SKU: BT.DHP-1114864-140
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
In 1878, on a commission from his publisher, Anton n Dvorák wrote a series of eight Slavonic dances. Modelled on Johannes Brahmsâ?? famous Hungarian Dances, although in contrast to Brahmsâ?? work, Dvorák used no original melodies. Wil van der Beek has arranged No. 7, a brisk 2/4 dance, as well as No. 8, a passionate, exuberant furiant in 3/4. In 1878 schreef Dvoøák op verzoek van zijn uitgever een serie van acht Slavische dansen. Daarbij zouden de beroemde Hongaarse dansen van Brahms als voorbeeld moeten dienen. Dvoøák had echter zijn eigen opvattingover het kunstzinnigvormgeven van (volks)dansen. Waar Brahms meerdere bestaande melodieën van dansen uitHongarije gebruikte, beperkte Dvoøák zich tot karakteristieke ritmische patronen van dansvormen uit zijn vaderland. Oorspronkelijk zijn de Slavischedansen gecomponeerd voor klavier vierhandig. Vrij spoedig maakte Dvoøák zelf een versie voor orkest, waarmee hij wereldroem vergaarde. Het succes was zo groot (zeker ook in financieel opzicht voor de uitgever!) dat een tweedeserie van acht dansen volgde: opus 72 in het oeuvre van Dvoøák.Kenmerken:Dans nr. 4 (Tempo di menuetto, 3/4 maat)Dit is een feestelijke, vrolijke sousedská (te beschouwen als de Tsjechische variant op het menuet), een driedeligedans waarvan de hoekdelen gracieus zijn en het middendeel voor een levendig contrast zorgt.Dans nr. 7 (Allegro assai, 2/4 maat)Dvoøák lijkt hier ge nspireerd te zijn geweest door een snelle dans genaamd skocná. Het hoofdthemawerkt humoristisch doordat het in de vorm van een canon wordt gepresenteerd.Dans nr. 8 (Presto, 3/4 maat)Dit is een temperamentvolle furiant, vol vreugde en uitgelatenheid, gevolgd door een rustiger middendeel, datuitmondtin een zeer krachtig en snel slot.Im Jahre 1878 schrieb Anton n Dvorák im Auftrag seines Verlegers eine Reihe von acht slawischen Tänzen. Als Vorbild dienten die beru?hmten Ungarischen Tänze von Johannes Brahms, im Gegensatz zu diesem verwendete Dvorák jedoch keine originalen Melodien. Wil van der Beek bearbeitete fu?r dieses Arrangement die Nr. 7, einen schnellen Tanz im 2/4-Takt, sowie die Nr. 8, einen leidenschaftlichen, u?berschwänglichen Furiantâ?? im 3/4-Takt. En 1878, Anton n Dvorák composa une série de huit danses slaves. Contrairement Brahms, Dvorák sâ??est contenté dâ??emprunter aux danses de son pays natal leurs caractéristiques rythmiques. Wil van der Beek a réalisé un arrangement de deux dâ??entre elles : la danse n° 7, une vive skocná dont le thème mélodique est écrit en forme de canon et la danse n° 8, fougueuse et énergique qui est menée presto. La partie centrale est apaisée. Le _x001C_finale est vif et puissant.Nel 1878 Antonin Dvorák compone su commissione una serie di otto danze slave. Anche se le celebri Danze Ungheresi di Brahms gli servirono da modello, Dvorák non utilizzò melodie originali. Wil van der Beek ha arrangiato la Danza n.7 caratterizzata da un tempo veloce in 2/4 e la Danza n. 8, un furiant passionale in 3/4.
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UPC: 884088640040. 9x12 inches.
Dances & Sonnets is a piece by Jacob de Haan, inspired by the dance and poetry of the 19th Century Europe. Lively instrumental dances alternate with spoken sonnets that are recited by one or more readers, accompanied by quiet, solemn music to provide contrast. De Haan has compiled a list of suggested poems to be read, but other poems may be selected that better fit the occasion. Dances & Sonnets is a dramatic and truly special piece! Dances & Sonnets is een ontmoeting tussen dans- en dichtkunst uit de negentiende eeuw. Centraal in dit werk staan de dansen die toen geliefd waren in de vissersdorpen langs de Noordzeekusten en rondom de Zuiderzee. Gedichtenwisselen deze dansen af. Bedoeling is dat een of meerdere lezers de gedichten voorlezen, waarbij het orkest hen begeleidt met zachte, gedragen muziek. Naast de gedichten die de componist voorstelt, kunt u natuurlijk ook zelf gedichtenof sonnetten kiezen. Maar ook zonder sprekers komt dit werk voortreffelijk tot zijn recht.Dances & Sonnets ist ein Werk, in dem sich Tanz und Dichtkunst des 19. Jahrhunderts treffen. Im Mittelpunkt des Werkes stehen Tanze, die damals in den Fischereihafen langs der niederlandischen Nordseekuste und der ehemaligen Zuiderzee popular waren. Im Werk wechseln sie sich mit einer Reihe von Gedichten ab, welche von einem oder mehreren Vorlesern deklamiert werden konnen. Begleitet werden die Gedichte von leise und getragen gespielter Musik des Blasorchesters. Fur die Auffuhrung von Dances & Sonnets konnen die vom Komponisten vorgeschlagenen oder andere Sonette oder Gedichte in jeder beliebigen Sprache ausgesucht werden. Auch eine szenische Umsetzungkann eine Auffuhrung von Dances & Sonnets bereichern, das aber auch rein instrumental vorgetragen vorzuglich zur Geltung kommt. Cette oeuvre foisonne de references liees a la danse et a la poesie du XIXe siecle, car Jacob de Haan s'est appuye sur des danses jadis en vogue dans les ports de peche le long du littoral de la mer du Nord et de l'ancien golfe du Zuidersee. Dances & Sonnets s'ouvre avec une introduction majestueuse. Le compositeur explore ensuite l'univers de la danse avec une polka, une valse, une danse des sabots, une scottish a trois et un galop. Dances & Sonnets est une oeuvre enrichissante pouvant etre interpretee avec ou sans lecture de poeme ou danses.Questo brano s'ispira alla danza e alla poesia del XIX secolo, in particolare alle danze dei pescatori lungo il litorale del Mare del Nord e dell'antico golfo del Zuidersee. Dances and Sonnets propone un'introduzione maestosa. Il compositore esplora in seguito l'universo della danza con una polka, un valzer, uno scottisch (danza di coppia in 2/4) e un galoppo. Dances and Sonnets e un brano che puo essere eseguito con o senza la lettura del poema o la rappresentazione delle danze.
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9x12 inches.
