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ISBN 9781491153390. UPC: 680160910892. Transcribed by Franz Liszt.
Introduction It is true that Schubert himself is somewhat to blame for the very unsatisfactory manner in which his admirable piano pieces are treated. He was too immoderately productive, wrote incessantly, mixing insignificant with important things, grand things with mediocre work, paid no heed to criticism, and always soared on his wings. Like a bird in the air, he lived in music and sang in angelic fashion. --Franz Liszt, letter to Dr. S. Lebert (1868) Of those compositions that greatly interest me, there are only Chopin's and yours. --Franz Liszt, letter to Robert Schumann (1838) She [Clara Schumann] was astounded at hearing me. Her compositions are really very remarkable, especially for a woman. There is a hundred times more creativity and real feeling in them than in all the past and present fantasias by Thalberg. --Franz Liszt, letter to Marie d'Agoult (1838) Chretien Urhan (1790-1845) was a Belgian-born violinist, organist and composer who flourished in the musical life of Paris in the early nineteenth century. According to various accounts, he was deeply religious, harshly ascetic and wildly eccentric, though revered by many important and influential members of the Parisian musical community. Regrettably, history has forgotten Urhan's many musical achievements, the most important of which was arguably his pioneering work in promoting the music of Franz Schubert. He devoted much of his energies to championing Schubert's music, which at the time was unknown outside of Vienna. Undoubtedly, Urhan was responsible for stimulating this enthusiasm in Franz Liszt; Liszt regularly heard Urhan's organ playing in the St.-Vincent-de-Paul church in Paris, and the two became personal acquaintances. At eighteen years of age, Liszt was on the verge of establishing himself as the foremost pianist in Europe, and this awakening to Schubert's music would prove to be a profound experience. Liszt's first travels outside of his native provincial Hungary were to Vienna in 1821-1823, where his father enrolled him in studies with Carl Czerny (piano) and Antonio Salieri (music theory). Both men had important involvements with Schubert; Czerny (like Urhan) as performer and advocate of Schubert's music and Salieri as his theory and composition teacher from 1813-1817. Curiously, Liszt and Schubert never met personally, despite their geographical proximity in Vienna during these years. Inevitably, legends later arose that the two had been personal acquaintances, although Liszt would dismiss these as fallacious: I never knew Schubert personally, he was once quoted as saying. Liszt's initial exposure to Schubert's music was the Lieder, what Urhan prized most of all. He accompanied the tenor Benedict Randhartinger in numerous performances of Schubert's Lieder and then, perhaps realizing that he could benefit the composer more on his own terms, transcribed a number of the Lieder for piano solo. Many of these transcriptions he would perform himself on concert tour during the so-called Glanzzeit, or time of splendor from 1839-1847. This publicity did much to promote reception of Schubert's music throughout Europe. Once Liszt retired from the concert stage and settled in Weimar as a conductor in the 1840s, he continued to perform Schubert's orchestral music, his Symphony No. 9 being a particular favorite, and is credited with giving the world premiere performance of Schubert's opera Alfonso und Estrella in 1854. At this time, he contemplated writing a biography of the composer, which regrettably remained uncompleted. Liszt's devotion to Schubert would never waver. Liszt's relationship with Robert and Clara Schumann was far different and far more complicated; by contrast, they were all personal acquaintances. What began as a relationship of mutual respect and admiration soon deteriorated into one of jealousy and hostility, particularly on the Schumann's part. Liszt's initial contact with Robert's music happened long before they had met personally, when Liszt published an analysis of Schumann's piano music for the Gazette musicale in 1837, a gesture that earned Robert's deep appreciation. In the following year Clara met Liszt during a concert tour in Vienna and presented him with more of Schumann's piano music. Clara and her father Friedrich Wieck, who accompanied Clara on her concert tours, were quite taken by Liszt: We have heard Liszt. He can be compared to no other player...he arouses fright and astonishment. His appearance at the piano is indescribable. He is an original...he is absorbed by the piano. Liszt, too, was impressed with Clara--at first the energy, intelligence and accuracy of her piano playing and later her compositions--to the extent that he dedicated to her the 1838 version of his Etudes d'execution transcendante d'apres Paganini. Liszt had a closer personal relationship with Clara than with Robert until the two men finally met in 1840. Schumann was astounded by Liszt's piano playing. He wrote to Clara that Liszt had played like a god and had inspired indescribable furor of applause. His review of Liszt even included a heroic personification with Napoleon. In Leipzig, Schumann was deeply impressed with Liszt's interpretations of his Noveletten, Op. 21 and Fantasy in C Major, Op. 17 (dedicated to Liszt), enthusiastically observing that, I feel as if I had known you twenty years. Yet a variety of events followed that diminished Liszt's glory in the eyes of the Schumanns. They became critical of the cult-like atmosphere that arose around his recitals, or Lisztomania as it came to be called; conceivably, this could be attributed to professional jealousy. Clara, in particular, came to loathe Liszt, noting in a letter to Joseph Joachim, I despise Liszt from the depths of my soul. She recorded a stunning diary entry a day after Liszt's death, in which she noted, He was an eminent keyboard virtuoso, but a dangerous example for the young...As a composer he was terrible. By contrast, Liszt did not share in these negative sentiments; no evidence suggests that he had any ill-regard for the Schumanns. In Weimar, he did much to promote Schumann's music, conducting performances of his Scenes from Faust and Manfred, during a time in which few orchestras expressed interest, and premiered his opera Genoveva. He later arranged a benefit concert for Clara following Robert's death, featuring Clara as soloist in Robert's Piano Concerto, an event that must have been exhilarating to witness. Regardless, her opinion of him would never change, despite his repeated gestures of courtesy and respect. Liszt's relationship with Schubert was a spiritual one, with music being the one and only link between the two men. That with the Schumanns was personal, with music influenced by a hero worship that would aggravate the relationship over time. Nonetheless, Liszt would remain devoted to and enthusiastic for the music and achievements of these composers. He would be a vital force in disseminating their music to a wider audience, as he would be with many other composers throughout his career. His primary means for accomplishing this was the piano transcription. Liszt and the Transcription Transcription versus Paraphrase Transcription and paraphrase were popular terms in nineteenth-century music, although certainly not unique to this period. Musicians understood that there were clear distinctions between these two terms, but as is often the case these distinctions could be blurred. Transcription, literally writing over, entails reworking or adapting a piece of music for a performance medium different from that of its original; arrangement is a possible synonym. Adapting is a key part of this process, for