SKU: BT.AMP-337-140
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
The composer writes:On March 11th 2011 a massive 9.0- magnitude earthquake occurred off the coast of north-eastern Japan.I'm writing these programme notes barely a week later and the death toll caused by the quake and resulting tsunami already exceeds 6000, with thousands of people still unaccounted for. I have many friends associated with many bands throughout Japan and one of these, Yutaka Nishida, suggested I write a piece to raise money to help those affected by the disaster. I was immediately attracted by the idea and have arranged Cantilena (a brass band piece recently commissioned by the Grenland International Brass Festival, Norway) for wind band, giving it a new title tohonour my friends in the Land of the Rising Sun.I will be donating royalties from this piece to the Japanese Red Cross Society Emergency Relief Fund and am delighted to say that my distributors, De Haske, who will generously also donate all net profits from sales of this piece, have pledged a substantial advance payment to the Red Cross so that what little help this project generates can be immediate.It is my sincere wish that this 'Band Aid' project will allow wind bands around the world support the people of Japan, where bands are a way of life for many, in this difficult time.Philip Sparke De componist schrijft:Op 11 maart 2011 vond er vlak bij de noordkust van Japan een enorme aardbeving - 9.0 op de schaal van Richter - plaats.Ik maak deze werkbeschrijving nauwelijks een week later en het aantal doden dat de aardbevingen de daaropvolgende tsunami hebben geëist, komt al uit boven de 6000, terwijl er nog steeds duizenden mensen worden vermist.Ik heb veel vrienden die met orkesten in heel Japan werken, en een van hen, Yutaka Nishida, steldevoor dat ik een stuk zou schrijven om geld bij elkaar te krijgen voor hulp aan de slachtoffers van de ramp. Ik vond het meteen een goed idee en ik heb vervolgens Cantilena ( een brassbandwerk dat ik recentelijk heb gecomponeerd voorhet Grenland International Brass festival in Noorwegen) gearrangeerd voor harmonieorkest en er een nieuwe titel aan gegeven, als eerbewijs aan mijn vrienden in het land van de rijzende zon.De royalty's die ik voor dit werk krijg,zal ik doneren aan het Japanse noodhulpfonds van het Rode Kruis, en ik ben heel blij dat mijn distributeur, De Haske, die eveneens alle nettowinst op dit werk zal doneren, bereid is alvast een grote vooruitbetaling te doen aanhet Rode Kruis, zodat de hulp die uit dit project voortkomt, hoe bescheiden wellicht ook, onmiddellijk in gang gezet kan worden.Ik hoop oprecht dat dit 'Band Aid-project' het blaasorkesten wereldwijd mogelijk maakt de mensen in Japante steunen - een land waar blaasmuziek voor velen een manier van leven is. Der Komponist schreibt über sein Stück:Am 11. März 2011 ereignete sich ein Erdbeben der Stärke 9,0 vor der nordöstlichen Küste Japans.Diese Werkbeschreibung schreibe ich nur eine Woche später. Die Zahl der Todesopfer des Erdbebens und des dadurch ausgelösten Tsunamis überschreitet bereits die 6000, wobei noch tausende Menschen als vermisst gelten.Ich habe zahlreiche Freunde in Japan, die mit vielen Blasorchestern im ganzen Land verbunden sind. Einer dieser Freunde, Yutaka Nishida, schlug mir vor, ein Stück zu schreiben, um mit dem Erlös den von der Katastrophe betroffenen Menschen zu helfen. Ich war gleich begeistert von dieser Idee und habe daraufhin Cantilena(ein Brass-Band-Stück, das ich jüngst für das Grenland International Brass Festival in Norwegen komponierte) für Blasorchester bearbeitet und ihm zu Ehren meiner Freunde im Land der aufgehenden Sonne einen neuen Titel gegeben.Ich werde meine Tantiemen für dieses Stück dem Hilfsfonds des Japanischen Roten Kreuzes spenden. Ich bin auch sehr froh, dass mein Verlag De Haske, der ebenfalls alle Erlöse aus diesem Stück spenden wird, dem Roten Kreuz bereits im Voraus eine bedeutende Summe geschickt hat, damit der kleine Beitrag, den dieses Projekt beitragen kann, sofort ankommt.Es ist mein inniger Wunsch, dass dieses Band Aid“-Projekt Blasorchestern auf der ganzen Welt ermöglichen wird, den Menschen in Japan zu helfen, wo Blasorchester in dieser schweren Zeit für viele ein Weg sind, das Leben aufrecht zu erhalten.“Philip Sparke Le 11 mars 2011, un violent séisme de magnitude 9.0 s’est produit près de la côte nord-est du Japon. J’écris cette note de programme tout juste une semaine après la terrible catastrophe, et le nombre de morts causé par le tremblement de terre et le tsunami provoqué par ce dernier, s’élève déj plus de 6000 personnes, tout en sachant que des milliers d’autres sont toujours portées disparues. J’ai beaucoup d’amis dans le milieu des Orchestres Vent au Japon et l’un d’entre eux, Yutaka Nishida, m’a suggéré d’écrire une œuvre destinée collecter des fonds pour venir en aide aux personnes affectées par ce cataclysme. Ayant étéimmédiatement séduit par sa proposition, j’ai écrit un arrangement pour Orchestre d’Harmonie de la pièce Cantilena (une œuvre pour Brass Band récemment commandée par le Grenland International Brass Festival, en Norvège), et lui ai donné un nouveau titre en hommage mes amis du Pays du Soleil Levant : The Sun Will Rise Again (Le soleil se lèvera nouveau). Je reverserai l’intégralité des droits d’auteur de ce morceau au fonds de secours de la Croix-Rouge japonaise. En outre, je suis ravi d’annoncer que mon distributeur De Haske, qui a généreusement décidé de donner tous les bénéfices nets sur les ventes de cette œuvre, s’est engagé effectuer immédiatement un versement substantiel la Croix-Rouge afin que le Japon puisse profiter sans délai de l’aide modeste générée par ce projet. J’espère très sincèrement que celui-ci permettra aux Orchestres Vent du monde entier de soutenir le peuple japonais, pour qui la musique joue un rôle important, en ces temps difficiles. Philip Sparke La recente tragedia del Giappone, messo in ginocchio dal terremoto, ha spinto Philip Sparke a comporre The Sun Will Rise Again (Il sole sorger nuovamente), un brano che vuole essere un messaggio di solidariet al popolo nipponico, ma anche un aiuto concreto: gli introiti saranno interamente devoluti, sia dal compositore sia dalla casa editrice De Haske, alla Croce Rossa giapponese.
