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Guardians of the Waves was commissioned by the Japan Coast Guard Band to celebrate their 30th anniversary in 2018. They gave the premiere as part of a 30th anniversary concert on November 8th that year. Set in traditionalmarch form, Guardians of the Waves opens with a short introduction, which leads to the main theme, played initially by the brass and then repeated with a florid woodwind descant. The theme is extended and morphs into asecond theme, first played tutti and then quietly repeated by bassoon, tenor sax and euphonium. This leads to a conventional ‘bass strain’, played twice with varying accompaniments. A quieter trio section follows, delicatelyscored and featuring the tenor instruments of the band. Taken up by the full band, this leads back to a recall of the introduction and a return to the main two themes, which lead to a triumphal close.Guardians of the Waves werd geschreven in opdracht van de Japan Coast Guard Band ter gelegenheid van het dertigjarig bestaan van dit orkest, in 2018. De première vond plaats tijdens het jubileumconcert op 8 november van datjaar. Het werk, dat is gecomponeerd in een traditionele marsvorm, begint met een korte introductie die het hoofdthema inleidt, dat aanvankelijk wordt gespeeld door het koper en dan wordt herhaald met een weelderige discant in hethout. Het thema wordt voortgezet en gaat over in een tweede thema, eerst tutti gespeeld en rustig herhaald door fagot, tenorsax en eufonium. Dit thema voert ons mee naar een conventionele baslijn, die twee keer wordt gespeeld metvariërende begeleiding. Daarna volgt een kalmer triogedeelte, dat delicaat is getoonzet en waarin de tenorinstrumenten van het orkest ruimschoots aan bod komen. Het wordt dan overgenomen door het complete orkest en brengt onsterug naar de inleiding en de twee hoofdthema’s, uitmondend in een triomfantelijk slot.Guardians of the Waves wurde von der Japan Coast Guard Band anlässlich ihres 30-jährigen Bestehens im Jahr 2018 in Auftrag gegeben. Die Uraufführung fand am 8. November 2018 im Rahmen eines Jubiläumskonzertes statt.Guardians of the Waves wurde als traditioneller Marsch komponiert und beginnt mit einer kurzen Einleitung, die zum Hauptthema führt. Dieses wird zunächst von den Blechbläsern gespielt und dann von den Oberstimmen in denHolzbläsern mit Verzierungen wiederholt. Das Thema wird erweitert und geht in ein zweites Thema über, das zunächst vom Tutti gespielt und dann von Fagott, Tenorsaxophon und Euphonium leise wiederholt wird. Anschließend erklingteine traditionelle Melodie in den Bassinstrumenten, die mit unterschiedlicher Begleitung zweimal gespielt wird. Es folgt ein ruhigeres Trio, das zart besetzt ist und die Tenorinstrumente des Blasorchesters hervorhebt. Dies wirdschließlich vom gesamten Blasorchester aufgegriffen und führt zu einer Wiederholung der Einleitung und einer Rückkehr zu den beiden Hauptthemen, die in einen triumphalen Schluss überleiten.Guardians of the Waves est une commande de l’Harmonie de la Gendarmerie maritime du Japon pour marquer son 30e anniversaire, en 2018. L’orchestre a créé l’œuvre dans le cadre d’un concert d’anniversaire le 8 novembre decette même année. Écrite en forme de marche traditionnelle, Guardians of the Waves s’ouvre avec une courte introduction qui mène au thème principal, interprété d’abord par les cuivres puis repris avec un déchant fleuri parles bois. Le thème est prolongé et se morphe en un second thème, d’abord en tutti, puis répété doucement par les bassons, saxophones ténor et euphoniums. Ce passage mène une mélodie conventionnelle dans les graves, jouée deuxfois avec divers accompagnements. Vient ensuite un trio plus calme, orchestré avec délicatesse et mettant en avant les instruments ténor. Repris par l’orchestre entier, ce passage est suivi d’un rappel de l’introduction avant unretour aux deux thèmes principaux, qui mènent une conclusion triomphale.
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9x12 inches. English-German-French-Dutch.
The Wooden Soldier is a short and simple piece commissioned by the Singapore Ministry of Education. It was originally intended as a compulsory piece for the 2012 Singapore Youth Festival. Because many school bands in Singapore are incomplete, the composer was specifically asked to create a work that could equally be played by a limited ensemble—which explains various doubled andoptional parts.The wooden toy soldier that inspires the work initially marches in a fictitious parade before gliding into a swift waltz. Both sections are based on the same melodic material: the brisk triple-time passage is in fact a variation on the parade theme. Switching between majorand minor keys—together with a number of surprising twists—makes an enthralling work despite the restrictions imposed. The Wooden Soldier is een kort en eenvoudig werkje dat is geschreven in opdracht van het Singaporese ministerie van Onderwijs. Het was aanvankelijk bedoeld als verplicht werk voor het Singapore Youth Festival 2012. Omdat veelschoolorkesten in Singapore een onvolledige bezetting hebben, kreeg de componist het nadrukkelijke verzoek om het werk zo vorm te geven dat het ook met een beperkt ensemble uitgevoerd kan worden: dat verklaart een aantal verdubbelingenen instrumenten ad libitum.Het houten speelgoedsoldaatje dat als inspiratiebron diende, stapt eerst in een fictieve parade en strekt daarna de benen tijdens een vlotte wals. Beide passages zijn gebaseerd op hetzelfde melodischemateriaal: de snelle driekwartsmaat is dus als het ware een variant op het paradethema. De afwisseling tussen grote- en kleinetertstoonaarden en hier en daar een verrassende wending zorgen ervoor dat dit werkje met zijn enethema blijft boeien, ondanks de vele opgelegde beperkingen.The Wooden Soldier ist ein kurzes, einfaches Werk, das im Auftrag des Bildungsministeriums von Singapur geschrieben wurde. Es war zunächst als Pflichtstück für das Singapurer Jugendfestival 2012 gedacht. Da viele Schulblasorchester in Singapur unvollständig besetzt sind, bat man den Komponisten ausdrücklich, das Werk so zu gestalten, dass es auch mit einem begrenzten Ensemble gespielt werden könne: Dies erklärt einige Verdopplungen und optionale Instrumente.Der hölzerne Spielzeugsoldat, der als Quelle der Inspiration diente, marschiert zunächst in einer fiktiven Parade, um danach das Tanzbein zu einem flotten Walzer zu schwingen. BeideAbschnitte basieren auf demselben melodischen Material: Der schnelle Dreivierteltakt ist also im Grunde eine Variation auf das Parade-Thema. Der Wechsel zwischen Dur- und Moll-Tonarten sowie eingestreute überraschende Wendungen sorgen dafür, dass dieses Stück mit seinem einen Thema trotz der zahlreichen auferlegten Beschränkungen stets spannend bleibt. The Wooden Soldier (Le soldat de bois) est une pièce courte et simple commandée par le Ministère singapourien de l’Education. Cette oeuvre a été initialement écrite comme pièce imposée pour le Festival de la Jeunesse se déroulant Singapour en 2012. Comme de nombreuses formations scolaires présentent quelques lacunes au niveau de certains pupitres, Jan van der Roost a été sollicité afin de composer une oeuvre qui pourrait également être jouée par une formation incomplète - ce qui explique le doublement de certaines parties et les voix optionnelles.Le petit soldat de bois qui anime cette composition musicale, marche tout d’abord au coeur d’une parade fictive avantd’exécuter quelques pas d’une valse rapide. On retrouvera la même trame musicale dans les deux parties de l’oeuvre : les vivifiantes mesures ternaires de la valse sont en fait une variation du thème de la parade. Une alternance entre mode majeur et mineur ainsi qu’un certain nombre de rebondissements inattendus, font de cette pièce une oeuvre captivante, malgré les restrictions imposées. Commissionato come brano d’obbligo dal Ministero dell’Educazione per il Singapore Youth Festival 2012, The Wooden Soldier è stato arrangiato per poter essere eseguito da una formazione ad organico ridotto. Il pezzo include varie parti raddoppiate e opzionali. Il brano inizia in uno stile simile a una marcia da parata per poi scivolare verso un rapido valzer, basandosi, seppure in stili diversi, sul medesimo materiale melodico. I passaggi tra tonalit maggiori e minori, come anche sorprendenti colpi di scena, fanno di questo brano una valida aggiunta al programma da concerto.