Dances & Sonnets is a piece by Jacob de Haan, inspired by the dance and poetry of the 19th Century Europe. Lively instrumental dances alternate with spoken sonnets that are recited by one or more readers, accompanied by quiet, solemn music to provide contrast. De Haan has compiled a list of suggested poems to be read, but other poems may be selected that better fit the occasion. Dances & Sonnets is a dramatic and truly special piece! Dances & Sonnets is een ontmoeting tussen dans- en dichtkunst uit de negentiende eeuw. Centraal in dit werk staan de dansen die toen geliefd waren in de vissersdorpen langs de Noordzeekusten en rondom de Zuiderzee. Gedichtenwisselen deze dansen af. Bedoeling is dat een of meerdere lezers de gedichten voorlezen, waarbij het orkest hen begeleidt met zachte, gedragen muziek. Naast de gedichten die de componist voorstelt, kunt u natuurlijk ook zelf gedichtenof sonnetten kiezen. Maar ook zonder sprekers komt dit werk voortreffelijk tot zijn recht.Dances & Sonnets ist ein Werk, in dem sich Tanz und Dichtkunst des 19. Jahrhunderts treffen. Im Mittelpunkt des Werkes stehen Tänze, die damals in den Fischereihäfen längs der niederländischen Nordseeküste und der ehemaligen Zuiderzee populär waren. Im Werk wechseln sie sich mit einer Reihe von Gedichten ab, welche von einem oder mehreren Vorlesern deklamiert werden können. Begleitet werden die Gedichte von leise und getragen gespielter Musik des Blasorchesters. Für die Aufführung von Dances & Sonnets können die vom Komponisten vorgeschlagenen oder andere Sonette oder Gedichte in jeder beliebigen Sprache ausgesucht werden. Auch eine szenische Umsetzungkann eine Aufführung von Dances & Sonnets bereichern, das aber auch rein instrumental vorgetragen vorzüglich zur Geltung kommt. Cette oeuvre foisonne de références liées la danse et la poésie du XIXe siècle, car Jacob de Haan s’est appuyé sur des danses jadis en vogue dans les ports de pêche le long du littoral de la mer du Nord et de l’ancien golfe du Zuidersee. Dances & Sonnets s’ouvre avec une introduction majestueuse. Le compositeur explore ensuite l’univers de la danse avec une polka, une valse, une danse des sabots, une scottish trois et un galop. Dances & Sonnets est une oeuvre enrichissante pouvant être interprétée avec ou sans lecture de poème ou danses.Questo brano s’ispira alla danza e alla poesia del XIX secolo, in particolare alle danze dei pescatori lungo il litorale del Mare del Nord e dell’antico golfo del Zuidersee. Dances and Sonnets propone un’introduzione maestosa. Il compositore esplora in seguito l’universo della danza con una polka, un valzer, uno scottisch (danza di coppia in 2/4) e un galoppo. Dances and Sonnets è un brano che può essere eseguito con o senza la lettura del poema o la rappresentazione delle danze.
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Named after the leaf displayed on Canada’s flag, Maple Leaf Overture was composed specifically to open a Canadian school’s symphonic band tour of England. A short fanfare during the overture smoothly transitions to a jazzy, syncopated section. The main theme is first played by the horns and saxophones, and then by the entire ensemble. This lively theme then alternates with a slower second theme, building momentum before a brisk coda culminates in a rousing finale!Maple Leaf Overture gaat natuurlijk over het bekendste herkenningsteken van Canada: het blad van de esdoorn, in de vlag. Sparke componeerde dit openingswerk speciaal voor een Canadees schoolorkest uit Calgary, voor hun tour door Groot-Brittannië.Een korte fanfare gaat in deze ouverture naadloos over in een jazzachtig, syncopisch vivo. Eerst nemen de hoorns en saxofoons het hoofdthema voor hun rekening. Daarna speelt het hele orkest dit thema. Spanning ontstaatwanneer het snelle hoofdthema een langzaam tweede deel afwisselt. Daarna keert het snelle hoofdthema weer terug. Een snel coda beëindigt de ouverture. Maple Leaf Overture: feestelijk en sprankelend!Maple Leaf Overture trägt das kanadische Wahrzeichen, das Ahornblatt im Titel. Eine kurze Fanfare geht in dieser Ouvertüre nahtlos in eine jazzig synkopiertes Vivo über. Das Hauptthema dürfen erst die Hörner und Saxophone vorstellen, dann spielt das gesamte Blasorchester. Es entsteht Spannung durch den Wechsel zwischen dem schnellen Hauptthema, einem langsameren zweiten Thema und zurück, bevor eine schnellere Coda das Werk beendet.Maple Leaf Overture porte l’emblème du Canada (la feuille d’érable) jusque dans son titre… Ce morceau, composé par Philip Sparke, a été joué par l’Orchestre Symphonique du Lycée de Calgary dans le cadre de sa tournée en Angleterre. La pièce s’ouvre avec une fanfare maestoso, puis un passage en tempo vivo introduit peu peu des rythmes syncopés de style jazzy. Un motif plus doux nous conduira progressivement vers un apogée où le thème central réapparaît. Le morceau se termine par une brève référence la fanfare d’ouverture, suivie d’une rapide coda.Maple Leaf Overture, il cui titolo riporta all’emblema della bandiera canadese (la foglia di acero), è un brano commissionato a Philip Sparke dall’Orchestra Sinfonica di un liceo di Calgary che l’ha eseguita in occasione di una serie di concerti tenutisi in Inghilterra. Il brano apre con una fanfara maestosa che alterna fraseggi affidati alle varie sezioni della banda. Questa successione omogenea in un tempo vivo introduce progressivamente ritmi sincopati in stile jazz. Un tema principale, all’inizio eseguito dai corni e dai sassofoni, sar in seguito ripreso da tutto l’organico. Segue un motivo più dolce che si intercala progressivamente verso un’apoteosi nella qualeviene riproposto il tema principale. Il brano si conclude con un breve richiamo alla fanfara di apertura, seguita da una rapida coda.
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Festival Prelude ‘Ad Excel’ was commissioned by the AD Concert Band, from Solihull in the UK, to celebrate their 40th Anniversary in 2016. The title, Ad Excel, is a play on words: it is Latin for ‘to excel’ but also celebrates the band’s anniversary as XL is 40 in Roman numerals. The work opens with a bright fanfare with frequent changes of meter. This leads to a playful main subject, played first by woodwinds, followed by full band. A bridge passage leads to a legato second subject, played twice. The bridge passage returns to introduce the both main melodies in new keys and instrumentations before a coda, derived from the opening fanfare, brings the work to a close.Festival Prelude ‘Ad Excel’ werd geschreven in opdracht van de AD Concert Band uit het Britse Solihull, ter gelegenheid van het veertigjarig bestaan van dit orkest in 2016. De titel, Ad Excel, heeft een dubbele betekenis, die is gebaseerd op de Engelse van het Latijn afgeleide term ‘to excel’ (excelleren, uitblinken) én op het veertigjarig jubileum van de band, aangezien XL in Romeinse cijfers het getal 40 aanduidt. Het werk opent met een opgewekte fanfare waarin frequent van maatsoort wordt gewisseld. Dan volgt een speels hoofdthema, eerst in het hout en dan het volledige orkest. Een bridgegedeelte leidt naar een legato tweede thema, dat twee keer klinkt.Daarop keert de bridge terug om beide hoofdmelodieën in nieuwe toonsoorten en instrumentaties te introduceren, waarna een coda, ontleend aan de openingsfanfare, het werk besluit. Das Stück Festival Prelude ‘Ad Excel’ wurde 2016 von der AD Concert Band aus Solihull (Vereinigtes Königreich) aus Anlass ihres 40-jährigen Jubiläums in Auftrag gegeben. Der Titel, Ad Excel, ist ein Wortspiel: Es ist das lateinische Wort für to excel“ (engl.: hervorragend sein“), bezieht sich aber auch auf das Jubiläum des Orchesters, da XL die römische Ziffer für 40 ist. Das Werk beginnt mit einer strahlenden Fanfare mit zahlreichen Taktwechseln. Sie führt zu einem verspielten Hauptthema, das zunächst von den Holzbläsern und anschließend vom gesamten Orchester gespielt wird. Eine Überleitung führt zu einem zweiten Thema im Legato. Die Überleitung kehrtschließlich wieder, um die beiden Hauptmelodien in neuen Tonarten und Instrumentierungen vorzustellen, bis das Werk in einer Coda, die von der Eröffnungsfanfare abgeleitet ist, endet. Festival Prelude ‘Ad Excel’ est une commande de l’AD Concert Band de Solihull au Royaume-Uni, pour célébrer leur 40e anniversaire en 2016. Le titre, Ad Excel, est un jeu de mots : en latin, il signifie « exceller », mais les chiffres romains XL font aussi 40, l’anniversaire célébré par l’orchestre. L’œuvre commence par une fanfare éclatante aux changements de mesure fréquents, suivie par l’introduction du thème principal, joué par les bois, puis repris par l’orchestre. Un pont mène au second thème legato avant d’introduire - nouveau les deux mélodies principales avec des tonalités et instrumentations différentes. L’œuvre se termine avec une coda dérivée de la fanfared’ouverture. Festival Prelude ‘Ad Excel’ è stato commissionato dalla AD Concert Band, di Solihull nel Regno Unito, per celebrare il loro 40esimo anniversario nel 2016. Il titolo, Ad Excel, è un gioco di parole: è il corrispondente latino di “eccellere†ma celebra allo stesso tempo l’anniversario della band dato che XL equivale a 40 in numeri romani. L’opera si apre con una luminosa fanfara con frequenti cambi di tempo. Questa sfocia in motivo giocoso principale, prima suonato dai legni, subito dopo dall’intera banda. Un passaggio che funge da ponte porta poi a un secondo tema in legato, suonato per due volte. Il passaggio ritorna poi ad introdurre le due melodieprincipali in una nuova tonalit prima della coda, che riprende la fanfara di apertura, portando il brano alla conclusione.