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Washed up on the Phaeacian shore after a shipwreck, Odysseus is introduced to King Alcinous. As he sits in the palace, he tells the Phaeacians of his wanderings since leaving Troy. Odysseus and his men fi rst landed on the island of the Cicones wherethey sacked the city of Ismarus. From there, great storms swept them to the land of the hospitable Lotus Eaters. Then they sailed to the land of the Cyclopes. Odysseus and twelve of his men entered the cave of Polyphemus. After the single-eyed giantmade handfuls of his men into meals, Odysseus fi nally defeated him. He got him drunk and once he had fallen asleep, he and his men stabbed a glowing spike into the Cyclop’s single eye, completely blinding him. They escaped by clinging to the belliesof some sheep. Once aboard, Odysseus taunted the Cyclop by revealing him his true identity. Enraged, Polyphemus hurled rocks at the ship, trying to sink it. After leaving the Cyclopes’ island, they arrived at the home of Aeolus, ruler of the winds.Aeolus off ered Odysseus a bag trapping all the strong winds within except one - the one which would take him straight back to Ithaca. As the ship came within sight of Ithaca, the crewmen, curious about the bag, decided to open it. The winds escapedand stirred up a storm. Odysseus and his crew came to the land of the cannibalistic Laestrygonians, who sank all but one of the ships. The survivors went next to Aeaea, the island of the witch-goddess Circe. Odysseus sent out a scouting party butCirce turned them into pigs. With the help of an antidote the god Hermes had given him, Odysseus managed to overpower the goddess and forced her to change his men back to human form. When it was time for Odysseus to leave, Circe told him to sail tothe realm of the dead to speak with the spirit of the seer Tiresias. One day’s sailing took them to the land of the Cimmerians. There, he performed sacrifi ces to attract the souls of the dead. Tiresias told him what would happen to him next. He thengot to talk with his mother, Anticleia, and met the spirits of Agamemnon, Achilles, Patroclus, Antilochus, Ajax and others. He then saw the souls of the damned Tityos, Tantalus, and Sisyphus. Odysseus soon found himself mobbed by souls. He becamefrightened, ran back to his ship, and sailed away. While back at Aeaea, Circe told him about the dangers he would have to face on his way back home. She advised him to avoid hearing the song of the Sirens; but if he really felt he had to hear, thenhe should be tied to the mast of the ship, which he did. Odysseus then successfully steered his crew past Charybdis (a violent whirlpool) and Scylla (a multiple-headed monster), but Scylla managed to devour six of his men. Finally, Odysseus and hissurviving crew approached the island where the Sun god kept sacred cattle. Odysseus wanted to sail past, but the crewmen persuaded him to let them rest there. Odysseus passed Circe’s counsel on to his men. Once he had fallen asleep, his men impiouslykilled and ate some of the cattle. When the Sun god found out, he asked Zeus to punish them. Shortly after they set sail from the island, Zeus destroyed the ship and all the men died except for Odysseus. After ten days, Odysseus was washed up on theisland of the nymph Calypso.Odysseus, die is aangespoeld op de kust van de Phaeaken, maakt kennis met koning Alcinoüs. In het paleis van de laatstgenoemde vertelt hij wat hij heeft meegemaakt sinds zijn vertrek uit Troje. Odysseus en zijn metgezellen legdeneerst aan op het eiland van de Ciconen, waar ze de stad Ismarus plunderden. Toen ze weer op zee waren, brak een storm los, die ze naar het land van de gastvrije Lotophagen bracht. Daarna zeilden ze naar het eiland van de Cyclopen.Odysseus en twaalf van zijn metgezellen kwamen terecht in de grot van Polyphemus. Deze verslond een aantal van hen, maar werd uiteindelijk door Odysseus verslagen: hij voerde de reus dronken, waarna die in slaap viel. Vervolgensstak hij een gloeiende paal in zijn ene oog om hem blind te maken. Odysseus en zijn mannen ontsnapten uit de grot door ieder onder de buik van een van Polyphemus’ schapen te gaan hangen. Eenmaal weer aan boord riep Odysseusuitdagend naar de cycloop en onthulde zijn naam. Woedend wierp Polyphemus rotsblokken in de richting van het schip in een poging het te laten zinken. Nadat ze het Cyclopeneiland hadden verlaten, arriveerden ze bij Aeolus, heerservan de winden. Aeolus gaf Odysseus een zak met daarin alle krachtige winden behalve één - die hem rechtstreeks terug naar zijn thuisbasis Ithaca zou voeren. Toen het schip Ithaca bijna had bereikt, besloten de metgezellen, die nieuwsgierigwaren naar de inhoud, de zak te openen. De winden ontsnapten en er ontstond een enorme storm. Odysseus en zijn bemanning kwamen terecht in het land van de kannibalistische Laestrygonen, die alle schepen lieten zinken, opéén na. De overlevenden vluchtten naar Aeaea, het eiland van de tovenares Circe, die de metgezellen van Odysseus in zwijnen veranderde. Met de hulp van een tegengif dat hij had gekregen van Hermes, lukte het Odysseus om Circe teNachdem er an die Küste der Phäaker gespült wurde, wird Odysseus dem König Akinoos vorgestellt. In dessen Palast erzählt er den Phäakern von den Fahrten nach seiner Abreise aus Troja. Odysseus und seine Männer landen zunächst auf denKikonen, einer Inselgruppe, wo sie die Stadt Ismaros einnehmen. Von dort aus treiben sie mächtige Stürme zum Land der gastfreundlichen Lotophagen (Lotos-Essern). Dann segeln sie zum Land der Kyklopen (Zyklopen). Odysseus und seine zwölf Mannenbetreten die Höhle von Poloyphem, dem Sohn Poseidons. Nachdem dieser einige der Männer verspeist hat, überwaÃ…Nltigt ihn Odysseus, indem er ihn betrunken macht und dann mit einem glühenden Spieß in dessen einziges Auge sticht und ihn somitblendet. Odysseus und die übrigen Männer fl iehen an den Bäuchen von Schafen hängend. Wieder an Bord, provoziert Odysseus den Zyklopen, indem er ihm seine wahre Identität verrät. Wütend bewirft Polyphem das Schiff mit Steinen undversucht, es zu versenken. Nachdem sie die Insel der Kyklopen verlassen haben, kommen Odysseus und seine Mannen ins Reich von Aiolos, dem Herr der Winde. Aiolos schenkt ihm einen Beutel, in dem alle Winde eingesperrt sind, außer dem, der ihn direktzurück nach Ithaka treiben soll. Als das Schiff in Sichtweite von Ithaka ist, öff nen die neugierigen Seemänner den Windsack. Die Winde entfl iehen und erzeugen einen Sturm. Odysseus und seine Mannschaft verschlägt es ins Land derkannibalischen Laistrygonen, die alle ihre Schiff e, bis auf eines, versenken. Die Ãœberlebenden reisen weiter nach Aiaia, der Insel der Zauberin Kirke. Odysseus sendet einen Spähtrupp aus, der von Kirke aber in Schweine verwandelt wird. Mit Hilfeeines Gegenmittels vom Götterboten Hermes kann Odysseus Kirke überwaÃ…Nltigen und er zwingt sie, seinen Gefährten wieder ihre menschliche Gestalt zurückzugeben. Als er wieder aufbrechen will, rät Kirke ihm, den Seher Teiresias in derUnterwelt aufzusuchen und zu befragen. Eine Tagesreise führt sie dann ins Land der Kimmerer, nahe dem Eingang des Hades. Dort bringt Odysseus Opfer, um die Seelen der Toten anzurufen. Teireisas sagt ihm sein Schicksal voraus. Dann darf Odysseusmit seiner Mutter Antikleia und den Seelen von Agamemnon, Achilles, Patroklos, Antilochus, Ajax und anderen Toten sprechen. Dann sieht er die Seelen der Verdammten Tityos, Tantalos und Sisyphos. Bald wird Odysseus selbst von den Seelen gequält, kehrtvoll Angst zu seinem Schiff zurück und segelt davon. In Aiaia hatte Kirke ihn vor den drohenden Gefahren der Heimreise gewarnt. Sie riet ihm, den Gesang der Sirenen zu vermeiden, wenn er aber unbedingt zuhören müsse, solle er sich an denMast seines Schiff es bindet lassen, was er dann auch tut. Dann führt Odysseus seine Mannschaft erfolgreich durch die Meerenge zwischen Skylla und Charybdis, wobei Skylla jedoch sechs seiner Männer verschlingt. Schließlich erreichen Odysseusund die überlebende Besatzung die Insel, auf der der Sonnengott Helios heiliges Vieh hält. Odysseus will weitersegeln, aber seine Mannschaft überredet ihn zu einer Rast. Odysseus erzählt ihnen von Kirkes Warnung, aber kaum, dass ereingeschlafen ist, töten die Männer in gotteslästerlicher Weise einige Rinder und verspeisen sie. Als Helios dies entdeckt, bittet er Zeus, sie zu bestrafen. Kurz nachdem sie die Segel für die Abreise von der Insel gesetzt haben, zerstört Zeusdas Schiff und alle außer Odysseus sterben. Nach zehn Tagen wird Odysseus an den Strand der Insel der Nymphe Kalypso angespült.Ulysse, épuisé par la terrible tempête qu’il a subie, échoue sur le rivage des Phéaciens. Reçu au palais du roi Alcinoos, Ulysse entreprend le récit des épreuves passées depuis son départ de Troie. Arrivés dans l’île des Cicones, Ulysse et ses compagnons mettent la cité d’Ismaros sac puis reprennent la mer. Les vents les emportent chez les Lotophages, un peuple paisible. Ulysse aborde au pays des Cyclopes. Il pénètre dans la caverne de Polyphème accompagné de douze hommes. Après avoir vu le Cyclope dévorer deux de ses compagnons chaque repas, Ulysse ruse pour lui échapper. Il l’enivre puis embrase un épieu taillé, qu’il plante dans l'œil unique du Cyclope endormi,l’aveuglant définitivement. Les survivants sortent ensuite cachés sous le ventre de ses brebis et regagnent leurs bateaux. Faisant preuve d’orgueil, Ulysse crie sa véritable identité au risque de faire sombrer son navire sous une pluie de rochers. Ulysse aborde l’île d’Eolie, au royaume du maître des vents. Eole offre Ulysse un vent favorable pour regagner Ithaque, et une outre renfermant tous les vents contraires. Hélas, la curiosité des marins d’Ulysse aura raison de cet heureux dénouement car, en ouvrant l’outre, les vents contraires s’échappent et déchaînent une nouvelle tempête. Après avoir dérivé plusieurs jours, ils parviennent chez les Lestrygons cannibales qui détruisent l’escadre. Les survivants reprennent la mer avec un unique navire et abordent dans l’île d’Aiaié, séjour de la magicienne Circé. Ulysse envoie des éclaireurs dans les terres. Imprudemment entrés dans la demeure de la magicienne, ils sont transformés en pourceaux. Seul Ulysse échappe au sortilège gr ce l’antidote que lui indique Hermès. Vaincue, Circé s’offre au héros et rend ses compagnons leur forme humaine. Avant de laisser partir Ulysse, Circé lui conseille d’aller au pays des morts consulter l’ombre du devin Tirésias. Après une journée de navigation, le bateau d’Ulysse atteint le pays des Cimmériens. Il s’acquitte des rites appropriés pour pouvoir s’entretenir avec l’ me.