the success of a transcription relies on the transcriber's ability to adapt the piece to the different medium. As a result, the pre-existing material is generally kept intact, recognizable and intelligible; it is strict, literal, objective. Contextual meaning is maintained in the process, as are elements of style and form. Paraphrase, by contrast, implies restating something in a different manner, as in a rewording of a document for reasons of clarity. In nineteenth-century music, paraphrasing indicated elaborating a piece for purposes of expressive virtuosity, often as a vehicle for showmanship. Variation is an important element, for the source material may be varied as much as the paraphraser's imagination will allow; its purpose is metamorphosis. Transcription is adapting and arranging; paraphrasing is transforming and reworking. Transcription preserves the style of the original; paraphrase absorbs the original into a different style. Transcription highlights the original composer; paraphrase highlights the paraphraser. Approximately half of Liszt's compositional output falls under the category of transcription and paraphrase; it is noteworthy that he never used the term arrangement. Much of his early compositional activities were transcriptions and paraphrases of works of other composers, such as the symphonies of Beethoven and Berlioz, vocal music by Schubert, and operas by Donizetti and Bellini. It is conceivable that he focused so intently on work of this nature early in his career as a means to perfect his compositional technique, although transcription and paraphrase continued well after the technique had been mastered; this might explain why he drastically revised and rewrote many of his original compositions from the 1830s (such as the Transcendental Etudes and Paganini Etudes) in the 1850s. Charles Rosen, a sympathetic interpreter of Liszt's piano works, observes, The new revisions of the Transcendental Etudes are not revisions but concert paraphrases of the old, and their art lies in the technique of transformation. The Paganini etudes are piano transcriptions of violin etudes, and the Transcendental Etudes are piano transcriptions of piano etudes. The principles are the same. He concludes by noting, Paraphrase has shaded off into composition...Composition and paraphrase were not identical for him, but they were so closely interwoven that separation is impossible. The significance of transcription and paraphrase for Liszt the composer cannot be overstated, and the mutual influence of each needs to be better understood. Undoubtedly, Liszt the composer as we know him today would be far different had he not devoted so much of his career to transcribing and paraphrasing the music of others. He was perhaps one of the first composers to contend that transcription and paraphrase could be genuine art forms on equal par with original pieces; he even claimed to be the first to use these two terms to describe these classes of arrangements. Despite the success that Liszt achieved with this type of work, others viewed it with circumspection and criticism. Robert Schumann, although deeply impressed with Liszt's keyboard virtuosity, was harsh in his criticisms of the transcriptions. Schumann interpreted them as indicators that Liszt's virtuosity had hindered his compositional development and suggested that Liszt transcribed the music of others to compensate for his own compositional deficiencies. Nonetheless, Liszt's piano transcriptions, what he sometimes called partitions de piano (or piano scores), were instrumental in promoting composers whose music was unknown at the time or inaccessible in areas outside of major European capitals, areas that Liszt willingly toured during his Glanzzeit. To this end, the transcriptions had to be literal arrangements for the piano; a Beethoven symphony could not be introduced to an unknowing audience if its music had been subjected to imaginative elaborations and variations. The same would be true of the 1833 transcription of Berlioz's Symphonie fantastique (composed only three years earlier), the astonishingly novel content of which would necessitate a literal and intelligible rendering. Opera, usually more popular and accessible for the general public, was a different matter, and in this realm Liszt could paraphrase the original and manipulate it as his imagination would allow without jeopardizing its reception; hence, the paraphrases on the operas of Bellini, Donizetti, Mozart, Meyerbeer and Verdi. Reminiscence was another term coined by Liszt for the opera paraphrases, as if the composer were reminiscing at the keyboard following a memorable evening at the opera. Illustration (reserved on two occasions for Meyerbeer) and fantasy were additional terms. The operas of Wagner were exceptions. His music was less suited to paraphrase due to its general lack of familiarity at the time. Transcription of Wagner's music was thus obligatory, as it was of Beethoven's and Berlioz's music; perhaps the composer himself insisted on this approach. Liszt's Lieder Transcriptions Liszt's initial encounters with Schubert's music, as mentioned previously, were with the Lieder. His first transcription of a Schubert Lied was Die Rose in 1833, followed by Lob der Tranen in 1837. Thirty-nine additional transcriptions appeared at a rapid pace over the following three years, and in 1846, the Schubert Lieder transcriptions would conclude, by which point he had completed fifty-eight, the most of any composer. Critical response to these transcriptions was highly favorable--aside from the view held by Schumann--particularly when Liszt himself played these pieces in concert. Some were published immediately by Anton Diabelli, famous for the theme that inspired Beethoven's variations. Others were published by the Viennese publisher Tobias Haslinger (one of Beethoven's and Schubert's publishers in the 1820s), who sold his reserves so quickly that he would repeatedly plead for more. However, Liszt's enthusiasm for work of this nature soon became exhausted, as he noted in a letter of 1839 to the publisher Breitkopf und Hartel: That good Haslinger overwhelms me with Schubert. I have just sent him twenty-four new songs (Schwanengesang and Winterreise), and for the moment I am rather tired of this work. Haslinger was justified in his demands, for the Schubert transcriptions were received with great enthusiasm. One Gottfried Wilhelm Fink, then editor of the Allgemeine musikalische Zeitung, observed of these transcriptions: Nothing in recent memory has caused such sensation and enjoyment in both pianists and audiences as these arrangements...The demand for them has in no way been satisfied; and it will not be until these arrangements are seen on pianos everywhere. They have indeed made quite a splash. Eduard Hanslick, never a sympathetic critic of Liszt's music, acknowledged thirty years after the fact that, Liszt's transcriptions of Schubert Lieder were epoch-making. There was hardly a concert in which Liszt did not have to play one or two of them--even when they were not listed on the program. These transcriptions quickly became some of his most sough-after pieces, despite their extreme technical demands. Leading pianists of the day, such as Clara Wieck and Sigismond Thalberg, incorporated them into their concert programs immediately upon publication. Moreover, the transcriptions would serve as inspirations for other composers, such as Stephen Heller, Cesar Franck and later Leopold Godowsky, all of whom produced their own transcriptions of Schubert's Lieder. Liszt would transcribe the Lieder of other composers as well, including those by Mendelssohn, Chopin, Anton Rubinstein and even himself. Robert Schumann, of course, would not be ignored. The first transcription of