SIMON LAKS (1901-1983), ein polnischer, seit 1926 in Frankreich lebender Komponist jüdischer Abstammung, überlebte Auschwitz zunächst als Mitglied, dann als Leiter des Männerorchesters in Birkenau. Seine ergreifenden Erinnerungen erschienen erstmals 1948, dann 1979 in überarbeiteter Fassung. Laks' Buch, das nüchternen Tatsachenbericht mit philosophischer Reflektion vereint, gehört nicht nur zu den wichtigsten Werken über die Rolle der Musik in der Vernichtungsmaschinerie der musikliebenden Nationalsozialisten - als bewegende Studie über das Verhalten von Menschen in Extremsituationen findet es seine Leserschaft weit über die Grenzen des Fachpublikums hinaus. Die seit längerem vergriffene deutsche Übersetzung von 1998 wird mit dieser durchgesehenen und erweiterten Neuausgabe wieder zugänglich gemacht. Nachworte seines Sohnes, des Philosophen André Laks, und des Musikwissenschaftlers Frank Harders-Wuthenow würdigen Laks nicht nur als einen bedeutenden Zeitzeugen, sondern auch als einen wunderbaren Musiker, dessen Oeuvre zunehmend Beachtung im internationalen Musikleben findet. Eine Begleit-CD mit Neuaufnahmen aus den letzten Jahren und Produktionen aus dem Archiv des Polnischen Rundfunks geben Einblick in das Schaffen eines brillanten, der Ecole de Paris nahestehenden Komponisten, in dessen Werk französischer Esprit mit slawischer Innerlichkeit zu einem originellen und universellen Personalstil verschmelzen - und dem mit seiner einzigen Oper L'Hirondelle inattendue (?Die unerwartete Schwalbe') das Unmögliche gelang, nach Auschwitz eine heitere Oper zu komponieren, ein Hymnus auf die Unsterblichkeit der Musik. / Violon

A Year-By-Year Series For Teachers In Primary Schools. Par TAYLOR DOROTHY. 4-5 ans : c'est le premier livre de la série. Avec guidage abondante pour l'enseignant, il fixe une fondation d'expérience musicale à travers des activités intégrées et un répertoire de chansons et de jeux de chants. Il vise tout au long d'encourager un sentiment pour la musique et de cultiver une oreille attentive sensible./ Méthode / Formation Musicale

Comment amener un enfant à décrypter le rapport existant entre la musique et l?image ? Comment lui faire ressentir le lien entre une ambiance musicale et un sentiment difficilement palpable ? Comment parler concrètement du travail conjoint d?un réalisateur et d?un compositeur ? Comment montrer à la fois un produit fini et l?envers du décor, de sa conception à sa réalisation ? Comment faire pour répondre à toutes ces questions sans tomber dans un exposé théorique et complexe ? Toutes ces questions ont amené Pascal Thiebaux (réalisateur et story-boarder) et Nicolas Berthe (enseignant et compositeur) à réaliser leur propre concept de film pédagogique : la collection `Musique & Cinéma`.

Par SIRON JACQUES. En quelques années d'existence, La Partition intérieure s'est largement imposée dans les domaines du jazz et des musiques improvisées. Chacun s'y retrouvera, selon ses besoins du moment - qu'il soit débutant, improvisateur chevronné, enseignant, critique, musicien curieux, esprit ouvert. - Abondance des matériels, des matières et des manières: Chaque partie approfondit un aspect de l'action (l'improvisation, le son, le rythme, la mélodie, l'harmonie, les formes et la construction du récit, le jeu en orchestre). On y retrouve chaque fois un déroulement progressif : notions de base, pratique habituelle, et enfin démarches plus complexes. - Passerelles: Plusieurs traditions se mêlent : non seulement le jazz et les musiques improvisées actuelles, mais également les musiques classiques, populaires, contemporaines, extra-occidentales. De nombreux points de vue se croisent sans cesse - les matières dialoguent avec les manières, l'action avec la réflexion, la technique avec l'expression personnelle, la précision avec l'inspiration. Le lecteur choisira ses manières de cheminer : creuser un sujet, grappiller selon ses envies, rebondir grâce aux multiples chemins de traverse. - Danse intérieure: L'abondance et les passerelles ne sont là que pour mettre en appétit. Pas question de se substituer à l'essentiel - l'écoute, la mémoire, la sensibilité, la verve intelligente, la fragilité et l'incertitude, la fraîcheur de l'imagination, le plaisir du jeu. La Partition intérieure, en faisant dialoguer action et réflexion, technique et expression, invite le lecteur à élargir ses horizons afin d'éveiller la danse intérieure qui donne vie à toute improvisation. / Méthode en français / Théorie / Théorie Solfège