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UPC: 680160039531. 11 x 17 inches.
Zion is the third and final installment of a series of works for Wind Ensemble inspired by national parks in the western United States, collectively called Three Places in the West. As in the other two works (The Yellowstone Fires and Arches), it is my intention to convey more an impression of the feelings I've had in Zion National Park in Utah than an attempt at pictorial description. Zion is a place with unrivalled natural grandeur, being a sort of huge box canyon in which the traveler is constantly overwhelmed by towering rock walls on every side of him -- but it is also a place with a human history, having been inhabited by several tribes of native Americans before the arrival of the Mormon settlers in the mid-19th century. By the time the Mormons reached Utah, they had been driven all the way from New York State through Ohio and, with tragic losses, through Missouri. They saw Utah in general as a place nobody wanted, but they were nonetheless determined to keep it to themselves. Although Zion Canyon was never a Mormon Stronghold, the people who reached it and claimed it (and gave it its present name) had been through extreme trials. It is the religious fervor of these persecuted people that I was able to draw upon in creating Zion as a piece of music. There are two quoted hymns in the work: Zion's Walls (which Aaron Copland adapted to his own purposes in both is Old American Songs and the opera The Tender Land) and Zion's Security, which I found in the same volume in which Copland found Zion's Walls -- that inexhaustible storehouse of 19th-century hymnody called The Sacred Harp. My work opens with a three-verse setting of Zion's Security, a stern tune in F-sharp minor which is full of resolve. (The words of this hymn are resolute and strong, rallying the faithful to be firm, and describing the city of our God they hope to establish). This melody alternates with a fanfare tune, whose origins will be revealed in later music, until the second half of the piece begins: a driving rhythmic ostinato based on a 3/4-4/4 alternating meter scheme. This pauses at its height to restate Zion's Security one more time, in a rather obscure setting surrounded by freely shifting patterns in the flutes, clarinets, and percussion -- until the sun warms the ground sufficiently for the second hymn to appear. Zion's Walls is set in 7/8, unlike Copland's 9/8-6/8 meters (the original is quite strange, and doesn't really fit any constant meter), and is introduced by a warm horn solo. The two hymns vie for attention from here to the end of the piece, with the glowingly optimistic Zion's Walls finally achieving prominence. The work ends with a sense of triumph and unbreakable spirit. Zion was commissioned in 1994 by the wind ensembles of the University of Texas at Arlington, the University of Texas at Austin, and the University of Oklahoma. It is dedicated to the memory of Aaron Copland.
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Moving Heaven and Earth was commissioned by the Clark County School District Commissioning Project, Las Vegas, NV, USA and is dedicated to Bunny Wasserman and her Make Music Matter, Las Vegas foundation, in appreciation of her tireless work in support of music education. It was premiered in January 2012, conducted by Col. John R. Bourgeois.The piece consists of a theme and 4 variations; although the theme is original it contains a phrase heavily influenced by a 14-bar passage from the Libera Me in Fauré’s Requiem. It is a sequence that the composer finds harmonically compelling and, although it is never quoted directly, it appears in altered form in thetheme and each of the variations. In the original, the passage is set to the words: Quando cæli movendi sunt et terra (When the heavens and the earth shall be moved) which gave inspiration for the title.After the initial statement of the theme, Variation 1 features the upper woodwinds who play a stirring melody and accompany the Fauré reference with florid arpeggios. Variation 2 spotlights the saxophones and lower woodwind in a rhythmic, modal waltz, whilst Variation 3 is a broad chorale for the brass and percussion. Variation 4 starts with a fugue, which introduces each section of the band in turn before the original theme appears on the brass while the woodwind continue the fugal figuration. Moving Heaven and Earth is geschreven in opdracht van het Clark County School District Commissioning Project, Las Vegas, NV, USA. Het is opgedragen aan Bunny Wasserman en haar stichting Make Music Matter… Las Vegas, als blijk van waardering voor haar onvermoeibare inzet voor het muziekonderwijs. De première, uitgevoerd onder leiding van kolonel John R. Bourgeois, vond plaats in januari 2012.Het werk bestaat uit een thema en vier variaties; hoewel het een oorspronkelijk geschreven thema is, bevat het een frase die sterk is be nvloed door een passage van veertien maten uit het Libera Me van Faurés Requiem. Het gaat om een sequens die de componist harmonischzeer boeiend vindt, en die - hoewel nooit direct geciteerd - in aangepaste vorm in zowel het thema als de vier variaties naar voren komt. In het origineel is de muziek uit deze passage geschreven op de tekst Quando cæli movendi sunt et terra (Wanneer hemel en aarde bewogen worden). Daarop is de titel van deze compositie gebaseerd.Na de aanvankelijke invoering van het thema komt in Variatie 1 het hoge hout aan bod met een treffende melodie; en de verwijzing naar Fauré wordt begeleid door sierlijke arpeggio’s. Variatie 2 plaatst de saxofoons en het lage hout in de schijnwerpers met een ritmische, modale wals, terwijl Variatie 3 een weidse koraal voor het koper en slagwerk omvat.Variatie 4 begint met een fuga die elke sectie van het orkest introduceert, waarna het oorspronkelijke thema in het koper verschijnt terwijl het hout verdergaat met de fugatische versieringen. Moving Heaven and Earth wurde vom Schulbezirksverband in Las Vegas, Nevada (USA) in Auftrag gegeben. Das Stück ist Bunny Wasserman und ihrer Stiftung Make Music Matter, Las Vegas gewidmet, in Anerkennung ihrer unermüdlichen Anstrengungen zugunsten der musikalischen Ausbildung. Die Uraufführung fand im Januar 2012 unter Leitung von Colonel John R. Bourgeois statt.Das Stück besteht aus einem Thema und vier Variationen. Obwohl es sich um ein originales Thema handelt, ist doch ein Abschnitt daraus stark von einer 14-taktigen Passage aus dem Libera Me in Faurés Requiem beeinflusst. Es ist eine Sequenz, die dem Komponisten harmonisch besonders reizvoll erschien, wennsie auch nirgends direkt zitiert wird, sondern in veränderter Form im Thema und in jeder Variation erscheint. Im Original ist diese Passage mit folgendem Text unterlegt: Quando cæli movendi sunt et terra (Wenn Himmel und Erde sich bewegen sollen). Diese Worte waren Inspiration für den Titel.Nach der einleitenden Vorstellung des Themas stellt Variation 1 die hohen Holzbläser in den Vordergrund, die eine bewegende Melodie spielen und die Anspielung auf Fauré mit schönen, lebhaften Arpeggien begleiten. Variation 2 richtet das Rampenlicht auf die Saxophone und die tiefen Holzbläser in einem rhythmischen, modalen Walzer, während Variation 3 ein breiter Choral für die Blechbläser und das Schlagzeug ist. Variation 4 beginnt mit einer Fuge, die nacheinander jedes Register des Blasorchesters präsentiert, bevor die Blechbläser das Originalthema spielen und die Holzbläser dazu mit der Umspielung der Fuge fortfahren. Moving Heaven and Earth (Ébranler le ciel et la terre) est une oeuvre de commande du Clark County School District Commissioning Project de Las Vegas, États-Unis. Cette pièce est dédiée Bunny Wasserman et sa fondation Make Music Matter, Las Vegas, en reconnaissance de son travail sans rel che en faveur de l’éducation musicale. Elle a été créée en janvier 2012, sous la direction du colonel John R. Bourgeois.Cette oeuvre se compose d’un thème et de quatre variations ; bien que le thème soit original, il contient néanmoins un motif relativement influencé par un passage de 14 mesures du Libera Me du Requiem de Fauré. Cette séquence, dont l’harmonisation fascinePhilip Sparke, paraît sous une forme altérée dans le thème et chacune des variations. Dans l’oeuvre de Fauré, le thème mélodique colore les paroles : Quando cæli movendi sunt et terra (Quand le ciel et la terre seront ébranlés), qui ont d’ailleurs inspiré le titre de la présente composition.Après une exposition initiale du thème, la 1re variation fait appel au registre aigu des bois, qui énoncent une exaltante mélodie et enluminent l’allusion Fauré par des arpèges fleuris. La 2e variation met en valeur les saxophones et le registre grave des bois dans une valse modale rythmée, tandis que la 3e variation prend la forme d’un ample choral pour les cuivres et la percussion.La 4e variation installe une fugue qui présente, tour tour, chaque pupitre de l’orchestre avant le retour du thème d’origine interprété par les cuivres, tandis que les bois maintiennent brillement le motif de fugue.