a Schumann Lied was the celebrated Widmung from Myrten in 1848, the only Schumann transcription that Liszt completed during the composer's lifetime. (Regrettably, there is no evidence of Schumann's regard of this transcription, or even if he was aware of it.) From the years 1848-1881, Liszt transcribed twelve of Robert Schumann's Lieder (including one orchestral Lied) and three of Clara (one from each of her three published Lieder cycles); he would transcribe no other works of these two composers. The Schumann Lieder transcriptions, contrary to those of Schubert, are literal arrangements, posing, in general, far fewer demands on the pianist's technique. They are comparatively less imaginative in their treatment of the original material. Additionally, they seem to have been less valued in their day than the Schubert transcriptions, and it is noteworthy that none of the Schumann transcriptions bear dedications, as most of the Schubert transcriptions do. The greatest challenge posed by Lieder transcriptions, regardless of the composer or the nature of the transcription, was to combine the vocal and piano parts of the original such that the character of each would be preserved, a challenge unique to this form of transcription. Each part had to be intact and aurally recognizable, the vocal line in particular. Complications could be manifold in a Lied that featured dissimilar parts, such as Schubert's Auf dem Wasser zu singen, whose piano accompaniment depicts the rocking of the boat on the shimmering waves while the vocal line reflects on the passing of time. Similar complications would be encountered in Gretchen am Spinnrade, in which the ubiquitous sixteenth-note pattern in the piano's right hand epitomizes the ever-turning spinning wheel over which the soprano voice expresses feelings of longing and heartache. The resulting transcriptions for solo piano would place exceptional demands on the pianist. The complications would be far less imposing in instances in which voice and piano were less differentiated, as in many of Schumann's Lieder that Liszt transcribed. The piano parts in these Lieder are true accompaniments for the voice, providing harmonic foundation and rhythmic support by doubling the vocal line throughout. The transcriptions, thus, are strict and literal, with far fewer demands on both pianist and transcriber. In all of Liszt's Lieder transcriptions, regardless of the way in which the two parts are combined, the melody (i.e. the vocal line) is invariably the focal point; the melody should sing on the piano, as if it were the voice. The piano part, although integral to contributing to the character of the music, is designed to function as accompaniment. A singing melody was a crucial objective in nineteenth-century piano performance, which in part might explain the zeal in transcribing and paraphrasing vocal music for the piano. Friedrich Wieck, father and teacher of Clara Schumann, stressed this point repeatedly in his 1853 treatise Clavier und Gesang (Piano and Song): When I speak in general of singing, I refer to that species of singing which is a form of beauty, and which is a foundation for the most refined and most perfect interpretation of music; and, above all things, I consider the culture of beautiful tones the basis for the finest possible touch on the piano. In many respects, the piano and singing should explain and supplement each other. They should mutually assist in expressing the sublime and the noble, in forms of unclouded beauty. Much of Liszt's piano music should be interpreted with this concept in mind, the Lieder transcriptions and opera paraphrases, in particular. To this end, Liszt provided numerous written instructions to the performer to emphasize the vocal line in performance, with Italian directives such as un poco marcato il canto, accentuato assai il canto and ben pronunziato il canto. Repeated indications of cantando,singend and espressivo il canto stress the significance of the singing tone. As an additional means of achieving this and providing the performer with access to the poetry, Liszt insisted, at what must have been a publishing novelty at the time, on printing the words of the Lied in the music itself. Haslinger, seemingly oblivious to Liszt's intent, initially printed the poems of the early Schubert transcriptions separately inside the front covers. Liszt argued that the transcriptions must be reprinted with the words underlying the notes, exactly as Schubert had done, a request that was honored by printing the words above the right-hand staff. Liszt also incorporated a visual scheme for distinguishing voice and accompaniment, influenced perhaps by Chopin, by notating the accompaniment in cue size. His transcription of Robert Schumann's Fruhlings Ankunft features the vocal line in normal size, the piano accompaniment in reduced size, an unmistakable guide in a busy texture as to which part should be emphasized: Example 1. Schumann-Liszt Fruhlings Ankunft, mm. 1-2. The same practice may be found in the transcription of Schumann's An die Turen will ich schleichen. In this piece, the performer must read three staves, in which the baritone line in the central staff is to be shared between the two hands based on the stem direction of the notes: Example 2. Schumann-Liszt An die Turen will ich schleichen, mm. 1-5. This notational practice is extremely beneficial in this instance, given the challenge of reading three staves and the manner in which the vocal line is performed by the two hands. Curiously, Liszt did not use this practice in other transcriptions. Approaches in Lieder Transcription Liszt adopted a variety of approaches in his Lieder transcriptions, based on the nature of the source material, the ways in which the vocal and piano parts could be combined and the ways in which the vocal part could sing. One approach, common with strophic Lieder, in which the vocal line would be identical in each verse, was to vary the register of the vocal part. The transcription of Lob der Tranen, for example, incorporates three of the four verses of the original Lied, with the register of the vocal line ascending one octave with each verse (from low to high), as if three different voices were participating. By the conclusion, the music encompasses the entire range of Liszt's keyboard to produce a stunning climactic effect, and the variety of register of the vocal line provides a welcome textural variety in the absence of the words. The three verses of the transcription of Auf dem Wasser zu singen follow the same approach, in which the vocal line ascends from the tenor, to the alto and to the soprano registers with each verse. Fruhlingsglaube adopts the opposite approach, in which the vocal line descends from soprano in verse 1 to tenor in verse 2, with the second part of verse 2 again resuming the soprano register; this is also the case in Das Wandern from Mullerlieder. Gretchen am Spinnrade posed a unique problem. Since the poem's narrator is female, and the poem represents an expression of her longing for her lover Faust, variation of the vocal line's register, strictly speaking, would have been impractical. For this reason, the vocal line remains in its original register throughout, relentlessly colliding with the sixteenth-note pattern of the accompaniment. One exception may be found in the fifth and final verse in mm. 93-112, at which point the vocal line is notated in a higher register and doubled in octaves. This sudden textural change, one that is readily audible, was a strategic means to underscore Gretchen's mounting anxiety (My bosom urges itself toward him. Ah, might I grasp and hold him! And kiss him as I would wish, at his kisses I should die!). The transcription, thus, becomes a vehicle for maximizing the emotional