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Dance of the Whale was commissioned by the Spanish music foundation, Musica et Orbi, at the instigation of its president, Frank De Vuyst. It is part of a unique project which involved nine composers each writing a short movement, describing ananimal of the composers’ choice, to form a suite called Bestiarium. A consortium of bands around the world helped to fund the project and the world premiere of the suite took place in March 2013 in Medell n, Colombia. Dance of the Whaleuses the tenor instruments of the band to describe a lazy and graceful dance by a blue whale and is dedicated to endangered species around the world.Dance of the Whale werd geschreven in opdracht van de Spaanse muziekstichting Musica et Orbi, op initiatief van zijn voorzitter, Frank De Vuyst. Het is onderdeel van een uniek project; negen componisten schreven elk een kort deel waarin een dier naar keuze het onderwerp vormde. Zo vormen ze samen de suite genaamd Bestiarium. De wereldpremière van de suite vond plaats in maart 2013 in Medell n, Colombia. Dance of the Whale gebruikt de tenorinstrumenten van het orkest om de gracieuze dans te beschrijven van een blauwe vinvis. Het werk is gewijd aan bedreigde diersoorten over de hele wereld.Das Stück Dance of the Whale (Tanz des Wales“) ist Teil eines einzigartigen Projekts, in das neun Komponisten eingebunden waren. Jeder Komponist sollte ein Tier seiner Wahl musikalisch in einem kurzen Satz darstellen. Das Ergebnis war eine Suite namens Bestiarium. Dance of the Whale setzt Tenorinstrumente ein, um den trägen und zugleich anmutigen Tanz eines Blauwals zu beschreiben. Das Werk ist den bedrohten Tierarten auf der ganzen Welt gewidmet.Dance of the Whale (Danse de la Baleine), un ballet pour les espèces menacées est une commande de la fondation musicale espagnole Musica et Orbi l’instigation de son président, Frank De Vuyst. Cette œuvre fait partie d’un projet unique en son genre dans le cadre duquel neuf compositeurs ont chacun écrit un court mouvement décrivant un animal de leur choix pour former une suite intitulée Bestiarium. Un consortium d’orchestres du monde entier a contribué au financement du projet et la suite a été créée en mars 2013 Medell n, en Colombie.Dance of the Whale (La danza della balena) è parte di un unico progetto che coinvolge nove compositori, ognuno dei quali scrive un breve movimento descrivendo un animale a sua scelta, per formare una suite che prende il nome di Bestiarium. Un gruppo di bande da tutto il mondo ha aiutato a sostenere il progetto e la prima esecuzione assoluta della suite ha avuto luogo nel marzo del 2013 a Medell n in Colombia. Dance of the Whale utilizza gli strumenti tenori della banda per descrivere una pigra e aggraziata danza di una balenottera azzurra ed è dedicato alle specie in via di estinzione in tutto il mondo.
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Dance of the Whale was commissioned by the Spanish music foundation, Musica et Orbi, at the instigation of its president, Frank De Vuyst. It is part of a unique project which involved nine composers each writing a short movement, describing ananimal of the composers’ choice, to form a suite called Bestiarium. A consortium of bands around the world helped to fund the project and the world premiere of the suite took place in March 2013 in Medell n, Colombia. Dance of the Whaleuses the tenor instruments of the band to describe a lazy and graceful dance by a blue whale and is dedicated to endangered species around the world. Dance of the Whale werd geschreven in opdracht van de Spaanse muziekstichting Musica et Orbi, op initiatief van zijn voorzitter, Frank De Vuyst. Het is onderdeel van een uniek project; negen componisten schreven elk een kort deel waarin een dier naar keuze het onderwerp vormde. Zo vormen ze samen de suite genaamd Bestiarium. De wereldpremière van de suite vond plaats in maart 2013 in Medell n, Colombia. Dance of the Whale gebruikt de tenorinstrumenten van het orkest om de gracieuze dans te beschrijven van een blauwe vinvis. Het werk is gewijd aan bedreigde diersoorten over de hele wereld.Das Stück Dance of the Whale (Tanz des Wales“) ist Teil eines einzigartigen Projekts, in das neun Komponisten eingebunden waren. Jeder Komponist sollte ein Tier seiner Wahl musikalisch in einem kurzen Satz darstellen. Das Ergebnis war eine Suite namens Bestiarium. Dance of the Whale setzt Tenorinstrumente ein, um den trägen und zugleich anmutigen Tanz eines Blauwals zu beschreiben. Das Werk ist den bedrohten Tierarten auf der ganzen Welt gewidmet.Dance of the Whale (Danse de la Baleine), un ballet pour les espèces menacées est une commande de la fondation musicale espagnole Musica et Orbi l’instigation de son président, Frank De Vuyst. Cette œuvre fait partie d’un projet unique en son genre dans le cadre duquel neuf compositeurs ont chacun écrit un court mouvement décrivant un animal de leur choix pour former une suite intitulée Bestiarium. Un consortium d’orchestres du monde entier a contribué au financement du projet et la suite a été créée en mars 2013 Medell n, en Colombie.Dance of the Whale (La danza della balena) è parte di un unico progetto che coinvolge nove compositori, ognuno dei quali scrive un breve movimento descrivendo un animale a sua scelta, per formare una suite che prende il nome di Bestiarium. Un gruppo di bande da tutto il mondo ha aiutato a sostenere il progetto e la prima esecuzione assoluta della suite ha avuto luogo nel marzo del 2013 a Medell n in Colombia. Dance of the Whale utilizza gli strumenti tenori della banda per descrivere una pigra e aggraziata danza di una balenottera azzurra ed è dedicato alle specie in via di estinzione in tutto il mondo.