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Perihelion was commissioned by the Cory Band as their own-choice piece for the 2013 European Brass Band Championships, held in Oslo, Norway. Winning the set piece section of the contest and coming second to Eikanger-Bjorsvik Musikklag with their own choice selection, Cory went on to become European Champions for the fifth time.Cory MD Philip Harper had asked for a 'Concerto for Band' to fully exploit his outstanding band of virtuosi, and composer Philip Sparke created a one-movement work with contiguous sections, first featuring horns and flugel, then trombones followed by cornets and a slower central section for percussion and baritones, euphonium andbasses.The piece is abstract in nature, without a specific programme, and the title merely reflects the fact that the piece was begun on January 2nd 2013, the day of Earth's perihelion - the point in its orbit when it is closest to the sun. It could also be argued that the piece weaves between moments of brilliant optimism and dark shadow, both of which can be the result of bright sunshine. Perihelion wurde von der der Cory Band als Selbstwahlstuck fur die European Brass Band Championships 2013 in Oslo, Norwegen, in Auftrag gegeben. Nachdem sie die Pflichtstuck-Sektion des Wettbewerbs gewonnen und mit ihrem Selbstwahlstuck den zweiten Platz hinter dem Eikanger-Bjorsvik Musiklag belegt hatte, wurde die Cory Band zum funften Mal Europameister.Der musikalische Leiter der Cory Band Philip Harper hatte ein 'Konzert fur Brass Band' in Auftrag gegeben, um das ausserordentliche Potential an Virtuosen in seiner Formation voll auszunutzen. Philip Sparke lieferte ihm ein einsatziges Werk aus aneinandergereihten Abschnitten, das zunachst die Tenor- und Flugelhorner,dann die Posaunen in den Mittelpunkt ruckt, gefolgt von den Cornets und einem langsameren Mittelteil fur Schlaginstrumente, Baritone, Euphonium und Basse.Es handelt sich um ein abstraktes, nicht programmatisches Stuck, dessen Titel sich lediglich auf die Tatsache bezieht, dass am 2. Januar 2013, als Philip Sparke mit dem Schreiben begann, das Perihel der Erde war - der sonnennachste Punkt der Erdumlaufbahn. Man konnte auch sagen, dass sich das Stuck zwischen Momenten strahlenden Optimismus' und dunklen Schatten bewegt, was beides der Wirkung strahlenden Sonnenscheins geschuldet sein kann.
SKU: HL.44012737
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Jacob de Haan was commissioned to compose this concert piece by the St. Peters Wind Symphony from Brisbane, Australia. Ross Roy is the monumental late 19th century villa where St. Peters Lutheran College was founded in 1945. The villa has always remained the school symbol. In this composition, Jacob de Haan sees the Ross Roy as a metaphor for the years spent at school (a monument in time), where one's personality is formed. So, the opening theme the artist calls the Ross Roy theme initially has monumental characteristics.The rhythmic motion, which strides along in the lower register and percussion at the beginning of the next section is typical of Tempo di Marcia. Thismovement, accompanied by repetitions of sound, is a metaphor for the structure and discipline in school. This is the introduction to a march theme, symbolic of passing through the classes up to the final examinations.Then, the Ross Roy theme is dealt with again, now in a playful, humorous variation. As if the composer is saying there should also be time for a smile in school. The same theme can be heard in major key and a slower tempo in the following section, expressing pride and self-confidence. This is also the introduction to the expressive middle section that represents love, friendship and understanding.We then return to the march theme in a slightly altered construction. The oriental sounds, constituting the modulation to the final theme, are symbols of the diversity of cultures in the school. The characteristic final theme first sounds solemn, but turns into a festive apotheosis. It is no coincidence that the final cadence is reminiscent of the close to a traditional overture, for the school years can be considered the overture to the rest of one's life. The premiere of Ross Roy was conducted by Jacob de Haan in Brisbane, on August 22, 1997. Ross Roy is de naam van de monumentale villa in Brisbane (Australië) waar in 1945 het St. Peters Lutheran College is gesticht. In opdracht van het collegeorkest componeerde Jacob de Haan dit gevarieerde concertwerk vol metaforen.De structuur en discipline van de school horen we in de met toonherhaling gepaard gaande ritmische beweging in basregister en slagwerk. Het volgende, martiale thema staat symbool voor het doorlopen van de klassen. Een schertsende,humoristische versie van het hoofdthema ontbreekt niet: op school moet immers ook tijd zijn voor vrolijkheid. Het karakteristieke slotthema mondt uit in een feestelijke apotheose.Ross Roy ist der Name einer monumentalen Villa in Brisbane, Australien, in der 1945 das St. Peter Lutheran College gegründet wurde. Im Auftrag dieses Schulorchesters komponierte Jacob de Haan dieses Konzertwerk, das voll von Metaphern ist. Die Struktur und Disziplin dieser Schule hören wir in der mit Tonwiederholungen gepaarten rhythmischen Bewegung des Bassregisters und des Schlagwerks. Das folgende martialische Thema steht als Symbol für das Durchlaufen der Klassen bis zum Ende der Schulzeit. Eine scherzhafte, humoristische Version des Hauptthemas darf nicht fehlen, denn in der Schule muss auch Zeit für kleine Späße und Lachen sein! Das charakteristische Schlussthemamündet in einem festlichen Höhepunkt. Ross Roy est le symbole grandiose de l’excellence du compositeur. L’œuvre tient son nom de l’imposante villa éponyme située Brisbane en Australie et qui abrite en ses murs le Collège Saint Pierre, une institution luthérienne fondée en 1945. C’est pour l’Orchestre d’Harmonie de cet établissement que Jacob de Haan composa cette œuvre riche en métaphores. « J’ai tenté de décrire les valeurs de cette école. Ainsi, le thème initial se développe-t-il sur un motif rythmique imposant qui alterne entre les instruments graves et la batterie. Ce motif symbolise l’autorité et le cadre structuré de l’école. On retrouve ce thème plusieurs reprises et notamment sousune forme humoristique et espiègle : nous découvrons les bons côtés de l’école, la joie des élèves, les sentiments de fierté, d’amour et d’amitié. Autre élément thématique, une marche qui symbolise la progression des élèves dans leur cursus pour arriver leurs examens de fin d'étude. » En guise de conclusion, Jacob de Haan nous offre un thème grandiose qui s’élargit en apothéose. Commissionato dalla St. Peter’s Wind Symphony Orchestra di Brisbane, è dedicato alla monumentale villa tardo-ottocentesca dove il collegio dell’orchestra ha avuto la sua storica sede. Metafora degli anni della formazione, è caratterizzato da un finale in stile ouverture, come se gli anni della scuola rappresentassero una sorta di ouverture al resto della vita.