content of the poem, an exceptional undertaking with the general intent of a transcription. Registral variation of the vocal part also plays a crucial role in the transcription of Erlkonig. Goethe's poem depicts the death of a child who is apprehended by a supernatural Erlking, and Schubert, recognizing the dramatic nature of the poem, carefully depicted the characters (father, son and Erlking) through unique vocal writing and accompaniment patterns: the Lied is a dramatic entity. Liszt, in turn, followed Schubert's characterization in this literal transcription, yet took it an additional step by placing the register of the father's vocal line in the baritone range, that of the son in the soprano range and that of the Erlking in the highest register, options that would not have been available in the version for voice and piano. Additionally, Liszt labeled each appearance of each character in the score, a means for guiding the performer in interpreting the dramatic qualities of the Lied. As a result, the drama and energy of the poem are enhanced in this transcription; as with Gretchen am Spinnrade, the transcriber has maximized the content of the original. Elaboration may be found in certain Lieder transcriptions that expand the performance to a level of virtuosity not found in the original; in such cases, the transcription approximates the paraphrase. Schubert's Du bist die Ruh, a paradigm of musical simplicity, features an uncomplicated piano accompaniment that is virtually identical in each verse. In Liszt's transcription, the material is subjected to a highly virtuosic treatment that far exceeds the original, including a demanding passage for the left hand alone in the opening measures and unique textural writing in each verse. The piece is a transcription in virtuosity; its art, as Rosen noted, lies in the technique of transformation. Elaboration may entail an expansion of the musical form, as in the extensive introduction to Die Forelle and a virtuosic middle section (mm. 63-85), both of which are not in the original. Also unique to this transcription are two cadenzas that Liszt composed in response to the poetic content. The first, in m. 93 on the words und eh ich es gedacht (and before I could guess it), features a twisted chromatic passage that prolongs and thereby heightens the listener's suspense as to the fate of the trout (which is ultimately caught). The second, in m. 108 on the words Betrogne an (and my blood boiled as I saw the betrayed one), features a rush of diminished-seventh arpeggios in both hands, epitomizing the poet's rage at the fisherman for catching the trout. Less frequent are instances in which the length of the original Lied was shortened in the transcription, a tendency that may be found with certain strophic Lieder (e.g., Der Leiermann, Wasserflut and Das Wandern). Another transcription that demonstrates Liszt's readiness to modify the original in the interests of the poetic content is Standchen, the seventh transcription from Schubert's Schwanengesang. Adapted from Act II of Shakespeare's Cymbeline, the poem represents the repeated beckoning of a man to his lover. Liszt transformed the Lied into a miniature drama by transcribing the vocal line of the first verse in the soprano register, that of the second verse in the baritone register, in effect, creating a dialogue between the two lovers. In mm. 71-102, the dialogue becomes a canon, with one voice trailing the other like an echo (as labeled in the score) at the distance of a beat. As in other instances, the transcription resembles the paraphrase, and it is perhaps for this reason that Liszt provided an ossia version that is more in the nature of a literal transcription. The ossia version, six measures shorter than Schubert's original, is less demanding technically than the original transcription, thus representing an ossia of transcription and an ossia of piano technique. The Schumann Lieder transcriptions, in general, display a less imaginative treatment of the source material. Elaborations are less frequently encountered, and virtuosity is more restricted, as if the passage of time had somewhat tamed the composer's approach to transcriptions; alternatively, Liszt was eager to distance himself from the fierce virtuosity of his early years. In most instances, these transcriptions are literal arrangements of the source material, with the vocal line in its original form combined with the accompaniment, which often doubles the vocal line in the original Lied. Widmung, the first of the Schumann transcriptions, is one exception in the way it recalls the virtuosity of the Schubert transcriptions of the 1830s. Particularly striking is the closing section (mm. 58-73), in which material of the opening verse (right hand) is combined with the triplet quarter notes (left hand) from the second section of the Lied (mm. 32-43), as if the transcriber were attempting to reconcile the different material of these two sections. Fruhlingsnacht resembles a paraphrase by presenting each of the two verses in differing registers (alto for verse 1, mm. 3-19, and soprano for verse 2, mm. 20-31) and by concluding with a virtuosic section that considerably extends the length of the original Lied. The original tonalities of the Lieder were generally retained in the transcriptions, showing that the tonality was an important part of the transcription process. The infrequent instances of transposition were done for specific reasons. In 1861, Liszt transcribed two of Schumann's Lieder, one from Op. 36 (An den Sonnenschein), another from Op. 27 (Dem roten Roslein), and merged these two pieces in the collection 2 Lieder; they share only the common tonality of A major. His choice for combining these two Lieder remains unknown, but he clearly recognized that some tonal variety would be needed, for which reason Dem roten Roslein was transposed to C>= major. The collection features An den Sonnenschein in A major (with a transition to the new tonality), followed by Dem roten Roslein in C>= major (without a change of key signature), and concluding with a reprise of An den Sonnenschein in A major. A three-part form was thus established with tonal variety provided by keys in third relations (A-C>=-A); in effect, two of Schumann's Lieder were transcribed into an archetypal song without words. In other instances, Liszt treated tonality and tonal organization as important structural ingredients, particularly in the transcriptions of Schubert's Lieder cycles, i.e. Schwanengesang, Winterreise a...
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ISBN 9790001040723. UPC: 073999731668. 9.0x12.0x0.177 inches.
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ISBN 9789043122276. 9x12 inches. English-German-French-Dutch.
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ISBN 9783954562008. German.
Known professionally as Hauschka, composer Volker Bertelmann has catapulted himself into the top tier of instrumental composers. This is proven, not least, by the Oscar nomination which he received for his soundtrack to the2016 film Lion.
In his latest album A Different Forest, released on 8 February 2019 at Sony Classical, Hauschka takes the forest as a contrast to the urban life. The names of the pieces, such as 'Talking To My Father',testify equally that those natural experiences are metaphorical of the important things in life.
For this album Hauschka renounces entirely his prepared Piano. The existential questions which he musically poses, however,donot lose their intensity, but rather, without the alienation by electronic elements, gain urgency.
In addition to the 13 LP tracks, this songbook for Piano also contains three exclusive arrangements of previouslyunreleased songs: 'Collecting Stones', 'Loosing Directions' and 'Misty Day'.