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The special landscape in the Valley of Flowers national park in the Himalayas is distinguished by its brilliant colours and the variety of its _x001D_flora and fauna. Marc Cunningham was deeply in_x001D_fluenced by the temple dances of this region. The theme behind these dances, which were originally religious performances and for which the dancers dress in colourful garb, is the tension between good and evil. In Himalayan Dances - Valley of Flowers, various aspects of this ancient dance form are brought into the spotlight.Marc Cunningham haalde voor deze compositie voor jeugdorkest zijn inspiratie uit het natuurreservaat “Valley of Flowers” in het Himalaya gebied. De kleurenpracht van de fauna en _x001E_flora en de indrukwekkende lokale, oorspronkelijk religieus getinte dansen waren aanleiding tot het componeren van dit inspirerende en contrastrijke werk. Diese besondere Landschaft im Nationalpark Valley of Flowers im Himalaya zeichnet sich durch ihre Farbenpracht und Vielfalt in Flora und Fauna aus. Marc Cunningham war von den Tempeltänzen dieser Region tief beeindruckt. Thema dieser ursprünglich religiösen Tänze, bei denen sich die Tänzer bunt verkleiden, ist das Spannungsverhältnis zwischen Gut und Böse. In Himalayan Dances - Valley of Flowers werden verschiedene Aspekte dieser alten Tanzkunst ins Rampenlicht gerückt.Les danses himalayennes ont profondément impressionné le compositeur Marc Cunningham. Les danseurs sont parés de costumes chatoyants et portent des masques colorés. Le fil conducteur de cet art populaire est la distinction entre le bien et le mal. Les minuscules mouvements des yeux, les gestes précis de la main et les expressions faciales jouent un rôle d’interprétation important. Dans l’oeuvre Himalayan Dances, divers aspects de cette danse folklorique sont mis en évidence. Haute en couleurs_x001E_!Le danze della regione dell’Himalaya che hanno profondamente impressionato il compositore Marc Cunningham, traggono ispirazione dalla religione indù, ma non sono più praticate. Esiste però una versione più attuale nella quale le danzatrici, che spesso indossano costumi sgargianti e maschere colorate, si esibiscono in balli spettacolari. Il _x001E_filo conduttore di quest’arte popolare è la distinzione tra il bene e il male. I minuscoli movimenti degli occhi, le gesta precise della mano e le espressioni del viso rivestono un ruolo importante nell’interpretazione. Himalayan Dances evidenzia diversi aspetti folcloristici di questa affascinante cultura.
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A lot is known about the American composer Leroy Anderson. This son of Swedish immigrants played the piano, organ, accordion, trombone, tuba and double bass. He spoke several languages fluently and graduated from Harvard with first-class honours.While on military service, the army also commissioned him to write a manual on Icelandic grammar.He already started writing musical arrangements as a student, and from his 30th year arranged and composed for the Boston Pops Orchestra. Such melodiesas Serenata, The Typewriter, Sleigh Ride and Bugler�s Holiday made him world famous. His best-known work, Blue Tango, reached number one in the US charts in 1952, and it sold more than a million copies. In 1975, a year after hisdeath, he was given a star at the Walk of Fame in Hollywood.Most of his works last no longer than three minutes, about the maximum length of a single at that time. One work that lasts longer is his 1953 Piano Concerto in C for piano and orchestra.The first performance was in Chicago, conducted by the composer and with Eugene List at the piano. However, after three performances he was no longer happy with the work and withdrew it. He always intended to revise it, but never got round to it. Itwas only in 1989 that the Anderson family decided to republish the work.This three-part composition is on the one hand characterised by a careless elegance, but on the other one can hear the influence of Rachmaninoff, Copland, Gershwin, and evenBeethoven and Mozart, as well as the Viennese classics.Anderson used the sonata form for the first movement. It ends with a cadenza that carries us on into the second part (in e minor). The third part is a typically cheerful American folk dance in2/4 time, a so-called Hoe Down, with a lilting, lyrical passage as its middle section. At the end comes a solo passage followed by a rapid close.In this piano concerto, Anderson combines a rigidly classical form of composition with simple andappealing themes and elements from light music. So this work is a perfect synthesis of light music and what is called serious music, in the same way as Gershwin�s Rhapsody in Blue. A work that can be played equally well in a concerthall, at an open-air concert or even a pop concert.Over de Amerikaanse componist Leroy Anderson is veel bekend. Deze zoon van Zweedse immigranten speelde piano, orgel, accordeon, trombone, tuba en contrabas. Hij sprak vloeiend verschillende talen en studeerde met grote onderscheidingaf aan Harvard en schreef tijdens zijn legerdienst in opdracht van het leger een handboek grammatica Ijslands.Al in zijn studententijd begon hij met het maken van arrangementen, en vanaf zijn 30ste arrangeerde en componeerde hijvoor het Boston Pops Orchestra. Melodieën zoals Serenata, The Typewriter, Sleigh Ride en Bugler's Holiday maakte hem wereldberoemd. Zijn bekendste werk Blue Tango stond in 1952 op nummer één in de VS Charts, ener werden meer dan een miljoen exemplaren van verkocht. Een jaar na zijn dood in 1975 kreeg hij een ster op de Walk of Fame in Hollywood.Zijn meeste werken duren niet langer dan drie minuten, ongeveer de maximumduur van een singletoen. Een werk dat wel langer duurt, is het pianoconcerto in C voor piano en orkest uit 1953. Het werd in Chicago gecreëerd onder zijn leiding met Eugene List aan de piano. Na drie uitvoeringen echter, was hij niet meer tevredenover zijn werk en trok dit terug. Hij had zijn leven lang de intentie het te herwerken doch kwam er niet meer toe. Pas in 1989 besliste de Anderson Familie zijn pianoconcerto toch opnieuw uit te geven.Dit driedelige werk wordtenerzijds getypeerd door een zorgeloze elegantie, maar anderzijds zijn invloeden van Rachmaninoff, Copland, Gerschwin en zelfs Beethoven en Mozart alsook de Weense klassiekers te horen.Voor de eerste beweging, past Anderson de sonatevormtoe. Op het einde volgt een cadenza die ons in het tweede deel (in mi klein) voert. Het derde deel is een typische Amerikaanse, vrolijke volksdans in 2/4, een zogenaamde Hoe Down met als middengedeelte een zangerige, lyrischeÜber den amerikanischen Komponisten Leroy Anderson lässt sich vieles berichten: Der Sohn schwedischer Immigranten spielte Klavier, Orgel, Akkordeon, Posaune, Tuba und Kontrabass, sprach neun Sprachen fließend, absolvierte mit einemMagna-cum-laude-Abschluss die Harvard Universität und verfasste während seiner Militärzeit im Zweiten Weltkrieg für die amerikanische Armee eine Grammatik des Isländischen. Schon