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Festival Prelude ‘Ad Excel’ was commissioned by the AD Concert Band, from Solihull in the UK, to celebrate their 40th Anniversary in 2016. The title, Ad Excel, is a play on words: it is Latin for ‘to excel’ but also celebrates the band’s anniversary as XL is 40 in Roman numerals. The work opens with a bright fanfare with frequent changes of meter. This leads to a playful main subject, played first by woodwinds, followed by full band. A bridge passage leads to a legato second subject, played twice. The bridge passage returns to introduce the both main melodies in new keys and instrumentations before a coda, derived from the opening fanfare, brings the work to a close.Festival Prelude ‘Ad Excel’ werd geschreven in opdracht van de AD Concert Band uit het Britse Solihull, ter gelegenheid van het veertigjarig bestaan van dit orkest in 2016. De titel, Ad Excel, heeft een dubbele betekenis, die is gebaseerd op de Engelse van het Latijn afgeleide term ‘to excel’ (excelleren, uitblinken) én op het veertigjarig jubileum van de band, aangezien XL in Romeinse cijfers het getal 40 aanduidt. Het werk opent met een opgewekte fanfare waarin frequent van maatsoort wordt gewisseld. Dan volgt een speels hoofdthema, eerst in het hout en dan het volledige orkest. Een bridgegedeelte leidt naar een legato tweede thema, dat twee keer klinkt.Daarop keert de bridge terug om beide hoofdmelodieën in nieuwe toonsoorten en instrumentaties te introduceren, waarna een coda, ontleend aan de openingsfanfare, het werk besluit. Das Stück Festival Prelude ‘Ad Excel’ wurde 2016 von der AD Concert Band aus Solihull (Vereinigtes Königreich) aus Anlass ihres 40-jährigen Jubiläums in Auftrag gegeben. Der Titel, Ad Excel, ist ein Wortspiel: Es ist das lateinische Wort für to excel“ (engl.: hervorragend sein“), bezieht sich aber auch auf das Jubiläum des Orchesters, da XL die römische Ziffer für 40 ist. Das Werk beginnt mit einer strahlenden Fanfare mit zahlreichen Taktwechseln. Sie führt zu einem verspielten Hauptthema, das zunächst von den Holzbläsern und anschließend vom gesamten Orchester gespielt wird. Eine Überleitung führt zu einem zweiten Thema im Legato. Die Überleitung kehrtschließlich wieder, um die beiden Hauptmelodien in neuen Tonarten und Instrumentierungen vorzustellen, bis das Werk in einer Coda, die von der Eröffnungsfanfare abgeleitet ist, endet. Festival Prelude ‘Ad Excel’ est une commande de l’AD Concert Band de Solihull au Royaume-Uni, pour célébrer leur 40e anniversaire en 2016. Le titre, Ad Excel, est un jeu de mots : en latin, il signifie « exceller », mais les chiffres romains XL font aussi 40, l’anniversaire célébré par l’orchestre. L’œuvre commence par une fanfare éclatante aux changements de mesure fréquents, suivie par l’introduction du thème principal, joué par les bois, puis repris par l’orchestre. Un pont mène au second thème legato avant d’introduire - nouveau les deux mélodies principales avec des tonalités et instrumentations différentes. L’œuvre se termine avec une coda dérivée de la fanfared’ouverture. Festival Prelude ‘Ad Excel’ è stato commissionato dalla AD Concert Band, di Solihull nel Regno Unito, per celebrare il loro 40esimo anniversario nel 2016. Il titolo, Ad Excel, è un gioco di parole: è il corrispondente latino di “eccellere†ma celebra allo stesso tempo l’anniversario della band dato che XL equivale a 40 in numeri romani. L’opera si apre con una luminosa fanfara con frequenti cambi di tempo. Questa sfocia in motivo giocoso principale, prima suonato dai legni, subito dopo dall’intera banda. Un passaggio che funge da ponte porta poi a un secondo tema in legato, suonato per due volte. Il passaggio ritorna poi ad introdurre le due melodieprincipali in una nuova tonalit prima della coda, che riprende la fanfara di apertura, portando il brano alla conclusione.
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As with many publications from the DE HASKE 'New Sounds for Concert Band' series this work will be a challenge for many concert bands. Extensive percussion, virtuoso passages for woodwinds and special effects from the brass guarantee excitement for every musician in your band. Rafael Hérnandez (1892-1965) gilt als einer der größten, wenn nicht gar der größte Komponist Puerto Ricos. Aus einer armen Familie stammend, lernte er zunächst den Beruf eines Zigarrendrehers, studierte dann aber Musik und lernte zahlreiche Instrumente zu spielen. Nach seinem Einsatz im ersten Weltkrieg lebte und arbeitete er in den USA, in Mexiko und Puerto Rico als Musiker, Komponist, Orchesterleiter und Schauspieler. El Cumbanchero ist einer der größten, international bekannten Hits von Hérnandez. In dem berauschenden, anspruchsvollen Arrangement von Naohiro Iwai wird er zu einem echten Erlebnis!
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Washed up on the Phaeacian shore after a shipwreck, Odysseus is introduced to King Alcinous. As he sits in the palace, he tells the Phaeacians of his wanderings since leaving Troy. Odysseus and his men fi rst landed on the island of the Cicones wherethey sacked the city of Ismarus. From there, great storms swept them to the land of the hospitable Lotus Eaters. Then they sailed to the land of the Cyclopes. Odysseus and twelve of his men entered the cave of Polyphemus. After the single-eyed giantmade handfuls of his men into meals, Odysseus fi nally defeated him. He got him drunk and once he had fallen asleep, he and his men stabbed a glowing spike into the Cyclop’s single eye, completely blinding him. They escaped by clinging to the belliesof some sheep. Once aboard, Odysseus taunted the Cyclop by revealing him his true identity. Enraged, Polyphemus hurled rocks at the ship, trying to sink it. After leaving the Cyclopes’ island, they arrived at the home of Aeolus, ruler of the winds.Aeolus off ered Odysseus a bag trapping all the strong winds within except one - the one which would take him straight back to Ithaca. As the ship came within sight of Ithaca, the crewmen, curious about the bag, decided to open it. The winds escapedand stirred up a storm. Odysseus and his crew came to the land of the cannibalistic Laestrygonians, who sank all but one of the ships. The survivors went next to Aeaea, the island of the witch-goddess Circe. Odysseus sent out a scouting party butCirce turned them into pigs. With the help of an antidote the god Hermes had given him, Odysseus managed to overpower the goddess and forced her to change his men back to human form. When it was time for Odysseus to leave, Circe told him to sail tothe realm of the dead to speak with the spirit of the seer Tiresias. One day’s sailing took them to the land of the Cimmerians. There, he performed sacrifi ces to attract the souls of the dead. Tiresias told him what would happen to him next. He thengot to talk with his mother, Anticleia, and met the spirits of Agamemnon, Achilles, Patroclus, Antilochus, Ajax and others. He then saw the souls of the damned Tityos, Tantalus, and Sisyphus. Odysseus soon found himself mobbed by souls. He becamefrightened, ran back to his ship, and sailed away. While back at Aeaea, Circe told him about the dangers he would have to face on his way back home. She advised him to avoid hearing the song of the Sirens; but if he really felt he had to hear, thenhe should be tied to the mast of the ship, which he did. Odysseus then successfully steered his crew past Charybdis (a violent whirlpool) and Scylla (a multiple-headed monster), but Scylla managed to devour six of his men. Finally, Odysseus and hissurviving crew approached the island where the Sun god kept sacred cattle. Odysseus wanted to sail past, but the crewmen persuaded him