Mit Wilhelm Furtwängler sehen viele in Bachs kirchlichen Werken, in seiner Gläubigkeit, den höchsten Ausdruck und die geistige Quelle seiner Kunst. Kompositionen für den Gottesdienst sind zum weitaus größten Teil die in diesem Band erläuterten Vokalwerke, die 'Matthäus-' und die 'Johannes-Passion', das 'Weihnachtsoratorium', das 'Magnificat', die Messen und Motetten. Unter den weit über 200 Kantaten aber finden sich viele weltliche, die Bachs musikdramatische Begabung zeigen und bedauern lassen, dass sie sich nie in einer Oper geäußert hat- ein beliebtes Meisterwerk dieser Gattung ist die 'Kaffeekantate' mit dem gewiss selbst für Sachsen erstaunlichen Fazit: 'Ei! wie schmeckt der Coffee süße, lieblicher als tausend Küsse.' / Divers

Si la frontière entre un Concerto Grosso et un Concerto, une Sonate et une Forme-Sonate vous paraît incertaine, si les mots Suite ou Ondes Martenot se perdent dans le flou ou si vous prenez, en toute bonne foi et comme tant d?autres, le cor anglais et le saxophone pour des Cuivres, la solution est précisément entre vos mains: venez donc parcourir sans douleur 1000 ans de musique instrumentale en savourant les 208 extraits commentés qui sont là pour éclairer votre route.

Juste un petit mot de l'auteur :
A travers le Tome 1 et Tome 2 de ce guide d?écoute, je sais que vous avez, cher lecteur, compris à quel point la route avait été longue pour les compositeurs de musique dite « classique », et combien l?arrivée de chaque instrument avait été un facteur d?évolution pour l?écriture musicale en général : on n?écrit pas pour le piano comme pour le clavecin, ni pour la clarinette comme pour le hautbois.

C?est pourquoi, après avoir brossé une fresque générale des différentes époques musicales, tous genres confondus, et exploré en détail le domaine plus étroit de la Musique Vocale Sacrée, la plus ancienne de toutes, il m?a paru logique ?comme il a paru indispensable à plusieurs de mes lecteurs- d?approfondir de la même façon la musique instrumentale pure ; celle qui ne se sert plus du tout de cette voix humaine qui avait tenu pendant des siècles le haut du pavé, et pour cause : la musique vocale, profane ou sacrée, fut pendant plus de 5 siècles la seule à être notée, et donc à nous être parvenue !

Si l?on en croit Nietszche- « sans la Musique, l?Univers serait une erreur », et il est probable que Cro-Magnon a soufflé dans un roseau et frappé sur un tronc d?arbre dès qu?il a su se tenir debout (nous aurons l?occasion d?en reparler). Malheureusement, il ne nous a laissé aucune trace écrite de ses improvisations sauvages ; pas plus d?ailleurs que les Hébreux, les Étrusques, les Égyptiens, les Celtes, les Grecs, les Perses ou les Romains, peuples hautement civilisés pourtant, mais pour qui la musique était un art réservé aux seuls initiés -qu?elle mettait en prise directe avec les force supérieures- et qu?il ne fallait surtout pas vulgariser par une notation quelconque.