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Unlike most passion settings with choir, soloists and orchestra, this version of the Markus-Passion has been conceived for band, narrator and mezzo soprano and baritone (or alto). The lyrics from the Gospel According to Mark have been used in full, which makes this passion quite unique. If desired, the lyrics of the evangelist can be spoken in any language, to make the work more accessible to the audience. However, because of the rhythms involved, the sung parts should always be performed in German. This special work should be a truly overwhelming experience for your audience!De meeste passies zijn geschreven voor koor, solisten en orkest, maar deze versie van de Markus-Passion is gecomponeerd voor blaasorkest, verteller, mezzosopraan en bariton (of alt). De tekst uit het evangelie volgens Marcus wordt door de componist integraal gebruikt, wat deze passie uniek maakt. Desgewenst kunnen de teksten van de evangelist in elke gewenste taal worden uitgesproken, om het werk toegankelijker te maken voor het publiek. De gezongen delen zullen omwille van de ritmiek altijd in het Duits moeten worden uitgevoerd. Met dit in alle opzichten bijzondere werk biedt u uw publiek een overweldigende ervaring!Diese Version der Markus-Passion wurde für Blasorchester, Erzähler, Mezzosopran (oder Alt) und Bariton geschrieben und unterscheidet sich dadurch von den meisten anderen Passionen, die für Chor, Solisten und Orchester konzipiert sind. Die Texte aus dem Markusevangelium wurden vollständig verwendet, was diese Passion einzigartig macht. Die Worte des Evangelisten können auch in einer anderen Sprache vorgetragen werden, damit das Werk für das jeweilige Publikum zugänglicher ist. Die Vokalstimmen sollten aufgrund der komplexen Rhythmen immer auf Deutsch gesungen werden. Dieses Werk ist in jeder Hinsicht etwas ganz Besonderes und bietet ein wirklich überwältigendes Erlebnis fürdas Publikum! Contrairement la plupart des passions avec chœur, solistes et orchestre, cette version de la Passion selon Saint-Marc a été conçue pour orchestre, narrateur, mezzo soprano et baryton (ou alto). Les paroles de l’Evangile selon Marc ont été entièrement utilisées, ce qui rend cette passion si unique. Si vous le souhaitez, les paroles de l’évangéliste peuvent être récitées dans toutes les langues afin de rendre l’œuvre plus accessible au public. Les parties chantées doivent toujours être interprétées en allemand en raison de la rythmique. Cette œuvre est très particulière dans tous les sens du terme et est une expérience extraordinaire pour votre public !
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The first time I saw an alpenglow, I had no idea what it was. It was the late 1980s, and I was at a music camp at the base of theRocky Mountain National Park in Colorado. A few of us got up in the middle of the night so we could hike to a vantage pointat the foot of Longs Peak, to watch the sun rise without any trees obstructing our view. Even though we had a few moreminutes to go before the sun breached the horizon, when I looked up at the face of Longs Peak, it was glowing intensely with amost beautiful peach-pink color. This enchanting vision lasted only about ten minutes, after which the color faded as the sunrose. Throughout the next thirty years, whenever I returned to the Rocky Mountain National Park, I would occasionally catchthis pre-dawn light show in all its glory.An alpenglow is an optical phenomenon that is visible on high altitude mountains. It happens twice daily, right before the sunrises and right after it sets. The earth’s atmosphere scatters the sun’s light, allowing particular wavelengths of light through andblanketing the mountains in rich hues of peach, pink, red, and purple.Alpenglow opens with First Light. This movement begins in the pre-dawn hour. The music starts simply and slowly, thengrows increasingly animated as the sky lightens and the horizon shimmers with color. The movement explodes in a massiveflurry of activity when the sun crosses the horizon; this energy eventually fades as the sun rises in the sky. In Arc of the Sun,we follow the sun as it energetically leaps and surges upwards in the sky. The music moves steadily upwards as it keeps pacewith the sun’s progress, then crests as the sun reaches its zenith. As the sun bends back down towards the earth, the musicfollows suit, getting lower in range and slower as the sun nears the horizon. In Radiant Glow, the sun slips under the horizon,giving way to a most radiant alpenglow. As the alpenglow fades and twilight envelops the earth, stars shimmer in the nightsky.-S.G.
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This set of variations on the well-known hymn tune ‘Holy, holy, holy!’ will make a most satisfying addition to the solo repertoire for euphonuim and concert band. It is in the traditional air varié form with an introduction, theme and 3 variations. The original melody (known as Nicaea) was composed by John Bacchus Dykes’ especially for Reginald Heber’s renowned hymn of praise and became universally popular when it was included in Hymns Ancient and Modern in 1861. A beautiful solo that will test the soloists ability to show true emotion.Deze serie variaties op de bekende hymnemelodie Holy, holy, holy! zal een geliefde aanvulling vormen op het solorepertoire voor euphonium en blaasorkest. Variants on an English Hymn Tune is geschreven in een traditionele air varié-vorm- met een introductie, thema en drie variaties. John Bacchus Dykes’ beroemde melodie Nicaea werd speciaal geschreven voor Reginald Hebers befaamde lofhymne en werd wereldwijd geliefd toen ze in 1861 werd opgenomen in Hymns Ancientand Modern. In deze prachtige solo kunnen solisten laten horen hoe je echte emoties verklankt.Philip Sparke wählte das bekannte englische Kirchenlied Holy, holy, holy und schuf daraus eine kreative Reihe von Variationen für Euphonium und Blasorchester. Die Hymne basiert auf der berühmten Melodie Nicaea von John Bacchus Dykes, dessen zahlreiche im 19. Jahrhundert entstandenen Kirchenlieder heute noch gesungen werden. Variants on an English Hymn Tune weiste eine traditionelle Air Varié Form mit Einleitung, Thema und drei Variationen auf.John Bacchus Dykes (1823-1876) a composé la mélodie Nicaea pour accompagner le magnifique texte de louange Holy, holy, holy! écrit par Reginald Heber. L’hymne conna?t un succès universel dès sa publication dans le psautier Hymns Ancient and Modern en 1861. Philip Sparke a repris cette célèbre mélodie pour composer Variants on an English Hymn Tune qui se présente sous la forme traditionnelle d’un air varié dont la structure comporte une introduction, un thème et une suite de trois variations sur le thème.