to let them rest there. Odysseus passed Circe’s counsel on to his men. Once he had fallen asleep, his men impiouslykilled and ate some of the cattle. When the Sun god found out, he asked Zeus to punish them. Shortly after they set sail from the island, Zeus destroyed the ship and all the men died except for Odysseus. After ten days, Odysseus was washed up on theisland of the nymph Calypso.Odysseus, die is aangespoeld op de kust van de Phaeaken, maakt kennis met koning Alcinoüs. In het paleis van de laatstgenoemde vertelt hij wat hij heeft meegemaakt sinds zijn vertrek uit Troje. Odysseus en zijn metgezellen legdeneerst aan op het eiland van de Ciconen, waar ze de stad Ismarus plunderden. Toen ze weer op zee waren, brak een storm los, die ze naar het land van de gastvrije Lotophagen bracht. Daarna zeilden ze naar het eiland van de Cyclopen.Odysseus en twaalf van zijn metgezellen kwamen terecht in de grot van Polyphemus. Deze verslond een aantal van hen, maar werd uiteindelijk door Odysseus verslagen: hij voerde de reus dronken, waarna die in slaap viel. Vervolgensstak hij een gloeiende paal in zijn ene oog om hem blind te maken. Odysseus en zijn mannen ontsnapten uit de grot door ieder onder de buik van een van Polyphemus’ schapen te gaan hangen. Eenmaal weer aan boord riep Odysseusuitdagend naar de cycloop en onthulde zijn naam. Woedend wierp Polyphemus rotsblokken in de richting van het schip in een poging het te laten zinken. Nadat ze het Cyclopeneiland hadden verlaten, arriveerden ze bij Aeolus, heerservan de winden. Aeolus gaf Odysseus een zak met daarin alle krachtige winden behalve één - die hem rechtstreeks terug naar zijn thuisbasis Ithaca zou voeren. Toen het schip Ithaca bijna had bereikt, besloten de metgezellen, die nieuwsgierigwaren naar de inhoud, de zak te openen. De winden ontsnapten en er ontstond een enorme storm. Odysseus en zijn bemanning kwamen terecht in het land van de kannibalistische Laestrygonen, die alle schepen lieten zinken, opéén na. De overlevenden vluchtten naar Aeaea, het eiland van de tovenares Circe, die de metgezellen van Odysseus in zwijnen veranderde. Met de hulp van een tegengif dat hij had gekregen van Hermes, lukte het Odysseus om Circe teNachdem er an die Küste der Phäaker gespült wurde, wird Odysseus dem König Akinoos vorgestellt. In dessen Palast erzählt er den Phäakern von den Fahrten nach seiner Abreise aus Troja. Odysseus und seine Männer landen zunächst auf denKikonen, einer Inselgruppe, wo sie die Stadt Ismaros einnehmen. Von dort aus treiben sie mächtige Stürme zum Land der gastfreundlichen Lotophagen (Lotos-Essern). Dann segeln sie zum Land der Kyklopen (Zyklopen). Odysseus und seine zwölf Mannenbetreten die Höhle von Poloyphem, dem Sohn Poseidons. Nachdem dieser einige der Männer verspeist hat, überwaÃ…Nltigt ihn Odysseus, indem er ihn betrunken macht und dann mit einem glühenden Spieß in dessen einziges Auge sticht und ihn somitblendet. Odysseus und die übrigen Männer fl iehen an den Bäuchen von Schafen hängend. Wieder an Bord, provoziert Odysseus den Zyklopen, indem er ihm seine wahre Identität verrät. Wütend bewirft Polyphem das Schiff mit Steinen undversucht, es zu versenken. Nachdem sie die Insel der Kyklopen verlassen haben, kommen Odysseus und seine Mannen ins Reich von Aiolos, dem Herr der Winde. Aiolos schenkt ihm einen Beutel, in dem alle Winde eingesperrt sind, außer dem, der ihn direktzurück nach Ithaka treiben soll. Als das Schiff in Sichtweite von Ithaka ist, öff nen die neugierigen Seemänner den Windsack. Die Winde entfl iehen und erzeugen einen Sturm. Odysseus und seine Mannschaft verschlägt es ins Land derkannibalischen Laistrygonen, die alle ihre Schiff e, bis auf eines, versenken. Die Ãœberlebenden reisen weiter nach Aiaia, der Insel der Zauberin Kirke. Odysseus sendet einen Spähtrupp aus, der von Kirke aber in Schweine verwandelt wird. Mit Hilfeeines Gegenmittels vom Götterboten Hermes kann Odysseus Kirke überwaÃ…Nltigen und er zwingt sie, seinen Gefährten wieder ihre menschliche Gestalt zurückzugeben. Als er wieder aufbrechen will, rät Kirke ihm, den Seher Teiresias in derUnterwelt aufzusuchen und zu befragen. Eine Tagesreise führt sie dann ins Land der Kimmerer, nahe dem Eingang des Hades. Dort bringt Odysseus Opfer, um die Seelen der Toten anzurufen. Teireisas sagt ihm sein Schicksal voraus. Dann darf Odysseusmit seiner Mutter Antikleia und den Seelen von Agamemnon, Achilles, Patroklos, Antilochus, Ajax und anderen Toten sprechen. Dann sieht er die Seelen der Verdammten Tityos, Tantalos und Sisyphos. Bald wird Odysseus selbst von den Seelen gequält, kehrtvoll Angst zu seinem Schiff zurück und segelt davon. In Aiaia hatte Kirke ihn vor den drohenden Gefahren der Heimreise gewarnt. Sie riet ihm, den Gesang der Sirenen zu vermeiden, wenn er aber unbedingt zuhören müsse, solle er sich an denMast seines Schiff es bindet lassen, was er dann auch tut. Dann führt Odysseus seine Mannschaft erfolgreich durch die Meerenge zwischen Skylla und Charybdis, wobei Skylla jedoch sechs seiner Männer verschlingt. Schließlich erreichen Odysseusund die überlebende Besatzung die Insel, auf der der Sonnengott Helios heiliges Vieh hält. Odysseus will weitersegeln, aber seine Mannschaft überredet ihn zu einer Rast. Odysseus erzählt ihnen von Kirkes Warnung, aber kaum, dass ereingeschlafen ist, töten die Männer in gotteslästerlicher Weise einige Rinder und verspeisen sie. Als Helios dies entdeckt, bittet er Zeus, sie zu bestrafen. Kurz nachdem sie die Segel für die Abreise von der Insel gesetzt haben, zerstört Zeusdas Schiff und alle außer Odysseus sterben. Nach zehn Tagen wird Odysseus an den Strand der Insel der Nymphe Kalypso angespült.Ulysse, épuisé par la terrible tempête qu’il a subie, échoue sur le rivage des Phéaciens. Reçu au palais du roi Alcinoos, Ulysse entreprend le récit des épreuves passées depuis son départ de Troie. Arrivés dans l’île des Cicones, Ulysse et ses compagnons mettent la cité d’Ismaros sac puis reprennent la mer. Les vents les emportent chez les Lotophages, un peuple paisible. Ulysse aborde au pays des Cyclopes. Il pénètre dans la caverne de Polyphème accompagné de douze hommes. Après avoir vu le Cyclope dévorer deux de ses compagnons chaque repas, Ulysse ruse pour lui échapper. Il l’enivre puis embrase un épieu taillé, qu’il plante dans l'œil unique du Cyclope endormi,l’aveuglant définitivement. Les survivants sortent ensuite cachés sous le ventre de ses brebis et regagnent leurs bateaux. Faisant preuve d’orgueil, Ulysse crie sa véritable identité au risque de faire sombrer son navire sous une pluie de rochers. Ulysse aborde l’île d’Eolie, au royaume du maître des vents. Eole offre Ulysse un vent favorable pour regagner Ithaque, et une outre renfermant tous les vents contraires. Hélas, la curiosité des marins d’Ulysse aura raison de cet heureux dénouement car, en ouvrant l’outre, les vents contraires s’échappent et déchaînent une nouvelle tempête. Après avoir dérivé plusieurs jours, ils parviennent chez les Lestrygons cannibales qui détruisent l’escadre. Les survivants reprennent la mer avec un unique navire et abordent dans l’île d’Aiaié, séjour de la magicienne Circé. Ulysse envoie des éclaireurs dans les terres. Imprudemment entrés dans la demeure de la magicienne, ils sont transformés en pourceaux. Seul Ulysse échappe au sortilège gr ce l’antidote que lui indique Hermès. Vaincue, Circé s’offre au héros et rend ses compagnons leur forme humaine. Avant de laisser partir Ulysse, Circé lui conseille d’aller au pays des morts consulter l’ombre du devin Tirésias. Après une journée de navigation, le bateau d’Ulysse atteint le pays des Cimmériens. Il s’acquitte des rites appropriés pour pouvoir s’entretenir avec l’ me.