Il a même fallu attendre la fin du Moyen Age pour voir enfin apparaître, en Occident, les premières partitions de musique instrumentale pure, morceaux sur lesquels les gens dansaient d?ailleurs gaiement, au lieu de les écouter avec ce recueillement et cette déférence dont nous faisons preuve actuellement envers la musique « ancienne » ! Et le XVIIème siècle pour assister, dans les différentes cours d?Europe, à la naissance des premiers concerts purement instrumentaux que les gens aient écoutés, enfin assis !

Si elle a donc été appréciée relativement tard en Occident, la musique instrumentale a sans conteste connu à partir de l?époque baroque une très grande vogue qui n?a jamais cessé, car elle est intimement liée aux progrès de la technique : j?ai donc tenu, dans ce Tome 3, à clarifier l?organisation interne et l?apparition progressive de ses différentes formes -suite, musique de chambre, symphonie, concerto, ballet, poème symphonique- et surtout à y mettre en lumière le rôle capital joué par l?arrivée, au fil des siècles, de chaque nouvel « outil ».

Ici encore, de nombreuses illustrations sonores - choisies comme toujours après de cruelles hésitations, tant était large l?éventail des possibilités - vous feront mieux appréhender la manière dont les grands maîtres du lointain passé et de notre présent s?y sont pris, à partir de ces simples objets que sont les instruments de musique, pour dialoguer avec l?impalpable et faire vivre le plus abstrait des arts. / Classique / Livre 3 Cds /

40 chanteurs francophones chroniquent le dernier album de 40 chanteurs francophones.


Selon un célèbre journaliste, un bon rock-critique est forcément un bon musicien. Mais un bon musicien peut-il faire un bon rock-critique ? Ce livre regroupe les chroniques inédites d?artistes francophones qui ont bien voulu écrire sur le dernier album d?un collègue chanteur. Le choix du disque de chaque participant ne relève bien évidemment pas du hasard mais permet une vraie immersion entre objectivité et subjectivité dans l?espace de liberté totale que constitue une chronique d?album.

Ce bel objet (la signature manuscrite de chaque artiste est reproduite en bas de sa chronique) présente un intérêt littéraire et musical sans précédent, mais davantage encore : imagine-t-on le Serge Gainsbourg débutant de 1958 chroniquer le dernier album en date d?un Georges Brassens déjà consacré ? Ou Indochine écrire une page entière sur un album du groupe Téléphone à l?aube des années 80 ? Nul doute que ces documents possèderaient une valeur historique, voire sociologique, indéniable dans les bibliothèques.
Chroniques de luxe réalise aujourd?hui le rêve des passionnés de musique et autres lecteurs curieux de cette expérience artistique sans précédent.

Didier Wampas chronique l'album de Johnny Halliday, Antoine l?album « Rouge sang », de Renaud. Quand l?un des groupes majeurs du rock français, Eiffel, chronique le dernier Louise Attaque, la langue s?étourdit d?étincelles, de fulgurances rimbaldiennes. Quand CharlElie Couture se penche sur le dernier Benjamin Biolay, on entend New York respirer derrière lui. Et ce ne sont que quatre exemples parmi 40 autres. On l?aura compris, la chanson francophone dans toute sa diversité est représentée : la nouvelle scène, les rockers, les punks, les metalleux, les artistes révélés par Internet, les figures incontournables, les chanteurs « cultes », etc.