Titels zoals Talking To My Father tonen dat deze ervaringen in de natuur metaforen zijn voor belangrijke gebeurtenissen in het leven. Dit songbook voor piano bevat, naast de 13 nummers van de LP, eneneens 3 exclusieve bewerkingen van tot nu onuitgebrachte nummers: Collecting Stones, Losing Directions and Misty Day.Volker Bertelmann alias Hauschka hat sich mittlerweile in die oberste Riege der Instrumentalkomponisten katapultiert. Dies beweist nicht zuletzt die Oscar-Nominierung, die er für seinen Soundtrack zum Film Lion“ erhielt. In seinem neusten Album A Different Forest“ am 08. Februar 2019 bei Sony Classical erschienen nimmt er sich dem Wald als Kontrastraum zum städtischen Leben an. Titelnamen wie Talking To My Father bezeugen gleichermaßen, dass jene Naturerfahrungen metaphorisch für die wichtigen Dinge des Lebens stehen. Für dieses Album verzichtet Hauschka gänzlich auf sein präpariertes Klavier. Die existentiellen Fragen, denen er sich musikalisch stellt, verlieren hierdurch aber nicht an Intensität, sondern gewinnen ohne die Verfremdung durch elektronische Elemente vielmehr an Dringlichkeit. Dieses Songbook für Klavier enthält neben den 13 Titeln der LP drei exklusive Arrangements bisher unveröffentlichter Songs: Collecting Stones, Losing Directions und Misty Day.Volker Bertelmann, également connu sous le nom de Hauschka, s'est retrouvé au premier rang des compositieurs instrumentaux : ceci a été confirmé par sa nomination aux Oscars pour la bande-originale du film Lion. Dans son dernier album « A Different Forest », sorti le 8 février 2019, la forêt fait usage de contaste avec la vie urbaine.
Des titres tels que Talking to My Father déclarent de la même façon que ces expériences au contact de la nature sont des métaphores de moments importants dans la vie. En plus des 13 pistes du vinyl 33 trous, ce recueil de chansons pour piano comprend en exclusivité trois arrangements de titres inédits : Collecting Stones, Losing Directions et Misty Day.Volker Bertelmann aka Hauschka si è portato a un livello superiore dei compositori strumentali. Questo non è subito evidente nella colonna sonora del film Lion, per cui ha ricevuto una candidatura all' Oscar, ma nel suo ultimo album A Different Forest - uscito l'8 febbraio 2019 - in cui utilizza l'immagine della foresta come contrasto con la vita urbana.
Titoli come Talking to My Father testimoniano allo stesso modo che tutte quelle esperienze della natura sono metafore di eventi importanti della vita. Questo canzoniere per pianoforte contiene, oltre ai 13 brani dell'LP, tre arrangiamenti esculisivi di canzoni inedite: Collecting Stones, Losing Directions e Misty Day.
SKU: BU.EBR-530
ISBN 9790560154565. 9.45 x 13 inches.
En décembre 2011, Chilly Gonzales déménagea son piano au studio Pigalle àParis. Tout seul pendant 10 jours, il enregistra une sélection de ses compositions parmi une centaine de mélodies composées depuis les 8 années qui le séparent du mythique album Solo Piano I.Jour après jour, le processus d’enregistrement pur et minutieux prit place. Chilly Gonzales enregistra ses pièces les unes après les autres, jusqu’àcapturer l’essence-même de chacune.Après des années passées àdistraire son public avec sa personnalité “larger than life, àdéfier tous les artistes du monde, les obligeant àse surpasser pour atteindre l’excellence qu’ils doivent àleurs fans, Chilly Gonzales nous présente son argument le plus persuasif : les 14 titres de Solo Piano II contenus dans ce recueil.La route fut riche jusqu’àSolo Piano II pour “le génie musical auto-proclamé. Porté par une nomination Grammy et un record du monde Guinness Book du concert le plus long, Chilly Gonzales reprit enfin la scène après de nombreuses années passées derrière la console d’un studio àtravailler pour les autres. Il devient LE pianiste sollicité par Drake, Feist, Daft Punk, …et même Steve Jobs pour sa campagne mondiale pour IPAD 2.A travers ses albums et tournées, Chilly fascine par sa polyvalence en tant qu’interprète et sa virtuosité en tant que pianiste. Rare est l’artiste qui fait danser son public sur les rythmes les plus branchés du moment, puis fait appel àun orchestre symphonique pour l’accompagner durant son concert de rap.Avec Solo Piano II, Chilly Gonzales se distingue une fois de plus comme un authentique “entertainer, conscient que la plus belle marque de respect pour ses fans est avant tout de “shut up and play the piano (dixit Chilly Gonzales dans “The Unspeakable Chilly Gonzales, 2011).
SKU: M7.VHR-3565
ISBN 9783864340864.
Der vorliegende Band ist eine Sammlung von über 100 Liedern durch das ganze Jahr. Alle Lieder, ob zu Tages- und Jahreszeiten, zum Geburtstag oder zu den großen Festen im Jahreslauf wie Ostern, Pfingsten und Weihnachten, sind mit Texten unterlegt. Natürlich dürfen auch Laternenlieder und Tanzlieder nicht fehlen. Für den Klaviersatz wurden Tonarten bevorzugt, die ein Mitsingen ermöglichen. Der Schwierigkeitsgrad bewegt sich zwischen leicht und mittelschwer. Die Anordnung innerhalb der Kapitel ist progressiv. So findet sowohl der Anfänger als auch der etwas fortgeschrittene Spieler das passende Stück.
SKU: HL.49015609
ISBN 9790001126533. 9.0x12.0x0.274 inches.