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This unusual concert work, commissioned by the concert band ?Harmonie Concorde? from Sanem in Luxembourg, is built on two basic ideas: the evolution of the economic and social context of this Luxembourg city with its strong mining industry and the European concept, which is clearly present in this very small but prosperous country with its many European institutes. This is musically expressed in a few quotes from the European hymn Ode to Joy, the closing of Beethoven?s Ninth Symphony and from the Te Deum by Charpentier ? widely known as the signature tune for Eurovision broadcasts. A work of true unity.Aan dit concertwerk - geschreven voor de Harmonie Concorde uit Sanem in Luxemburg - liggen twee basisideeën ten grondslag. Als eerste de sociaal-economische context van het stadje: de mijnbouw heeft decennialang mensen uit diverselanden aangetrokken, met name Portugal. Dit wordt ge llustreerd door de verwerking van een authentiek arbeidslied uit dat land. De tweede pijler is de Europese gedachte die in Luxemburg duidelijk aanwezig is. Dit komt muzikaal totuiting in een dynamische thematiek en citaatjes uit Ode an die Freude van Beethoven en het Te Deum van Charpentier - de herkenningstune voor Eurovisie-uitzendingen. Concordia, een werk dat verschillende elementenin zich verenigt, staat symbool voor eenheid.Zwei Bilder des Landes Luxemburg bilden die Grundlage dieses ungewöhnlichen Werkes: Zunächst beschreiben schöne, teilweise düstere Klänge die Bergbauregion Luxemburg und ihre vielen Gastarbeiter.Mit Zitaten aus Beethovens Ode an die Freude und Charpentiers Te Deum wird Luxemburg als Sitz einiger wichtiger europäischer Institutionen vorgestellt. Der gemeinsame Nenner und Inspiration zum Titel Concordia - lateinisch für Einheit - ist das funktionierende Miteinander vielfältiger Kulturen und Interessen in so einem kleinen Land.Concordia est une oeuvre de commande pour l’Orchestre d’Harmonie Concorde de Sanem au Luxembourg. Cette pièce de concert inhabituelle s’appuie sur deux éléments principaux : l’évolution du contexte économique et social de cette ville luxembourgeoise située dans une région minière et l’idéal européen souligné par une riche palette de nuances et l’utilisation de quelques fragments de l’Hymne la Joie et du Te Deum. Concordia è un brano commissionato a Jan Van der Roost dall’Orchestra di Fiati Concorde di Sanem in Lussemburgo. Questo inusuale brano da concerto si appoggia su due elementi principali: l’evoluzione del contesto economico e sociale di questa citt lussemburghese situata in una regione mineraria, e l’ideale europeo evidenziato da una ricca gamma di suoni e dall’utilizzo di qualche frammento dell’Inno alla Gioia e del Te Deum.
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This unusual concert work, commissioned by the concert band ?Harmonie Concorde? from Sanem in Luxembourg, is built on two basic ideas: the evolution of the economic and social context of this Luxembourg city with its strong mining industry and the European concept, which is clearly present in this very small but prosperous country with its many European institutes. This is musically expressed in a few quotes from the European hymn Ode to Joy, the closing of Beethoven?s Ninth Symphony and from the Te Deum by Charpentier ? widely known as the signature tune for Eurovision broadcasts. A work of true unity.Zwei Bilder des Landes Luxemburg bilden die Grundlage dieses ungewöhnlichen Werkes: Zunächst beschreiben schöne, teilweise düstere Klänge die Bergbauregion Luxemburg und ihre vielen Gastarbeiter.Mit Zitaten aus Beethovens Ode an die Freude und Charpentiers Te Deum wird Luxemburg als Sitz einiger wichtiger europäischer Institutionen vorgestellt. Der gemeinsame Nenner und Inspiration zum Titel Concordia - lateinisch für Einheit - ist das funktionierende Miteinander vielfältiger Kulturen und Interessen in so einem kleinen Land.Concordia est une oeuvre de commande pour l’Orchestre d’Harmonie Concorde de Sanem au Luxembourg. Cette pièce de concert inhabituelle s’appuie sur deux éléments principaux : l’évolution du contexte économique et social de cette ville luxembourgeoise située dans une région minière et l’idéal européen souligné par une riche palette de nuances et l’utilisation de quelques fragments de l’Hymne la Joie et du Te Deum. Concordia è un brano commissionato a Jan Van der Roost dall’Orchestra di Fiati Concorde di Sanem in Lussemburgo. Questo inusuale brano da concerto si appoggia su due elementi principali: l’evoluzione del contesto economico e sociale di questa citt lussemburghese situata in una regione mineraria, e l’ideale europeo evidenziato da una ricca gamma di suoni e dall’utilizzo di qualche frammento dell’Inno alla Gioia e del Te Deum.
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Moonlight Serenade is often said to be the Glenn Miller Orchestra’s signature tune, capturing the very best of what it had to offer. It was recorded for the first time in 1939 and only made the B-side of the disc with Sunrise Serenade featuring on the A-side. Moonlight Serenade gained very rapid and unexpected success and this arrangement will give your concert band that famous big band sound! Moonlight Serenade geldt als dé herkenningsmelodie van het Glenn Miller Orchestra. Het romantische werk werd voor het eerst opgenomen in 1939. Het was de B-zijde van een ander werk, genaamd Sunrise Serenade. Al snel streefdehet oorspronkelijke B-nummer de A-kant in populariteit voorbij. Een populariteit waarop het tot op de dag van vandaag nog steeds niet heeft ingeboet. bigbandsound op zijn best!Moonlight Serenade gilt als die signature tune“ - die Erkennungsmelodie - für den Sound des Glenn Miller Orchestra. Das im Jahre 1939 erstmals aufgenommene romantische Stück war tatsächlich zunächst nur die B-Seite von einem Stück namens Sunrise Serenade, erreichte aber sehr schnell eine wohl unerwartete, ungeheuer große Popularität, die heute noch anhält. Bigband-Sound vom Feinsten! Glenn Miller (1904-1944) fut l’un des plus grands chefs d’orchestre de swing américains de son temps. Le son mythique du prestigieux Glenn Miller Orchestra mêlant swing, jazz et improvisation est, aujourd’hui encore, célèbre dans le monde entier. Glenn Miller reste pour le public une véritable légende et ses airs les plus célèbres sont dans toutes les mémoires. En 1939, Glenn Miller composa Moonlight Serenade, une pièce dont l’idiome sonore est typique du style Big Band américain. Il présenta sa création pour la première fois sur la face B du disque Sunrise Serenade. Le succès fut immédiat. La mélodie fit l’objet de nombreuses reprises notamment au cinéma et latélévision. Nel 1939, Glenn Miller (1904-1944) compone Moonlight Serenade, un brano nello stile tipico della big band americana. Presenta la sua creazione per la prima volta sulla facciata B del disco Sunrise Serenade. Il successo è immediato e Moonlight Serenade diventa il pezzo più famoso di Glenn Miller. La melodia è stata ripresa innumerevoli volte al cinema e alla televisione.