Chaque « artiste-critique » bénéficie d?une note biographique dans le livre. / Variété / Livre /

Amie de longue date avec les membres du groupe Blondie, la photographe les suit en tournée de 1976 à 1980, tandis que le groupe de Debbie Harry devient un véritable phénomène aux Etats-Unis. Rassemblant des images pour la plupart inédites, Roberta Bayley offre un point de vue intime et original sur les premiers pas d'un groupe légendaire. C'est un rêve devenu réalité : un jour, Roberta Bayley a pris un appareil photo, et elle est instantanément devenue la plus importante photographe du punk rock, avec ses clichés séminaux des Ramones, des Heartbreakers, des Sex Pistols, des Damned, etc. Heureusement pour vous, elle a également pris de fantastiques photos de Blondie dans ses premières années. Le résultat est ce livre, aussi bon qu'un laissez-passer pour les coulisses d'un concert de Blondie dans les années 70. - John Homstrom, cofondateur du magazine Punk. Roberta est une merveille : elle met à jour l'âme et l'esprit par la magie exceptionnelle de son regard. - Nick Tosches. C'est un livre vraiment extra. J'adore le regarder J'avais oublié à quel point Debbie avait de belles jambes avant de voir ces photos ! Que Roberta Bayley ait été l'ouvreuse du CBGB's parait symbolique. Si cette scène était le paradis, elle était Saint Pierre. Si c'était l'enfer... Eh bien, il fallait être sacrément méchant pour entrer à l'?il. Roberta restait profondément cool, sensée et rationnelle (même si elle se montrait parfois grincheuse par choix), et elle était la grande influence de ceux qui en avaient le plus. Elle connaissait tout le monde et savait tout... sauf à quel point elle était belle, intelligente et talentueuse. Ce livre en dit tant sur les coulisses qu'il nous emmène au c?ur de la scène ! - Glenn O'Brien.

La biographie incontournable de l'électron libre de la chanson française ! À 15 ans, passionné par le chant, il quitte ses parents pour Paris, et se fraye, seul, un chemin dans la jungle artistique. Il s'essaie d'abord au cinéma. Mais sa célèbre voix finit par le rattraper et c'est dans la chanson qu'il connaît son premier succès, N'importe quoi en 1987. Avec son Perfecto et ses anneaux aux oreilles, il tape dans l'œil du public... et de Vanessa Paradis, avec qui il vit une idylle de plusieurs années. Après un gros passage à vide, ce flambeur casse-cou transforme ses galères en succès et renaît au côté d'Azucena, la femme de sa vie, celle qui l'a sauvé de ses démons. Car l'histoire de Florent Pagny, c'est aussi celle d'une success story assez incroyable, faite de hauts et de bas. Celle d'un homme toujours libre dans sa tête, provocateur mais tendre, râleur mais généreux, artiste mais aussi entrepreneur. Un homme dont les choix de vie ont conquis pour de bon le cœur des Français. Entre enquête et portrait intime, l'auteur livre une biographie captivante nourrie de témoignages inédits, avec pour ses vingt dernières pages une interview exclusive de Florent Pagny. C'est le récit du parcours d'un artiste des plus étonnants, à la fois sédentaire et nomade, toujours en quête de nouveaux voyages musicaux. À bientôt 60 ans – il les fêtera en 2021 - l'enfant de Saône et Loire aurait-il enfin – enfin !- accédé aux rives de la sagesse ?

Par NATTIEZ JEAN-JACQUES. Le monde de l'opéra - ses fidêles et ses critiques - est secoué depuis des décennies par un débat intense autour des enjeux de la mise en scêne lyrique : est-il légitime de qualifier certaines productions d'«infidêles» par rapport aux intentions du créateur? Qu'est-ce qui, au contraire, permet de parler de «fidélité»? L'objectif de ce livre est de tenter de déterminer par rapport à  quels aspects spécifiques de l'univers du créateur et de l'oeuvre, ces jugements ont été construits. L'auteur fonde son argumentation sur quelque deux cents trente productions européennes, américaines et canadiennes, et tout particuliêrement celles d'opéras de Berg, Bizet, Debussy, Haendel, Janà¡Äek, Mozart, Offenbach, Richard Strauss et Wagner. Chez ce dernier, la multiplicité des enjeux politiques, sociaux et idéologiques en fait la pierre de touche de toute mise en scêne lyrique. L'oeuvre de Patrice Chéreau est également au coeur de cette investigation, mais l'auteur en confronte constamment les enjeux avec les productions du Metropolitan Opera de New York, du Glimmerglass Opera Festival de Cooperstown (USA) et des Festivals d'Aix-en-Provence et de Bayreuth. / Broché / Livre / Livres