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Claude Debussy wrote his two books of piano Preludes late in life, between 1909 and 1913. The 12 short pieces in each book display a rich variety of styles, moods and emotions ? almost a summing up of his compositional output ? and each has its own evocative title. The Girl with the Flaxen Hair is the 8th Prelude in the 1st book and popular for its emotional depth, despite its technical and harmonic simplicity. Indulge your band with this delightful arrangement.Claude Debussy (1862-1918) schreef zijn twee boeken met pianopreludes laat in zijn leven: tussen 1909 en 1913. De twaalf korte stukken in elk boek bevatten een rijke variatie aan stijlen, stemmingen en emoties. The Girl with theFlaxen Hair (La fille au cheveux de lin) is de achtste prelude uit het eerste boek, ze is geliefd vanwege de emotionele diepgang in de muziek, ondanks de technische en harmonische eenvoud. We weten niet wie het meisje in kwestiewas, maar deze mooie miniatuur roept levensechte beelden op.The Girl with the Flaxen Hair ist ein Präludium des französischen Komponisten Claude Debussy und berühmt für seine emotionale Tiefe, trotz seiner technischen und harmonischen Schlichtheit. Wer das im Titel genannte Mädchen mit dem flachsfarbenen Haar war, ist nicht bekannt, aber diese wunderschöne Miniatur lässt sehr lebendige Bilder vor dem inneren Auge entstehen. Bewegend! Composés entre 1909 et 1912, les deux livres de Préludes pour Piano comptent parmi les œuvres tardives de Claude Debussy (1862-1918). Chacune des vingt-quatre compositions - douze par livre - porte un titre évocateur. Elles révèlent une grande diversité de styles, de textures, de climats et d’émotions, et constituent un condensé de toutes les particularités du langage du musicien. Debussy a pris soin de n'indiquer les titres qu'en fin de morceau, de façon permettre chacun de découvrir ses impressions propres sans être influencé par des images ou poèmes existants. Le terme « impressionniste » prend ici tout son sens.La Fille aux Cheveux de Lin est lehuitième prélude du premier livre. Il est célèbre pour sa profondeur émotionnelle malgré sa simplicité technique et harmonique. Nul ne sait qui fut la fille aux cheveux de lin, mais cette miniature merveilleusement subtile réveille notre imaginaire. Claude Debussy scrisse i suoi due libri di Preludi per pianoforte in tarda et , tra il 1909 e il 1913. I 12 brevi pezzi di ogni libro mostrano una ricca variet di stili, umori ed emozioni, quasi un riassunto della sua produzione compositiva e ognuno ha il suo titolo evocativo. The Girl with the Flaxen Hair è l’ottavo preludio nel primo libro ed è molto popolare per la sua profondit emotiva, nonostante la sua semplicit tecnica ed armonica.
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The word ‘tsunami’ is of Japanese origin. When you look it up in a dictionary, you will find that it means ‘a great sea wave produced by submarine earth movement or volcanic eruption’. A megatsunami is the superlative of this awesome expression of power that nature can create, and has catastrophic consequences. When Carl Wittrock completed this composition not many such big earth movements had occurred, but since then we have become all too familiar with the disastrous consequences which a tsunami may have. On the 26th of December 2004 a heavy seaquake took place near the Indonesian island of Sumatra. Tidal waves 10 meters in height ravaged the coastal regions ofmany countries for miles around. The tsunami took the lives of thousands of people and destroyed many villages and towns. There are more areas which run the risk of being struck by a tsunami, such as the island of La Palma, one of the Canary Islands. This island is based on oceanic crust at a fracture zone and as such is one of nature’s time bombs. The consequences of a natural calamity like a megatsunami are immense. In the case of La Palma, the tidal wave will move in the direction of South America, where it may reach 50 km inland, destroying everything on its way. In his composition Wittrock describes an ordinary day which will have an unexpected ending. Right from the beginning there seems to be something in the air, the music creating an oppressive atmosphere of impending disaster. Themes are interrupted, broken off suddenly, followed by silence, suggesting the calm before the storm. Suddenly a short climax (glissandi in the trombone part) indicates the seaquake, and the megatsunami is a fact. Hereafter follows a turbulent passage symbolising the huge rolling waves. After nature’s force has spent itself, resignation sets in and the composition ends with a majestic ode to nature. Het woord 'tsunami' is afkomstig uit het Japans. Het woordenboek geeft als betekenis: een vloedgolf als gevolg van een onderzeese aardbeving. Een megatsunami is de overtreffende trap van deze vorm van natuurgeweld en heeft catastrofalegevolgen. Toen Carl Wittrock deze compositie voltooide waren er nog niet veel voorbeelden van dergelijke grote bevingen, maar inmiddels weten we maar al te goed welke desastreuze gevolgen een tsunami kan veroorzaken.Op 26 december 2004 vond er een zware beving plaats in de zee nabij het Indonesische eiland Sumatra. Vloedgolven van wel 10 meter hoog teisterden de kuststreken van menig land in de verre omtrek. De tsunami eiste duizendenmensenlevens en verwoestte vele dorpen en steden. Er zijn meer gebieden waar sprake is van een 'directe' dreiging, zoals op het eiland La Palma, één van de Canarische eilanden. Dit eiland ligt op een breukvlak en is daarmeeeen tijdbom van de natuur. Bij een calamiteit als een megatsunami zijn de gevolgen niet te overzien. In het geval van La Palma begeeft de vloedgolf van enkele honderden meters zich richting Zuid Amerika met alle gevolgenvan dien. Tot ongeveer 50 kilometer landinwaarts heeft de megatsunami een allesverwoestende werking. In de compositie schetst Wittrock een 'gewone' dag die ongewoon zal aflopen. Al vanaf het begin hangt er iets in delucht en is er sprake van een dreigende, beklemmende sfeer. Thema's worden onderbroken door plotselinge afbrekingen en stiltes. Opeens is daar de korte climax (glissandi in trombones) die de beving symboliseert en de megatsunamiis een feit. Een onrustig gedeelte vangt aan, daarmee de rollende, voortstuwende golven symboliserend. Na het natuurgeweld is er berusting en The Power of the Megatsunami wordt afgesloten met een majestueuze ode aan de nat.
SKU: BT.AMP-108-010
This set of variations on the well-known hymn tune ‘Holy, holy, holy!’ will make a most satisfying addition to the solo repertoire for euphonuim and concert band. It is in the traditional air varié form with an introduction, theme and 3 variations. The original melody (known as Nicaea) was composed by John Bacchus Dykes’ especially for Reginald Heber’s renowned hymn of praise and became universally popular when it was included in Hymns Ancient and Modern in 1861. A beautiful solo that will test the soloists ability to show true emotion.Deze serie variaties op de bekende hymnemelodie Holy, holy, holy! zal een geliefde aanvulling vormen op het solorepertoire voor euphonium en blaasorkest. Variants on an English Hymn Tune is geschreven in een traditionele air varié-vorm- met een introductie, thema en drie variaties. John Bacchus Dykes’ beroemde melodie Nicaea werd speciaal geschreven voor Reginald Hebers befaamde lofhymne en werd wereldwijd geliefd toen ze in 1861 werd opgenomen in Hymns Ancientand Modern. In deze prachtige solo kunnen solisten laten horen hoe je echte emoties verklankt.Philip Sparke wählte das bekannte englische Kirchenlied Holy, holy, holy und schuf daraus eine kreative Reihe von Variationen für Euphonium und Blasorchester. Die Hymne basiert auf der berühmten Melodie Nicaea von John Bacchus Dykes, dessen zahlreiche im 19. Jahrhundert entstandenen Kirchenlieder heute noch gesungen werden. Variants on an English Hymn Tune weiste eine traditionelle Air Varié Form mit Einleitung, Thema und drei Variationen auf.John Bacchus Dykes (1823-1876) a composé la mélodie Nicaea pour accompagner le magnifique texte de louange Holy, holy, holy! écrit par Reginald Heber. L’hymne connaît un succès universel dès sa publication dans le psautier Hymns Ancient and Modern en 1861. Philip Sparke a repris cette célèbre mélodie pour composer Variants on an English Hymn Tune qui se présente sous la forme traditionnelle d’un air varié dont la structure comporte une introduction, un thème et une suite de trois variations sur le thème.