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Claudio Monteverdi composed this toccata as an instrumental introduction for the opera L’Orfeo (1607). According to the composer, this introduction should be played three times before the rising of the curtain. This is actually the first overture in the history of opera.)The story of Orfeo, who enchanted nature with his music, is tragic, as he loses his beloved Eurydice and decides to retrieve her from the underworld. On their return journey, one glance back at her is fatal: he loses her for the second time.)This arrangement for wind band is very suitable as a concert opener. The toccata is played three times just like the original. The first time it is played by a quintetconsisting of two trumpets and three trombones.)Various ways of performing this toccata are possible. The tension builds up more intensely if the quintet starts off stage. Eventually, these five players join the band, after which the tutti version follows two times. You can also have the brass play from the gallery during the second or third time for a double choir effect. Claudio Monteverdi componeerde deze toccata als instrumentale inleiding tot de opera L’Orfeo (1607). Dit arrangement voor harmonieorkest is dan ook heel geschikt als openingswerk. De toccata wordt drie keer gespeeld, de eerste keer door een kwintet van twee trompetten en drie trombones. De opbouw van de spanning is intenser als het kwintet in de coulissen of achter het podium begint. Vervolgens voegen deze vijf muzikanten zich bij de rest van het orkest, waarna de tutti-versie nog twee keer klinkt.Claudio Monteverdi schrieb diese Toccata als instrumentales Vorspiel zur Oper l'Orfeo. Sie sollte drei Mal vor der Hebung des Vorhangs gespielt werden. Damit hatte er tatsächlich die erste Ouvertüre der Operngeschichte geschaffen! Wie im Original, wird auch in dieser Bearbeitung die Toccata drei Mal gespielt: zunächst von einem Trompeten- und Posaunenquintett, dann zwei Mal vom gesamten Blasorchester. Ein ideales Eröffnungswerk!Claudio Monteverdi (1567-1643) a composé cette toccata instrumentale pour l’ouverture de son opéra tragique L’Orfeo (1607). Selon le souhait du compositeur, cette pièce d’introduction doit être jouée trois fois rideau baissé. Ce faisant, Monteverdi a composé la première ouverture dans l’histoire de l’opéra. Cet arrangement pour Orchestre d’Harmonie est idéal pour débuter un concert. Fidèle la version originale, la Toccata est interprétée trois fois dont la première par un quintette composé de trois trombones et de deux trompettes.Claudio Monteverdi (1567-1643) compose questa Toccata strumentale per l’ouverture dell’opera tragica L’Orfeo (1607). Il compositore desiderava che questo brano di apertura fosse eseguito tre volte a sipario chiuso. Così facendo, compose la prima ouverture nella storia dell’opera. Questo arrangiamento per banda è ideale per iniziare un concerto. Fedele alla versione originale, la Toccata è interpretata tre volte, di cui la prima dal quintetto composto da tre tromboni e due trombe.
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This is a great opportunity to incorporate a modern concerto into your band's repertoire, which will provide a fresh and appealing concert item for your upcoming season. The work follows the standard 3-movement concerto form witha syncopated, rag-like opening movement contrasting with a slower, beautifully English-sounding second movement. The third movement is based on a bebop style to show off the jazzier qualities of the clarinet. This substantial workis suitable for a Grade 4 standard band.Mozart schreef zijn bekende klarinetconcert voor de virtuoos Anton Stadler, met wie hij bevriend was. Stadler was verantwoordelijk voor veel technische verbeteringen aan zowel de klarinet als de bassethoorn, hij voegde extra kleppentoe aan beide instrumenten, waardoor het bereik van de klarinet in de laagte werd uitgebreid. Mozart schreef dit concerto voor een klarinet met een lager bereik in vergelijking tot het moderne instrument. Ondanks de beperkingenvan de klarinet van nu komt het origineel in deze bewerking prima tot zijn recht. opname op cd: The Magic of Mozart (DHR 11-011-3)Ein Konzert in drei Sätzen, das den vielfältigen Facetten des Instrumentes Rechnung trägt. Der Eröffnungssatz ähnelt im Stil fast einem Rag. Der langsamere zweite Satz erforscht zunächst das Chalumeau-Register der Klarinette in einem Thema, das später vom Orchester aufgenommen wird, während der Solist einen filigranen Diskant entwickelt. Dieser leitet direkt zum dritten Satz über, dessen Stil an Be-Bop erinnert und die jazzigere Seite der Klarinette in den Vordergrund treten lässt. Modern und vielseitig!
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As the title suggests, this piece comprises a set of variations on an original chorale,which is presented in the opening bars.The chorale uses the dark middle and lower sections of the band and is extended with minor variations until a pause leads to the first real variation, marked Vivo. This is in the form of a moto perpetuo. The second variation is a beautiful Andante introduced by a solo clarinet. Following a full band climax the final variation opens with quiet, nervous energy until its main theme is introduced.The chorale makes a brief appearance until the main theme reappears. This leads to a triumphant final augmented statement of the chorale theme, decorated by theflorid clarinet theme in the upper woodwinds. A dazzling new concert work. Zoals de titel al aangeeft, bestaat het stuk uit een aantal variaties op een oorspronkelijk koraal, dat aan het begin wordt ge ntroduceerd. Het koraal, stevig verankerd in c mineur, komt naar voren in de donkere midden- en lage sectiesvan het orkest en wordt uitgebouwd met variaties in mineur, totdat een korte pauze de overgang vormt naar de eerste echte variatie, Vivo getiteld. Dit is een moto perpetuo. De tweede variatie, een krachtige Andante, introduceerteen soloklarinet. Na een climax in het hele orkest vangt de laatste variatie aan met een stille, nerveuze energie totdat het hoofdthema naar voren komt. Het koraal duikt even op totdat het hoofdthema weer verschijnt. Dit leidtnaar een glorierijke laatste reprise van het koraalthema in verbreding, omspeeld met het zwierige klarinetthema in het hoge hout. Een verbluffend nieuw concertwerk.In drei sehr unterschiedlichen Variationen kommen in diesem Werk alle Register des Blasorchesters zum Zug: Die mittleren und tieferen Register stellen den originalen Choral in Moll vor, darauf folgt die erste, lyrische Variation im Tenorregister. Eine Solo-Klarinette präsentiert die metrische zweite Variation, abgelöst vom gesamten Blasorchester. Die hohen Holzbläser spielen eine wichtige Rolle in der dritten Variation, die zunächst verhalten einsetztt, dann aber das Werk zu einem triiumphalen Schluss führt. Ein interessantes Werk, das keine Wünsche bei Musikern oder Zuhörern offen lässt!Chorale and Variations est une oeuvre de commande pour l’École Intercommunale de Gaillon Aubevoye en France (Dir. : Thierry Patel). Cette pièce est structurée selon la forme du choral suivi de trois variations sur le thème. Ancré dans la tonalité de Do mineur, le choral se développe dans les registres médium et grave de l’orchestre puis est élargi avec une succession de variations lyriques, florissantes, triomphantes et ornementées.