Line Playing · Voice-Leading · Chromaticism · Bebop Scales
A clear and practical step-by-step approach to chromaticism, line playing and voice leading. The CD contains 23 play-along tracks (most of them played in two tempos), based on standard chord progressions, performed by a professional rhythm section, featuring Renato Chicco on piano, Dave Santoro on bass, and Adam Nussbaum on drums. In addition Jerry demonstrates various exercises and approaches on tenor saxophone. Chord changes are included for C concert, B flat and E flat instruments. Jerry Bergonzi is a highly respected jazz educator/musician who lives and teaches in the Boston area. Over many years his Inside Improvisation system has proven to be tremendously successful.
ISBN 3-89221-049-7

Après avoir parcouru les premiers âges de la batterie jusqu'en son classicisme (Tome I - Des origines aux années Swing) puis analysé la contribution des batteurs à l'aventure tumultueuse de la modernité (Tome II - Les années Bebop : la voie royale et les chemins de traverse), Georges Paczynski consacre le dernier volet de sa trilogie aux pères de la batterie contemporaine que sont Elvin Jones, Tony Williams et Jack DeJohnette. C'est là le parti pris audacieux assumé par l'auteur : au survol de la multitude d'excellents batteurs ayant accompagné les évolutions complexes du jazz depuis 1960, Paczynski a préféré l'analyse détaillée du parcours et de l'oeuvre de ces trois artistes majeurs, sans lesquels cette évolution ne saurait se comprendre ni s'entendre. En effet, aucun batteur d'importance apparu durant les dernières décennies n'a pu totalement échapper à leur influence. Cela est dû, certes, à leurs apports individuels et techniques, mais plus encore à leur position centrale aux côtés des maîtres du jazz dont ils ont accompagné, voire suscité les innovations. Elvin Jones a habité avec passion et luxuriance le quartette légendaire de Coltrane - la décontraction de son geste et sa maîtrise du son furent sans égales, de l'accompagnement attentif aux échappées les plus chaotiques. Incarnation de la précision rythmique absolue, Tony Williams fut le partenaire incontournable des nouvelles conceptions de Miles Davis de 1963 à 1969 avant d'inspirer tous les batteurs du jazz-rock. Jack DeJohnette enfin, également pianiste et leader, représente bien plus dans l'histoire de la batterie de jazz qu'une synthèse réussie de l'art de ses prédécesseurs. Clef de voûte du magistral trio de Keith Jarrett, ce batteur polyvalent dont ' les pieds sont pensés comme des mains supplémentaires ' a croisé la route des musiciens majeurs du jazz depuis les années 1960. L'histoire de ces trois géants de la batterie dont la modernité s'appuie sur une tradition séculaire renvoie le lecteur aux maîtres de la batterie abordés dans les volumes précédents, de Baby Dodds à Roy Haynes, et rencontre la trajectoire de batteurs contemporains incontournables - Paul Motian, Sunny Murray, Peter Erskine sont de ceux-là. Fidèle à la démarche et à la position affirmées dès le début de son monumental ouvrage, le batteur-écrivain Georges Paczynski appuie ses recherches et son érudition sur sa propre expérience musicale. Plus encore, il renvoie passionnément et sans relâche le lecteur à l'écoute indispensable des enregistrements les plus marquants, au moyen de nombreuses transcriptions, analyses et commentaires. / Batterie / Livre

Par ROSENFELD / DESTOURS. Pour enfin tout comprendre du solfêge : clés, portées, notes, timbres, mélodies, mode majeur, mode mineur, tonalité, accords. . . Pour tout connaître des grandes familles d'instruments : vents, cordes, percussions. . . Pour tout savoir de l'histoire de la musique, du VIe siècle à  nos jours, une galerie de portraits des plus grands compositeurs : Bach, Beethoven, Chopin, Debussy, Mozart, Ravel, Schönberg, Schubert, Vivaldi, Wagner. . . Sans oublier Bessie Smith et Miles Davis ! / / Livre / Livres