Der Titel des Klavierzyklus' Nacht-Urnen ist ein makabres Wortspiel mit dem franzosischen Begriff Noct-urne. Die Assoziation Urne - Grabgefass ist beabsichtigt, denn die Gattung des romantischen Nachtstucks fur Klavier wird in diesen Stucken - zumindest im ubertragenen Sinne - zu Grabe getragen. Das erste Stuck Nocturne greift auf den dreiteiligen Typ des Chopin'schen Nocturnes zuruck. Einer von zart getropften Tonen umspielten Melodie folgt ein bewegt - aufgewuhlter Mittelteil, dem sich die Reprise des ersten Teils anschliesst, diesmal allerdings wird die Melodie von leise rauschenden Skalen umspielt, ehe eine beinahe nuchterne Coda die musikalische Quintessenz brennglasartig zusammenfasst und bundelt. Dieses Stuck entstand 1998 und war Pflichtstuck beim Internationalen Schubert-Wettbewerb 2000 in Dortmund.Die drei folgenden Stucke bilden gewissermassen eine Einheit. Nummer zwei Ciacona notturna ist ein hochst virtuoses Werk fur die linke Hand allein, in dem sich grosse Klavierkomponisten, die Werke fur die linke Hand allein geschrieben haben - Alkan, Brahms, Godowsky, Ravel, Prokofieff - gleichsam ein nachtliches Stelldichein geben. Das dritte Stuck Unendliche Melodie - Melodie der Unendlichkeit (fur die rechte Hand allein - meines Wissens ausser einer Etude von Alkan das einzige existierende Werk fur die rechte Hand allein) spielt mit der Idee eines Zeitkontinuums, das schon vor Beginn des Stuckes unhorbar im Raum war und sich auch nach dem Ende des Stuckes in alle Ewigkeit weiter fortsetzen konnte. Ein einzelner Ton f in der Mitte der Klaviatur wird 55 Takte lang angeschlagen und uber ihm entfaltet sich eine weit gespannte Melodie, die die rechte Hand alleine ausspinnt. Exakt beim Hohepunkt der Melodie (es ist der Goldene Schnitt), wechselt das f zum e, das weitere 33 Takte lang angeschlagen wird, wahrend die Melodie daruber wieder zuruck zur Mitte findet. Diese 88 Takte symbolisieren die Unendlichkeit: 8 als barockes Zahlensymbol fur die Vollkommenheit der Ewigkeit und die liegende 8 als mathematisches Symbol fur die Unendlichkeit. Schliesslich ist in dem Titel des Stuckes noch eine Anspielung auf Richard Wagners Begriff der Unendlichen Melodie enthalten.Nach einem Stuck fur die linke und einem fur die rechte Hand allein, kann sich als viertes nur ein Unisonostuck anschliessen, in dem beide Hande stets die gleichen Tone, aber in unterschiedlichen Oktavabstanden und verschiedenen rhythmischen Akzenten spielen. La scala dell'inferno (Die Hollenleiter) sturzt von hochster Hohe in rasenden Skalen in die tiefsten Regionen des Klaviers hinab, unterbrochen von zwei kurzen Zitaten des Dies Irae in der Mitte.Der Schlusssatz schliesslich Marche funebre knupft in seiner dusteren Unentrinnbarkeit an die grossen Trauermarschvorbilder Beethovens (op. 26) und Chopins (op.35) an. Die sich in schwerem Funfertakt entlang rollenden dusteren Tonkaskaden werden in der Mitte von einem glasern-durchsichtigen Mittelteil unterbrochen, der in seiner gleissenden, fast schneidenden Helligkeit Assoziationen an Nahtoderlebnisse nahe legen mag. Die Nacht-Urnen op. 32 wurden 2001 im Museum Baden in Solingen von dem Pianisten Rainer Klaas uraufgefuhrt, dem der Zyklus auch gewidmet ist. - Stefan Heucke.
SKU: HL.49015082
ISBN 9790001048583. UPC: 196288141853. 9.25x12.0x0.208 inches. Ursula von Falckenstein.
SKU: BU.EBR-A048
ISBN 9790560151212. 8.58 x 12.48 inches.
La collection ANACROUSE offre aux pianistes novices et confirmés un large choix d’œuvres classiques, allant de la Renaissance àl’époque moderne.Proposer tout àla fois des « incontournables » du répertoire classique et des pièces de compositeurs parfois oubliés, toutes d’une valeur pédagogique indéniable, tels sont les objectifs que nous nous sommes fixés. Chaque pièce, vendue àl’unité, a fait l’objet d’un travail éditorial attentif, tant sur le plan de l’établissement du texte musical que de sa gravure, afin de garantir aux musiciens les conditions indispensables aux plaisirs tirés du commerce fréquent de ces œuvres.Les partitions sont proposées sous la forme d’ouvrages traditionnels (feuillets papier), et disponibles également par téléchargement.En 1836, le compositeur Félicien David édite les « Mélodies orientales ». Elles comptent au total vingt et une pièces dont dix-huit ont été rééditées en 1845 sous le titre « Brises d'Orient » et trois autres sous le titre « Les Minarets ».A leur sortie, ces mélodies n'obtiennent pas un grand succès. Deux raisons peuvent l'expliquer. D'une part, un incendie détruit une partie des stocks de partitions imprimées. D'autre part, le public, qui avait aimé les « Orientales » du poète Victor Hugo et les « Pestiférés de Jaffa » du peintre Eugène Delacroix, ne semblait pas être attiré par l'orientalisme musical.Les brises d'Orient possèdent la puissance des charmes orientaux plutôt doux. Le compositeur traduit àmerveille l'atmosphère orientale en marquant les rythmes par des basses étonnantes.Plus que des formes traditionnelles, ce qu'il faut retenir de ces pièces est le fait qu'elles racontent de belles histoires avec toujours une dynamique très réussie de passages lents et de passages vifs et rapides. L'Almée (danseuse égyptienne) en est un très bon exemple avec une introduction si lyrique que l'on s'attend àl'apparition d'une diva.Mais surprise, un développement harmonieux calme les esprits. Et jusqu'àla conclusion les reprises du thème très rythmé alternent avec ceux du développement lent.Venez découvrir un compositeur digne des grands maîtres de peinture orientale. Cette pièce mérite d'être interprétée par tout pianiste amateur de la musique classique.
SKU: BU.EBR-A049
ISBN 9790560151229. 8.58 x 12.48 inches.
La collection ANACROUSE offre aux pianistes novices et confirmés un large choix d’œuvres classiques, allant de la Renaissance àl’époque moderne.Proposer tout àla fois des « incontournables » du répertoire classique et des pièces de compositeurs parfois oubliés, toutes d’une valeur pédagogique indéniable, tels sont les objectifs que nous nous sommes fixés. Chaque pièce, vendue àl’unité, a fait l’objet d’un travail éditorial attentif, tant sur le plan de l’établissement du texte musical que de sa gravure, afin de garantir aux musiciens les conditions indispensables aux plaisirs tirés du commerce fréquent de ces œuvres.Les partitions sont proposées sous la forme d’ouvrages traditionnels (feuillets papier), et disponibles également par téléchargement.En 1836, le compositeur Félicien David édite les « Mélodies orientales ». Elles comptent au total vingt et une pièces dont dix-huit ont été rééditées en 1845 sous le titre « Brises d'Orient » et trois autres sous le titre « Les Minarets ».A leur sortie, ces mélodies n'obtiennent pas un grand succès. Deux raisons peuvent l'expliquer. D'une part, un incendie détruit une partie des stocks de partitions imprimées. D'autre part, le public, qui avait aimé les « Orientales » du poète Victor Hugo et les « Pestiférés de Jaffa » du peintre Eugène Delacroix, ne semblait pas être attiré par l'orientalisme musical.Les brises d'Orient possèdent la puissance des charmes orientaux plutôt doux. Le compositeur traduit àmerveille l'atmosphère orientale en marquant les rythmes par des basses étonnantes.Plus que des formes traditionnelles, ce qu'il faut retenir de ces pièces est le fait qu'elles racontent de belles histoires avec toujours une dynamique très réussie de passages lents et de passages vifs et rapides.L'écriture de Félicien David ne manque pas de couleurs. Cependant il n'essaie pas d'appliquer l'exotisme du Moyen-Orient. Les mélodies chantent naturellement àtravers ses pièces.« Rêverie » révèle beaucoup de surprises. Le compositeur nous entraîne dans un voyage agité où rêverie rime avec intrépidité. Chevauchée mélodique et rythmique interrompues de contre temps, de silences, qui nous amène àdécouvrir des paysages changeants et très différents dans l'instant musical.