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As the title suggests, this piece comprises a set of variations on an original chorale,which is presented in the opening bars.The chorale uses the dark middle and lower sections of the band and is extended with minor variations until a pause leads to the first real variation, marked Vivo. This is in the form of a moto perpetuo. The second variation is a beautiful Andante introduced by a solo clarinet. Following a full band climax the final variation opens with quiet, nervous energy until its main theme is introduced.The chorale makes a brief appearance until the main theme reappears. This leads to a triumphant final augmented statement of the chorale theme, decorated by theflorid clarinet theme in the upper woodwinds. A dazzling new concert work. Zoals de titel al aangeeft, bestaat het stuk uit een aantal variaties op een oorspronkelijk koraal, dat aan het begin wordt ge ntroduceerd. Het koraal, stevig verankerd in c mineur, komt naar voren in de donkere midden- en lage sectiesvan het orkest en wordt uitgebouwd met variaties in mineur, totdat een korte pauze de overgang vormt naar de eerste echte variatie, Vivo getiteld. Dit is een moto perpetuo. De tweede variatie, een krachtige Andante, introduceerteen soloklarinet. Na een climax in het hele orkest vangt de laatste variatie aan met een stille, nerveuze energie totdat het hoofdthema naar voren komt. Het koraal duikt even op totdat het hoofdthema weer verschijnt. Dit leidtnaar een glorierijke laatste reprise van het koraalthema in verbreding, omspeeld met het zwierige klarinetthema in het hoge hout. Een verbluffend nieuw concertwerk.In drei sehr unterschiedlichen Variationen kommen in diesem Werk alle Register des Blasorchesters zum Zug: Die mittleren und tieferen Register stellen den originalen Choral in Moll vor, darauf folgt die erste, lyrische Variation im Tenorregister. Eine Solo-Klarinette präsentiert die metrische zweite Variation, abgelöst vom gesamten Blasorchester. Die hohen Holzbläser spielen eine wichtige Rolle in der dritten Variation, die zunächst verhalten einsetzt, dann aber das Werk zu einem triiumphalen Schluss führt. Ein interessantes Werk, das keine Wünsche bei Musikern oder Zuhörern offen lässt!Chorale and Variations est une oeuvre de commande pour l’École Intercommunale de Gaillon Aubevoye en France (Dir. : Thierry Patel). Cette pièce est structurée selon la forme du choral suivi de trois variations sur le thème. Ancré dans la tonalité de Do mineur, le choral se développe dans les registres médium et grave de l’orchestre puis est élargi avec une succession de variations lyriques, florissantes, triomphantes et ornementées.
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Stand By Me, perhaps Ben E. Kingâ??s greatest hit ever, was first released in 1961 as the b-side of a single, but as it soon went to number one on the RandB charts and to number one of the pop charts, the single was released again with Stand By Me as the a-side. In 1986 it was rereleased again, on the release of the movie by the same name, and it is also well-known through countless cover versions by famous singers. Now, Stand By Me is available for a flexible five part instrumentation.Stand by Me, is waarschijnlijk wel de grootste hit van Ben E. King. In 1961 werd het nummer als B-kant van een single uitgebracht. Maar binnen de kortste keren stond Stand by Me op nummer 1 in de RandBhitlijsten en verwierf het eenvierde plaats in de pop charts. Niet in de laatste plaats door de gelijknamige film uit 1986 en de talrijke coverversies is dit nummer nog steeds bij jong en oud bekend én geliefd. Zet hem op uw programma en succes is gegarandeer!Stand By Me, Ben E. Kings vielleicht gröÃ?ter Hit, erschien erstmals im Jahr 1961 auf Schallplatte. Zunächst nur als B-Seite einer Single verkauft, wendete sich das Blatt schnell, als Stand By Me binnen kurzem auf Platz 1 der RandB-Charts und Platz 4 der Popcharts schoss. Nicht zuletzt durch den gleichnamigen Film von 1986 und unzählige Coverversionen ist das Lied heute bei Jung und Alt bekannt und beliebt. Dieser Titel ist in der Reihe Flexible Band 5 Seriesâ?? erschienen und somit fu?nfstimmig variabel besetzbar.Stand By Meest probablement lâ??un des plus grands succès composé et interprété en 1961 par Ben E. Kings. En 1986, le succès planétaire du film basé sur un roman de Stephen King propulse la chanson pour la seconde fois en tête des hit-parades internationaux. Roland Kernen nous propose un magnifique arrangement pour instrumentation variable 5 voix de ce standard indémodable. Stand By Me, del 1961, è probabilmente il più grande successo di Ben E. King. Il brano è basato su un gospel del 1955, riadattato a ritmi più moderni. Stand By Me ha raggiunto la top ten dei singoli più venduti negli Stati Uniti per due volte, nel 1961 e nel 1986, in occasione dellâ??uscita del film. Un evergreen ora disponibile nella serie â??Flexible Band 5 Seriesâ? per strumentazione variabile a cinque voci.
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This lovely Scottish hymn, also known as The Lord’s My Shepherd, first appeared in 1929 in the Scottish songbook Northern Psalter, where it was incorrectly credited to David Grant, an Aberdeen businessman and amateur musician. It was, in fact, composed by Jessie Irvine the daughter of the parish minister at Crimond. This arrangement will be a musical jewel in your concert repertoire. Crimond ist ein geistliches Lied aus Schottland aus dem Jahr 1836. Fälschlicherweise zunächst einem Geschäftsmann und Amateurmusiker zugeschrieben, stellte sich später heraus, dass die Musik tatsächlich von Jessie Irvine, der Tochter eines Küsters, komponiert worden war. Die schöne Melodie der sonst unbekannten Komponistin gelangte 1929 schließlich in ein schottisches Gesangbuch. Herman Oldenstijl hat nun dieses musikalische Kleinod auf eindrucksvolle Weise bearbeitet.
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Rafael Hérnandez (1892-1965) gilt als einer der größten, wenn nicht gar der größte Komponist Puerto Ricos. Aus einer armen Familie stammend, lernte er zunächst den Beruf eines Zigarrendrehers, studierte dann aber Musik und lernte zahlreiche Instrumente zu spielen. Nach seinem Einsatz im ersten Weltkrieg lebte und arbeitete er in den USA, in Mexiko und Puerto Rico als Musiker, Komponist, Orchesterleiter und Schauspieler. El Cumbanchero ist einer der größten, international bekannten Hits von Hérnandez. In dem berauschenden, anspruchsvollen Arrangement von Naohiro Iwai wird er zu einem echten Erlebnis!