während seiner Studentenzeit begann er zu arrangieren, ab Mitte der30er Jahre des letzten Jahrhunderts arrangierte und komponierte er für das Boston Pops Orchestra. Aus seiner Feder stammen so bekannte Werke der leichten Muse wie Serenata, The Typewriter, Sleigh Ride oder Bugler�s Holiday. Sein wohlbekanntestes Stück, Blue Tango, wurde als erste Instrumentalkomposition über eine Million Mal verkauft und belegte im Jahr 1952 Platz 1 der US-Charts. Für seine Verdienste um die Schallplattenindustrie erhielt er ein Jahr nach seinem Tod einenStern auf dem Walk of Fame in Hollywood.Charakteristisch für seine Werke ist die Dauer: die meisten sind rund drei Minuten lang � mehr passte nicht auf den damals gebräuchlichen Tonträger, eine Singleschallplatte. Nur wenige seinerKompositionen sprengen diesen Zeitrahmen. Dazu gehört sein Konzert C-Dur für Klavier und Orchester. Er komponierte es 1953, die Uraufführung fand unter seiner Leitung und mit Eugene List am Klavier im selben Jahr in Chicago statt. Da Anderson mit demWerk aber nicht zufrieden war, zog er es im Sommer 1954, nach nur drei Aufführungen, wieder ein. Er hatte zeitlebens die Absicht, es zu überarbeiten, allein, es kam nicht mehr dazu. Erst 1989 entschied sich die Anderson-Familie dazu, dasKlavierkonzert wieder zu veröffentlichen.Das dreisätzige Werk zeigt die Unbeschwertheit und Eleganz, die Andersons sämtliche Kompositionen auszeichnen. Dennoch findet man darin auch Anklänge an Komponisten wie Rachmaninoff, Copland, Gershwin, undeben Beethoven und Mozart, sowie die Wiener Klassiker. Der erste Satz folgt der Sonatenhauptsatzform. An seinem Ende steht eine Klavierkadenz, die direkt in den langsamen zweiten Satz (in e-Moll) überleitet. Der dritte Satz schließlich ist einwaschechter Hoe Down, ein fröhlicher amerikanischer Volkstanz im 2/4-Takt, in dessen Zentrum aber eine lyrisch-gesangliche Passage steht. Eine weitere Solo-Kadenz führt das Werk in einen spritzigen Schlussabschnitt.In seinem Klavierkonzertvereinigt Anderson einen klassisch-traditionellen Form- und Kompositionsstil mit Elementen der Unterhaltungsmusik und eingängigen Melodien, die schon immer sein Markenzeichen waren. Daher bildet dieses Werk eine perfekte Synthese von ernster undleichter Musik. Es passt � wie beispielsweise auch George Gershwins Rhapsody in Blue � gleichermaßen in einen vornehmen Konzertsaal, wie auch zur zwanglos-lockeren Atmosphäre einer sommerlichen Open-Air-Veranstaltung oder einesPops-Konzertes.Nous savons beaucoup de choses sur le compositeur américain Leroy Anderson. Ce fils dimmigrants suédois jouait du piano, de lorgue, de laccordéon, du trombone, du tuba et de la contrebasse. Il parlait couramment plusieurs langues et était diplômé avec grande distinction de Harvard. Pendant son service militaire, il écrivit un manuel de grammaire islandaise commandé par larmée.Étudiant, il avait déj commencé faire des arrangements et dès l ge de 30 ans, il arrangeait et composait pour le Boston Pops Orchestra. Des mélodies telles que Serenata, The Typewriter, Sleigh Ride et Buglers Holiday lui valurent une renommée mondiale. Son uvre phare, Blue Tango, fut numéro un descharts américains en 1952 et se vendit plus dun million dexemplaires. Un an après sa mort en 1975, il eut droit son étoile sur le Walk of Fame Hollywood.La plupart de ses uvres nexcèdent pas trois minutes, soit peu près la durée maximale dun single lépoque. Son concerto en ut pour piano et orchestre de 1953 est quant lui plus long. Il fut créé Chicago sous sa direction avec Eugene List au piano. Après trois exécutions, Anderson nétait toutefois plus satisfait de son travail et le retira. Toute sa vie, il eut lintention de le remanier mais ne le fit pas. Ce nest quen 1989 que la famille Anderson décida de tout de m?me rééditer son concerto pour piano.Cette uvre en trois parties se caractérise par son élégance nonchalante mais aussi par linfluence de Rachmaninoff, Copland, Gershwin et m?me de Beethoven et Mozart, ainsi que des classiques viennois.Pour le premier mouvement, Anderson opte pour une sonate. la fin, une cadence nous conduit la deuxième partie (en mi mineur). La troisième partie est une danse populaire joyeuse et typiquement américaine en 2/4, une Hoe Down avec un passage lyrique et mélodieux en son milieu. la fin, un solo est suivi par une clôture rapide.Dans son concerto pour piano, Anderson unit une composition pure et classique des thèmes beaux et simples, sans oublier des éléments de la musique légère. Cette uvre.
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In Dublin Dances Jan Van der Roost has combined three well-known traditional Irish melodies to form an attractive medley. The medley contains Brian Boru’s March, a melody made popular by worldfamous flautist James Galway, followed bythe atmospheric tune The Minstrel Man and, as a cheerful finale, The Irish Washerwoman. Add a little magic from the Emerald Isle to your concert with this rousing medley. In deze ‘Ierse rapsodie’ put de componist uit de rijke schat aan Ierse volksmuziek en rijgt hij drie bekende melodieën aaneen tot een fraai geheel. De eerste melodie, Brian Boru’s March, krijgt een verfrissende opknapbeurt,trommels en fluiten spelen daarbij een belangrijke rol. Dan volgt de melodie van The Minstrel Man, sfeervol gebracht door diverse instrumenten en met een sobere maar treffende harmonisatie omkaderd. Als ‘uitsmijter’ is erhet opgewekte The Irish Washerwoman - deze vrolijke finale besluit dit muzikale bezoek aan het oneindig groene eiland.In Dublin Dances verknüpfte Jan Van der Roost drei bekannte Melodien zu einem ansprechenden Ganzen: Brian Borus’s March, bekannt vor allem durch den Flötisten James Galway, ist geprägt von Flöten und Trommeln; dann folgt The Minstrel Man, ein stimmungsvolles Lied, das in mehreren Instrumentierungen erscheint und schließlich - als Clou - The Irish Washerwoman im typisch irischen 6/8-Takt als fröhliches Finale dieses musikalischen Besuchs auf der ewig grünen Insel.Pour créer cette rhapsodie irlandaise, Jan Van der Roost a puisé dans la richesse de la musique traditionnelle irlandaise. Dublin Dances (“Danses de Dublinâ€) rassemble trois célèbres mélodies qui forment le canevas de l’œuvre.La première mélodie, Brian Boru’s March, a fait le tour du monde dans les années 1980, gr ce l’interprétation du brillant fl tiste James Galway. Dublin Dances en offre une version nouvelle, pleine de fraîcheur. Ancrée dans la tradition de la musique irlandaise, la place accordée aux fl tes et la percussion apparaît comme une évidence.La seconde mélodie, The Minstrel Man, s’appuie sur une superbe courbe qui chemineavec fluidité entre divers instruments. L’harmonisation qui la sous-tend est d’une étonnante, mais somptueuse sobriété.Point culminant de la structure, le pétillant rythme de danse de l’air The Irish Washerwoman écrit en 6/8, un chiffrage de mesure souvent utilisé dans la musique irlandaise. Ce brillant et virevoltant finale clôt ce voyage musical dans l’éternelle île verte où musique et sociabilité sont unies par un lien indéfectible.