SKU: DB.01-00679
ISBN 9790012199373.
Anklange an Tanzmusik, Blicke auf Gestalten, die im Laufe des Lebens vorbeiziehen, auf Statten und Viertel meines Wiens, Blicke durch den Schleier von Tranen des Gedenkens, der Gegenwart und der Segenswunsche. Die ersten vier Stucke dieses sehr personlichen Zyklus sind Votivgaben an meine Jugend. Der ,,Wiedner Tanz evoziert die elegante Atmosphare entlang der Garten des Belvedere und des Palais Schwarzenberg, den taglichen Weg meines Vaters in die Direktion der Universal Edition im Musikvereinsgebaude - jene gluckliche Zeit, in der ich den grossten Komponisten der Epoche nahe sein durfte. Im ,,Gersthofer ist das schmerzliche Bild meines Grossvaters gezeichnet, der diese idyllische Vorstadt nach der Arisierung seiner kleinen Schokoladefabrik verlassen musste, seine Gesundheit nach dem 2.Weltkrieg mit dem Ziehen eines Mobelkarrens durch die verwusteten Strassen Wiens ruinierte, um erst auf dem Friedhof wieder in diesen Bezirk zuruckzukehren. ,,Rossauer beschreibt das an Hingabe reiche, judisches und katholisches Erbe verbindende Leben meiner Tante. Zum Kreise unserer Familienangehorigen zahle ich auch jene von uns Kindern ihres Humors und ihrer Lebensfreude wegen ins Herz geschlossene Frau, die unserem Haushalt uber Jahrzehnte hilfreich zur Seite stand. Es folgen Gaben an drei Freunde: ein langsamer Tanz uber die Initialen der Germanistin und Kunsthistorikerin Annette Bohm, eine graziose Volte fur den rheinlandischen Wiener Michael Niessen, die Seele der Bosendorfer pianoe und eine Hommage an die Schubert-Forscherin Walburga Litschauer. Als ich 2003 nach 17 Jahren Abwesenheit wieder nach Wien zuruckkehrte, schrieb ich fur meine Frau einen kleinen Tanz, die Quelle des vorliegenden Zyklus. Aber die Evokation unserer neuen Verortung blieb Illusion; so umgibt den ,,Penzinger die leise Melancholie um ein unerreichtes Arkadien. Der meinen Kindern gewidmete ,,Gumpendorfer beschliesst die Sammlung mit einer zuversichtlichen Geste. (T.D. Schlee).
SKU: M7.ART-42142
ISBN 9783866421424. German.
'Mein erstes Notentraining für Klavier & Keyboard' wurde an das erfolgreiche Konzept von 'Meine erste Klavierschule' sowie der Fortsetzung 'Meine zweite Klavierschule' angepasst und ist eine praktische Hilfe, aber auch sinnvolle Ergänzung zu allen Klavierschulen, welche im Bassschlüssel mit dem kleinen c beginnen. Das Noten lesen ist für viele Schüler und Schülerinnen eine schwierige Sache. Dies ist verständlich, denn bei Tasteninstrumenten wird in zwei unterschiedlichen Notenschlüsseln gespielt und das Erlernen der Noten des Violin- wie auch des Bassschlüssels wird oft zu einer langwierigen Angelegenheit. Hinzu kommt die große Anzahl an Tasten bzw. Noten (bis zu 88). Wie beim Erlernen einer Sprache braucht es dafür Zeit und Übung. Daher ist es sinnvoll sich immer wieder bewusst mit den Noten zu befassen und sie mit Hilfe dieser Notenschule besser kennenzulernen. In 'Mein erstes Notentraining für Klavier & Keyboard' werden im Violinschlüssel die Noten vom (eingestrichenen) c' bis zum (zweigestrichenen) c'' gelernt und im Bassschlüssel vom kleinen c bis zum (zweigestrichenen) c''. Später wird der Notenbereich im Violinschlüssel nach oben hin bis zum (dreigestrichenen) c''' erweitert. Außerdem kommen das kleine h und das kleine a hinzu. Im Bassschlüssel sind es die Noten vom großen C bis zum kleinen c sowie das (eingestrichene) d' und (eingestrichene) e'. In diesem Übungsheft werden Noten beschriftet, gespielt und selbstständig eingetragen. Es wird immer wieder auf die Position der Noten im Notensystem hingewiesen, d. h. auf welchen Notenlinien und in welchen Zwischenräumen sich die jeweiligen Noten befinden. Es empfiehlt sich für die im Heft enthaltenen Aufgaben einen weichen Bleistift zu benutzen, damit ein Verbessern oder Wiederholen der Übungen möglich ist. Die Lösungen zu den Aufgaben befinden sich im hinteren Teil der Notenschule. 'Mein erstes Notentraining für Klavier & Keyboard' - ein praktischer Helfer für jeden Klavier- und Keyboard-Schüler!
SKU: M7.ART-42220
ISBN 9783866422209. German.