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The Soldier’s Wife is a short and simple piece commissioned by the Singapore Ministry of Education. It was originally intended as a compulsory piece for the 2012 Singapore Youth Festival. Because many school bands in Singapore are incomplete, the composer was specifically asked to create a work that could equally be played by a limited ensemble—which explains various doubled and optional parts. The warm tones of a melodic passage open this short work: the wife of the wooden soldier sings a kind of lullaby. This lyrical section is followed by a more powerful part which is, however, based on the same melodic material. The rhythm, syncopated at times, infuses thissection with a particular energy. The harmony, too, has some surprising turns—and we must never lose sight of the restrictions imposed by the limited level of difficulty of the piece. Although the work begins softly and sweetly, much more ‘feminine energy’ is projected by the close. The Soldier’s Wife is een kort en eenvoudig werkje dat is geschreven in opdracht van het Singaporese ministerie van Onderwijs. Het was aanvankelijk bedoeld als verplicht werk voor het Singapore Youth Festival 2012. Omdat veelschoolorkesten in Singapore een onvolledige bezetting hebben, kreeg de componist het nadrukkelijke verzoek om het werk zo vorm te geven dat het ook met een beperkt ensemble uitgevoerd kan worden: dat verklaart een aantal verdubbelingenen instrumenten ad libitum.Een warme, melodische passage opent dit korte werkje: de vrouw van het - houten - soldaatje zingt als het ware een wiegeliedje. Nadat dit lyrische deel is afgerond, volgt een energieker gedeeltedat qua melodisch materiaal op dezelfde bouwstenen is gebaseerd. De hier en daar gesyncopeerde ritmiek verleent dit deel een bijzondere energie, en ook harmonisch zijn er een paar verrassende wendingen - waarbij rekening is gehoudenmet de beperkingen die verbonden zijn aan werken voor dit muzikale niveau. Begon het werkje zacht en liefelijk, aan het slot is er heel wat meer ‘girl power’ voelbaar!The Soldier’s Wife ist ein kurzes, einfaches Werk, das im Auftrag des Bildungsministeriums von Singapur geschrieben wurde. Es war zunächst als Pflichtstück für das Singapurer Jugendfestival 2012 gedacht. Da viele Schulblasorchester in Singapur unvollständig besetzt sind, bat man den Komponisten ausdrücklich, das Werk so zu gestalten, dass es auch mit einem begrenzten Ensemble gespielt werden könne: Dies erklärt einige Verdopplungen und optionale Instrumente. Eine warm klingende, melodische Passage eröffnet dieses kurze Werk: Die Frau des - hölzernen- Soldaten singt eine Art Wiegenlied. Nach diesem lyrischen Abschnitt folgt ein kraftvollerer Teil, der aber aufdemselben melodischen Material aufbaut. Der hier und da synkopierte Rhythmus verleiht diesem Teil eine besondere Energie und auch harmonisch gibt es einige überraschende Wendungen - wobei immer an die auferlegten Beschränkungen durch den Schwierigkeitsgrad gedacht werden muss. Ist das Werk zu Beginn noch leise und lieblich, ist zum Schluss doch schon wesentlich mehr weibliche Energie“ spürbar...! The Soldier’s Wife (L’épouse du soldat) est une pièce courte et simple commandée par le Ministère singapourien de l'Education. Cette œuvre a été initialement écrite comme pièce imposée pour le Festival de la Jeunesse se déroulant Singapour en 2012. Comme de nombreuses formations scolaires présentent quelques lacunes au niveau de certains pupitres, Jan van der Roost a été sollicité afin de composer une œuvre qui pourrait également être jouée par une formation incomplète - ce qui explique le doublement de certaines parties et les voix optionnelles.Cette œuvre concise débute par une chaleureuse et expressive mélodie : la femme du soldat chante une sorte deberceuse. Ce passage lyrique est suivi d’une partie plus puissante qui est, cependant, basée sur le même matériel thématique. Le rythme, parfois syncopé, insuffle cette partie de l’œuvre une énergie toute particulière. La trame harmonique, elle aussi, subit quelques surprenantes contorsions sans jamais dépasser les limites imposées par le degré de difficulté de la pièce. Cette composition commence doucement et gentiment, et se termine par un motif empreint d’un dynamisme singulièrement féminin. “Guarda, è la moglie del soldato di legnoâ€! All’inizio, canta una dolce ninnananna, che precede una sezione più potente dai ritmi sincopati e con sorprendenti cambiamenti di armonie. The Soldier’s Wife inizia in modo calmo e dolce per poi trovare un’energia tipicamente femminile verso il finale. The Soldier’s Wife è un brano breve e semplice, perfetto anche per formazioni a organico ridotto grazie alle parti raddoppiate e opzionali.
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Die Hanover Hymn stammt vom Anfang des 18. Jahrhunderts, die heutige Form und ihren Namen bekam sie allerdings erst später. Das Arrangement von Jan de Haan beginnt mit einem luftigen, verspielten Thema, an welches sich die Liedmelodie, zunächst in den Posaunen gespielt, anschließt. Dann wird das Lied vierstimmig wiederholt, bevor das hohe Blech mit einer vom gesamten Orchester begleiteten Wiederholung das Werk majestätisch beendet.
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Simply the Best was first performed by the little known Bonnie Tyler in 1988, but did not gain wide-spread popularity until Tina Turner recorded it barely one year later. The song has become one of Tina Turner’s all time greatest hits and is a favourite around the world when something needs celebrating. Ron Sebregts’ arrangement really rocks and will make sure your next concert is Simply the Best! Simply the Best wurde 1988 zunächst von Bonnie Tyler veröffentlicht - richtig bekannt wurde es jedoch in der nur ein Jahr jüngeren Version von Tina Turner, die heute noch jeder im Ohr hat. Diese Interpretation war auch die Grundlage der rockigen Bearbeitung von Ron Sebregts. Der perfekte Titel, um im unterhaltsamen Rahmen jemandem einen Tribut zu zollen oder einfach nur das Publikum in Fahrt zu bringen! Au milieu des années 70, Anna Mae Bullock (alias Tina Turner) entame une carrière solo et réussit devenir la superstar du rock féminin. La lionne la voix suave offre des prestations scéniques hallucinantes d’énergie. Tina chante, se déchaîne lors de concerts légendaires. Simply the Best compte parmi ses plus grands succès. A met degli anni ’70, Anna Mae Bullock (alias Tina Turner) inizia la carriera da solista e riesce ben presto a divenire la superstar del rock femminile. La leonessa dalla voce soave regala ai suoi fan concerti unici nel suo genere nei quali canta e si scatena. Simply the Best è senza dubbio uno dei suoi più grandi successi.
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Simply the Best was first performed by the little known Bonnie Tyler in 1988, but did not gain wide-spread popularity until Tina Turner recorded it barely one year later. The song has become one of Tina Turnerâ??s all time greatest hits and is a favourite around the world when something needs celebrating. Ron Sebregtsâ?? arrangement really rocks and will make sure your next concert is Simply the Best! Simply the Best wurde 1988 zunächst von Bonnie Tyler veröffentlicht - richtig bekannt wurde es jedoch in der nur ein Jahr jüngeren Version von Tina Turner, die heute noch jeder im Ohr hat. Diese Interpretation war auch die Grundlage der rockigen Bearbeitung von Ron Sebregts. Der perfekte Titel, um im unterhaltsamen Rahmen jemandem einen Tribut zu zollen oder einfach nur das Publikum in Fahrt zu bringen! Au milieu des années 70, Anna Mae Bullock (alias Tina Turner) entame une carrière solo et réussit devenir la superstar du rock féminin. La lionne la voix suave offre des prestations scéniques hallucinantes dâ??énergie. Tina chante, se déchaîne lors de concerts légendaires. Simply the Best compte parmi ses plus grands succès. A met degli anni â??70, Anna Mae Bullock (alias Tina Turner) inizia la carriera da solista e riesce ben presto a divenire la superstar del rock femminile. La leonessa dalla voce soave regala ai suoi fan concerti unici nel suo genere nei quali canta e si scatena. Simply the Best è senza dubbio uno dei suoi più grandi successi.
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Er is verdriet wanneer iemand sterft. We zoeken troost en halen herinneringen op. Jacob de Haan bracht deze drie dingen samen in zijn werk In Memoriam. We horen een langzaam thema in mineur, refererend aan zowel het verdrietals de troost. Daarop volgt een wat energieker middendeel in majeur, dat de mooie herinneringen aan het leven van de overledene verklankt. Tot slot keert het openingsthema nog een keer terug. Ontroerend…Wenn ein Mensch von uns geht, herrscht Trauer, Trost wird gesucht und Erinnerungen wachgerufen. Jacob de Haan brachte diese drei Dinge in seinem Werk In Memoriam zusammen. Zunächst erklingt ein langsames Thema in Moll, das sowohl für Trauer als auch für Trost steht. Darauf folgt ein etwas energetischerer Mittelteil in Dur, der schöne Erinnerungen an das Leben des Verstorbenen beschreibt. Zum Schluss kehrt das Thema der Eröff nung zurück. Quand la mort survient, le chagrin envahit l’ me, les gens ont besoin de réconfort, on évoque des souvenirs du défunt. Jacob de Haan a réuni ces trois éléments dans cet « in memoriam ». L’œuvre débute par l’exposition d’une mélodie en mineur, qui exprime la tristesse et le réconfort. Le passage central, écrit dans une tonalité majeure, tisse une trame plus dynamique ; la musique ravive les souvenirs heureux du défunt. Pour finir, le thème d’ouverture est repris.