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Beethoven’s Greeting is geschreven ter gelegenheid van het 400-jarig bestaan van de Canadese stad Quebec. Philip Sparke schreef deze fantasie, gebaseerd op Beethovens canon Freu’ dich des Lebens, als muzikale groet aandeze stad. Beethoven’s Greeting heeft een langzame inleiding die is gebaseerd op de canon, dan volgt een levendig Vivo, dat later dient als discant van de canon - die terugkomt in de zang van het optionele koor (SATB).De melodie is ook verweven in de orkestratie.Beethoven’s Greeting wurde zur 400-Jahrfeier der kanadischen Stadt Quebec geschrieben. Philip Sparke wählte für seinen musikalischen Gruß den Kanon Freu dich des Lebens, den Beethoven auf Wunsch eines nach Quebec ausgewanderten befreundeten Musikers zum Andenken geschrieben hatte. Der Kanon in Sparkes Fantasie kann optional von einem SATB-Chor gesungen werden, die Melodie ist auch in der Orchestrierung enthalten. L’année 2008 marque le 400e anniversaire de la fondation de la ville de Québec (1608-2008) au Canada. Pour célébrer cet événement, la Musique des Voltigeurs de Québec, une unité d’infanterie de la force terrestre des Forces canadiennes, a fait appel au compositeur Philip Sparke pour l’écriture de deux œuvres de concert (disponibles sur un compact disc édité spécialement pour cette occasion). Philip Sparke a composé Sounds of the Saint Lawrence (Échos du Saint-Laurent), une suite de chants traditionnels québécois, et cette fantaisie libre sur le canon Freu’ dich des Lebens de Ludwig van Beethoven. L’histoire de ce canon est absolument fascinante. En1822, Théodore Frédéric Molt, un professeur, auteur, pianiste et organiste allemand - ancien soldat dans l'armée napoléonienne ayant combattu Waterloo - arrive Québec. En 1825, il retourne en Europe afin de parfaire sa formation. Au cours de son séjour, il rend visite Beethoven. Quelques jours plus tard, il fait parvenir une lettre au compositeur sourd en incluant une feuille blanche sur laquelle il lui demande d'écrire « du fond de son grand cœur » un souvenir « qui restera pour moi, une distance qu'il me faudra presque 3000 heures pour parcourir, un document éternellement précieux. »Beethoven accepte et, le 16 décembre 1825 (jour de ses cinquante-cinq ans), il présente Théodore Molt le canon Freu’ dich des Lebens Le manuscrit est actuellement conservé dans une collection canadienne.Beethoven’s Greeting (“La signature de Beethovenâ€) débute avec une introduction lente basée sur le canon. S’ensuit un Vivo qui sera repris ultérieurement sous la forme d’un déchant la mélodie du canon. Le thème du canon est chanté par le chœur quatre voix (SATB) optionnel (AMP 243-050), mais la mélodie est également présente dans l’orchestration.
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Claude Debussy wrote his two books of piano Preludes late in life, between 1909 and 1913. The 12 short pieces in each book display a rich variety of styles, moods and emotions almost a summing up of his compositional output and each has its own evocative title. The Girl with the Flaxen Hair is the 8th Prelude in the 1st book and popular for its emotional depth, despite its technical and harmonic simplicity. Indulge your band with this delightful arrangement.Claude Debussy (1862-1918) schreef zijn twee boeken met pianopreludes laat in zijn leven: tussen 1909 en 1913. De twaalf korte stukken in elk boek bevatten een rijke variatie aan stijlen, stemmingen en emoties. The Girl with theFlaxen Hair (La fille au cheveux de lin) is de achtste prelude uit het eerste boek, ze is geliefd vanwege de emotionele diepgang in de muziek, ondanks de technische en harmonische eenvoud. We weten niet wie het meisje in kwestiewas, maar deze mooie miniatuur roept levensechte beelden op.The Girl with the Flaxen Hair ist ein Präludium des französischen Komponisten Claude Debussy und berühmt für seine emotionale Tiefe, trotz seiner technischen und harmonischen Schlichtheit. Wer das im Titel genannte Mädchen mit dem flachsfarbenen Haar war, ist nicht bekannt, aber diese wunderschöne Miniatur lässt sehr lebendige Bilder vor dem inneren Auge entstehen. Bewegend! Composés entre 1909 et 1912, les deux livres de Préludes pour Piano comptent parmi les œuvres tardives de Claude Debussy (1862-1918). Chacune des vingt-quatre compositions - douze par livre - porte un titre évocateur. Elles révèlent une grande diversité de styles, de textures, de climats et d’émotions, et constituent un condensé de toutes les particularités du langage du musicien. Debussy a pris soin de n'indiquer les titres qu'en fin de morceau, de façon permettre chacun de découvrir ses impressions propres sans être influencé par des images ou poèmes existants. Le terme « impressionniste » prend ici tout son sens.La Fille aux Cheveux de Lin est lehuitième prélude du premier livre. Il est célèbre pour sa profondeur émotionnelle malgré sa simplicité technique et harmonique. Nul ne sait qui fut la fille aux cheveux de lin, mais cette miniature merveilleusement subtile réveille notre imaginaire. Claude Debussy scrisse i suoi due libri di Preludi per pianoforte in tarda et , tra il 1909 e il 1913. I 12 brevi pezzi di ogni libro mostrano una ricca variet di stili, umori ed emozioni, quasi un riassunto della sua produzione compositiva e ognuno ha il suo titolo evocativo. The Girl with the Flaxen Hair è l’ottavo preludio nel primo libro ed è molto popolare per la sua profondit emotiva, nonostante la sua semplicit tecnica ed armonica.
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UPC: 888680067977. 9x12 inches.
Constructed between 1915 and 1928, the Tamiami Trail (U.S. Highway 41) provides over 260 miles of scenic Florida beauty between Tampa and Miami. On the Tamiami Trail reflects on this journey, and pays tribute to the Suncoast Concert Band of Sarasota (along the trail) and its director emeritus, Leo Laier. The opening fanfare sets the mood and leads to the energetic first theme. Subsequently a Latin influence is introduced along with an expressive middle theme before returning to the energetic flavor of the opening strains. A dynamic and varied overture for winds. Duration: 6:15.
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This piece depicts the refined beauty of the Grand Canyon at sunrise and sunset. These are the best times to view the Canyon with the sun low in the sky casting shadows that give depth and form to the vast panorama. Angel’s Gate is one of the many named rock formations in the canyon. The composer has tried to depict the sights and sounds of dawn, birdsong in the early morning sky and the gradual revelation of the Canyon itself as sunlight reaches into its rocky depths.Towards the end of the piece, to the sound of a tolling bell, we are however reminded of the dangers that the beauty of the Grand Canyon so cleverly hides.
