälenden Rhythmus hat, als ob eine (römische) Armee ständig im Gleichschritt marschierte. Ponte Romano est une œuvre de commande pour l’Orchestre d’Harmonie de Pont-Saint-Martin (Val d’Aoste). De l’immensité des montagnes environnantes se détache l’imposant pont romain du village. Cet édifice, vieux de plus de quinze siècles, a été la principale source d’inspiration du compositeur pour la création de cette ouverture qui, structurée selon le principe de la musique programme, fait davantage penser un poème symphonique. L’œuvre est dense, virtuose et d’une régularité rythmique qui rappelle le pas cadencé d’une armée romaine.
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The work Pilgrims of Wolfryt tells the story of the legend Walfridus (also known as Wolfryt), a resident of the town of Bedum in the Netherlands who was born in the 11th century. Wilfridus had an eventful life: he introduced Christianity to Bedum and helped the town build its first legal system, but ultimately his story ended in demise murdered alongside his son at the hands of the Vikings. Pilgrims of Wolfryt is a symphonic poem-like masterpiece, full of evocative melodies in a mix of tonalities to make the most of the impressive rhythmic material.Het werk Pilgrims of Wolfryt vertelt het verhaal van de legendarische Walfridus (ook wel Wolfryt genoemd), een inwoner van het dorp Bedum in Groningen die leefde rond het jaar 1000 na Christus. Walfridus leidde een bewogen leven: hij bracht het christendom naar Bedum, zorgde voor de invoering van een rechtssysteem en was verantwoordelijk voor grote infrastructurele verbeteringen totdat hij en zijn zoon op tragische wijze werden gedood door de Noormannen. Een kleurrijk symfonisch meesterwerk waarin melodieën in verschillende majeur- en mineurtoonsoorten worden gecombineerd met afwisselend en meeslepend ritmische materiaal.Das Stück Pilgrims of Wolfryt erzählt die Geschichte der legendären Gestalt Walfridus (auch unter dem Namen Wolfryt bekannt), der um das Jahr 1000 n. Chr. in der Stadt Bedum in den Niederlanden lebte. Walfridus hatte ein ereignisreiches und turbulentes Leben: Er brachte das Christentum nach Bedum, erfand das Rechtssystem und war für große infrastrukturelle Veränderungen verantwortlich, bis sein Sohn und er auf tragische Weise von den Normannen getötet wurden. Ein abwechslungsreiches Meisterwerk in Form einer sinfonischen Dichtung, in dem sich Melodien in verschiedenen Dur- und Moll-Tonleitern mit einer Fülle von beeindruckendem rhythmischem Material abwechseln.La composition Pilgrims of Wolfryt évoque la légende de Walfridus (également appelé Wolfryt), un habitant de la ville de Bedum, dans la province néerlandaise de Groningen, aux environs de l’an 1000. La vie de Walfridus fut aussi riche que mouvementée : il popularisa le christianisme Bedum, inventa un système de lois et entreprit de grands travaux d’infrastructure jusqu’ sa mort, et celle de son fils, aux mains des Vikings. Ce chef-d’œuvre en forme de poème symphonique est haut en couleurs, regorge de mélodies en tonalités majeures et mineures, et offre un bel éventail de matériel rythmique.
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Jubilate’s main theme comes from the Gregorian chant on the Psalm Jubliate Deo omnis terra. The work itself was inspired by the sacredhistory of the Waldkirch (a forest village) community, located on the Swiss/German boarder. It tells a tale of the Irish and Scottish monks who build the first wooden church at the site of what is now Waldkirch, of the dramatic events, good and bad, that have taken place over the centuries and of the flourishing community that has withstood the trials of time.Jubilate!, dessen Hauptthema aus dem gregorianischen Gesang zum Psalm Jubilate Deo omnis terra stammt, wurde von der Kirchengeschichte der Gemeinde Waldkirch bei Waldshut am Hochrhein inspiriert. Von den irischen und schottischen Mönchen, welche die erste Holzkirche bauten, von dramatischen historischen Ereignissen, aber auch von einer aufblühenden Kirchengemeinde handelt dieses festliche Werk, dem eine CD mit dem Glockenklang der Waldkircher Kirche beiliegt.Jacob de Haan fa rivivere il passato religioso di Waldkirch, una citt tedesca vicino alla frontiera con la Svizzera. Il titolo del brano deriva dal versetto del Salmo 97 Jubilate Deo omnis terra. La musica rievoca l’arrivo dei monaci scozzesi ed irlandesi che si stabilirono sul suolo dell’attuale Waldkirch dove iniziarono a costruire le prime chiese. La storia prende in seguito una piega più tragica, ma la comunit reagisce positivamente e con orgoglio, ciò che porta alla prosperit e al benessere. Le campane di Waldkirch suonano con vigore (CD di accompagnamento): Jubilate!
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