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This colourful work is based on the adventures of Christopher Columbus and his voyages to discover Africa and other new territories around the World. The theory that the earth was round urged Columbus to try and reach Asia by sailing west. A truly exotic work that grasps the drive and excitement of the world?s greatest explorer. Jan de Haan schreef Hispaniola ter gelegenheid van het vijfhonderdste sterfjaar van Christoffel Columbus (1451-1506), die in 1492 Amerika ontdekte. Een van de eerste eilanden die hij aantrof in de Caribische zee noemde hijLa Española - in het Latijn â??Hispaniolaâ??. Het werk bestaat uit drie aaneengesloten delen. In deel een wordt de voorbereiding van de reis weerspiegeld, steeds afgewisseld door een ontspannen Spaanse sfeer. Het snelle tweede deel beschrijftmet vele ritmische verrassingen de onvoorspelbare zeereis. Als de scheepsbel heeft geklonken, begint het derde deel. Tijdens het breed uitgesponnen thema lijkt de kust uit zee te rijzen, waarna de euforie vanwege de ontdekkingvan het nieuwe land uitmondt in een muzikale climax.La Espagnola - lateinisch Hispaniola - nannte der groÃ?e Entdecker Kolumbus eine karibische Insel, die seine Flotte auf dem Weg zur neuen Weltâ?? nach zwei Monaten auf See erreichte. Die drei Sätze von Jan de Haans Komposition beschreiben zunächst die Reisevorbereitungen, dann - temporeich und voll rhythmischer Ã?berraschungen - die gefährliche Seereise und schlieÃ?lich aufkeimende Freude und Euphorie, als es endlich Land in Sichtâ?? heiÃ?t. Spannung und Abenteuer bis zum letzten Ton!Jan de Haan a composé Hispaniola pour célébrer le 500e anniversaire de la mort de Christophe Colomb (1451-1506). Né en Italie, le jeune Christophe Colomb sâ??installa Lisbonne. De l , il entreprit ses voyages découverte vers lâ??Afrique et ailleurs. Adhérent la thèse que la Terre est ronde, il décida de rejoindre lâ??Asie (Les Indes orientales) en navigant par lâ??Ouest. En 1492, il embarqua avec une petite flotte battant pavillon espagnol. Après deux mois de navigation, il découvrit les premières îles dans la mer des Cara bes. Persuadé d'avoir atteint l'Asie, Colomb baptisa ces nouvelles terres « Les Indes » et les hommes qui les peuplent « les Indiens ». Ã?tonné par laressemblance de certains paysages avec l'Espagne, il donna le nom d'Española (Petite Espagne) lâ??une des îles (aujourdâ??hui Ha ti et la République dominicaine). Ce nom fut ensuite latinisé en Hispaniola.Hispaniola est une ?uvre en trois mouvements sans interruption. Le premier mouvement illustre la préparation du voyage. La précision qui caractérise la musique alterne de manière répétitive avec la décontraction dâ??une atmosphère typiquement espagnole. Le deuxième mouvement dâ??allure vive est rempli de surprises rythmiques. Nous suivons Colomb dans son long, imprévisible et dangereux périple en mer. Terre en vue !, la cloche du bateau sâ??ébranle. Nous entrons dans le troisième mouvement. Durant la longue exposition du thème, les côtes semblent sâ??élever lentement de la mer. Puis vient lâ??euphorie de la découverte de la nouvelle terre. Finalement, la musique rayonne dans une intensité lumineuse.
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230 X 300 inches. English-German-French-Dutch.
This colourful work is based on the adventures of Christopher Columbus and his voyages to discover Africa and other new territories around the World. The theory that the earth was round urged Columbus to try and reach Asia by sailing west. A truly exotic work that grasps the drive and excitement of the world’s greatest explorer. Jan de Haan schreef Hispaniola ter gelegenheid van het vijfhonderdste sterfjaar van Christoffel Columbus (1451-1506), die in 1492 Amerika ontdekte. Een van de eerste eilanden die hij aantrof in de Caribische zee noemde hijLa Española - in het Latijn ‘Hispaniola’. Het werk bestaat uit drie aaneengesloten delen. In deel een wordt de voorbereiding van de reis weerspiegeld, steeds afgewisseld door een ontspannen Spaanse sfeer. Het snelle tweede deel beschrijftmet vele ritmische verrassingen de onvoorspelbare zeereis. Als de scheepsbel heeft geklonken, begint het derde deel. Tijdens het breed uitgesponnen thema lijkt de kust uit zee te rijzen, waarna de euforie vanwege de ontdekkingvan het nieuwe land uitmondt in een muzikale climax.La Espagnola - lateinisch Hispaniola - nannte der große Entdecker Kolumbus eine karibische Insel, die seine Flotte auf dem Weg zur neuen Welt“ nach zwei Monaten auf See erreichte. Die drei Sätze von Jan de Haans Komposition beschreiben zunächst die Reisevorbereitungen, dann - temporeich und voll rhythmischer Ãœberraschungen - die gefährliche Seereise und schließlich aufkeimende Freude und Euphorie, als es endlich Land in Sicht“ heißt. Spannung und Abenteuer bis zum letzten Ton!Jan de Haan a composé Hispaniola pour célébrer le 500e anniversaire de la mort de Christophe Colomb (1451-1506). Né en Italie, le jeune Christophe Colomb s’installa Lisbonne. De l , il entreprit ses voyages découverte vers l’Afrique et ailleurs. Adhérent la thèse que la Terre est ronde, il décida de rejoindre l’Asie (Les Indes orientales) en navigant par l’Ouest. En 1492, il embarqua avec une petite flotte battant pavillon espagnol. Après deux mois de navigation, il découvrit les premières îles dans la mer des Cara bes. Persuadé d'avoir atteint l'Asie, Colomb baptisa ces nouvelles terres « Les Indes » et les hommes qui les peuplent « les Indiens ». Étonné par laressemblance de certains paysages avec l'Espagne, il donna le nom d'Española (Petite Espagne) l’une des îles (aujourd’hui Ha ti et la République dominicaine). Ce nom fut ensuite latinisé en Hispaniola.Hispaniola est une œuvre en trois mouvements sans interruption. Le premier mouvement illustre la préparation du voyage. La précision qui caractérise la musique alterne de manière répétitive avec la décontraction d’une atmosphère typiquement espagnole. Le deuxième mouvement d’allure vive est rempli de surprises rythmiques. Nous suivons Colomb dans son long, imprévisible et dangereux périple en mer. Terre en vue !, la cloche du bateau s’ébranle. Nous entrons dans le troisième mouvement. Durant la longue exposition du thème, les côtes semblent s’élever lentement de la mer. Puis vient l’euphorie de la découverte de la nouvelle terre. Finalement, la musique rayonne dans une intensité lumineuse.
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Mozart schreef zijn bekende klarinetconcert voor de virtuoos Anton Stadler, met wie hij bevriend was. Stadler was verantwoordelijk voor veel technische verbeteringen aan zowel de klarinet als de bassethoorn, hij voegde extra kleppentoe aan beide instrumenten, waardoor het bereik van de klarinet in de laagte werd uitgebreid. Mozart schreef dit concerto voor een klarinet met een lager bereik in vergelijking tot het moderne instrument. Ondanks de beperkingenvan de klarinet van nu komt het origineel in deze bewerking prima tot zijn recht. opname op cd: The Magic of Mozart (DHR 11-011-3)Ein Konzert in drei Sätzen, das den vielfältigen Facetten des Instrumentes Rechnung trägt. Der Eröffnungssatz ähnelt im Stil fast einem Rag. Der langsamere zweite Satz erforscht zunächst das Chalumeau-Register der Klarinette in einem Thema, das später vom Orchester aufgenommen wird, während der Solist einen filigranen Diskant entwickelt. Dieser leitet direkt zum dritten Satz über, dessen Stil an Be-Bop erinnert und die jazzigere Seite der Klarinette in den Vordergrund treten lässt. Modern und vielseitig!
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