Avec ' le Lewis Porter ' sur John Coltrane, la bibliographie sur le jazz en langue française s'enrichit d'un titre de référence, unanimement salué outre-Atlantique au moment de sa sortie (1999 aux Presses de l'Université du Michigan). Après L'Improvisation, sa nature et sa pratique dans la musique de Derek Bailey et Free Jazz d'Ekkehard Jost, il s'agit du troisième texte majeur sur le jazz et les musiques improvisées proposé en traduction française originale par la collection Contrepoints. Cette politique éditoriale de traduction répond, dans ces trois cas, à une véritable demande de la part d'un lectorat qui s'élargit depuis plusieurs années en direction des musiciens, étudiants en musicologie ou élèves des écoles de jazz et des conservatoires. Largement attendue par les amateurs comme par les spécialistes, l'édition française de l'ouvrage de Lewis Porter coïncide avec le quarantième anniversaire de la disparition du saxophoniste (1926-1967) couramment identifié comme l'un des derniers maîtres historiques du jazz, voire comme l'ultime dépositaire de sa modernité. Tributaire d'une tradition remontant au Swing puis au Bebop (à travers l'influence de Johnny Hodges puis celle de Charlie Parker), Coltrane n'en est pas moins au coeur du free jazz qu'il a en grande partie inspiré et dont il s'est lui-même nourri en ses dernières années. Le livre comporte de nombreux exemples musicaux et reproductions de documents ainsi qu'une iconographie, pour l'essentiel inédite jusqu'alors. Il est complété par une chronologie de la carrière de Coltrane, la plus détaillée disponible à ce jour, ainsi que d'éléments indispensables de discographie, bibliographie et index. / Divers / Livre

l manquait un ouvrage de référence sur la musique du XXe siècle : Jean-Noël von der Weid comble cette lacune avec une véritable encyclopédie de la création musicale. De Debussy, l'École de Vienne, Varèse, Bartok et Stravinsky aux métissages actuels entre la musique d'art dite savante et le jazz, le rock, le rap, la house music ou les musiques extra-européennes, il décrypte les courants qui ont marqué le siècle (sérialisme, minimalisme, spectralisme, indétermination, complexisme, musiques concrète, acousmatique, électroacoustique, électronique, écologie acoustique...) et offre une généalogie exhaustive de la musique de notre temps. L'auteur étudie en outre les interactions qu'entretient la musique avec l'ensemble des arts - la danse, mais aussi la littérature, le théâtre, la peinture, le cinéma, la vidéo, le multimédia... Cette somme, qui propose une nouvelle manière d'écouter et de penser la musique qui se crée, s'adresse au spécialiste comme au profane : les notions clés, les techniques, les instruments, les centres de création, les instituts et les studios informatiques font l'objet de " zooms " sous forme d'encadrés, les compositeurs et les musiciens, de notices biographiques ; chaque ?uvre est analysée, commentée (une cinquantaine de reproductions d'autographes originaux permettent également de suivre l'évolution de la notation musicale). L'ouvrage, organisé par pays - la France ou l'Allemagne, le Canada ou la Chine, la Serbie ou l'Islande - n'oublie pas le contexte dans lequel s'inscrit cette création foisonnante - les tournants historiques expliquent souvent les mouvements esthétiques. Sa présentation efficace et particulièrement claire, étayée par une discographie sélective, une bibliographie multilingue et un index détaillé de plus de 6 000 entrées, son contenu savant et rigoureux font de La musique du XXe siècle l'outil indispensable au lecteur qui recherche des informations précises. L'ouvrage de Jean-Noël von der Weid offre, pour la première fois, le panorama complet et érudit d'un siècle de création musicale dont l'extraordinaire vitalité irrigue déjà les esthétiques du nouveau millénaire.