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In Dublin Dances Jan Van der Roost has combined three well-known traditional Irish melodies to form an attractive medley. The medley contains Brian Boru’s March, a melody made popular by worldfamous flautist James Galway, followed bythe atmospheric tune The Minstrel Man/I> and, as a cheerful finale, The Irish Washerwoman. Add a little magic from the Emerald Isle to your concert with this rousing medley.In deze ‘Ierse rapsodie’ put de componist uit de rijke schat aan Ierse volksmuziek en rijgt hij drie bekende melodieën aaneen tot een fraai geheel. De eerste melodie, Brian Boru’s March, krijgt een verfrissende opknapbeurt,trommels en fluiten spelen daarbij een belangrijke rol. Dan volgt de melodie van The Minstrel Man, sfeervol gebracht door diverse instrumenten en met een sobere maar treffende harmonisatie omkaderd. Als ‘uitsmijter’ is erhet opgewekte The Irish Washerwoman - deze vrolijke finale besluit dit muzikale bezoek aan het oneindig groene eiland.In Dublin Dances verknüpfte Jan Van der Roost drei bekannte Melodien zu einem ansprechenden Ganzen: Brian Borus’s March, bekannt vor allem durch den Flötisten James Galway, ist geprägt von Flöten und Trommeln; dann folgt The Minstrel Man, ein stimmungsvolles Lied, das in mehreren Instrumentierungen erscheint und schließlich - als Clou - The Irish Washerwoman im typisch irischen 6/8-Takt als fröhliches Finale dieses musikalischen Besuchs auf der ewig grünen Insel.our créer cette rhapsodie irlandaise, Jan Van der Roost a puisé dans la richesse de la musique traditionnelle irlandaise. Dublin Dances (“Danses de Dublinâ€) rassemble trois célèbres mélodies qui forment le canevas de l’œuvre.La première mélodie, Brian Boru’s March, a fait le tour du monde dans les années 1980, gr ce l’interprétation du brillant fl tiste James Galway. Dublin Dances en offre une version nouvelle, pleine de fraîcheur. Ancrée dans la tradition de la musique irlandaise, la place accordée aux fl tes et la percussion apparaît comme une évidence.La seconde mélodie, The Minstrel Man, s’appuie sur une superbe courbe qui chemineavec fluidité entre divers instruments. L’harmonisation qui la sous-tend est d’une étonnante, mais somptueuse sobriété.Point culminant de la structure, le pétillant rythme de danse de l’air The Irish Washerwoman écrit en 6/8, un chiffrage de mesure souvent utilisé dans la musique irlandaise. Ce brillant et virevoltant finale clôt ce voyage musical dans l’éternelle île verte où musique et sociabilité sont unies par un lien indéfectible.
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After the success of Dance Starters, a follow-up in the Flexible 4 Series was a must. Again, Peter Kleine Schaars composed four dances, in which he, by means of refreshing chords, uncomplicated rhythms and simple melody lines, takes youthful musicians to The Dance Club. There, they learn the cha-cha-cha, the rumba, disco dancing and an actual Oriental belly dance. Great fun for everyone. Na het succes van Dance Starters kon een vervolg hierop niet uitblijven. Opnieuw componeerde Peter Kleine Schaars een viertal dansen, waarin hij met frisse akkoorden, ongecompliceerde ritmes en eenvoudige melodielijnen de jeugdigemuzikanten meeneemt naar The Dance Club. Daar leren ze de chachacha, de rumba, discodansen en een heuse oosterse buikdans. De thema’s en begeleidingen zijn weer gelijkwaardig verdeeld over de vier stemmen, zodat aluw muzikanten een echte uitdaging vinden in het studeren en spelen van The Dance Club.In vier Tänzen führt Peter Kleine Schaars - mittels erfrischender Akkorde, unkomplizierter Rhythmen und einfacher Melodielinien - junge Musiker in den Dance Club. Dort lernen sie Cha-Cha-Cha, Rumba, Discotanzen und einen echten orientalischen Bauchtanz. Da die Themen und Begleitungen gleichmäßig auf alle vier Stimmen verteilt sind, teilen sich auch alle Spaß und Herausforderung! Après le succès de Dance Starters, la réalisation d’une nouvelle œuvre dans la collection Flexible 4 Series s’imposait comme une évidence. Voici The Dance Club (“Le club de danseâ€), une suite de quatre danses ( quatre voix) aux accords rafraîchissants, aux rythmes sans fioritures et aux mélodies simples. Vos jeunes musiciens interpréteront un cha-cha-cha, une rumba, un air disco et une danse du ventre orientale. Dansons !
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Zodiac Dances was commissioned by the Izumiotsu City Band, Osaka, Japan to celebrate their 50th anniversary. Sparke had previously written the piece, Prelude to a Celebration for the band, and in composing a new piece for their 50th anniversary wanted to personalise it to reflect the band’s history. He chose to write a set of six dance-miniatures based on the decades following the band’s foundation and the equivalent signs from the Japanese ‘Junishi’. During the piece, all aspects of true musicianship come to the surface. Energetic playing, phrasing, melodic music making, technique and a spectacular finale make this work a perfect test or concertwork! Zodiac Dances werd geschreven in opdracht van de Izumiotsu City Band uit Osaka, Japan, ter gelegenheid van het vijftigjarig bestaan van dit orkest. Eerder al heeft Sparke voor dit orkest Prelude to a Celebration gecomponeerd. Met dit nieuwe werk voor het vijftigjarig bestaan wilde hij de geschiedenis van het orkest weerspiegelen. Hij koos voor een set van zes dansminiaturen, gebaseerd op de decennia na de oprichting, in combinatie met de bijbehorende sterrenbeelden uit de Japanse Junishi. In dit werk komen alle aspecten van het ware muzikantschap naar voren. Levendig spel, frasering, melodisch spel, techniek en natuurlijk een spetterende finale maken diteen perfect wedstrijd- of concertstuk! Zodiac Dances wurde von der Izumiotsu City Band aus Osaka (Japan) anlässlich ihres 50-jährigen Bestehens in Auftrag gegeben. Philip Sparke schuf eine Suite aus Miniaturtänzen, von denen jeder jeweils ein Jahrzehnt und das entsprechendejapanische Tierkreiszeichen symbolisiert. Das Werk ist energiegeladen und melodisch bis zum spektakulären Finale und damit ein perfektes Wettbewerbs- oder Konzertstück! Zodiac Dances est une commande de l’Izumiotsu City Band d’Osaka, Japon, pour leur 50e anniversaire. Sparke avait déj composé l’œuvre Prelude to a Celebration pour cette formation auparavant, et il désirait personnaliser ce nouveau morceau pour refléter l’histoire de l’ensemble. Il a décidé d’écrire six danses miniatures basées sur les six décennies suivant la création de l’orchestre en les mettant en lien avec les signes équivalant ces années dans le « Junichi » japonais. Cette composition fera appel toutes vos connaissances musicales. Une interprétation énergique et mélodique, les phrasés, le côté technique et le final spectaculaire en font une œuvreidéale pour vos concours ou concerts ! Zodiac Dances è una commissione della Izumiotsu City Band di Osaka, in Giappone, per la celebrazione del suo cinquantesimo anniversario. Nel comporre un nuovo brano per la ricorrenza dell’anniversario ha voluto creare un’opera che si ispirasse alla storia di questa formazione. Ha scelto di scrivere un set di sei danze in miniatura ispirate ai decenni che hanno seguito la fondazione della banda e ai segni equivalenti del “Junishi†giapponese. L’energia dell’esecuzione, il fraseggio, la melodia, gli aspetti tecnici e un finale spettacolare rendono questo brano perfetto per un esame o un concerto!