'Meine Klavierschule mit bunten Noten' - die neue Klavierschule, die einen erfolgreichen, spielerisch-leichten Einstieg in die Welt des Klavierspiels ermöglicht. Das methodische Konzept mit seinem logisch strukturierten Aufbau, den bunten Noten samt zugehörigen (wiederablösbaren) Tastenaufklebern sowie den sorgfältig aufeinander abgestimmten Lektionen, führt bereits bei kleinem Übeaufwand schnell zu hörbaren und motivierenden Erfolgserlebnissen am Klavier. 'Meine Klavierschule mit bunten Noten' beschränkt sich auf die Tonart C-Dur und zunächst auf die Töne der C-Dur-Grundposition. Im Violinschlüssel (rechte Hand) sind dies die Töne C', D', E', F', G' und im Bassschlüssel (linke Hand) die Töne C, D, E, F, G. Der Tonumfang im Violinschlüssel (rechte Hand) wird gegen Ende der Schule um die Töne A', H' und C'' erweitert, während im Bassschlüssel (linke Hand) keine weiteren Töne hinzukommen. Die Töne werden ausführlich vorgestellt und im Anschluss mit einfachen, schönen Liedern geübt und gespielt. Das beidhändige Spiel wird sehr behutsam, leicht verständlich und gründlich vermittelt. Ein spielerischer und gleichzeitig wertvoller Lernerfolg ist garantiert. Das ideale Geschenk für alle Klavieranfänger! Nutze den Aufkleberbogen zum Bekleben der Tasten deines Klaviers, Keyboards, deiner Orgel oder Melodica und Du kannst sofort loslegen! Scanne die im Buch enthaltenen QR-Codes mit dem Smartphone oder Tablet und gelange direkt zu den Hörbeispielen. Unter www.artist-ahead-download.de stehen alle Kinder- und Weihnachtslieder als Audio- und MP3-Dateien zum Download zur Verfügung.
SKU: BT.2076-16-401-M
ISBN 9789043151122. English-German-French-Dutch.
Mein Zaubergarten is a collection of short, atmospheric fantasy pieces. The 16 individual pieces are interconnected in terms of their content, but don´t necessarily need to be played straight through. These compositions, written for a moderatelevel of difficulty, describe a journey of discovery through an exciting garden in the eyes of a child. Theres something for every taste and every mood in this collection.Mein Zaubergarten (Mijn magische tuin) is een verzameling korte, sfeervolle fantasiestukken. De afzonderlijke werkjes zijn qua inhoud met elkaar verbonden, maar ze hoeven niet per se achter elkaar door gespeeld te worden. Mein Zaubergarten beschrijft een ontdekkingsreis door een tuin waar van alles te beleven valt - gezien door de ogen van een kind. In deze collectie staat voor ieder wat wils en is voor elke gelegenheid wel een stukje muziek te vinden.Mein Zaubergarten ist eine Sammlung kurzer, stimmungsvoller Fantasiestücke, die inhaltlich einen Zusammenhang bilden, jedoch nicht unbedingt am Stück gespielt zu werden brauchen. Die 16 Werke im mittleren Schwierigkeitsgrad beschreiben eine Entdeckungsreise durch einen spannenden Garten aus der Sicht eines Kindes. Für jeden Geschmack und für jedes Temperament ist hier etwas dabei.Mein Zaubergarten (Mon jardin enchanté) est une collection de courts morceaux fantastiques empreints d’ambiance, dont le contenu est lié, mais qui ne nécessitent pas d’être interprétés l´un après l´autre. Les œuvres de niveau intermédiaire ontété conçues en tant que commandes de l´Oberösterreichen Landesmusikschulwerkes.Mein Zaubergarten dépeint un voyage de découverte travers un jardin captivant du point de vue d´un enfant. En résumé, on y retrouve des éléments pour chaque go t et tempérament.
SKU: M7.ART-42102
ISBN 9783866421028.
Lerne ausdrucksvoll, authentisch und bildhaft zu spielen! Eigene Gefühle entdecken und erleben! Lerne mit deiner Interpretation deine eigene Geschichte zu erzählen! 'Dein Klavier wird Dich lieben - Band 2' für fortgeschrittene Spieler enthält 11 gefühlvolle, moderne und abwechslungsreiche Klavierkompositionen für Solo-Piano von romantisch und melancholisch bis fröhlich und heiter. So bleibt jede 'Session' immer einzigartig, spannend und fordernd. Der Vorgängerband 'Dein Klavier wird Dich lieben' hat bereits den Grundstein für den sicheren Umgang mit Intervallen gelegt. In 'Band 2' lernst Du nun Arpeggios und Akkorde zu spielen. Die einfachen Dur- und Mollharmonien schulen Dein Gehör und die ausführlichen Fingersätze erleichtern Dir das Spielen an sich. Klanglich orientiert sich die Musik an modernem Pop, Rock und Jazz, ist aber vor allem Eines: Musik aus dem Herzen, die für jeden zugänglich ist, denn diese Kompositionen sind pure Emotion. Das Stück 'A Box Full Of Memories' habe ich für Dich zuerst als Geschichte geschrieben und danach als Musikstück komponiert (die Zeit vergeht und die schönen Erinnerungen wärmen unsere Gegenwart auf). Jedes der Klavierstücke wird bestimmt auch Deine Fantasie wecken, da die Melodien sehr eingängig und einprägsam sind und gleichzeitig Raum lassen für die eigene Kreativität. Ich wünsche Dir gefühlvolle Momente und große Freude mit 'Dein Klavier wird Dich lieben - Band 2'!
SKU: M7.ART-42210
ISBN 9783866422100. German.
'Das weihnachtliche Klavierbüchlein für Anfänger' ermöglicht es, schon nach kurzer Lernzeit die bekanntesten und beliebtesten Weihnachtslieder aus dem deutsch- und englischsprachigen Raum selbst zu spielen. Die Arrangements der Lieder sind geeignet für Spielerinnen und Spieler aller Altersstufen, für Kinder ab 6 Jahren bis zu erwachsenen Anfängern und Wiedereinsteigern. Die Reihenfolge ist progressiv nach Schwierigkeitsgrad geordnet und kann so in jede Klaviermethode eingebaut werden. Am Anfang des Bandes sind die Lieder im Fünftonraum arrangiert, in weiterer Folge erweitert sich der Tonraum allmählich. Ein gro�es Notenbild, leicht lesbare Tonarten und zahlreiche Fingersätze sind hilfreich beim Erlernen der Lieder, die alle ohne Pedal gespielt werden. Da alle Lieder leicht gesetzt sind und trotzdem sehr gut klingen, sind sie bestens geeignet für ein erstes weihnachtliches Vorspiel in Schülerkonzerten oder im familiären Rahmen. Der unterlegte Text der 1. Strophe lädt zum Mitsingen ein und garantiert eine stimmungsvolle und besinnliche Advents- und Weihnachtszeit für die ganze Familie!
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