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The Ukrainian Bell Carol is part of a large choral work entitled Shchedryk by the Ukrainian composer Mykola Dmytrovich Leontovych (1877-1921). It was first performed by students of Kiev University in December 1916. The tune is an adaptation of an old ‘shchedrivka’, a song traditionally sung on Ukrainian New Year’s Eve (January 13th) which hopes for good fortune in the year to come. In Shchedryk, Leontovych added his own the lyrics which concern the legend claiming that when Jesus was born, all the bells on earth started ringing in his honour.The tune has since been the inspiration of at least four different Christmas carols, but Philip Sparke has sourced the originalUkrainian melody to create this stirring arrangement. De Ukrainian Bell Carol is onderdeel van het grote koorwerk Shchedryk van de Oekra ense componist Mykola Dmytrovich Leontovych (1877-1921). De melodie is gebaseerd op een ‘shchedrivka’, een lied dat van oudsher werdgezongen op de Oekra ense oudejaarsavond (13 januari). In Shchedryk voegde Leontovych de tekst toe over de legende die vertelt dat bij de geboorte van Jezus alle klokken op aarde begonnen te luiden. Sindsdien is deze melodiede inspiratiebron geweest voor ten minste vier verschillende Christmas carols, waarvan Carol of the Bells de beroemdste is. Voor dit meeslepende arrangement heeft Philip Sparke echter de oorspronkelijke Oekra ense melodiegebruikt.Das Ukrainian Bell Carol ist Teil eines großen Chorwerkes namens Shchedryk vom ukrainischen Komponisten Mykola Dmytrovich Leontovych. Leontovych ergänzte ein traditionelles ukrainisches Neujahrslied um eine alte Legende, die besagt, dass zu Ehren von Jesu Geburt alle Glocken läuteten. Die Melodie diente inzwischen als Grundlage für mindestens vier verschiedene Weihnachtslieder. Philip Sparke griff für seine bewegende Bearbeitung jedoch auf die originale ukrainische Melodie zurück.Ukrainian Bell Carol constitue une des parties de l’œuvre chorale Shchedryk du compositeur ukrainien Mykola Dmytrovich Leontovich (1877-1921). La mélodie s’inspire d’un vieux chant traditionnel ukrainien (shchedrivka) chanté le Jour de l’An (célébré le 13 janvier, conformément au calendrier julien) dans l’espoir que l’année venir se présente sous de bons hospices. l’écriture de Shchedryk, Mykola Leontovich a choisi de changer les paroles. Il opte pour la légende selon laquelle, toutes les cloches des églises se sont mises carillonner joyeusement pour annoncer la naissance de Jésus. La mélodie du chant a inspiré au moins quatre noëlsdifférents. Carol of the Bells en est la version la plus célèbre. Elle a été adaptée en 1936 (texte et mélodie) par Peter J. Wilhousky (1902-1978) d’après la version originale de Mykola Leontovich. Philip Sparke s’est basé sur la mélodie du chant traditionnel ukrainien pour réaliser cet arrangement brillant et pétillant. Ukrainian Bell Carol costituisce una delle parti dell’opera corale Shchedryk del compositore ucraino Mykola Dmytrovich Leontovich (1877-1921). Il testo narra una leggenda secondo la quale le campane delle chiese si sono messe a suonare per annunciare la nascita di Gesù. La melodia di Leontovich ha ispirato almeno quattro canti natalizi diversi. Carol of the Bells di Peter J.Wilhousky è la versione più celebre. Philip Sparke ha scelto di ispirarsi alla melodia originale del canto tradizionale ucraino (shchedrivka) per realizzare questo brillante arrangiamento.
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The tune Old Hundredth is one of the best-known melodies in all Christian musical traditions and first appeared in the 1551 psalter Pseaumes Octante Trois de David, where it is used as a setting for a version of Psalm 134; it is usually attributed to the French composer Louis Bourgeois (c.1510 - c.1560). The melody was then used in 1561 by the Scots clergyman, William Kethe in Sternhold and Hopkins’ Psalter for his paraphrase of Psalm 100 - All People that on Earth do Dwell<(I>, which is still the most familiar hymn sung to this noble tune. When Tate and Brady’s New Version of the Psalms was published in 1696, the melody became know as the ‘old’ version - henceits current title. This arrangement presents three contrasting verses and is effective as a concert piece as well as an instrumental interlude as part of a church service or wedding. De melodie van Old Hundredth is een van de bekendste in alle christelijke muziektradities, ze verscheen voor het eerst in Pseaumes Octante Trois de David uit 1551. De muziek wordt meestal toegeschreven aan de Fransecomponist Louis Bourgeois (ca.1510-ca.1560). In 1561werd de melodie gebruikt door de Schotse geestelijke William Kethe voor zijn parafrase van psalm 100. Later werd de melodie in Engeland bekend als de ‘oude’ versie - daar komt ookde huidige titel vandaan. Dit arrangement, met drie contrasterende coupletten, is geschikt als concertwerk of als instrumentaal tussenspel tijdens een kerkdienst of huwelijksceremonie.Old Hundtredth ist eine der bekanntesten Melodien aller christlichen Musiküberlieferungen. Es erschien erstmals in dem Psalter Pseaumes Octante Trois de David von 1551, wo es als Satz für zwei Psalmen verwendet wurde. Diese Bearbeitung präsentiert drei kontrastierende Strophen und kann sehr wirkungsvoll sowohl als Konzertwerk als auch als instrumentales Zwischenspiel in einem Gottesdienst oder während einer Hochzeitszeremonie eingesetzt werden.L’hymne Old Hundredth est une des plus célèbres hymnes chrétiennes de tous les temps. Elle fut publiée pour la première fois en 1551 dans le psautier de Genève Pseaumes octante-trois de David avec accompagnement du Psaume 134. La mélodie est fréquemment attribuée au compositeur français Louis Bourgeois (vers 1510-vers 1560).En 1561, William Kethe, un pasteur écossais, reprend la mélodie pour réaliser une paraphrase du Psaume 100, All People that on Earth do Dwell (Vous tous, habitants de la terre !), qui sera publiée dans le Psautier de Sternhold et Hopkins. Cette paraphrase reste le texte le plus chanté sur la mélodie de Bourgeois. En 1696,Nahum Tate et Nicholas Brady réalisent une Nouvelle Version des Psaumes de David (New Version of the Psalms). Par opposition la version révisée de la mélodie, la version initiale prend alors le nom de Old Hundredth, autrement dit « l’ancienne version du Psaume 100 ».Cet arrangement présente trois strophes contrastantes. Il peut être interprété comme une œuvre de concert ou comme un interlude dans le cadre d’un office religieux ou d’une cérémonie de mariage.
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The tune Old Hundredth is one of the best-known melodies in all Christian musical traditions and first appeared in the 1551 psalter Pseaumes Octante Trois de David, where it is used as a setting for a version of Psalm 134; it is usually attributed to the French composer Louis Bourgeois (c.1510 - c.1560). The melody was then used in 1561 by the Scots clergyman, William Kethe in Sternhold and Hopkins’ Psalter for his paraphrase of Psalm 100 - All People that on Earth do Dwell<(I>, which is still the most familiar hymn sung to this noble tune. When Tate and Brady’s New Version of the Psalms was published in 1696, the melody became know as the ‘old’ version - henceits current title. This arrangement presents three contrasting verses and is effective as a concert piece as well as an instrumental interlude as part of a church service or wedding. De melodie van Old Hundredth is een van de bekendste in alle christelijke muziektradities, ze verscheen voor het eerst in Pseaumes Octante Trois de David uit 1551. De muziek wordt meestal toegeschreven aan de Fransecomponist Louis Bourgeois (ca.1510-ca.1560). In 1561werd de melodie gebruikt door de Schotse geestelijke William Kethe voor zijn parafrase van psalm 100. Later werd de melodie in Engeland bekend als de ‘oude’ versie - daar komt ookde huidige titel vandaan. Dit arrangement, met drie contrasterende coupletten, is geschikt als concertwerk of als instrumentaal tussenspel tijdens een kerkdienst of huwelijksceremonie.Old Hundtredth ist eine der bekanntesten Melodien aller christlichen Musiküberlieferungen. Es erschien erstmals in dem Psalter Pseaumes Octante Trois de David von 1551, wo es als Satz für zwei Psalmen verwendet wurde. Diese Bearbeitung präsentiert drei kontrastierende Strophen und kann sehr wirkungsvoll sowohl als Konzertwerk als auch als instrumentales Zwischenspiel in einem Gottesdienst oder während einer Hochzeitszeremonie eingesetzt werden.L’hymne Old Hundredth est une des plus célèbres hymnes chrétiennes de tous les temps. Elle fut publiée pour la première fois en 1551 dans le psautier de Genève Pseaumes octante-trois de David avec accompagnement du Psaume 134. La mélodie est fréquemment attribuée au compositeur français Louis Bourgeois (vers 1510-vers 1560).En 1561, William Kethe, un pasteur écossais, reprend la mélodie pour réaliser une paraphrase du Psaume 100, All People that on Earth do Dwell (Vous tous, habitants de la terre !), qui sera publiée dans le Psautier de Sternhold et Hopkins. Cette paraphrase reste le texte le plus chanté sur la mélodie de Bourgeois. En 1696,Nahum Tate et Nicholas Brady réalisent une Nouvelle Version des Psaumes de David (New Version of the Psalms). Par opposition la version révisée de la mélodie, la version initiale prend alors le nom de Old Hundredth, autrement dit « l’ancienne version du Psaume 100 ».
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