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Dance of Uzume is a concertino that is based on a Japanese myth: out of anger toward her brother Susanowa, the storm god, the sun goddess Amaterasu hides in a cave. The goddess of joy, Uzume, succeeds in luring the sun goddess out of the cave by dancing wildly. The joy and laughter of the other gods as they watch Uzume arouses Amaterasu's curiosity and with her appearance, the light on earth returns. This fantastic new original work will make a much needed addition to the advanced repertoire for saxophone and concert band. A version for saxophone and piano is also available.Piet Swerts componeerde Dance of Uzume op verzoek van de Japanse topsaxofonist Nobuya Sugawa. Het werk is gebaseerd op een Japanse mythe: uit woede op haar broer Susanowa, de god van de storm, verschuilt de zonnegodin Amaterasuzich in een grot. De vreugdegodin Uzume weet de godin van de zon echter met een wilde dans uit de grot te lokken. Het gelach van de andere goden wekt namelijk de nieuwsgierigheid van Amaterasu en met haar verschijning komt hetlicht terug op aarde. Dit verhaal wordt in de muziek meesterlijk weerspiegeld.Dieses Concertino fur Altsaxophon und Blasorchester basiert auf einer japanischen Sage: Aus Arger uber ihren Bruder Susanowa, den Gott des Sturms, versteckt sich die Sonnengottin Amaterasu in einer Hohle und kann erst durch den Tanz von Uzume, der Gottin der Freude, wieder hervorgelockt werden. Mit ihr kehrt auch das Licht wieder auf die Erde zuruck. Piet Swerts' anspruchsvolles und abwechslungsreiches Werk besteht aus einem konzertanten Dialog zwischen dem Solisten und dem Orchester. Lebhafte und lyrische Themen, ein sehr melodischer Mittelteil, Blues und Marsch ahnliche Motive sowie ostliche Anklange sind eine lohnende Herausforderung fur Saxophonisten und bieten vielAbwechslung fur das gesamte Blasorchester. Dance of Uzume (La danse d'Uzume) est un dialogue virtuose et lyrique entre le soliste et l'accompagnement. La trame se developpe sur un tempo unique et rapide. Ce concertino raconte un episode de la mythologie japonaise. Ulceree par les mefaits de son frere Susanowo, dieu du vent et des tempetes, Amaterasu, deesse du Soleil, se confine dans une caverne, privant le monde de sa lumiere. Ne supportant plus l'obscurite, les autres dieux se reunissent devant l'entree de la caverne pour trouver un moyen de la faire sortir. Uzume, la deesse de la gaiete, se met alors a danser frenetiquement. Intriguee, Amaterasu parait enfin et le monde retrouve la lumiere du soleil.Dance of Uzume e un dialogo virtuoso e lirico tra il solista e l'accompagnamento. La trama si sviluppa su un tempo unico e rapido. Questo concertino narra un episodio della mitologia giapponese. Devastata dai misfatti di suo fratello Susanowo, Dio del vento e delle tempeste, Amaterasu, Dea del Sole, si rifugia in una caverna, privando il mondo della luce. Non sopportando piu l'oscurita, gli altri Dei si riuniscono davanti all'entrata della caverna per trovare un mezzo per farla uscire. Uzume, la Dea della gioia, inizia una danza frenetica. Intrigata, Amaterasu appare all'entrata e il mondo ritrova la luce del sole.
SKU: BT.DHP-1053826-010
Dance of Uzume is a concertino that is based on a Japanese myth: out of anger toward her brother Susanowa, the storm god, the sun goddess Amaterasu hides in a cave. The goddess of joy, Uzume, succeeds in luring the sun goddess out of the cave by dancing wildly. The joy and laughter of the other gods as they watch Uzume arouses Amaterasu’s curiosity and with her appearance, the light on earth returns. This fantastic new original work will make a much needed addition to the advanced repertoire for saxophone and concert band. A version for saxophone and piano is also available.Piet Swerts componeerde Dance of Uzume op verzoek van de Japanse topsaxofonist Nobuya Sugawa. Het werk is gebaseerd op een Japanse mythe: uit woede op haar broer Susanowa, de god van de storm, verschuilt de zonnegodin Amaterasuzich in een grot. De vreugdegodin Uzume weet de godin van de zon echter met een wilde dans uit de grot te lokken. Het gelach van de andere goden wekt namelijk de nieuwsgierigheid van Amaterasu en met haar verschijning komt hetlicht terug op aarde. Dit verhaal wordt in de muziek meesterlijk weerspiegeld.Dieses Concertino für Altsaxophon und Blasorchester basiert auf einer japanischen Sage: Aus Ärger über ihren Bruder Susanowa, den Gott des Sturms, versteckt sich die Sonnengöttin Amaterasu in einer Höhle und kann erst durch den Tanz von Uzume, der Göttin der Freude, wieder hervorgelockt werden. Mit ihr kehrt auch das Licht wieder auf die Erde zurück. Piet Swerts’ anspruchsvolles und abwechslungsreiches Werk besteht aus einem konzertanten Dialog zwischen dem Solisten und dem Orchester. Lebhafte und lyrische Themen, ein sehr melodischer Mittelteil, Blues und Marsch ähnliche Motive sowie östliche Anklänge sind eine lohnende Herausforderung für Saxophonisten und bieten vielAbwechslung für das gesamte Blasorchester. Dance of Uzume (“La danse d’Uzumeâ€) est un dialogue virtuose et lyrique entre le soliste et l’accompagnement. La trame se développe sur un tempo unique et rapide. Ce concertino raconte un épisode de la mythologie japonaise. Ulcérée par les méfaits de son frère Susanowo, dieu du vent et des tempêtes, Amaterasu, déesse du Soleil, se confine dans une caverne, privant le monde de sa lumière. Ne supportant plus l’obscurité, les autres dieux se réunissent devant l’entrée de la caverne pour trouver un moyen de la faire sortir. Uzume, la déesse de la gaieté, se met alors danser frénétiquement. Intriguée, Amaterasu paraît enfin et le monde retrouve la lumière du soleil.Dance of Uzume è un dialogo virtuoso e lirico tra il solista e l’accompagnamento. La trama si sviluppa su un tempo unico e rapido. Questo concertino narra un episodio della mitologia giapponese. Devastata dai misfatti di suo fratello Susanowo, Dio del vento e delle tempeste, Amaterasu, Dea del Sole, si rifugia in una caverna, privando il mondo della luce. Non sopportando più l’oscurit , gli altri Dei si riuniscono davanti all’entrata della caverna per trovare un mezzo per farla uscire. Uzume, la Dea della gioia, inizia una danza frenetica. Intrigata, Amaterasu appare all’entrata e il mondo ritrova la luce del sole.
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The Spanish war galleon with 64 cannons, built in Cuba between 1770 and 1771 for an English shipowner in the service of the King of Spain left Peru for Cadiz in 1784 with a huge cargo of copper, gold, silver and other valuables on board. There were also more than 400 people on board, including passengers, crew and Inca prisoners after a revolt. The Atlantic crossing went smoothly, passing Portugal to take advantage of favourable winds. The shipwreck off Peniche was the result of human error, apparently due to French maps with dramatic errors in the position of the islands of Berlengas and neighbouring islets. On 2 February 1786, the sea was calm and the night clear, but they hit the rock formation Papoa and the hull immediately broke in two. The bottom sank quickly, while the deck remained afloat for some time. 128 people lost their lives, including many Indians who were trapped in the basement. This shipwreck is considered one of the most important in maritime history.What the composer wants to convey, and what can be felt as one listens, is first of all the sound of power, of hope, of the glory of conquest, of the splendour of wealth. This is followed by the perception of the maritime environment, the harmony with the softness of the ocean, the gliding of the hull in the foam of the sea on sunny, blue days. But along with this tranquillity, you soon hear a rhythmic chain that makes you feel a representation of the hustle and bustle, of the busy crew, of the hard work of a sailor, of the desperation of an exotic people imprisoned in a dark, damp cellar. A distinct rhythm that reminds us of the salero of Andalusia, with its Arab influences and its people, the soothing of the resignation of others who are forced to submit. Then we clearly hear a crescendo that makes us imagine the agony of the collision that precedes the shipwreck. The breaking of the hull, the water flooding everything, the despair, the clash of bodies on the rocks, the tragedy to come. Before the grand finale, in which the return of musical softness reminds us that the story is over. The supremacy of nature over human greed. The waves, though gentle, sweep the wreckage, the lives and the treasures of the New World to the bottom of the sea.Het Spaans oorlogsgaljoen met 64 kanonnen, gebouwd in Cuba tussen 1770 en 1771 voor een Engelse reder in dienst van de koning van Spanje vertrok in 1784 vanuit Peru naar Cádiz met een enorme lading koper, goud, zilver en andere kostbaarheden aan boord. Er waren ook meer dan 400 mensen aan boord, waaronder passagiers, bemanning en Inca gevangenen na een opstand. De oversteek van de Atlantische Oceaan verliep vlot, waarbij Portugal werd gepasseerd om te profiteren van gunstige winden. De schipbreuk bij Peniche was het resultaat van een menselijke fout, blijkbaar te wijten aan Franse kaarten met dramatische fouten in de positie van de eilanden Berlengas en naburige eilandjes. Op 2 februari 1786 was de zee kalm en de nacht helder, maar ze raakten de rotsformatie Papoa en de romp brak onmiddellijk in tweeën. De bodem zonk snel, terwijl het dek nog enige tijd bleef drijven. 128 mensen verloren het leven, waaronder veel indianen die vastzaten in de kelder. Dit scheepswrak wordt beschouwd als een van de belangrijkste in de maritieme geschiedenis.Wat de componist wil overbrengen, en wat men kan voelen als men luistert, is allereerst het geluid van macht, van hoop, van de glorie van verovering, van de pracht van rijkdom. Dit wordt gevolgd door de perceptie van de maritieme omgeving, de harmonie met de zachtheid van de oceaan, het glijden van de romp in het schuim van de zee op zonnige, blauwe dagen. Maar samen met deze rust hoor je al snel een ritmische ketting die je een voorstelling geeft van de drukte, van de drukke bemanning, van het harde werk van een zeeman, van de wanhoop van een exotisch volk dat gevangen zit in een donkere, vochtige kelder. Een duidelijk ritme dat ons doet denken aan de salero van Andalusië, met zijn Arabische invloeden en zijn mensen, het sussen van de berusting van anderen die gedwongen worden zich te onderwerpen. Dan horen we duidelijk een crescendo dat ons de lijdensweg doet voorstellen van de aanvaring die voorafgaat aan de schipbreuk. Het breken van de romp, het water dat alles overspoelt, de wanhoop, het botsen van lichamen op de rotsen, de tragedie die komen gaat. Vóór de grote finale, waarin de terugkeer van de muzikale zachtheid ons eraan herinnert dat het verhaal voorbij is. De overmacht van de natuur over de hebzucht van de mens. De golven, hoewel zacht, vegen het wrak, de levens en de schatten van de Nieuwe Wereld naar de bodem van de zee.Le galion de guerre espagnol de 64 canons, construit à Cuba entre 1770 et 1771 pour un armateur anglais au service du roi d'Espagne, a quitté le Pérou pour Cadix en 1784 avec à son bord une énorme cargaison de cuivre, d'or, d'argent et d'autres objets de valeur. Il y avait également plus de 400 personnes à bord, dont des passagers, des membres d'équipage et des prisonniers incas à la suite d'une révolte. La traversée de l'Atlantique s'est déroulée sans encombre, en passant par le Portugal pour profiter des vents favorables. Le naufrage au large de Peniche est le résultat d'une erreur humaine, apparemment due à des cartes françaises comportant des erreurs dramatiques dans la position des îles de Berlengas et des îlots voisins. Le 2 février 1786, alors que la mer est calme et la nuit claire, le navire heurte la formation rocheuse de Papoa et la coque se brise immédiatement en deux. Le fond coule rapidement, tandis que le pont reste à flot pendant un certain temps. 128 personnes ont perdu la vie, dont de nombreux Indiens qui étaient coincés dans les sous-sols. Ce naufrage est considéré comme l'un des plus importants de l'histoire maritime.Ce que le compositeur veut transmettre, et ce que l'on ressent à l'écoute, c'est d'abord le son de la puissance, de l'espoir, de la gloire de la conquête, de la splendeur de la richesse. C'est ensuite la perception de l'environnement maritime, l'harmonie avec la douceur de l'océan, le glissement de la coque dans l'écume de la mer par des journées bleues et ensoleillées. Mais à côté de cette tranquillité, on entend bientôt une chaîne rythmique qui nous fait ressentir une représentation de l'agitation, de l'équipage affairé, du dur labeur d'un marin, du désespoir d'un peuple exotique emprisonné dans une cave sombre et humide. Un rythme distinct qui nous rappelle le salero d'Andalousie, avec ses influences arabes et son peuple, l'apaisement de la résignation des autres qui sont obligés de se soumettre. Puis on entend clairement un crescendo qui nous fait imaginer l'agonie de la collision qui précède le naufrage. La rupture de la coque, l'eau qui envahit tout, le désespoir, le choc des corps sur les rochers, la tragédie à venir. Avant le grand final, où le retour de la douceur musicale nous rappelle que l'histoire est terminée. La suprématie de la nature sur la cupidité humaine. Les vagues, bien que douces, emportent les épaves, les vies et les trésors du Nouveau Monde au fond de la mer.Die spanische Kriegsgaleone mit 64 Kanonen, die zwischen 1770 und 1771 auf Kuba für einen englischen Reeder im Dienste des spanischen Königs gebaut wurde, verließ Peru 1784 in Richtung Cádiz mit einer riesigen Ladung Kupfer, Gold, Silber und anderen Wertgegenständen an Bord. An Bord befanden sich auch mehr als 400 Menschen, darunter Passagiere, Besatzungsmitglieder und Inka-Gefangene nach einem Aufstand. Die Atlantiküberquerung verlief reibungslos, wobei Portugal passiert wurde, um die günstigen Winde zu nutzen. Der Schiffbruch vor Peniche war das Ergebnis menschlichen Versagens, das offenbar auf französische Karten zurückzuführen war, die in Bezug auf die Position der Inseln Berlengas und der benachbarten Eilande dramatische Fehler enthielten. Am 2. Februar 1786 stießen sie bei ruhiger See und klarer Nacht auf die Felsformation Papoa und der Rumpf brach sofort entzwei. Der Boden sank schnell, während das Deck noch einige Zeit über Wasser blieb. 128 Menschen kamen ums Leben, darunter viele Indianer, die im Keller eingeschlossen waren. Dieses Schiffswrack gilt als eines der bedeutendsten Was der Komponist vermitteln will und was man beim Zuhören spürt, ist zunächst der Klang der Macht, der Hoffnung, des Ruhms der Eroberung, des Glanzes des Reichtums. Es folgt die Wahrnehmung der maritimen Umgebung, die Harmonie mit der Sanftheit des Meeres, das Gleiten des Schiffsrumpfes im Schaum des Meeres an sonnigen, blauen Tagen. Doch neben dieser Ruhe hört man bald eine rhythmische Kette, die die Hektik, die geschäftige Mannschaft, die harte Arbeit eines Seemanns, die Verzweiflung eines exotischen Volkes, das in einem dunklen, feuchten Keller gefangen ist, wiedergibt. Ein ausgeprägter Rhythmus, der an den Salero Andalusiens erinnert, mit seinen arabischen Einflüssen und seinen Menschen, der die Resignation der anderen besänftigt, die gezwungen sind, sich zu fügen. Dann hören wir deutlich ein Crescendo, das uns die Qualen des Zusammenstoßes, der dem Schiffbruch vorausgeht, erahnen lässt. Das Zerbrechen des Rumpfes, das Wasser, das alles überflutet, die Verzweiflung, das Aufeinanderprallen der Körper auf den Felsen, die bevorstehende Tragödie. Vor dem großen Finale, in dem die Rückkehr der musikalischen Sanftheit uns daran erinnert, dass die Geschichte zu Ende ist. Die Vorherrschaft der Natur über die menschliche Gier. Die Wellen, so sanft sie auch sein mögen, spülen die Trümmer, das Leben und die Schätze der Neuen Welt auf den Grund des Meeres.
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